비잔틴 미술의 시대화

비잔틴 미술은 1000년이 넘는 발전 과정에서 여러 가지 주요 양식 변화를 겪었다. 초기는 330~5세기, 첫 번째 전성기는 6~8세기, 두 번째는 전성기였다. 전성기는 9세기부터 12세기까지이고, 13세기부터 1453년까지가 세 번째 전성기이다. 6세기에는 비잔틴 예술의 발전이 정점에 이르렀고, 건축, 회화, 기타 조형 예술 분야에서 비잔틴 예술의 독특한 양식이 확립되었습니다. 예술적 개념과 형태가 변했습니다. 작가는 더 이상 인물의 물질적 존재와 공간에서의 부피 및 움직임을 고려하지 않고 내면의 영적 경험을 표현하고 여기에 초자연적이고 신비한 상징적 의미를 부여하는 것을 점점 더 강조합니다.

이 시기의 그림에서 양식화된 인물은 성자의 초연함과 궁중의 기품을 담고 있다. 그 옷의 디테일은 반동양적인 럭셔리함을 반영합니다. 첫 번째 전성기의 건물은 여전히 ​​초기 기독교 시대의 바실리카 디자인을 따랐으며, 나무 기둥과 평평한 지붕 구조를 갖춘 이러한 유형의 교회는 4세기에서 6세기에 걸쳐 많이 지어졌습니다. 라벤나에 있는 산타폴리나레 교회(533-549)가 바로 이런 건물이다. 6세기부터 석조 아치형 천장과 아치형 천장을 특징으로 하는 건축물이 개발되었습니다. 라벤나의 산 비탈레 교회(526-547)는 팔각형 중앙 집중식 디자인의 전형적인 건물입니다. 내부에는 유색 대리석, 모자이크, 수도 조각 등이 특별한 장식 효과를 만들어냅니다.

6세기에는 돔을 지지하는 돔이 있는 돔 형태의 바실리카 양식 건축물이 개발됐다. 이 유형의 건축적 걸작은 콘스탄티노플의 하기아 소피아 대성당(532~537)이다.

아야 소피아는 길이 94m, 폭 72m, 메인 돔의 지름이 31m다. 메인 돔은 북쪽과 남쪽 방향의 복잡한 아치, 돔 및 기타 구조물로 지탱됩니다. 동쪽과 서쪽에는 서로 인접하고 상부에 걸쳐 있는 동일한 직경의 두 개의 절반 돔이 있습니다. 본당. 교회 내부는 풍부한 색상과 좋은 조명으로 장식되어 있습니다. 주요 기둥은 붉은 반암과 구불구불한 대리석으로 만들어졌으며, 기둥머리까지의 벽은 다양한 색상의 줄무늬 대리석 석판으로 덮여 있으며, 기둥머리 위의 벽과 아치 및 둥근 천장은 다채로운 모자이크로 덮여 있습니다. 갤러리 벽에 있는 거대한 초승달 모양의 창문을 통해 햇빛이 교회 안으로 들어오고, 메인 돔 바닥에 있는 창 구멍을 통해 돔과 그 하부 공간을 채우면 모자이크가 반짝거리고, 거대한 돔이 공중에 떠 있거나 매달린 것처럼 보인다. 빛이 돔과 창문 사이의 벽의 무게를 약화시켜 멋진 시각적 환상을 만들어내는 것 같습니다. 교회 외부에는 플라잉 부벽, 아치형 천장, 하프돔 등의 구조물이 파도를 타고 한 겹씩 위로 밀려 올라가 메인 돔에서 정점에 이릅니다. 전체 건축 시스템은 웅장한 기념비적 효과를 가지고 있습니다. 초기 비잔틴 조각품과 벽화는 스타일이 여전히 고전적이며 인물은 고전적인 성격과 우아함을 지니고 있습니다. 그러나 이 예술 분야에서는 곧 새로운 스타일이 발전했으며, 5세기의 일부 조각품은 비현실적인 구성과 형태, 영성을 강조하는 점에서 이미 비잔틴 양식이었습니다. 석관 조각은 비잔틴 조각의 중요한 부분이며 그러한 작품이 많이 남아 있습니다. 교회 내부 장식에서 조각은 거의 대문자, 프리즈 및 돌 제단 스크린으로 제한되며 대부분 얕은 돋을새김 및 투각 형태입니다. 모자이크와 프레스코화는 지배적인 교회 장식 예술로서 조각품을 대체했습니다.

비잔틴 모자이크는 로마 시대 이후 다시 번성하여 높은 예술적 성취를 이루었습니다. 모자이크는 색색의 대리석이나 색유리의 작은 조각으로 이루어져 있으며 밝고 화사한 색상이 기본 특징 중 하나입니다. 첫 번째 비잔틴 황금 시대의 모사(Mosas)는 라벤나(Ravenna)의 일부 교회에서 볼 수 있습니다. 산타폴리나레 교회(약 504년)의 아케이드 양쪽에 있는 모자이크는 그리스도와 동정녀에게 다가가는 남성 천사와 여성 천사의 행렬을 묘사합니다. 작품의 형태처리는 장식을 강조하고 배경을 표현하지 않고 인물들의 자세가 거의 동일하며 입체적인 공간감이 거의 없다. 산 비탈레 교회 제단 양쪽의 모자이크는 비잔틴 예술의 유명한 작품입니다. 그림 속 정면에 서 있는 인물들은 날씬한 몸매와 꼿꼿한 얼굴, 집중된 큰 눈, 엄숙한 표정, 화려한 옷차림으로 이상적인 아름다움을 표현하고 있다. 이 인물들은 신성한 특성을 부여받았으며, 신성한 기운을 지닌 황제와 황후는 그리스도와 동정녀의 지상 대리인으로 표현되었습니다. 그림 속 등장인물의 얼굴은 비잔틴 예술에서는 보기 드문 특정한 성격 특성, 눈, 신체 자세 및 표정을 보여줍니다. 나중에 비잔틴 시대의 모자이크와 프레스코화에서는 엄격한 질서뿐 아니라 이미지의 기하학적 관계의 완벽함과 조화도 강조했습니다. 교회 장식은 통일되어 있으며 작품의 주제별 처리와 교회 내 배치는 일정한 패턴을 따라야 합니다. 회화형식에서는 정형화된 선묘사가 주요 조형수단이 되었고, 공간의 개념은 더욱 추상화되었으며, 색채는 단순해졌으며, 인물은 물리적인 존재를 상실하고 정신의 상징이 되었다. 10세기 말에 그려진 하기아 소피아(Hagia Sophia)의 모자이크는 이 스타일의 작품이다.

팔리올로가스 시대에는 모자이크와 벽화의 기념비성이 약화되고 웅장한 구성이 섬세하고 미묘한 디테일에 자리를 내주었습니다. 그림 주제의 수가 증가하고 소재 처리가 더욱 자유로워졌지만 전체 장식 시스템은 원래의 통일성과 무결성을 잃었습니다. 모자이크는 줄어들었고 프레스코화는 많이 등장했습니다. 이 시기의 중요한 작품으로는 콘스탄티노플(촐라 교회)의 프레스코화와 모자이크가 있으며, 그 중 모자이크 "마리아의 생애"는 우아하고 섬세한 톤으로 유명합니다. 후기 프레스코화의 대표적인 작품으로는 테오판(그리스인)이 그린 노브고로드에 있는 그리스도의 변모 교회(1378)의 프레스코화가 있습니다. Theophans는 독특한 개인 특성을 지닌 회화적 언어를 개발했습니다.