발레는 어느 나라에서 기원하고, 어느 나라에서 번영하고, 어느 나라에서 흥성하여 세계로 나아가는가?

발레는 이탈리아에서 시작되어 프랑스에서 흥성했다. "ballet" 이라는 단어는 원래 프랑스어 단어 "ballet" 의 음역이었다.

발레

, "점프" 또는 "춤" 을 의미합니다.

발레는 고대 라틴어 발로에서 유래했다. 처음에 이 단어는 단지 춤을 추거나 공공장소에서 춤을 추는 것을 의미했을 뿐, 연극 공연의 뜻은 없었다.

발레의 역사는 유럽 르네상스 전성기의 이탈리아 대궁과 프랑스 남부 버겐디의 궁정으로 거슬러 올라간다. 결혼하거나 외국 원수나 다른 주요 축제를 만날 때마다 이런 춤을 연출하여 축원을 표현하거나 재미를 더한다.

발레 성장사 첫 발레극' 여왕 코미디 발레' 가 158 1 에서 상연됐다. 로레인의 마가렛 미스 (Margaret Mies) 와 반실 공작 야오유시 (Duke Yao Yousi) 가 결혼했을 때, 이 발레극의 음악은 여전히 남아 있어 가장 오래된 발레 음악이라고 할 수 있다.

번영하다

발레는 루이 14 시대 (1643- 17 15) 에 최고조에 달했다. 루이 14 세 본인은 발레 공연을 좋아하는 걸출한 무용가이다. 166 1 년, 루이 14 세는 역사상 최초의 무용학교인 프랑스 왕립무용학원을 설립하여 무용을 전문적으로 가르쳤다. 이 학교는 현재 파리 오페라 하우스에 속한다. 1700 년 이곳에서 팔다리 행동의 다섯 가지 자세와 지금까지의 멋진 발레 자세를 확립했다.

발레 음악의 아버지 차이코프스키

왕실 무용의 거장인 Beauchamp, Cambefort, Lully 의 대대적인 옹호로 프랑스 발레의 문화와 음악적 중요성이 크게 높아졌다. 그래서 발레는 많은 새로운 궁정 무용의 기원이 되었습니다. 가비트, 파스피드, 보리, 리고덴 등. 이 춤들 중에서 가장 중요한 것은 작은 발걸음이다. 1653 년 이루는 프랑스 궁정의 발레 활동에 참가하기 시작하면서 높은 수준에 이르렀다. 당시 그는 모리애와 합작하여 희극과 발레의 혼합체인 희극 발레극을 만들고 있었다.

16 1 년, 프랑스 왕 루이 14 세는 파리에 세계 최초의 왕실 무용학교를 설립하라고 명령했고, 발레를 위해 5 개의 기본 발과 7 개의 손을 확립하여 발레에 완벽한 동작과 체계를 갖추게 했다.

1760 에서 개봉한' Le Bourgeois Gentilhomme' 은 이런 무용극의 가장 유명한 대표작이라고 할 수 있다. 여리는 발레를 그의 노래 대회에 적용했고, 그의 후임자 캠프라와 라모도 마찬가지였다.

특히 모라의 작품은 멕시코, 건강, 중국 등 외국 정서를 동화시켜 더욱 익살스러워 보인다. 이것은 당연히 그의 성격과 풍경과 관련이 있다. 영국은 또한' 가면' 이라는 비범한 발레극을 창작했다. 17 세기 후반에 비엔나는 발레 공연의 중심이 되었다. 그러나 당시 유럽 발레는 전통과 혁신, 가혹함과 서정, 순무와 문제춤, 발레와 현대춤에 대한 논란 속에 있었다. 20 세기의 오늘날, 이러한 매력적이지 않은 생각들은 어느 정도 그 결과를 가지고 있으며, 때로는 끊임없이 논쟁을 당하기도 한다.

1789 부터' 감금할 수 없는 딸' 등 조기 (전 로맨틱 시제라고도 함) 가 등장했다.

발레

발레의 대표작. 19 세기 발레사의 황금시대' 낭만발레' 가 파리에서 선보여 선녀 (1832), 지젤 (184/Kloc) 이 나타났다 장소와 관중의 관람각의 변화는 무용 기법과 미관의 변화를 불러일으켰고, 배우의 자세도 점점 개방되면서 발의 다섯 가지 기본 위치를 공식적으로 확정하고 발레 기술 발전의 기초가 되었다. 프로 발레리나가 생겨났고, 점차 귀족 아마추어 배우를 대신했다. 전문 발레리나도 무대에 올라 공연하기 시작했고, 무용 기술이 급속히 발전하였다. 발레 공연은 점차 오락을 즐기는 사회활동에서 연극 공연 예술로 바뀌는데, 이 시기의 발레는 오페라에 속하고 궁중 작곡가 J.B. 로리는 오페라에 발레 장면을 추가했는데, 실제로는 일련의 무용공연이었지만 줄거리는 중요하지 않은 것 같아 발레나 발레 오페라라고 불린다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라) 이 상황은 18 세기 중엽까지 계속되었다. 소설, 18 세기의 발레 마스터는 발레 역사상 가장 영향력 있는 무용혁신가이다. 그는 1760 이 출간한' 춤과 무용극 속보' 에서 처음으로' 극발레' 라는 관점을 제시했다. 춤은 신체기술일 뿐만 아니라 연극 표현과 사상 교류의 도구라는 점을 강조했다. 소설의 이론은 발레 혁신의 물결을 촉진시켰다. 그와 많은 배우, 감독의 끊임없는 노력으로 발레는 내용, 제재, 음악, 무용 기법, 의상 등에 대한 일련의 개혁을 진행했다. 이러한 개혁들은 결국 발레를 오페라에서 분리하여 독립된 연극 예술을 형성하였다.

오우양 그림' 백조의 호숫가에 있는 발레리나'

발레 발전사에서 두 가지 주요 미학 관점이 줄곧 작용하고 있다. 발레는' 순수한 춤' 이라는 견해가 있다. 16 세기 이탈리아 무용교사, 여왕 코미디' 발레' 감독 Beaujoyeulx 는 발레를' 몇 사람이 함께 춤을 추는 기하학 조합' 이라고 생각한다. 이런 관점은 발레의 형식미에 전적으로 초점을 맞추고, 발레의 내용이나 줄거리를 거의 완전히 무시하며, 종종 단순히 뛰어난 화려한 기교를 추구하게 된다. 18 세기 중엽 이전에 이런 관점은 발레 창작에서 주도적인 지위를 차지하였다. 또 다른 관점은 발레가 일종의' 극적인 춤' 이라고 강조하는데, 소설의' 줄거리발레' 이론이 가장 집중적으로 이 관점을 대표한다. 그는 한 발레 작품에서 이 두 가지 주요 관점이 오늘날에도 여전히 유효하다고 생각한다. 많은 감독은 극적이거나 위선적인 발레 작품을 창작하는데 힘쓰고 있으며, 또 어떤 감독은 비정한 발레에 열중하고 형식미를 중시한다. 두 작품 중 우수한 극목은 모두 관객들이 감상하며, 늘 보존극으로 상연된다. 20 세기 이래 각종 문학사조가 발레 창작에 미치는 영향이 점점 더 뚜렷해지면서, 많은 풍격이 각기 다른 작품들이 나타났다.

발레

안무는 발레 작품을 창작하는 핵심 인물이다. 그는 문학 대본 (또는 이야기, 시, 음악 작품) 에 따라 발레 구조나 춤 구조를 구상한 후 배우가 다시 구현합니다. 안무와 배우 모두 발레 언어 (또는 발레 어휘)-발레 기술 기교와 발레 언어를 이용하여 특정 내용이나 감정을 표현할 수 있는 능력을 익혀야 한다. 감독은 자신이 잘하는 것과 표현할 수 없는 것을 알아야 한다. 한편, 배우는 잘 훈련되어 안무의 생각을 적응하고 창조적으로 표현해야 한다. 이러한 기본 조건을 갖추어야만 발레 창작을 진행하고 완성할 수 있다. 발레의 구조는 독무, 2 인전, 3 인무, 4 인무, 군무 등이다. 고전 무용, 개성춤 (무대 민족춤, 민간춤), 현대무용 등. 위의 형식에 따라 다막발레 (예:' 백조의 호수'), 단막발레 (예:' 선녀'), 발레 소품 (예: 발레극의 이런 구조 형식은 19 세기 후반에 고도로 규범화되고 스타일화되어 발레 발전에 영향을 미치고 제약했다 20 세기 감독이 창작한 대량의 발레 작품들 가운데 이러한 규범과 절차가 크게 돌파되어 새로운 탐구와 창작이 끊이지 않고 있다.

전 소련의 키로프 발레단과 모스크바 극장 발레단, 미국의 뉴욕시 발레단과 미국 발레 극장, 영국의 로열 발레단, 프랑스의 파리 오페라하우스 발레단과 덴마크 로열 발레단 등 세계적으로 인정받고 있는 7 개 클래식 발레단이 있다. 당대 발레는 유례없는 보급과 번영을 보였다. 대표인물과 집단은 체코의 지미 키리안 (1947-), 그의 네덜란드 무용극장, 미국의 윌리엄? 포세이트 (1949-) 와 그의 독일 공훈단 프랑크푸르트 발레단.