포스트모더니즘 회화 스타일이란 무엇인가요?

20세기 이후 아방가르드적인 성격을 띠고 전통 문학과 예술에서 벗어난 다양한 미술파와 사상사조를 모더니즘이라고도 부른다. 개발 현황 모더니즘의 기원은 프랑스 인상주의로 거슬러 올라갑니다. 1880년대 프랑스의 후기인상주의, 신인상주의, 상징주의 화가들은 “미술 언어 자체의 독자적인 가치”, “회화는 자연의 하인이 되어서는 안 된다”, “회화는 문학과 역사에 대한 의존성을 없애야 한다”고 제안했다. “예술을 위한 예술”과 같은 개념은 모더니스트 미술 체계의 이론적 기반이다. 따라서 회화 언어의 기하학적 구조와 물리적 아름다움을 작품에서 추구하는 프랑스 후기 인상파 화가 P. Cézanne는, '현대 회화의 아버지'로 불린다. 보다 분명한 모더니즘 회화 스타일은 프랑스 야수파 화가들의 작품에서 처음으로 나타났습니다. H. Matisse로 대표되는 젊은 화가 집단은 1905년 파리 가을 살롱에서 야성적인 스타일, 과장된 예술적 언어, 변형 및 표현력을 갖춘 다수의 작품을 전시했는데, 이 작품은 "Beasts"라고 불리며, 여기서 "Brutalism"이 유래되었습니다. 이름을 얻었습니다. 1908년 P. Picasso와 G. Braque로 대표되는 또 다른 젊은 화가 그룹이 프랑스에서 입체파 회화를 시작했습니다. 입체파의 원리는 피카소의 유화 "Les Demoiselles d'Avignon"에서 처음 등장했습니다. 이 그림은 전통미술과 현대미술의 분수령으로 여겨진다. 큐비즘은 블록의 구조적 관계를 이용하여 사물을 분석하고, 큐비즘이 추구하는 목표인 적절한 중첩과 인터레이스의 아름다움을 표현합니다. 야수파와 입체파는 모두 아프리카 조각에서 자양분을 얻었으며, 그들의 예술 언어는 전통적인 법칙과 거리가 멀었고 모더니즘이 자립 단계에 진입한 단계를 나타냈습니다. 동시에 독일에서는 1905년에 조직된 브리지 소사이어티(Bridge Society), 1909년에 설립된 블루라이더 소사이어티(Blue Rider Society)와 같은 표현주의 사회가 등장했습니다. 이들의 미적 목표와 예술적 추구는 프랑스의 잔혹주의와 유사하지만, 북유럽의 색채가 강하고 독일 민족 전통의 특징을 갖고 있다. 표현주의가 산업기술의 영향을 받아 사물의 정적인 아름다움을 표현했다면, 이탈리아에서 등장한 미래주의는 현대 산업기술에 자극을 받아 사물을 분해하는 방식을 사용해 움직이는 장면과 역동적인 느낌을 표현했다. 또한 그들은 선과 색을 사용하여 일련의 겹쳐진 형태와 연속적인 층위의 엮임과 조합을 묘사하는 데 관심이 있으며, 선을 사용하여 빛과 소리를 묘사하려고 노력합니다. 뭉크: 위에서 언급한 『마돈나』의 이념적 경향과 운동, 특히 미래주의는 조각 분야에도 반영되어 있습니다. 미래주의 화가이자 조각가인 U. Boccioni는 1912년 4월 조각 예술에 관한 선언문에 서명하고 "Shapes Continuous in Space"(1913)로 대표되는 그의 작품에 미래주의 원칙을 적용했습니다. 이에 상응하는 모더니스트 미술 경향은 20세기 초 러시아에서도 상당히 활발했습니다. 입체주의와 미래주의의 영향을 받은 일부 그룹 외에도 러시아 구성주의는 산업적 아름다움을 표현하는 방법에 대한 현대 미술의 탐구에 독특한 공헌을 했습니다. 추상 미술 작품은 1910년경에 처음 제작되었습니다. 추상 미술을 최초로 창작한 사람은 독일 블루라이더 협회(German Blue Rider Society) 활동에 참여한 러시아 화가 W. 칸딘스키(W. Kandinsky)였습니다. 그는 점, 선, 면의 조합과 구성을 사용하고, 음악의 표현 언어를 참조하며, 개념과 감정을 전달하기 위해 그림을 사용합니다. 그의 책 "On Spirit in Art"(1912)와 "Points, Lines, Planes"(1923)은 추상화의 이론적 토대를 마련했습니다. 실무자로서 그는 주로 서정적인 추상회화 창작에 종사하고 있지만, 기하학적 추상화도 탐구하고 있다. 1913년경 러시아 화가 K.C. 말레비치(K.C. Malevich)가 창시한 절대주의는 기하학적 추상의 범주에 속합니다. 평면구성에 대한 지상주의의 노력과 예술의 공허함, 공허함, 무(無)를 탐구하려는 시도는 의미가 있다고 할 수 있다. 기하학적 추상의 이론적 토대를 마련하고 예술적 실천에 탁월한 공헌을 한 것은 네덜란드 화가 P. Mondrian이 창시한 De Stijl(또는 신조형주의)이었습니다. 20세기를 거치면서 추상은 기본적으로 서정추상과 기하학적 추상의 발전을 따르지만, 여러 단계를 거치며 변화해 왔다. 칸딘스키: "최초의 추상 수채화" 제1차 세계대전 중 스위스 취리히에서 탄생한 다다이즘 사회는 유럽과 미국 여러 나라에 영향을 미쳤습니다. 프랑스와 독일에는 다다 미술 협회가 있습니다. 다다이즘은 전쟁, 권위, 전통에 반대했고, 예술과 모든 것에 반대했습니다. 다다의 허무주의와 반전통주의 정신은 현대 서양 문학과 예술의 전 과정을 관통하고 있다. 2차원 회화에 콜라주 기법을 사용하고 예술 창작에 기회를 활용하는 것은 다다이가 현대 미술에 기여한 것입니다. 초현실주의 공동체는 다다에서 분리되었습니다. 그것은 다다이즘의 파괴와 도전을 대체하기 위한 건설적인 태도로 예술적 창작을 다루었습니다. 이는 프로이트의 잠재의식 이론에서 직접 이데올로기적 자양분을 끌어내고 프로이트의 이론을 이 예술 운동의 지도 이념으로 사용합니다. 초현실주의 예술가들은 어린이, 정신병자, 꿈에서 영감을 얻어 인간 경험의 초월적 수준을 탐구하는 데 전념했으며, 현실 개념을 돌파하고 본능, 무의식, 꿈 경험과 혼합하여 통일된 절대성을 달성하려고 노력했습니다. 그리고 초현실적인 영역. 초현실주의자들은 예상치 못한 우연한 조합, 무의식적인 발견, 기성품의 조립 등의 기법을 자주 사용했습니다. 그들의 작품에는 현실적 언어와 추상적 언어가 모두 사용됩니다. 1924년부터 1930년대 말까지 초현실주의 미술이 활발하게 활동하던 시기였다.

1930년대 이후 미술운동으로서 초현실주의는 점차 식어갔지만, 유럽과 미국 화단에서는 여전히 중요한 초현실주의 화가들이 활발히 활동하고 있었다. 보이스: 토끼에게 그림을 설명하다 추상표현주의(액션페인팅, 뉴욕파라고도 함)는 제2차 세계대전 이후 미국에서 등장한 표현주의와 추상, 초현실주의를 결합한 장르이기도 하다. 개성과 스타일을 강조하는 현대 회화의 대표주자. 추상표현주의는 창작자의 행위의 자유로움, 자동성, 목적 없음을 강조하고, 창작 행위 자체를 중요한 위치로 격상시키며, 창작자의 행위를 예술 커뮤니케이션 매체로 활용하는 요소를 탄생시켰다. 뒤샹: <마른 변기>에서 추상 표현주의를 따른 완고한 추상과 회화 이후의 추상은 새로운 상황에 따른 기하학적 추상의 변화와 발전이기도 하며, 예술이 주관적 감정을 강조하는 것에서 객관적인 것에 집중하는 것으로 전환되는 것을 보여줍니다. 표현. 이러한 변화는 추상 표현주의와 완전히 반대되는 팝아트에서 더욱 분명해졌습니다. 팝아트의 등장은 서구 모더니즘에서 포스트모더니즘으로의 전환을 보여줍니다. 물론 서양 미술사학자들은 포스트모더니즘 개념에 대해 매우 모순된 견해를 갖고 있다. 건축에서 처음으로 사용된 포스트모더니즘은 물론 상대적이고 모호하며 논란의 여지가 있는 개념이다. 엄밀히 말하면 포스트모더니즘은 모더니즘과 완전히 분리될 수 없다. 포스트모더니즘이 장려하는 많은 방법과 원리는 모더니즘 예술에서 시도되고 시험되었지만, 후기 산업 사회에서는 개별적인 방법과 원리가 극도로 발전하고 과장되었습니다. 포스트모더니즘은 어떤 면에서는 모더니즘에 대한 반격이다. 그러나 모더니즘의 미적 원칙은 여전히 ​​현대 서양 예술가들에게 강한 영향을 미치고 있습니다. 1980년대 신표현주의, 신초현실주의, 새로운 추상화 및 기타 장르의 등장은 이러한 문제를 어느 정도 보여줍니다. 모더니즘과 포스트모더니즘 미술사조의 변화 속에서 주관성과 객관성, 합리성과 감성, 인간성과 성성, 양식적 특징의 강화와 소멸, 인간성과 역학, 예술의 아름다움과 아름다움을 엿볼 수 있는 것 같다. 예술 속의 봄과 눈 예술의 미학과 반미학인 Lower Riba 사람들은 항상 예술가들을 혼란스럽게 하고 탐구를 계속하게 만드는 주제입니다. 예술 발전의 역사적 과정에서 한쪽이 쇠퇴하거나 다른 쪽이 쇠퇴하는 상황이 종종 발생하며, 특히 산업화 및 후기 산업 사회에서 이러한 상황은 더욱 흔합니다. 개념미술을 비롯한 포스트모던적 사고경향이 그토록 충격적인 이유는 그것이 전통미술에 역행할 뿐만 아니라 모더니즘에도 도전하기 때문이다. 그러나 역사 자체는 인간의 의지와 무관한 예술 발전을 위한 객관적인 법칙이 있다는 사실을 드러내는 것 같습니다. 사회 자체의 과정과 마찬가지로 예술의 과정 자체도 자기조절력을 갖고 있으며, 위에서 열거한 다양한 극성 사이의 균형을 추구해야 합니다. 물론 균형은 일시적이고 일시적인 반면 불균형은 절대적이고 영구적입니다. 불균형하고 모순으로 가득 차 있을 때만 예술은 계속해서 전진합니다. 비록 개발 과정이 모순과 우여곡절로 가득 차 있지만 전체적인 추세는 전향적입니다. 이런 의미에서 모더니즘 예술은 사실주의에 대한 강력한 보완물로 간주되어야 합니다. 즉, 모더니즘은 사실주의와는 다르며 현대산업사회의 시대적 리듬에 더욱 부합하는 새로운 예술적 표현체계이다. 적어도 리얼리즘으로 살아남는 힘은 획득했다. 라이스: '프랑스 장면'의 특징 모더니즘 미술은 서구가 독점 시대에 진입한 이후 생산된 2차 산업혁명의 산물이기 때문에 필연적으로 이 시대의 정치적, 경제적, 정신적, 문화적 삶을 반영한다. 이 시대 사람들의 지극히 복잡하고 풍부한 사상과 감정, 심오한 철학적 사고를 반영하고 있다. 사실주의와 달리 모더니즘 미술은 사회와 사람, 자연과 자아의 관계에서 균형을 잃고 그 관계가 왜곡된다. 이렇듯 모더니스트 예술가들은 사회와 자연에서 초연한 사람들처럼 보이지만(몇몇 예술가를 제외하면) 사회와 삶을 직접적으로 묘사하지는 않지만, 그들의 작품은 사회와 삶을 암시하고 있으며, 그들이 사용하는 언어도 황당하다. , 우화 또는 초록. 그들의 작품에서는 현대인(작가 자신을 포함)의 정신적 트라우마와 비정상적인 심리, 현실에 대한 부정적이고 비관적이고 실망스러운 감정, 그리고 강한 이데올로기적 허무주의가 표현되어 있음을 느낄 수 있다. 무시할 수 없는 사회적, 역사적, 미적 가치를 부여하는 것은 모더니즘 예술 작품의 이러한 특성입니다. 현대 서구 사회와 현대 정신 생활의 중요한 측면을 묘사하고 있기 때문입니다. 현대 산업과 과학기술은 모더니즘 예술의 발전에 중요한 역할을 했습니다. 현대과학과 기계문명에 대한 모더니스트 예술가들의 심리와 태도는 복잡하다. 일부 예술가(큐비즘, 미래주의, 구성주의 등)의 실천에서는 이러한 사회의 심오한 변화를 반영하려고 노력하는 반면, 대부분의 예술가의 작품에서는 산업 문명에 대해 회피적이고 초연한 태도를 취합니다. 그들은 인간 본성의 평가 절하와 산업 사회의 기계에 대한 평가에 불만을 표명했습니다. 그러나 이것이 모더니즘 미술의 주류가 산업사회의 과정에 어긋난다는 것을 전혀 의미하지 않는다. 실제로 산업과 기술 문명은 현대 사회의 모습을 획기적으로 변화시켰으며, 현대 미술의 급격한 변화를 정신적으로 강력하게 촉진시켰습니다. 모더니스트 예술은 처음에는 칸트의 초월적 이상주의 무기고에서 자양분을 얻었으며 동시에 현대 철학적 경향, 특히 니체, 프로이트, 베르그송, 융, 사르트르 등의 철학과 심리학의 영향을 많이 받았습니다.

니체의 이론은 독일 표현주의 운동을 촉진하는 역할을 했을 뿐만 아니라 모더니즘 문학과 예술 운동 전체에 큰 영향을 미쳤다. 특히 그는 권위를 부정하고, 인간의 의지와 본능에 기초한 창의성의 활용을 옹호하고, 중산층의 문명과 위선적인 도덕성을 경멸하고, 무의식과 본능을 찬양하며, 세계의 미래에 대해 비관적이었다. 이론과 실습 모두. 프로이트의 잠재의식 이론, 즉 "무의식은 정신의 진정한 현실이다"는 초현실주의 운동의 이론적 기둥이다. 초현실주의와 다른 학파의 예술가들이 다양한 기법을 사용하여 파헤치는 것은 초현실주의 운동의 이론적 기둥이다. 한편으로는 예술적 표현의 새로운 영역을 열어주는 반면, 다른 한편으로는 예술적 언어는 터무니없고 기이한 경향이 있습니다. 당연히 많은 작품이 부조리와 기묘함의 새로운 영역을 만들어냅니다. 사실주의와 모방을 바탕으로 한 전통미술에 비해 모더니즘 미술은 상징적, 표현적, 추상적 특성을 지닌다. 많은 모더니즘 학파는 반전통적이라고 주장하지만 실제로는 전통을 완전히 포기할 수도 있습니다. 부정하고 거부하고자 하는 것은 19세기 중반 이후 학문적 특성을 지닌 사실주의의 전통이다. 역사적 유산을 다루는 측면에서는 원시 사회 미술, 이집트 및 메소포타미아 미술, 그리스 고대 미술, 유럽 중세 미술 연구에 더 많은 관심을 기울이고 있습니다. 인상주의 이후 서양 예술가들은 중국, 일본, 인도의 회화와 공예의 표현 언어에 관심을 돌리고 자유로운 표현 기법을 탐구하기 시작했습니다. 잔혹주의와 입체파 예술가들은 아프리카 조각으로부터 직접적인 혜택을 받았습니다. 동시에 중동의 이슬람 미술과 오세아니아의 예술적 유산 역시 모더니스트 예술가들의 연구 대상이다. 위에서 언급한 인류사의 예술유산은 모더니스트 예술가들에게 유용한 자양분을 제공해 왔습니다. 일반적으로 20세기 이후 서구 모더니즘 미술은 현대사회 사람들의 요구에 부응하여 인류의 고전문화에 포함될 수 있는 수많은 작품을 창작해 왔지만, 학파의 모든 이론과 사상사조가 나무랄 데 없는 것은 아니다. ; 말할 필요도 없이, 이들 작품 중 일부의 이념적 경향은 연구할 가치가 있습니다. 분석 없이 모더니즘 예술을 맹목적으로 찬양하는 것도 바람직하지 않으며, 모더니즘을 재앙으로 여기고 거부하고 사람들이 접하고 이해하지 못하게 하는 것은 더욱 어리석고 슬픈 일이다. 1980년대 이후 중국 예술 창작과 이론의 번영과 활력은 사회, 경제 발전의 주요 요인뿐만 아니라 참고로 사용할 수 있는 서구 모더니즘을 포함한 외국 문학과 예술이 제공한 풍부한 자료에도 기인합니다. .

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