그림은 과학입니다. 생생한 표정으로 캐릭터를 그리는 방법은 무엇일까요?

예술을 예술로 복귀시키자

——Spirit Escaper

예술적 표현은 엄밀한 논리가 없기 때문에 비트겐슈타인의 관점에서는 사실상 불가능하다 말했다. 하지만 우리에게 있어서, 인류 역사 전체에서, 예술에 관해서라면 우리는 항상 많은 추억과 경외감을 갖고 있습니다.

나는 사생 기초도 없고 체계적인 공부도 없기 때문에 결코 렝쥔처럼 사실적인 유화를 그릴 수 없을 것이다. 나는 피카소나 자오우키처럼 그림을 그리기 위해 태어났다고는 말할 수 없다. 하지만 나는 내 속마음을 표현하는 방법을 알고 있는 것 같다. 그림 실력에 비하면 그림을 배운 아이조차 못하지만, 창의성에 비하면 누구라도 받아들이기를 거부한다.

모네의 '해돋이'

재료가 절대 부족하지 않아서 그냥 집어들고 글을 쓰기 시작합니다. 그리고 나는 두려움이 없고, 무엇이든 감히 그릴 수 있고, 무엇이든 시도해 볼 용기가 있습니다. 글을 쓸 때처럼 나 자신에게 한계를 두지 않는다. 모든 예술 형식은 육체를 뚫고 마음을 해방시키며 무한한 정신적 자유를 얻기 위해 고안되었음을 깊이 알고 있기 때문입니다. 문학사부터 회화사, 음악사까지 천천히 맛보면 제가 언급한 관점이 있을 겁니다.

그림은 처음에는 어린아이 같은 벽화일 수 있지만, 그 다음에는 사실주의, 그다음에는 인상주의로 전환될 수 있습니다. 더 이상 세부 사항에 주의를 기울이지 않고 선과 프레임을 더 이상 제한하지 않고 전체적인 느낌에만 집중합니다. 그런 다음 추상 미술 개발로 전환합니다. 사람들은보다 완전한 무료 경험을 얻기 위해 다양한 형태로 예술을 개발하고 있습니다.

근데 왜 제목이 "예술을 예술로 되돌리자"라고 되어 있는 걸까요? 이 질문에 대답하는 것은 매우 어렵습니다. 처음에 말했듯이 예술은 논리적인 것이 아닙니다. 그러나 예술은 살과 피이며 매우 심오하기 때문에 우리는 이 심오함에 답해야 합니다.

자오우키의 작품.

예술의 심오함의 원천은 살과 피를 지닌 인간의 심오함에서 비롯된다는 점을 부정할 사람은 없을 것 같다. 마르크스의 관점에 따르면 예술성은 사회성의 발현이기도 하다. 하지만 예술 창작자에게 예술은 우선 집단이 아닌 개인의 것입니다. 단지 아티스트 자신이 그룹의 구성원일 뿐입니다. 그렇다면 간단합니다. 예술은 아이디어가 표현되는 형식이자 매체일 뿐입니다. 이 문장을 기억하세요. 매우 공식적이고 감정적이지 않지만 이렇게 말해야겠습니다. 예술은 의견이나 개념이 아니라 아이디어를 표현하는 것입니다. 개념에는 찬반양론, 옳고 그름이 있지만 아이디어에는 찬반양론이 없습니다. 또한, 시대에 따라 다양한 컨셉이 변화하고 있지만, 자신의 생각을 표현하려는 사람들의 욕구는 멈추지 않았습니다. 아이디어는 아이디어여야 하지만 모든 아이디어가 아이디어라고 할 수는 없습니다.

자오우기의 작품

그래서 생각을 표현하는 모든 선은 예술이 될 수 있습니다. 그러나 그 독특함과 독특함을 잃어버린 예술은 타인에 의해 걸러지고 역사에 의해 잊혀질 것입니다. 집집마다 사용하는 테이프, 나일론 끈, 플라스틱 컵처럼... 이 공예품들이 아름답지 않다고 말할 수 있나요? 아름다움은 아름답고 매우 실용적이지만 우리는 그것이 예술이라고 생각하지 않습니다.

테이프 한 묶음이 불러일으킬 수 있는 생각, 비전, 자유 연상에 대해 이야기하는 것만으로는 기억하기에는 충분하지 않습니다. 그렇다면 동일한 환경, 동일한 규칙 하에서 체계적인 공부를 마친 화가들의 작품은 이런 '조립 라인'의 시각적 영향을 미칠 것입니다. 나는 화가가 Leng Jun의 극단을 추구하는 것을 결코 원하지 않습니다. 나는 Leng Jun의 예술의 어려움과 높이를 부정하지 않으며 감사하고 존경합니다.

모두가 하나의 화풍을 추구한다면 그것은 예술적 비극이다. 예술을 예술로 환원한다는 것은 예술적 표현을 무한하게 허용하고, 자신이 후퇴할 여지를 남기지 않고 과감하게 표현하는 것입니다.

스피릿 이스케이퍼의 유화 '클라우드 탑'

화가의 그림 스타일이나 문학적 스타일은 그의 그림이나 문학 작품에서 확인할 수 있다. 이 화가, 화가는 점점 성숙해지고 있고, 그는 매우 높은 수준에 도달했음에 틀림없습니다. 이러한 마음 상태는 "장인 정신"이라고 설명할 수 있습니다. 스타일을 다듬고 형성하는 데에는 확실히 시간이 걸립니다.

그러나 이것은 가장 높은 영역이 아닙니다. 가장 높은 영역은 "독창성"을 제거하는 것입니다. 그래서 나에게는 고정된 '스타일'을 갖지 않는 것이 평생 추구되어야 하는 일이다. 끊임없이 자신의 스타일을 내부에서 깨고 무한한 탐색적 혁신에 참여해야 합니다. 피카소가 말했듯이, "나는 14세 때 라파엘만큼 그림을 잘 그릴 수 있었지만 어린아이처럼 그리는 데는 평생이 걸렸습니다." 피카소는 평생 동안 자신의 그림 스타일을 계속 깨뜨렸을 뿐만 아니라, 많은 다른 예술 형태의 창조. 예를 들어, 판화, 도자기, 무용, 조각... 레오나르도 다빈치는 훌륭한 예술가이기도 했고 다재다능했습니다. 예술은 생각의 표현이므로 생각의 표현으로 돌아가는 것이 경직되어서는 안 됩니다. 좀 더 철저하게 표현한다면 큰 파문이 불가피할 수밖에 없다. 예술과 과학은 상호작용까지 하며, 과학이 자신의 생각을 표현하고 논리적 완전성과 객관성을 추구하는 형태일 뿐입니다. 이처럼 '과학'은 일종의 예술적 표현이다. 아인슈타인은 음악을 매우 사랑했습니다. 그는 "상상력은 지식보다 크다"고 말했습니다.

Soul Escaper의 유화 "신의 관점"

예민한 사람이라면 생각해야 합니다. 이 문장의 의미에 대해 주의깊게 살펴보세요. 지식이란 무엇입니까? 필요성은 개념과 논리의 집합이지만 상상력은 그렇지 않습니다. 개념과 논리는 실제로 규칙이자 방향입니다. 1 더하기 1은 2가 되는 것이 바로 이 개념의 결과입니다. 당신과 나는 모두 이런 체계적인 훈련을 받았습니다.

그러나 소수의 사람들은 이 필요한 훈련을 받은 후에도 여전히 자신의 방향을 깨고 더 흥미로운 것을 발견할 수 있습니다. 이것이 바로 아인슈타인이 그토록 대단한 이유입니다. 보통 사람들은 "빛을 쫓는 것"에 대해 생각하지 않습니다. 빛은 참 빠르다, 빛을 쫓는 사람들은 바보가 아닌가?

앞서 말한 것처럼 예술을 좀 더 철저하게 표현한다면 분명 큰 감동을 불러일으킬 수 있을 것입니다. 하지만 이때 많은 독자들은 이렇게 묻습니다. "추상화의 많은 부분이 무엇에 관한 것인지 이해할 수 없습니다. 이해할 수 없다면 어떻게 비명을 지를 수 있습니까?" 예를 들어 Zao Wou-Ki의 그림을 보면 많은 사람들이 혼란스러워할 것입니다.

이렇게 말씀드리자면, 작가에 대한 작가의 감상은 “그가 그린 것을 나는 못 그린다”는 데서 나온다. 예를 들어 석고 조각상을 앞에 놓고 미술학원을 졸업한 학생들에게 그림을 그려달라고 하면 사실 다들 수준이 거의 비슷해서 큰 차이는 없을 것 같아요. 그럼 누가 누구를 존경하나요? 모든 사람이 절반만 측정되었기 때문입니다. 이때 렝쥔이 튀어나왔는데 이렇게 그려줄 수 있어? 많은 그림을 그리는 사람들이 그것을 본 적이 있습니다. 아! 너무 대단해서 그릴 수가 없어요, 감탄해요.

모방할 수 없는 사람의 그림이 있습니다. 예를 들어 자오우키(Zao Wou-Ki)나 피카소(Picasso)의 추상화는 흉내낼 수 없습니다. 심지어 그들 자신도 같은 것을 다시 칠할 수 없습니다. 나 자신도 그렇다. 얼마 전 '구름탑'을 그렸는데, 내가 그리고 싶은 것이 무엇인지 알기 시작했다. 하지만 색상을 사용하고 배열하는 방법은 모두 임의적입니다. 저는 그림을 그리기 시작하면 그림을 보고 구조를 정리합니다.

스피릿 이스케이퍼의 유화 '자화상'

처음에는 도안이 없어서 직접 칠하고 넓은 면적을 칠했는데.. 최종 칠하고 나서는 안 했어요. 단계조차 기억나지 않습니다. 또 다른 예는 유동적인 그림이 있는데, 어떻게 복사하나요? 이것이 바로 피카소와 자오우키의 그림이 수집에 열광하는 이유라고 생각합니다. 독특하고 복제하기 어려운 것이 소위 '예술적 가치의 희소성'이다.

그러나 이 예술의 독창성을 지나치게 강조하지 마십시오. 독창성은 대부분 좋습니다. 하지만 절대 그렇지는 않습니다. 왜냐하면 일부 추상화는 무엇을 표현하는지 이해하지 못하고, 작가 자신이 자신의 무의식을 표현하고 있을 수도 있기 때문이다. 이런 '무의식'의 그림이 '아름답지' 않다면, 나는 그것도 예술이 아니라고 생각한다.

이 설명은 생생하지 않습니다. 이렇게 말하면 더 잘 이해할 수 있습니다. 각각의 그림을 '맛있는 식사'로 여기고, 그것이 무엇인지 이해할 수 있어서 좋습니다. 예를 들어 토마토, 스크램블 에그, 돼지 머리, 두 번 익힌 돼지고기 등이 있습니다. 내가 당신을 모른다면 어떻게 해야 합니까? 이것을 "큰 냄비 요리"라고 하며, 가장 중요한 것은 "맛"의 냄새를 맡는 것입니다. 예술에서는 '맛'을 '느낌'으로 이해할 수 있습니다. '아름답다'고 느끼면 구체적인 그림을 조사할 필요가 없습니다. 한마디로 색의 아름다움일 수도 있고, 공간의 아름다움일 수도 있고, 선의 아름다움일 수도 있다...

다빈치의 '모나리자'

많은 그림 친구들이 메시지를 남겼다. 나에게 어떻게 생각했는지 묻는다. 사실 답은 위에 있습니다. 슬플 때는 슬픔을 어떻게 표현해야 할지 고민하고, 기쁠 때는 어떻게 행복을 표현해야 할지 고민하게 됩니다... 일단 뇌에 감정이 생기면 물질이 됩니다. 당신의 인생 경험에서 그것을 요청하십시오.

나도 짧은 영상으로 내 그림을 공유했는데, 누군가는 “이 그림 실력은 최소한 10년은 넘게 배워야 한다”고 댓글을 달기도 했다. 솔직히 1년이 넘도록 체계적인 훈련이 이뤄지지 않습니다. 나 역시 남들이 이해할 수 있는 평범한 그림을 그리려고 노력했지만, 그림이 너무 딱딱하고, 형태와 구도 모두 만족스럽지 못했다. 나는 여전히 내 마음대로 그림을 그리는 것을 좋아합니다.

그림은 기법과 아이디어의 결합이므로 당연히 기법이 중요합니다. 하지만 기술을 잘 익힌 후에는 "기술"에만 국한되어서는 안 되며, 그 대신 "기술"이라는 도구를 사용하여 더 멀리, 아무도 탐험하지 않은 곳으로 가야 합니다. 그래서 저는 예술을 기술로 돌려보내라는 말 대신에 예술을 예술로 돌려보내라는 글을 쓰고 싶습니다!

독립학자, 예술가, 작가들의 산문 작품에서 발췌.