이 연극을 누가 압니까?

복합적인 예술이다. 두 가지 의미가 있다. 협의적으로는 고대 그리스의 비극과 희극을 시작으로 먼저 유럽 국가에서 발전한 다음 전 세계적으로 널리 유행하는 무대 공연 형식을 가리킨다. 영어는 drama, 중국은 drama 라고 합니다. 넓은 의미에서 동양의 일부 국가와 민족의 전통 무대 공연 (예: 중국의 희곡, 일본의 가부키, 인도의 고전 연극, 한국의 가창극 등) 도 포함되어 있다.

연극은 인류 문화의 한 구성 요소로서 다른 문화 요소와 밀접한 관련이 있다. 유럽 연극이든 동양의 일부 국가의 민족 연극이든 고대의 제사 가무로 거슬러 올라갈 수 있다.

유럽 연극은 고대 그리스 제사식에서 유래한 가무 공연에서 기원했다. 기원전 6 세기 말까지 아리온은 춘제식에서' 디오니소스 송송' 을 공연할 때 즉흥적으로 시를 지어 송 대장이 제기한 질문에 답했다. 테스페스는' 디오니소스 송송' 의 가무에 배우를 한 명 더 추가했고, 그는 번갈아 가며 몇 가지 역할을 맡아 송대장과 대화를 나누는데, 이는 최초의 연극 요인으로 여겨진다. 고대 그리스 비극의 창시자인 에스쿠로스는 배우를 두 개로 늘려 가무 서사의 요소를 점차 줄이고 연극의 요소를 증가시켰으며, 연극은 독립된 예술 스타일로 여기에 형성되었다. 고대 그리스에서는 겨울에 명절을 거행할 때 사람들이 새와 짐승으로 분장하여 카니발에서 퍼레이드를 하며' 카니발 팀의 노래' 라고 불렸다. 기원전 6 세기까지 그리스에서 일종의 희극으로 발전하여 원시 희극으로 여겨졌다. 기원전 487 년에 아테네의 제사식에서 희극이 정식으로 상연되었다. 당시 배우가 세 명뿐이었고, 후렴구의 역할도 비극에서 그렇게 중요하지 않았다. 고대 그리스 희극의 발전에서 합창의 역할은 점점 작아지고 있다.

동양 민족 드라마의 기원은 유럽 연극보다 늦다. 인도에서는 기원전 1 세기 전 민간 영신 운동회의 공연이 민족 연극의 씨앗으로 여겨진다. 2 세기까지 첫 번째 연극 이론 저작' 무용 이론' 의 출현은 연극 예술의 성숙의 상징으로 여겨졌다 .. 중국 전통 희곡 예술의 혈연은 가무 요술 등 많은 원소로 거슬러 올라갈 수 있다. 당대에 이르러 고대의 가무는 이미 작은 가무극으로 발전했고, 진주의 멋진 공연은 이미 군극으로 발전했다. 일반적으로 중국 희곡이 완전하고 독립된 예술스타일로 발전한 상징은 12 세기의 송대 영가잡극, 일명 남극으로 여겨진다. 일본에서는 고대인들이 가면을 쓰고 신이나 악마로 분장하여 풍작과 번식을 기도했다. 어떤 사람들은 이런 원시 예술을 민족 연극의 배아로 여긴다. 약 12 세기에 형성된 유인악은 곡예와 가무를 증가시켰다. 중세 말기에 창립된 능약과 광연은 강렬한 제사 성격을 가지고 있다. 16 연말에 시작된 가부키는 17 중기에 가무와 대화가 결합된 대형 고전극으로 발전했다.

연극은 노래와 춤과 관련이 있다. 유럽 연극의 형성과 발전 과정에서 가무 원소는 점차 줄어들어 몸짓과 대화를 기본 수단으로 하는 연극 형식으로 발전했다. 동양 민족 드라마의 형성과 발전에서 연극 원소는 점차 강화되고 있지만, 대량의 가무 원소를 보존하여 서정적이고 극적인 예술적 특색을 형성하였다. 동서양 연극의 이런 차이는 인류 연극 문화의 두 가지를 구성한다.

서양 드라마의 발전은 고대 그리스에서 기원했다. 서구 연극사는 고대 그리스 로마 연극, 중세 연극, 르네상스 연극, 고전주의 연극, 계몽주의 연극, 19 세기 연극, 현대 연극, 현대 연극으로 나눌 수 있다. 어떤 역사 시대에는 다른 풍격에 따라 많은 유파를 나눌 수 있다.

고대 그리스 연극은 인류 연극의 어린 시절이자 첫 번영기로 많은 비극과 희극이 전해 내려왔다. 유명한 비극 작가로는 에스쿠로스, 소포클레스, 오리페데스가 있다. 유명한 코미디 작가로는 아리스토펜과 미남드가 있다. 고대 로마에서는 연극 창작과 공연도 매우 번영했다. 주요 극작가는 프라우투스와 테렌스이다.

유럽 중세는 봉건독재의 역사시기이며, 연극 창작과 공연의 기본 내용은 종교 관념과 도덕 설교를 선전하는 것이다. 이 가운데 교회식에서 시를 부르며 발전한 종교극은 교리를 홍보하는 것을 목적으로 한다. 종교극의 변종은 기적극으로, 각종 전설적인 줄거리에 종교와 도덕의 선전이 스며들고 있다. 그것의 또 다른 변종은 예수 성도 전설에 근거한 신비한 연극이다. 도덕극의 주된 목적은 추상적인 도덕 설교에서 사회도덕에 대한 비판으로 옮겨가는 것이다. 이런 도덕극은 넓은 국가와 오랜 시간 동안 유행한다. 만화는 세속생활과 신랄한 사회 풍자가 특징이다. 바보극도 풍자로 유명하다. 민간극에서 발전한 후 도시로 유입된다. 이 역사시기는 매우 길지만, 남긴 좋은 작품은 이미 매우 적다.

유럽 14 ~ 16 세기는 인류 문화 발전사의 중요한 시기이다. 이탈리아에서 시작된 강력한 휴머니즘 운동이 유럽 각국을 빠르게 휩쓸었다. 봉건독재, 교회 권위, 금욕주의에 반대하는 역사적 요구에서 출발하여, 인간의 가치를 긍정하고, 인간의 이성과 지혜를 찬양하며, 세속적 행복과 개인의 자유에 대한 추구를 제창한다. 인문주의 운동은 문학예술의 높은 발전을 촉진시켰고 연극사에서 두 번째 번영기를 형성했다. 이 시기의 유럽 연극은 영국과 스페인을 위주로 하며, 주요 극작가는 C. 말로우, W. 셰익스피어, B. 존슨, L. 드 루에다 (약 1505 ~ 1565 그중 셰익스피어의 많은 연극은 모두 세계 연극의 보고중의 보물이다.

17 세기까지 유럽 연극은 고전주의 시대로 접어들었다. 당시 프랑스는 통일된 등급군주제 국가였으며, 고도의 중앙집권에는 문학예술이 필요했다. 이런 정치 환경에서 발전한 프랑스 연극은 고전주의의 깃발이 되었다. 동시에 유럽 르네상스 시대의 휴머니즘 사조도 고전 극작가에게 깊은 영향을 미쳤다. 고전 연극은 이성과 인간성의 표현을 강조한다. 비극과 희극은 엄격한 경계가 있어서 혼동해서는 안 된다. 그것은 언어의 간결함과 우아함을 강조하는 세 가지 통일된 구조 모델을 제시했다. 이 시기의 주요 극작가는 고나이, 모리애, 라신 등이다.

18 세기 유럽 계몽 운동 기간 동안 연극 예술은 프랑스, 독일, 이탈리아, 영국에서 발전했다. 프랑스에서는 계몽운동의 지도자인 디드로가 역사적 요구에 따라 시민연극과 진지한 희극을 건립하는 강령을 제시했고 극작가 보마샤는 이런 새로운 연극에 대한 실천 패러다임을 제공했다. 독일에서는 G.E. 레싱이 국가연극의 창시자가 되었고, 70 년대에 러쉬 운동으로 위대한 극작가 J.W. Feng. 괴테와 J.C.F 실러가 생겨났다. 영국 계몽 연극의 성과는 르네상스 시대의 휘황찬란함과는 거리가 멀고, 도덕적 비판과 선전으로 많은 연극이 설교의 맛을 띠게 되었다. 희극작가 H 필딘 (1707 ~ 1754), O 골드스미스, r·b· 셰리단이 대표다. 이탈리아에서 오랫동안 유행했던 즉흥 코미디 전통은 계몽적인 극작가 C 골도니 (C. goldoni) 를 만들어 냈는데, 그의 희극은 후세에 큰 영향을 미쳤다.

19 세기에 유럽 연극은 낭만주의 연극과 현실주의 연극의 두 가지 주요 유파로 나뉜다. 낭만주의 연극은 주관적인 내면생활과 창작의 자유를 강조한다. 대표 작가는 프랑스의 v 우고, a 드 위니 (1797 ~ 1863), a 드 모사이, 다중마, 독일의 h; 19 의 30 년대 이후 발전한 현실주의 연극은 객관과 디테일의 진실에 더 많은 관심을 기울이고 있다. 그것은 완전한 사람의 재생산을 강조하고, 사람의 개성적 특징을 중시한다. 유럽에서 현실주의 극작가로는 노르웨이의 이브슨, 프랑스의 중마, 영국의 쇼버나와 존 골스와이, 러시아의 니콜라 고고리, 오스트로프스키, 톨스토이, 체호프, 골키가 있다. 현실주의 연극과 밀접한 관련이 있는 것은 자연주의 연극이다. 이 유파의 창작 원칙은 현실주의와 비슷하지만, 실험적인 방법으로 사람의 정신생활을 연구하고 표현하고 생리와 병리 관점에서 인간의 본능을 탐구하는 것을 더욱 강조한다. 프랑스의 좌라는 자연주의 소설과 연극의 주창자이며, 독일의 하우푸트만과 스웨덴의 스털링버그도 그의 영향을 받았다.

19 가 끝난 후 세계 연극은 수많은 유파가 서로 경쟁하고 흡수되는 국면을 보였다. 이 역사시대의 서방 연극은 제 2 차 세계대전을 경계로 현대와 현대로 나눌 수도 있고, 통칭하여 현대극이라고 부를 수도 있다. 19 세기의 현실주의 연극은 새로운 역사시대에 계승되고 발전하여 스타일이 점점 다양해지고 있다. 이 유파에 속한 극작가는 주로 아일랜드의 A 그레고리 부인, 독일의 F 울프와 B 블레히트, 이탈리아의 L 피란델로, 스위스의 F 두렌마트가 있다. 이 단계에서 미극은 다른 사람을 따라잡는 추세가 있다. 미국 현대연극의 아버지로 꼽히는 오닐은 많은 현실주의 연극과 다른 유파에 속한 작품을 창작했다. 다른 현실주의 극작가로는 C 오드즈, L 헤르만, A 밀러, T 윌리엄스, W 잉거 (1913 ~1 현실주의 드라마와 공존하는 것은 상징주의, 표현주의, 미래주의, 초현실주의, 실존주의, 황당주의 등 많은 새로운 유파이며, 통칭하여 현대주의 드라마라고 할 수 있다. 이 새로운 유파의 탄생은 깊은 사회적 원인을 가지고 있으며 현대 철학과 심리학의 영향을 받는다. 심미사조의 산물로서, 그것들은 동질성과 각자의 독특한 견해를 가지고 있다. 대부분 현실주의 드라마의 부정적인 이미지로 등장해 현실주의 연극에 큰 영향을 미친다. 상징주의 연극은 벨기에의 메틀린크를 대표했고, 아일랜드의 신격도 이 유파에 속한다. 표현주의 극작가는 주로 독일의 G 케이저, E 톨러, 체코의 K 카페크, 오닐과 브레히트와 같은 이들 역시 이 유파를 사랑하게 되었다. 미래파 연극은 이탈리아인 F.T. 마리네티 (1876 ~ 1944) 가 창시한 작품수는 많지만 가치는 크지 않다. 초현실주의 드라마의 발원지는 프랑스이고, 주요 극작가는 G 아폴리넬과 J 코크도이다. 실존주의 연극의 주요 작가 J.-P. 사트와 A. 카뮤는 모두 실존주의 철학자이며, 그들의 창작도 이 철학적 관념의 영향을 받는다. 황당파 연극은 1950-60 년대 유럽과 미국에서 성행하였다. 주요 극작가는 아일랜드인 S. 베켓, 프랑스인 E. 유니스쿠, 영국인 H. 핀트와 미국인 E. 알비입니다.

동양연극의 발전, 동양국가의 민족극은 이런 역사적 단계에 포함되기 어렵지만, 서양연극의 도입은 근대적인 일이다. (알버트 아인슈타인, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언)

일본에서는 17 세기에 성숙된 가부키가 가장 완벽한 국가 연극 형식이다. 메이지 초기의 연극 개혁은 가부키 개량으로 시작되었고, 개혁 후의 연극 스타일은 신파라고 불린다. 20 세기 초 평내소요는 1906 에 문예협회를 결성해 유럽의 연극 형식을 일본에 도입해 신극이라고 불렀다. 제 1 차 세계 대전 이후 일본 현대극이 번창하면서 서구 현대극의 일부 유파가 일본 연극에 영향을 미쳤지만 주류는 여전히 현실주의 연극이다. 제 2 차 세계대전 이후 황당파 연극은 일본 연극에 큰 영향을 미쳤지만 현실주의는 여전히 주류로 남아 있다. 1980 년대에도 일극은 여전히 신작과 국극이 공존하는 휘황찬란했다. 기원전 12 세기의 인도 연극은 고전 산스크리트 연극 시기로, 주요 극작가로는 가리타, 수다라가, 비사문천 등이 있다. 17 세기 후반부터 19 세기는 인도 드라마의 현대기이고, D 미틀라는 현대 방글라데시 드라마의 창시자이다. 19 19 이후 인도 드라마의 현대시대다. V. vuo rmaa (1889 ~1969) 는 사극으로 유명하다. 제 2 차 세계대전 후 작가 진거 비너지도 극본을 썼다. 한국, 인도네시아, 태국, 베트남 등에서. , 자신의 국극과 서양에서 도입된 드라마도 있다. 후자의 두 형태는 대동소이하고, 국극은 각각 특색이 있다.

중국 희곡 예술은 이미 800 여 년의 역사를 가지고 있으며, 남송 희곡, 김원잡극, 명청 전설, 현대 북극에서 현대 신극에 이르기까지 끊임없이 번식하여 세계 연극에서 자성체계의 무대 예술을 창조하여 세계 연극의 보고고에 귀중한 공헌을 하였다. 20 세기 초에 서양 연극이 중국에 전해졌다. 1928 년, 연극가 홍심은 그것을 연극으로 명명할 것을 제안했다. 1949 년 중화인민공화국의 성립을 상징하며, 중국 연극은 근현대와 당대의 두 기간으로 나눌 수 있다.

중국 현대극은 서구 현대극의 많은 유파를 광범위하게 흡수하는 기초 위에서 시작되었고, 사회운동과 혁명투쟁의 물결 속에서 점차 자신의 전통을 형성하였다. 오사신문화 운동이 시작된 후 서구 문화 (문학과 연극 포함) 를 광범위하게 도입하여 역사의 요구가 되었다. 사회개혁의 요구로 이브슨의 사회극은 우선 중국 문화계에 칭찬과 소개를 받았다. 이브슨 극작을 번역하고 출판하는 지도 아래 그는 1920 년대에 사회문제극을 창작하여 결혼가정의 관점에서 현실의 사회문제를 밝혀냈지만, 대부분 유치하다. 1920 년대에는 서구 현대파 드라마도 중국에 도입되었고 송춘방은 이 방면에서 두드러진 공헌을 했다. 당시 일부 극작가들은 현대주의 연극의 영향을 많이 받았다. 예를 들어, 전한은 서구의 신낭만주의를 사랑하게 되었는데, 그의 초기 작품은 상징성이 매우 컸다. 곽모로는 독일 표현주의 연극을 추앙한 적이 있는데, 그가 초기에 신화, 역사 이야기에 근거하여 창작한 연극도 표현주의였다. 20 세기 말 이후 중국 현대연극의 주류는 좌익 연극 운동으로, 연극 창작과 연기와 중국 현실혁명 투쟁의 관계가 더욱 자각되고 밀접해졌다. 그때부터 신중국이 성립될 때까지 중국 연극은 좌익극, 국방연극, 항일전쟁 연극, 해방전쟁 연극 등의 단계를 거쳤다. 지난 20 년 동안, 1920 년대에 부상한 전한, 곽말로, 홍심, 양한생, 구양여천, 웅버시, 정실림 등 1 세대 극작가 이후 조유, 하연, 아영, 유릉, 진, 송지, 석링하 그들의 대표작품은 중국 현대연극의 전통을 반영하며, 일부 극작가와 작품은 현실주의 연극의 성숙을 보여준다. 중국 연극과 외국 우수 연극의 공연도 많은 우수한 감독, 배우, 무대 미술가를 양성했다.

1949 년부터 1966 년까지 17 년 동안 사회의 해방과 안정은 중국 드라마의 발전을 위한 조건을 제공했다. 이 시기에는 수많은 새로운 극작가, 감독, 배우, 무대 미술가들이 쏟아져 나왔고, 새로 창작하고 공연한 연극의 총수는 수천 편에 달하며 이 시기의 사회적 면모를 반영하고 있다. 1966 년부터 1976 년까지의 10 년 혼란은 연극 창작과 공연의 쇠퇴기였다. 1976 이' 4 인방' 을 산산조각 낸 후 연극이 빠르게 회복되면서 사회연극 위주의 번영국면이 나타났다. 1980 년대 이후 개혁개방의 물결이 문화예술 분야에 영향을 미치고 연극의 창작과 공연이 다각적인 탐구를 시작했다. 일부 극작가들은 연극의 내적 의미의 심화에 더 많은 관심을 기울이고 있다. 일부 극작가들은 연극 외적 형태의 실험적 탐구에 더 중점을 두었다. 1986 이후 다방향 탐색 추세가 나타났다. 이 기간 동안 연극 감독, 공연, 무대 예술 등 각 분야에서 탐구할 용기가 있는 청년 예술가들이 등장해 무대 예술이 다채로운 국면을 보이고 있다. 예술 실천 탐구와 동시에 연극 이론 연구와 연극 비평도 전례 없이 활발하다. 이것은 새로운 시대의 중국 드라마 발전의 피할 수없는 추세입니다.

기원전 4 세기에 아리스토텔레스는' 시학' 에서 연극의 본질에 대한 그의 이해를 표현했다. 그는 모든 예술이 모방이고, 연극은 인간의 행동에 대한 모방이라고 생각한다. 2 세기 후 인도 최초의 연극 이론 저작' 무용론' 도 "연극은 모방이다" 고 지적했다 19 세기 이후 연극의 본질에 대한 논의는 줄곧 의견이 분분했다. 주로 관객론, 충돌론, 격변론, 상황론, 실험실론이 있다.

관객은 관객을 인정하는 것이 연극의 필수 조건이며 연극의 본질이라고 말했다. 프랑스 연극 이론가 F 사세이는 이 관념의 대표이다. 그는 어떤 연극 작품이든 관객을 위한 것이라고 단언했다. "관객이 없으면 연극이 없다" 고 해서 연극의 모든 장기는 관객의 감상에 적응해야 한다.

충돌 이론의 대표 인물은 프랑스 연극 이론가 브렌트이다. 브렌텔은 19 에서 무대는 인간의 의식 의지가 발휘되는 장소이며, 인물의식 의지의 발휘는 필연적으로 장애를 겪게 되고, 주체는 장애를 극복하기 위해 싸워야 한다는 점을 지적하면서' 의지충돌' 을 구성한다. 연극의 본질은 바로 여기에 있다. 미국 연극 이론가 J.H 로슨은 연극의 본질을' 의식 의지가 작용하는 사회적 갈등' 으로 귀결했다. 그는 연극이 사회관계를 다루고 있기 때문에 인간의 자각 의지는 사회적 필연성의 제약을 받을 수밖에 없기 때문에 진정한 연극 충돌은 사회적 갈등일 수밖에 없다고 생각한다. 이 관념은 한 마디로 표현할 수 있다. "충돌 없이는 연극이 없다."

영국 연극 이론가 아처 (W. Archer) 의 재앙론은 브렌트의' 충돌' 이론을 부정했다. 그는 소설을 연극과 비교해서 소설을' 점진적' 예술로, 연극은' 위기' 의 예술로, 연극은 인간의 운명과 환경의 갑작스러운 변화를 다룬다. 이것이 연극의 본질이다.

일찍이 18 세기에 프랑스 철학자 디드로는 일찍이' 상황' 을 연극 작품의 기초로 삼았다. 헤겔은 연극의 특징에 대해 이야기할 때' 상황' 과' 충돌' 을 연결시켜 상황의 실체적 의미를 강조했다. 실존주의 철학자와 극작가 J.-P. 사트 (J.-P. Sartre) 는 그의 연극을' 상황 연극' 이라고 부르며 연극의 대상을 사람들의 상황에서의 선택으로 묘사했다. B 브레히트는 연극을 과학적 방법으로 보고, 연극은 특정 상황에서 인간의 행동을 검사하는 실험실이라고 생각한다. 이 개념은 또한 특정한 각도에서 연극의 본질을 정의한다.

형식고대 그리스에서는 예술이 음악, 그림, 조각, 건축, 시로 나뉘었고 연극은 시로 분류되었다. 진정한 연극 예술은 시 (문학), 음악, 그림, 조각, 건축, 춤 등 다양한 예술 요소를 포함해야 하기 때문에 종합 예술이라고 부른다.

모든 예술은 자신만의 특별한 표현 수단을 가지고 있어 이미지의 외적 형태를 형성한다. 연극은 종합예술로서 다양한 예술 표현 형식을 융합하여 종합체에서의 직접적이고 외적인 표현인 ① 문학이다. 주로 극본을 가리킨다. ② 조형 예술. 주로 세트, 조명, 소품, 의류, 메이크업을 가리킨다. ③ 음악. 주로 소리, 에피소드, 음악 등을 가리킨다. 연극 공연에는 희곡과 오페라의 곡조와 노래도 포함되어 있다. ④ 춤. 주로 무용극, 희곡 예술에 포함된 무용원소로 배우의 연기예술인 연극 속 액션예술로 변신하는 것을 말한다.

연극의 각종 예술적 요소가 서로 다른 역할을 하는데, 그것들의 전체에서의 지위는 불평등하다. 연극 복합체에서 배우의 연기 예술은 중심과 주도적 지위에 있으며, 연극 예술의 실체, 공연 예술의 수단, 몸짓과 대사, 연극 예술의 기본 수단이며, 다른 예술적 요소는 모두 본체로 녹았다. 극본은 연극 공연의 기초이다. 문학의 한 형태로서 소설처럼 읽을 수 있지만, 그것의 기본 가치는 그것의 연기성에 있다. 연기할 줄 모르는 극본은 좋은 연극이 아니다. 연극 공연에서 음악 요소의 가치, 에피소드, 음악, 소리는 주로 배우가 무대 이미지를 형성하는 시너지 효과에 있다. 연극 공연의 조형 예술 요소 (예: 세트, 조명, 소품, 의상, 메이크업 등) 도 배우의 무대 이미지를 다양한 각도에서 형성하는 데 특정한 보조작용을 한다. 배우의 연기 예술을 본체로 다양한 예술 요소를 흡수하고 융합하여 연극 예술의 외적 형식을 형성하다.

연극 문학: 보통 연극 대본을 가리킨다. 연극은 두 가지 의미를 가지고 있다. 하나는 연극, 희곡, 전통 희곡의 총칭, 다른 하나는 희극이다. 따라서 좁은 연극문학도 연극 극본을 가리키지만, 넓은 의미의 연극문학은 희곡 극본과 연극 극본을 포함해야 한다. 일반적으로 그 넓은 의미의 개념을 취하다.

연극문학은 이중성을 가지고 있다. 한편으로 문학작품으로서 전형적인 이미지 형성, 심오한 주제 공개, 구조완전 통일 등 일반 서사 작품과 동일한 요구 사항을 가져야 한다. , 그리고 독립적 인 감사 (읽기) 가치를 가져야합니다. 반면에, 그것은 연극 공연의 기초로, 공연을 통해서만 그것의 모든 가치를 드러낼 수 있다. 그래서 무대 공연의 제약을 받아 무대 예술의 요구에 부합해야 한다. 연극, 오페라, 연극 극본은 약간의 특수성이 있지만 연극 문학으로도 약간의 유사성이 있다.

연극은 문학, 공연, 그림, 조각, 음악, 춤 등 예술을 하나로 모아 독립된 예술 양식이 되는 종합 예술이다. 연극 공연의 종합 전체에서 극본은 기본이지만, 중심 자리를 차지하는 것은 배우의 공연이다. 배우가 역할을 연기하는 기본 수단은 연극 속 몸짓, 말 동작, 정적 동작, 노래 속 노래, 희곡 속 노래, 읽기, 만들기, 연기 등과 같은 동작이다. 액션은 배우 예술과 연극 예술의 기초이며, 연극 예술의 특징은 액션의 예술이라는 점이다. 이는 연극 문학의 기본 특징을 결정짓는다. 표면적으로 보면 극본은 소설과 마찬가지로 언어 (문자) 로 쓰여졌지만, 전반적으로 소설에서 언어의 주요 표현은 서술과 묘사이고, 극본에서 인물은 주로 자신의 행동을 통해 자신을 표현한다. 극본은 일반적으로 극작가의 무대 힌트, 동작이 발생한 시기와 구체적인 물질적 환경에 대한 설명, 인물 외부 동작과 정적 동작에 대한 힌트, 인물 대사의 심리적 감정 등 두 부분으로 구성됩니다. 하나는 대화 (듀엣), 독백 (독창), 내레이터 (사이드 노래) 등을 포함한 인물 자신의 대사다. , 캐릭터의 심리적 활동의 외부 방법입니다. 중국 전통 희곡 극본에서 인물 대사 (진실을 말하고 가사를 부르는 것) 는 때때로 동작 환경을 설명하고 사건을 서술하는 역할을 하지만, 그 주된 표현도 심리적 동작의 표현이다. 극본은 각종 연극 충돌과 줄거리의 생동감이 필요하지만, 연극 충돌이든 연극 줄거리든 인과적 동작을 통해 시각적으로 표현해야 한다. 극본은 각종 전형적인 인물을 형성해야 하는데, 동작은 연극이 인물을 형성하는 기본 수단이다. 극본은 깊은 주제가 필요하며, 주제도 동작의 발전에 포함되어야 한다. 연극문학의 이 기본 특징은 극작가 이미지 사고 방식의 특수성을 결정한다. 즉, 그는 반드시 동작 발전의 논리를 따라야 한다. 극작가는 공연 예술의 특징을 잘 알고 무대 예술의 법칙을 파악해야만 좋은 극본을 쓸 수 있다.

무대 조건의 제한으로 연극 공연은 자신의 독특한 시공관념을 형성했다. 중국 전통 희곡에서 동작은 가상적이고 프로그래밍되어 있으며, 그 시공간적 특징은 주로 가상 동작을 기반으로 한 가상 시간과 가상 공간에 나타난다. 희곡 무대에서는 인물의 가상 동작과 해설 대사가 없으면 특정 시공간이 없다. 이로 인해 희곡 극본의 구조적 특징, 즉 시간과 공간에 큰 자유도가 있게 되었다. 연극에서 동작은 기본적으로 사실적이며, 그 시공간적 제약은 연극보다 훨씬 크다. 따라서 연극 극본의 구조적 특징, 즉 연극 동작은 정해진 공간과 시간 내에 끊임없이 발전해야 한다는 점도 결정되었다. 물론, 이것이 단 하나의 고정 공간 (장면) 만 가질 수 있다는 것을 의미하지는 않으며, 그 시간이 처음부터 끝까지 연속적이어야 한다는 것을 의미하지는 않습니다. 그러나 시공간의 변환은 장면 (또는 필드) 또는 암투를 변경하여 동작을 중단하여 수행해야 합니다. 이것은 연극 구조의 특징을 형성했다. 이렇게 극작가는 극본의 시공 용량을 상대적으로 확대할 수 있다. 이른바' 장면' 이란 동작, 줄거리 발전의 큰 부분을 가리킨다. 소위 "필드" 는 큰 세그먼트의 공간 변환 또는 시간 간격을 나타냅니다. 현대극 중 막과 장의 경계는 이미 예전처럼 뚜렷하지 않고, 나뉘지 않은 장면도 있다. 하지만 전반적으로 연극, 오페라, 전통 희곡 등 극본의 구조는 시공간의 고도로 집중된 원칙을 따라야 하며, 극본 속의 연극 충돌과 줄거리는 고도로 집중된 장면과 장면에서 진행해야 한다. 이 이치는 어느 시대의 연극 창작에서도 같지만 구체적인 요구와 표현 방식이 다르다. 예를 들어, 프랑스 고전 드라마의' 삼통일' 은 한 편의 극이 같은 장면에서만 진행될 수 있도록 요구하고, 동작 발전의 시간 범위는 24 시간을 초과할 수 없고, 실천에서 완전히 해내기가 어려워 나중에 깨졌다. 현대 극본에서는 대부분 더 이상 이 법칙을 따르지 않고 소위' 다중장면' 극이 등장한다. 즉, 한 편의 연극이 10 여 개 (혹은 그 이상) 장면을 수용할 수 있고, 동작 발전의 기간은 몇 달, 몇 년, 심지어 수십 년으로 연장할 수 있다. 어떤 사람들은 무대 공간의 가설적 특징에 충분히 주의를 기울이고, 자의적인 수법으로 공간과 시간의 용량을 넓히기도 한다. 현대 연극 극본에는 가상 공간과 가상 시간의 원칙을 버리거나 바꿔 연극에서 고정된 공간과 시간을 차용하는 추세도 있다. 이러한 상황은 연극 문학이 창작 실천에서 끊임없이 발전한다는 것을 보여준다.

연극의 분류에 관해서는 표현에 따라 연극, 오페라, 희곡으로 나눌 수 있고, 내용의 성격에 따라 비극, 희극, 연극으로 나눌 수 있다. 고대 그리스 연극과 프랑스 고전 연극에서는 비극과 희극의 두 가지 유형만 혼동해서는 안 된다. 18 세기에 프랑스 계몽운동 시절 연극이 등장했는데, 당시' 진지한 코미디' 라고도 불렸고' 희희 극' 이라고도 불렸다. 중국 고대 희곡에는 비극, 희극, 연극이 있었다. 현대극 중 비극과 희극의 경계는 그리 엄격하지 않고 가장 많은 것이 연극이다. 드라마 분류는 현대극, 사극, 신극, 아동극, 공상과학극 등으로 나눌 수 있다. , 또는 멜로드라마, 사회문제극, 심리극 등. 제재와 줄거리, 혹은 다막 (혹은 다극) 극과 단막극, 대극, 소극 등에 따라. 길이 눈금에 따라.

참고 자료:

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