이탈리아 스타일의 건축 일러스트레이션 - 이것은 누구의 그림인가요?

이탈리아 아티스트 ANDREAMININI의 디자인 일러스트레이션 아트!

안드레아 미니니(Andrea Minini)는 1979년생 이탈리아 일러스트레이터이자 그래픽 디자이너이다. 2004년 Politecnico di Milano에서 디자인을 전공했습니다. 수많은 블로그, 잡지, 서적 및 미술 전시회에 소개되었습니다.

선의 중첩과 굵기의 배열로 사물의 상징성을 표현한 일러스트는 단순해 보이지만 획 하나하나가 고유한 매력을 갖고 있습니다.

알리에프 문화 센터 C 자하 하디드

*마일로 브리지 C 노먼 포스터*

새 둥지 C 헤르조그 제라드 드 뮤론

시드니 오페라 주택 - Jorn Utzon

Russsian Dominion Office Building C Zaha Hadid

The Louvre Pyramid C I.M. Pei

Singapore Sands Hotel C Safdie

구겐하임 미술관 빌바오 C 프랭크 게리

부르즈 칼리파

마리 기바오 문화센터 C 렌조 피아노

폴링워터 C 프랭크 로이드 라이트

구겐하임 뉴 요크 박물관 C 프랭크 로이드 라이트

안드레아 미니니는 건축물 외에도 동물 일러스트레이션도 제작했는데, 각 동물의 모양은 그 특성을 완벽하게 드러낸다.

안드레아 미니니(Andrea Minini) 일러스트의 매력을 보셨나요?

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참고: 이 기사는 상업적인 목적을 포함하지 않으며 예술 및 문화 교류 및 전파에만 국한됩니다. 그래픽 리소스가 권리를 침해하는 경우 제때에 연락해 주시면 최대한 빨리 처리해 드리겠습니다. 가능한 한. 이것은 누구의 그림인가요?

뒤러의 것.

1. 전기

Albrecht Durer(1471-1528)는 독일의 화가, 판화가, 목판화 디자이너였습니다. 그는 어렸을 때 아버지를 따라 미술을 배웠고, 그림에 남다른 재능을 보였으며, 13세에는 자신의 초상화를 사실적으로 그릴 수 있었다. 다·핀치와 비교할 수 없을 만큼 성숙한 스케치 실력이 울려 퍼졌다. 그 후 그는 화가인 Michael Wolgemut 밑에서 3년 동안 일했습니다. Wagelmut의 대규모 작업장은 Dürer의 대부이자 인쇄업자이자 출판사인 Anton Koberger를 위한 목판화 삽화도 제작했습니다. 당시 이 가장 큰 공장은 뒤러에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그는 어렸을 때 처음으로 구리 기술을 접하게 되었습니다. 이 지속적인 인상은 나중에 판화 예술에 있어 결정적인 역할을 했습니다. 학업을 마친 후 젊은 화가는 작업실에서 나와 라인강을 따라 프랑크푸르트, 쾰른, 바젤 등 독일의 주요 산업 도시를 여행했습니다. 4년간의 여행 연구와 탐구는 화가의 세계관 형성과 예술적 발전에 결정적인 역할을 했다. 23세의 뒤러는 이미 영향력 있는 예술가였으며, 올해 고향의 음악가의 딸인 아글리사 프레즈니(Aglisa Fresny)와 결혼하여 독립하여 보석상과 화가로 활동하기 시작했습니다.

1485년, 독일 교육이 인본주의의 영향으로 개혁이 임박했을 때, 뒤러는 뉘른베르크의 공립 초등학교에 입학했습니다.

그의 가족의 전통에 따르면, 그의 아버지는 아들이 보석 세공인이 되도록 훈련시키기 위해 그의 작업장에서 견습생이 되도록 허락했습니다. 뒤러는 먼저 공방에서 회화 교육을 받고 금새 능숙해졌으며, 이는 그의 예술 활동의 기초가 되었다. 뒤러는 보석 공예에 필요한 장식 미술을 배우기 위해 더 나아가 예술가들의 인물화를 모방하기 시작했고, 또한 그는 Martin Sonnguer 등의 조각품을 모방하여 예술가가 되고 싶은 조건을 만들었습니다. 뒤러는 13세 때 은바늘로 첫 자화상을 새겼고, 그림에 이렇게 적었습니다. "내가 어렸을 때, 1484년에 나는 거울을 보면서 내 모습을 그렸습니다." "처녀. 왕좌 위의 마리아와 천사들'은 두 번째로 초기 작품 중 하나이며, 이 그림은 오늘날까지 보존되어 있습니다.

뒤러는 그림을 배우는 과정에서 인물의 구조와 그림의 규칙에 관심이 많았기 때문에 아버지에게 화가가 되도록 허락해 달라고 부탁했다. 그의 아버지는 아들의 뜻에 따라 아들을 뉘른베르크 근처의 화가 미카엘 바르게모트(Michael Wargemot)의 작업실로 보냈습니다. 계약서에는 그가 3년 동안 견습생이 될 것이라고 명시되어 있었습니다. 뒤러는 스승의 작품을 베끼며 점차 다양한 회화 기법을 익혔고, 자연과 인체, 식물을 연구하기 시작했으며 창작에 도전하기 시작했습니다. 동시에 그는 색의 혼합과 응용에 대해서도 주의 깊게 연구했기 때문에 견습이 끝나면 예술의 규칙에 따라 창작할 수 있었습니다. 23세의 뒤러는 결혼하고 사업을 시작한 후, 집에서 멀지 않은 곳에 정식으로 화실을 차리고 초상화를 그리기 시작했다.

나중에 뒤러는 그의 첫 번째 걸작인 "묵시록"의 목판화 시리즈를 완성했습니다. 이 묵시록은 로마 제국 네로 왕조의 옛 기독교의 신비로운 환상에서 비롯되었습니다. 그는 15세기 말 종말의 도래로 인해 인류가 느꼈던 무력한 공포와 실망을 표현한 불멸의 작품 15권을 제작했다. 당시 독일은 부르주아지와 장인 사이의 투쟁, 농민과 봉건 영주 사이의 투쟁, 굶주림과 착취 사이의 투쟁 속에 있었습니다. 인민의 열정적인 감정은 마침내 수많은 종교적, 정치적, 혁명적 대중 운동으로 발전했습니다. 뒤러는 요한계시록의 환상에 사실적인 이미지를 부여하고 이러한 환상에 우화적인 힘을 부여하고 싶었습니다. 몇몇 그림은 공개적으로 지배 세력을 비판했으며 그의 의견은 모든 사람의 양심에 맡겼습니다.

<묵시록>이 출간된 이후 뒤러는 동시대의 위대한 예술가 중 영광스러운 대열에 꼽혔다. Frederick은 그에게 두 번째 제단을 그리도록 초대했습니다. 1498년 뒤러는 자신의 새로운 인기에 대해 큰 활력과 자신감을 보여주었습니다. 고급스러운 옷을 입고 자화상을 그렸습니다. (마드리드 프라도 미술관에 소장. 1514년 3월 19일 뒤러는 어머니가 죽기 두 달 전의 초상화를 그렸다. 이 목탄화에서 그는 생애에서 가장 생동감 넘치고 감동적인 초상화를 그렸다. 이것이 유일한 초상화이다. 5월 17일 그의 어머니가 세상을 떠났을 때 그는 그림에 "이 사람은 알브레히트 뒤러이다"라고 적었다. 1514년 63세에 기도주간을 열었다. “이것은 그의 어머니에 대한 평생의 존경과 사랑을 보여주는 것입니다.

1490년부터 1507년까지 그는 스위스 바젤을 여행했습니다. 그는 스트라스부르, 베니스 등을 방문했습니다. 그리고 오랫동안 존경했던 조반니 벨리니(Giovanni Bellini)를 방문하여 예술적 지식을 강화하려고 노력했을 뿐만 아니라 수학, 기하학, 라틴어, 고전 문학을 공부하기 시작했습니다. 1512년에는 막시밀리안 황제의 왕실화가가 되었고, 이후 앤트워프, 브뤼셀, 말리안, 쾰른, 미델부르크 등을 여행하며 호평을 받았다. 그는 건강이 악화되었지만 죽을 때까지 계속해서 글을 썼습니다.

당시 독일은 역사상 가장 암울한 시기였습니다. 기근과 전염병(흑사병)이 수많은 사람들의 목숨을 앗아갔고, 이는 사회적 모순을 심화시켰으며, 동시에 이탈리아를 필두로 하는 유럽 국가들은 약한 예술과 심각한 경기 침체로 인해 중도에서 벗어났다. 정치적, 경제적, 문화적 개방과 번영의 시대에 접어들었고, 인본주의의 영광이 유럽 대륙을 밝게 비췄습니다.

독일에만 현대 문화를 소개하고 싶은 재능 있는 청년. 그러나 그의 호기심 많고 의심스러운 눈빛과 그리스도 같은 손가락질은 그가 독일과는 다르다는 것을 보여주었다. 이탈리아 르네상스의 사람 사이의 즐거운 세계관은 네덜란드 르네상스의 세계관과도 다르다. 외부 세계의 완고한 관심은 독일 르네상스가 인간 자신을 쓴 눈으로 바라보게 만들어 인간을 외톨이로 만들 것이다.

르네상스 사람으로서 뒤러는 예술가가 아름다움을 드러내고 표현하기 위해서는 자연을 깊이 관찰하고 우주의 비밀을 발견하려고 노력해야 한다고 믿었습니다. 그는 예술가와 그들의 예술이 미켈란젤로의 도구가 되어야 한다는 반중세적 신념을 주장했지만, 칠로는 인간의 완전성과 부활을 보여주기 위해 다비드상(1501-1504)을 사용한 반면, 뒤러는 동일한 뛰어난 기술을 사용하여 에칭을 만들었습니다. 이 순교자를 기적에 이르게 한 <성 유스타스>(1501)의 장면은 마치 지상낙원과 같다.

그러나 그 기간 동안의 그의 대표 작품은 이전에 제작된 목판화 시리즈인 "Apocalypse"였으며, 내용과 표현 스타일에서 고딕 양식의 교훈적인 작은 초상화가 특징이었습니다.

레오나르도 다빈치처럼 뒤러도 과학적인 사고방식을 갖고 있었기 때문에 수학과 원근법을 연구했고, 원근법과 인체해부학 측면에서 많은 노트와 논문을 썼다. 그는 또한 건축을 공부하고 건축 시스템을 발명했습니다. 뒤러는 또한 미술 이론가이자 "회화 입문"과 "인체 해부학의 원리"의 저자이기도 했습니다. 그는 독일 미술을 고딕 미술의 영향과 제약에서 해방시키고 인문주의 사상을 바탕으로 사실주의 미술의 길로 나아갔습니다. 그는 당시 순진했던 판화 예술을 완벽함의 새로운 단계로 끌어올렸습니다. 그는 당시 종교개혁운동을 지지했고, 농민전쟁에 공감하기도 했다. 그는 한때 종교개혁운동의 지도자였던 마르틴 루터의 팜플렛에 삽화를 그리는 일에 앞장섰고, 2007년 12월 1일에 〈마틴 루터〉의 디자인으로 창작의 길을 마감했다. 농민 전쟁 기념비.

그의 동식물 스케치의 정확성은 레오나르도 다빈치가 남긴 스케치와 비교할 수 있지만, 동시에 그는 <묵시록>에 기록된 다양한 괴물의 존재에 대해 의심의 여지가 없다. 따라서 뒤러는 화가일 뿐만 아니라 수학자, 기계공, 건축가이기도 했다.

그는 평생 동안 계속해서 여행을 다녔다. 그의 넓은 발자취와 시야는 당시 누구와도 비교할 수 없을 만큼 넓었지만, 늘 농부 같은 무지함과 편협함을 간직하고 있었다. 그는 이성과 지식이 사람을 고귀한 존재로 만들 것이라고 믿었지만 인간의 불완전성에 대해서도 깊은 인식을 갖고 있었습니다.

그는 중세 장인 가문에서 태어나 예술가의 지위가 가장 낮은 나라에서 살았지만 당시 유럽에서 가장 독립적이고 자랑스러운 예술가가 됐다. '자화상의 아버지'로 불리는 그는 유럽 최초로 자신의 외모와 정체성에 매료되어 렘브란트의 전신이 됐다. 그는 예술이 자신을 불멸로 만들 것이라는 사실을 어느 정도 깨달았지만, 평생 죽음에 접근한다는 생각에 쫓기며 몸의 소멸로 인한 두려움을 떨쳐버리지 못한다. 예술적 스타일 측면에서 볼 때, 그는 이탈리아 르네상스 예술의 추구자이자 보급자였지만 그가 몰입한 독일 전통 덕분에 그의 예술은 중세 고딕 유산을 약간 유지하는 동시에 놀랍게도 가장 먼저 쇼를 선보였습니다. 일부 바로크 양식의 특징.

뒤러의 작품에는 목판화와 기타 판화, 회화, 스케치, 드로잉이 포함됩니다. 그의 작품 중 판화의 영향력이 가장 크다. 그는 최고의 목판화 및 에칭 예술가 중 한 명이었습니다. 주요 작품으로는 <계시록>, <그리스도의 위대한 수난>, <작은 수난>, <남자 화장실>, <바다 괴물>, <리버틴>, <위대한 운명>, <아담과 이브>, <아담과 이브> 등이 있다. 기사, 죽음'과 악마' 등. 그의 수채화 풍경화는 그의 가장 위대한 업적 중 하나이며, 이 작품의 분위기와 감정은 매우 생생합니다.

1523년 말, 뒤러는 자신의 삶을 회고했을 뿐만 아니라 자신의 부모와 17명의 형제자매, 그리고 자신의 삶의 경험을 서술하기 시작했습니다. 당시 그의 형제 중 한 명만 살아 남았습니다.

1525년 뒤러의 중요한 작품인 "측정 기술 강의"가 출판되었습니다. 그리하여 그는 르네상스 시대의 일류 미술 이론가 중 한 사람이 되었다. 1526년은 뒤러가 그의 가장 위대한 걸작이 된 "이스마스 판 로테르담"과 같은 뛰어난 초상화를 그린 해였습니다.

1527년 추의 두 번째 과학 저작인 '요새화의 원리'가 출판되었습니다. 1928년에는 27년간의 인체해부학 연구의 정점인 『인체해부학의 원리』가 완성되었다. 불행히도 그는 이 작품의 큰 영향을 보지 못했습니다. 57세의 뒤러는 네덜란드에서 돌아온 후 체력이 약해졌고 반복되는 질병에 시달렸습니다. 이 뛰어난 문화적 스타는 1528년 4월 6일 갑자기 사망했습니다. 비잔틴 예술에는 무엇이 포함됩니까?

비잔틴 미술 비잔틴 미술(Byzantine Art)은 5세기경부터 15세기 중반까지 동로마제국에서 발달한 예술적 스타일과 기법이다. 그것은 그리스와 로마의 고전 예술과 이후 서유럽 예술 사이의 연결 고리가 되었습니다. 비잔틴 미술은 고전 미술의 자연주의와 동양 미술의 추상적인 장식적 특성을 혼합했습니다. 초기 기독교 예술과 비잔틴 예술 사이에는 명확한 구분선이 없습니다. 콘스탄티노플이 수도가 된 330년부터 약 500년까지의 초기 시작 시기를 비잔틴 이전 시대라고 부른다. 비잔틴 예술의 첫 번째 황금시대는 유스티니아누스 1세(527-65)의 통치로 이어졌습니다. 8세기와 9세기에 성상 숭배에 반대하는 성상 파괴파(Iconoclasts)로 알려진 분쟁으로 인해 많은 그림과 조각품이 파괴되었습니다. 843년 성상 파괴가 끝나자 성스러운 인물에 대한 묘사가 다시 장려되었습니다. 9세기부터 12세기까지 지속된 비잔틴 예술의 두 번째 황금기는 황실 예술에 사실주의를, 종교 예술에 신비주의를 도입했습니다. 비잔틴 예술의 마지막 영광은 13세기부터 15세기 중반까지의 팔레올리안 왕조 시대에 일어났습니다. 이는 비잔틴 부흥으로 알려져 있습니다. 후기 단계의 종교 예술은 더 많은 감정과 자연주의를 표현했습니다. 이 스타일은 4세기부터 15세기까지 비잔틴 제국(즉, 동로마 제국)과 콘스탄티노플(즉, 고대 그리스 도시 비잔티움)을 중심으로 한 기독교 교회의 공식 미술을 특징으로 합니다. 그 이념적 내용은 황제를 숭배하고 기독교 신학을 장려하는 것으로 귀족계급의 통치를 공고히 하는 데 이바지한다.

그 스타일은 후기 로마 예술 형식과 소아시아, 시리아, 이집트를 중심으로 한 동양 예술 형식이 결합되어 동양적인 색채가 강한 것이 특징입니다. 예를 들어 아야소피아 대성당의 중앙 돔형 구조와 내부의 화려한 장식은 정치와 종교의 통합이라는 정신적 통치의 권위를 반영한다. 그는 기독교 도상학 체계의 확립과 활용, 기독교 선전을 위한 옛 형식의 변용에 큰 업적을 남겼으며, 교회 건축, 성상화, 모자이크, 벽화, 세밀화 등의 양식 창조에도 큰 업적을 남겼습니다. 예술과 공예. 교회의 속박 때문입니다. 비잔틴 예술의 후기 스타일은 형식적이고 개념적인 경향이 있습니다. 그것은 중세 유럽 국가, 특히 정교회 국가의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 1453년 이슬람 투르크족이 콘스탄티노플을 점령한 후 비잔틴 예술의 역사는 끝났지만 그 형태는 여전히 정교회에서 사용되었습니다. 성숙한 비잔틴 양식은 초기 기독교 예술의 후기 고전 양식의 양식화 및 표준화 경향에서 발전했으며, 형태가 아닌 선과 평면 페인트 색상의 역동성을 기반으로 했습니다. 캐릭터의 개별적인 특성은 억제되고 정형화된 얼굴로 대체되며, 체형은 평면적이며, 옷의 주름은 소용돌이치는 선 패턴으로 처리된다. 전체적인 그림은 영혼이 육체를 초월하는 듯한 느낌을 주고, 인물의 입체적인 표현은 선의 힘과 색채의 밝기를 통해 표현되는 영적인 힘으로 대체된다. 인물들은 엄격한 정면 자세와 비잔틴적인 얼굴 모양, 큰 눈과 날카로운 눈빛, 전형적인 황금색 배경을 가지고 있습니다. 이러한 배경은 고립된 인물의 이미지를 벽과 관객 사이의 공간 어딘가에 매달려 있는 것처럼 보이게 한다. 비잔틴 제국은 조각품을 거의 생산하지 않았습니다. 가장 일반적인 작은 상아 부조는 책 표지, 성물함 등에 사용됩니다. 콘스탄티노플의 상류층 사이에서는 다양한 소형 예술 작품, 자수, 금 제품 및 유약도 인기가 있었습니다. 비록 사본의 장식 그림은 거대한 그림과 모자이크의 심오하고 감동적인 효과를 얻지 못했지만 유럽에 비잔틴 양식과 아이콘 그림을 전파하는 데 중요한 역할을 했습니다. 이 섹션 편집: 성능 측면에서 비잔틴 건축은 로마 건축 기술을 계승했습니다. 초기 단계에는 두 가지 형태의 교회, 즉 바실리카, 직사각형 교회, 그리스 십자가 모양의 돔형 교회가 있었습니다. 비잔티움은 정사각형 영역 위에 돔을 배치하기 위해 삼각형의 정점을 사용한 최초의 지역 중 하나였습니다. 첫 번째 황금시대에 건축된 하기아 소피아는 비잔틴 건축의 뛰어난 예입니다. 두 번째 황금시대에는 거의 모든 교회가 계획상 그리스 십자가 모양이었습니다. 최초의 비잔틴 건물은 거대한 돔과 둥근 천장이 있는 이탈리아 대성당의 평면도를 모델로 했습니다. 그러나 구조나 시각적 효과 측면에서 돔과 그 아래 벽의 기둥 사이에는 불일치가 있습니다. 따라서 10세기에 대부분 지역의 건물은 교차점에 돔이 있고 팔이 중심에 있는 4개의 동일한 아치형 팔로 구성된 방사형 디자인으로 전환되었습니다. 이러한 종류의 중앙 및 방사형 디자인은 동방 교회 계층 구조의 우주론과 매우 일치합니다. 이 우주론은 교회 아이콘 장식 디자인, 벽화 또는 모자이크에서 명확하게 볼 수 있습니다. 그들은 교회의 돔, 벽 및 둥근 천장을 덮고 있으며 건축과 회화의 표현 언어를 완전히 통합합니다. 이러한 종류의 아이콘 디자인은 또한 일종의 예배식을 반영합니다. 그리스도와 성모님의 삶을 이야기하는 장면은 설교와 영감의 필요를 충족시키기 위해 서구 교회에서처럼 줄거리 전개 순서대로 벽에 배치되지 않습니다. . 명절의 의미에 따라 선택하고 신학적인 의미에 따라 배치합니다. 이러한 모자이크와 프레스코화의 스타일은 그것이 신과 신의 이미지를 표현하는 정적인 상징일 뿐이라는 사실을 반영합니다. 비잔틴 예술 모자이크 일러스트레이션 비잔틴 장인들은 모자이크 예술을 새로운 차원으로 발전시켰습니다. 컬러 유리관과 금색 배경이 반짝이는 밝은 색상 효과를 만들어냅니다. 모자이크는 교회의 벽과 천장을 장식하여 하나님과 왕을 아름답게 꾸몄습니다. 첫 번째 황금시대의 최고의 모자이크 작품은 이탈리아 라벤나에 있는 산 비탈레 교회입니다. 두 번째 황금시대에는 교회 장식에서 차분한 삽화(기독교 주제의 배열)가 개발되었습니다. 중앙 돔은 전능하신 하나님(예수님은 만물의 주인이십니다.), 돔은 전도자, 돔 뒤쪽은 동정녀입니다. 후기 비잔틴 프레스코화가 값비싼 모자이크를 대체했을 때에도 이 정교한 그림은 그대로 남아 있었습니다. 삽화가 들어간 원고는 종종 모자이크를 모방하는 경우가 많은데, 그 이유는 많은 삽화가 금색이나 파란색 배경을 가지고 있기 때문입니다. 아이콘으로 알려진 작은 패널 그림은 종종 매우 장식적이고 공식적인 장면에 성모 마리아와 아기 예수를 배치합니다. 조각과 장식품 비잔틴 제국은 기념비적인 조각품을 거의 생산하지 않았습니다. 초창기에 초상화를 조각한 경우도 있으나 주로 제단 활동이나 보석함 등의 포장에 사용된 상아판 조각에 중점을 두었다. 은제품, 보석류, 실크와 리넨 직물은 비잔틴 궁정의 웅장함과 화려함을 반영합니다. 비잔틴 장인들은 칠보 유약 기술을 극한까지 끌어 올렸습니다.