패션 일러스트 아바타 - 현대 최고의 인기 패션 일러스트레이터! 어떻게 만들어지나요?

패션 일러스트레이션: 500년 역사를 지닌 '패션의 악마'

패션 일러스트레이션은 옷이 등장한 이후 거의 500년 동안 존재해 왔다. 옷. 아이디어나 이미지가 패션 일러스트레이션으로 변신합니다. 이 시각적 형태는 일러스트레이션, 드로잉, 페인팅에서 유래되었으며 "패션 스케치"라고도 알려져 있습니다. 패션 디자이너는 주로 "패션 스케치"를 사용하여 아이디어를 종이나 디지털 방식으로 브레인스토밍합니다. 디자인에서의 주요 역할은 실제 옷을 재봉하기 전에 최종 결과를 미리 보고 시각화하는 것입니다.

다음으로 500년 역사를 지닌 '패션의 악마' 패션 일러스트레이션의 역사적 발전 과정을 단계별로 살펴보겠습니다.

1. 패션 일러스트레이션의 시작

패션 일러스트레이션은 16세기에 세계적인 탐구와 발견이 세계 여러 나라 사람들의 옷에 매료되면서 시작되었습니다. 변화에 대한 두려움과 이러한 발견으로 인한 사회적 불안에 맞서 싸우기 위해 다양한 사회 계층과 문화에 적합한 의복을 설명하는 책이 인쇄되었습니다.

1520년에서 1610년 사이에 200개 이상의 판화, 동판화, 목판화가 출판되었는데, 여기에는 특정 국적이나 계급으로 옷을 입은 인물들의 패널이 포함되어 있습니다. 이는 최초의 의류 일러스트레이션이자 현대 패션 일러스트레이션의 원형입니다. 이러한 일러스트레이션은 드레스 디자이너, 양장점 및 고객이 새로운 디자인에 영감을 주기 위해 사용될 가능성이 높습니다.

17세기 예술가 Jacques Callot와 Abraham Bosse는 둘 다 현대 조각 기술을 사용하여 시대 의상과 의상의 사실적인 세부 묘사를 만들었습니다.

이 정기간행물은 1670년대 프랑스와 영국에서 시작되어 최초의 패션 잡지로 간주되며 Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes, Le Journal des Dameset des 등이 있습니다. 모드. 이 기간 동안 최신 패션 뉴스에 목마른 여성 독자층이 증가함에 따라 정기간행물의 출판 수가 증가했습니다. 18세기 말과 19세기 초가 되어서야 남성 스타일의 일러스트레이션이 여성 일러스트레이션만큼 중요해졌습니다.

2. 19세기 패션 플레이트

패션 플레이트는 18세기 후반에 전면에 등장하여 파리에서 인기를 얻었습니다. "Incroyable set Merveilleuses" 등의 오브제와 나폴레옹 1세 시대 조르주 자크 가틴(Georges-Jacques Gatine)이 조각한 수채화 패션 그림 시리즈는 한동안 유명해졌습니다.

패션의 중재자로서의 프랑스의 위치는 국내외에서 패션 일러스트레이션에 대한 지속적인 수요를 보장합니다. 패션 의류에 대한 이러한 관심과 이에 대한 접근이 점점 더 광범위해지면서 19세기에는 150개 이상의 패션 정기 간행물이 발행되었습니다. 이 매우 상세한 패션 일러스트레이션은 패션 트렌드에 대한 정보를 포착하고 일반적인 양재 지침을 제공합니다.

이 단계에서 오뜨 꾸뛰르 맞춤 제작도 등장했습니다(1860년대 등장). 패션 회사는 여성복 디자이너와 직접 작업할 일러스트레이터를 고용했는데, 디자이너가 실제 모델에 천을 걸었을 때 일러스트가 등장했습니다. 디자이너가 새로운 디자인을 스케치할 것입니다. 또한 완성된 컬렉션의 각 디자인에 대한 일러스트레이션을 제작하여 고객에게 보낼 수도 있습니다.

19세기 말에는 수채색 인쇄가 풀 컬러 인쇄로 대체되었습니다. 패션 패턴은 두 개의 인물을 사용하기 시작했으며 그 중 하나는 뒷면이나 측면에서 볼 수 있으므로 의류를 더 많은 각도에서 볼 수 있어 복사가 더 쉬워졌습니다. 19세기 일러스트레이터들의 초점은 정확성과 디테일이었습니다. 시청자에게 포괄적인 정보와 지침을 제공하기 위해 정적 이미지 규칙을 준수합니다.

3. 20세기 패션 잡지와 일러스트레이션

20세기 초반, 현대적 의미의 패션 일러스트레이션이 처음으로 꽃을 피웠습니다. 최신 패션 스타일을 유통하는 일이 점점 수익성이 높아지면서 패션 일러스트레이터라는 직업이 직업이 되었습니다. 이전에는 개인 예술가의 작품이었던 패션이 이제 하나의 산업이 되어 전례 없는 양의 새로운 상품을 생산하여 백화점 진열대를 가득 채우고 있습니다. 이 상점들은 쇼핑 문화라는 이름으로 새로운 오락을 발명했습니다.

1912년부터 1925년까지 발행된 프랑스 명품 잡지인 Gazettedubonton은 패션 해석에 있어 전례 없는 자유를 부여받은 젊은 예술가 그룹을 모았습니다. Iribe는 Charles Martin, Eduardo Garcia Benito, George · George Barbier, Georges Lepape 및 Umberto Brunelleschi를 포함한 유명한 출판물에 기여한 패션 일러스트레이터 중 선두적인 인물이었습니다.

그들이 Gazette를 위해 제작한 접시는 일본 목판화의 영향과 아르데코 스타일의 새로운 변화를 보여주었습니다.

미국에서는 대중 패션 잡지인 보그(Vogue)와 하퍼스 바자(Harper's Bazaar)가 현대 의류는 물론 사교 행사의 트렌드를 다루고 있습니다. Harper's Bazaar 잡지는 천재 Erte와 독점 계약을 체결했습니다. 이 계약은 1915년부터 1938년까지 지속되었으며 출판 역사상 가장 긴 계약 중 하나였습니다.

1910년부터 제2차 세계대전이 발발할 때까지 '보그' 잡지는 항상 표지에 삽화를 실었습니다. Vogue의 초기 표지에는 미국 일러스트레이터 Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape 및 F.X.의 삽화가 포함되어 있습니다.

제1차 세계대전 이후에는 에두아르도 베니토(Eduardo Benito), 샤를 마틴(Charles Martin), 피에르 브리소(Pierre Brissaud), 앙드레마티(AndreMarty) 등 유럽 예술가들이 합류했다.

4. 패션 일러스트레이션의 황금기

1920년대부터 1930년대는 패션 일러스트레이션의 '황금기'를 대표했습니다. 모든 상업 예술가는 패션 예술가로 간주되며 유능한 초안가입니다. 많은 사람들이 직물의 질감과 광택, 심지어 무게까지 권위와 확신을 가지고 표현할 수 있습니다.

사진과 인쇄 분야의 새로운 기술 발전으로 사진의 복제물이 잡지 페이지에 직접 등장하기 시작했는데, 이는 패션 그래픽이 더 이상 현대 생활을 대표하지 않는다는 것을 의미합니다. 1930년대 초에는 사진이 잡지의 첫 번째 선택이 되기 시작했으며, 1936년 보그(Vogue)는 사진 표지가 더 잘 팔리고 삽화가 내부 페이지에 통합되기 시작했다고 보고했습니다.

1929년 주식 시장 붕괴에 따른 경기 침체로 인해 미국 패션 산업은 파리 패션에 대한 의존도가 줄어들었습니다. 전쟁 기간 동안 미국의 의류 제조는 대량 생산 방법을 개선하고 사이즈를 표준화하는 등 큰 발전을 이루었습니다. 중산층 여성들은 저렴한 가격에 최신 패션 디자인을 구입하기 위해 숙련된 재봉사에게 의존했고, 보그(Vogue)나 여성 저널(Women's Journal)과 같은 잡지에서는 홈 양복 제작자에게 매우 귀중한 패턴을 출판했습니다.

보그 매거진의 주요 목적은 독자들에게 패션을 최대한 보여주는 것입니다. 사진은 일러스트레이터가 의복을 정확하게 기록할 필요에서 벗어나 패션 의복을 해석하는 경향이 더 큽니다. 매거진 발행사에 따르면 "주로 흥미로운 회화적 효과와 장식적 효과를 얻는 데 관심이 있는 아티스트들은 현대 패션 정신에 따라 무엇이든 충실하게 보도하는 데 부담을 느끼고 지루해한다"고 밝혔다.

디올의 "뉴 룩" 1940년대 후반의 "는 전후 패션 부흥에 영감을 제공했습니다. 여러 면에서 이는 미래를 기대하기보다는 과거로 되돌아가는 후퇴적인 스타일이지만, 보다 밝고 낙관적인 시대로의 회귀를 상징하기도 합니다.

5. 패션 일러스트레이션의 파괴와 부활

1950년대까지 패션 편집자들은 사진 편집 커뮤니케이션에 더 많은 예산을 할당했습니다. 이후 패션 사진작가가 유명인의 지위로 승격되면서 일러스트레이터는 란제리와 액세서리에 관한 기사를 작성하거나 광고 캠페인에 참여하는 데 만족해야 했습니다.

1960년대 패션 일러스트레이션은 잡지 출판에서 계속해서 자리를 잃었고, 이러한 추세는 1960년대에 다수가 출판된 젊은이들을 대상으로 한 새로운 십대 잡지 카테고리에 반영되었습니다. 일러스트레이션은 모두 사진에 대한 저렴한 대안으로 일러스트레이션에 중점을 둡니다.

안토니오 로페즈(Antonio Lopez)는 이 기간 동안 보그 잡지에 정기적으로 출연한 유일한 아티스트였다. 그의 경력은 '여성복 데일리'에서 시작됐다.

20세기 후반 패션 일러스트레이션은 생존을 위해 분투했고, 1980년대에 이르러서야 부활하기 시작했다. 새로운 세대의 예술가들은 La Modeenpeinture(1982), Conde Nast의 Vanity(1981) 및 Visionaire(1991)와 같은 잡지에 소개되었습니다. 이러한 부활은 광고 캠페인, 특히 1993년부터 1996년까지 진행된 Barney의 뉴욕 광고 캠페인에 기인합니다.

6. 오늘날의 패션 일러스트레이션

최근 패션 일러스트레이션은 순수미술과 상업미술 사이에서 중요한 장르로 재평가되고 있습니다. 아름다움과 우아함은 패션과 예술 모두에서 시대에 뒤떨어진 시대가 되었기 때문에 패션 일러스트레이션은 때때로 이전 시대로의 회귀처럼 보일 수 있습니다.

사진은 의복의 세부 사항을 기록하는 데 매우 효과적이므로 일러스트레이터의 초점은 더 이상 의복의 정확한 표현이 아니라 의복과 해당 착용자를 설명하는 데 중점을 둡니다. 20세기 후반과 20세기 초반에는 디지털 도구와 소셜 미디어 플랫폼을 활용하여 다양하고 독특한 예술적 스타일을 발전시켰습니다. 1990년대에는 선구적인 일러스트레이터인 Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks, Kristian Russell이 컴퓨터 그래픽 분야에 등장하기 시작했습니다.

이 시기에는 컴퓨터 디자인 프로그램인 어도비 포토샵(Adobe Photoshop)과 일러스트레이터(Illustrator)가 등장하고 전통 예술을 기반으로 한 패션 일러스트레이션이 부활하는 시기였습니다. 뉴욕의 파슨스 디자인 스쿨(Parsons School of Design)과 FIT 스쿨(FIT School)은 패션 과정의 전용 요소로 일러스트레이션을 제공하기 시작했습니다. 손으로 만든 "전통" 일러스트레이션은 르네상스를 누리고 있으며, 패션 일러스트레이터들은 종종 스타일 영감을 얻기 위해 과거의 거장들을 돌아봅니다. 고전적인 방법을 기반으로 한 패션 일러스트레이션은 보다 현대적인 프로세스로 만들어진 일러스트레이션을 성공적으로 보완했습니다.

최근에는 패션 디자이너와 일러스트레이터의 협업을 통해 일러스트레이션이 인기를 끌고 있다. 소셜 미디어를 활용하면서 패션 일러스트레이터들이 사람들의 주목을 받기 시작했습니다. 세련된 일러스트레이션은 생동감 넘치는 색상, 복잡한 패턴, 무한한 개성으로 가득 차 있어 지속적인 인상을 남깁니다.

공개 계정 'Painting Practice'에 오신 것을 환영합니다. 일러스트레이터들의 그림 비법이 담긴 선물 패키지를 무료로 받을 수 있고, 전 세계 상업용 일러스트레이션 가격 동향도 알아볼 수 있습니다. 이 시대 가장 핫한 패션 일러스트레이터! 어떻게 만들어지나요?

가장 인기 있는 일러스트레이터

패션계 최고의 대변인이기도 하다

데이비드 다운튼,

1959년 런던 출생 .

어렸을 때부터

그에게 가장 좋은 선물은 커다란 백지였다.

그러나

데이빗이 예상하지 못한 것은

오랫동안 그림을 그리며 생계를 꾸릴 수 있다는 것이었습니다.

▲데이비드 다운튼은 어린 시절 그림을 그렸다

▲스튜디오는 그 자체로 그림 같은 곳으로, 피카소의 작업실 못지않게 아름답습니다.

▲'재미있고 유익한' 작업대에서 멋진 작품을 만들 수 있습니다.

David는 처음에 그래픽 디자인을 공부했고,

그의 첫 작품은 1980년대 초반이었습니다.

whichComputer 잡지의 표지 디자인이었습니다.

▲ 데이비드 다운튼이 1998년 뉴욕에서 그린 패션 일러스트레이션. 잉크와 아세테이트 종이로 제작되었습니다.

▲1998년 데이비드 다운튼이 크리스틴 라크로아를 위해 그린 패션 일러스트. 소재는 잉크와 컬러박스 종이.

15년 동안

David는 프리랜스 일러스트레이터로 활동해 왔습니다.

무슨 일이 있어도

프리랜서 일러스트레이터의 삶을 즐기고 있다.

▲1999년 장 폴 고티에가 디자인한 패션 디자인을 위해 데이비드 다운튼이 그린 일러스트. 블랙 롱 드레스와 블랙 선글라스가 어우러져 더욱 시선을 사로잡는다. 데이비드는 케이트 모스(Kate Moss)를 프로토타입으로 삼아 팝 스타일을 활용해 패션의 클래식한 매력을 표현했다. 이 작품은 패션계에서 상당히 유명한 작품으로, 최근 몇 년간 패션 일러스트레이션 업계를 대표하는 작품 중 하나입니다.

▲1999년 데이비드 다운튼이 발렌티노를 위해 그린 패션 일러스트레이션. 라크로아, 에릭 등의 화풍과 유사하게 그가 사용하는 컬러는 모던함이 가득하다.

▲ 데이비드 다운튼이 1999년 런던에서 만든 패션 일러스트레이션 팔로마 피카소. 소재는 구아슈, 잉크 카트리지 종이, 아세테이트 종이 코팅입니다.

▲1999년 런던에서 데이비드 다운튼이 이만을 모델로 완성한 종이 컷 병 스티커. 아세테이트 종이를 덮은 팬톤 종이에 잉크로 그린 그림입니다.

다비드의 작품 라인은 단순하고 부드러우며

질감이 매우 풍부하고 스타일이 가식적이지 않습니다.

다비드의 우아한 자세를 잘 보여줄 수 있습니다. 인간의 몸.

이 독특한 그림 스타일 때문에

어떤 사람들은 그에게 패션 일러스트레이션 작업을 요청하기 시작했습니다.

그 중에는

85세의 불멸의 전설 카르멘 델로피체

그녀도 데이비드의 뮤즈 중 한 명이다.

▲ 데이비드 다운튼이 2000년 뉴욕에서 그린 패션 일러스트. 모델은 카르멘 데일 오르페우스, 의상 디자인은 티에리 뮈글러. 이 작품은 먼저 팬톤 종이에 오일 파스텔로 그린 뒤, 아세테이트 종이로 코팅한 뒤 잉크로 칠했습니다.

▲데이비드 다운튼은 2001년 유럽의 유명 패션잡지 편집장인 안나 페이지의 초상화를 그렸습니다. 그는 이 '패션 대모'의 영혼을 성공적으로 포착했습니다. 과장된 컬러 매칭, 장난스러운 표현, 거침없는 애티튜드와 겉보기에는 거칠지만 매우 능숙한 붓놀림이 어우러져~완벽해요!

▲데이비드 다운튼은 2002년 샤넬의 디자인 디렉터 아만다를 역임했습니다. 초상화: Harleezy.

그는 평소 라크로아, 안토니오, 에릭 등 아티스트를 동경해왔다.

따라서

초기 화풍에는 색이나 선에서도 비슷한 점이 있다.

1996년에는 잡지의 고급 패션쇼 일러스트레이션을 제작했다.

1997년에는 파리 오트쿠튀르 쇼에서 활동했다.

처음에는 눈이 부시고 전혀 준비가 되어 있지 않았으나

그러나

파리 패션쇼는 진짜였고

아티스트에게 영감을 주었다 .

파리에는 가장 아름다운 여성과 최고의 디자인 작품이 있습니다.

그리고 여기 있는 모든 것이 매력적이에요.

데이비드는 모델들이 패션쇼에 있을 때 그림을 그리지 않았습니다.

전혀 불가능하다고 느꼈기 때문에

그냥 사진을 찍거나 옆에서 지켜보며

모든 감동을 진심으로 느꼈다. .

그는 그림을 그릴 수 있는 모든 기회를 놓치지 않았습니다.

모델이 아직 남아 있는 한 순간도 그의 눈에서 벗어날 수 없었습니다.

예를 들어 옷을 입어볼 때

가끔 기자간담회에서 모델이 쉬는 시간에도...

▲화장품도 그의 것 첫 번째 획과 두 번째 획 사이의 마음을 감동시키는 도구, 밝은 색상과 어두운 색상 모두에 적합합니다.

데이비드는 "처음 그림을 시작할 때 무대 위 캣워크에 맞춰 옷 자체의 모습을 복원하는 것이 내 몫이라고 생각했다. 그런데 처음 패션 컨퍼런스에 참석한 건 그때였다. 위는 베르사체 쇼에서 케이트 모스의 사라지기 전 팔만 ​​그렸기 때문에 지금은 모델이 보여주는 디테일을 즐기는 것이 가장 좋습니다.”

▲초안도 감동적입니다

그리고 그 다음이 비율, 색상 및 기타 세부 사항이라고 믿습니다.

그러나 이것이 더 어렵습니다. 할 것.

▲초안도 움직인다

데이비드는 수많은 디자인 초안을 그렸고,

가장 좋은 것을 선택했고,

그림이 거의 완성되자 그는 그것들을 제거하고

"분해하고 재구성"하기 시작했습니다.

그는 자연스러워 보일 때까지 계속 그림을 그렸습니다.

그는 "The Times", "The Independent",

Harper's Bazaar(a) 등 세계적으로 유명한 미디어에 글을 기고했습니다.

호주판) 등

패션 관련 리포트를 작성해보세요.

런던에서 3번의 개인전, 뉴욕에서 1번의 개인전을 가졌다.

최근에는

홍콩 쇼핑몰의 시각적 이미지를 디자인했으며

보그 여성 패션 시리즈의 일러스트를 그렸습니다.

▲데이비드 다운튼이 그린 2004년 '새터데이 이브닝 포스트' 표지. 이 작품은 파리에서 제작되었으며 구아슈, 수채화, 종이로 만들어졌습니다.

▲2004년 9월 탑샵 패션 컨퍼런스를 위해 데이비드 다운튼이 디자인한 광고 포스터. 이 브랜드는 젊은 디자이너들의 작품입니다.

▲2005년 보그(중국판)가 의뢰한 데이비드 다운튼(David Downton)의 일러스트레이션 발렌틴 피팅(Valentin Fitting). 재료는 잉크, 구아슈와 종이, 아세테이트 종이이다.

▲ 데이비드 다운튼이 2006년 YSL을 위해 그린 패션 일러스트레이션. 재료는 잉크, 수채화, 종이입니다.

▲2006년 데이비드 다운튼이 YSL을 위해 잉크, 구아슈, 목탄, 종이를 사용해 그린 패션 페인팅.

▲2007년 마담 매거진(독일판)이 의뢰한 데이비드 다운튼의 패션 일러스트레이션. 이 작품은 먼저 종이에 오일파스텔로 그린 뒤, 아세테이트 종이로 코팅한 뒤, 잉크와 구아슈로 칠했습니다.

▲2007년 The Times of London에서 David Downton이 의뢰한 일러스트레이션. 재료는 잉크, 구아슈, 종이이다.

▲David Downton이 2008년 잡지 PourquoiPas에 그린 일러스트. 모델은 Dita Vontes입니다. 소재는 잉크, 구아슈, 종이, 아세테이트 섬유입니다.

데이비드가 섹시한 댄서를 생생하게 그려냈나요~

막대를 갈아 바늘로 만들고 싶다면~

넘어가는 능력을 갖고 싶다면~ 기타 ,

능력을 극한까지 키워야해요! 완전 예쁜 소녀 아바타/벽지가 왔어요

그녀가 그리는 그림은 모두 꼬마 요정이라 아바타용으로 딱이에요!! !모두가 정말 요정이고 아름답습니다!! 아바타와 배경화면을 바꿔보세요!!

다음 그림은 아티스트 Aoi Iiko의 작품입니다.

참고: 모든 그림은 일러스트레이터의 노력입니다. 그냥 조용히 감상하자. 자신만의 휴대폰 아바타나 배경화면을 복사하거나 만드는 데 사용할 수 있으나, 상업적으로 사용하려면 일러스트레이터의 승인을 받아야 합니다. (동료 일러스트레이터가 제 공유가 불편하다고 느끼신다면 꼭 연락주세요 삭제하세요~일러스트 고수님들 감사합니다 인사드려요!!)

더 이상 고민하지 말고 함께 즐겨보세요

성좌도 있어요 시리즈 (근데 2개가 빠졌네요- -)_

위 일러스트 중 어떤 것이 가장 마음에 드시나요?

저는 고양이와 개를 사랑하는 무사시입니다. 코지로.

저는 셀프 미디어를 처음 접하는 사람입니다. 제가 공유하는 콘텐츠가 마음에 드셨으면 좋겠습니다. 시청해 주셔서 감사합니다~