전통문화대전망 - 전통 미덕 - 일본 전통 의류 일러스트레이션-패션 디자인에서 흔히 볼 수 있는 일러스트의 예술 스타일은 무엇입니까? 자세히 말씀해 주시겠어요?
일본 전통 의류 일러스트레이션-패션 디자인에서 흔히 볼 수 있는 일러스트의 예술 스타일은 무엇입니까? 자세히 말씀해 주시겠어요?
기모노 종류
일본의 전통 기모노에 따르면 남녀, 미혼, 기혼뿐만 아니라 캐주얼웨어, 드레스까지 다양하다. 남성 기모노는 디자인이 적고, 색깔이 단조롭고, 색이 짙고, 허리띠가 가늘어 입기 편하다. 여성용 기모노 스타일은 다양하고 색깔이 밝고 허리가 넓습니다. 기모노 벨트에 따라 매듭, 헤어스타일이 다릅니다. 기혼 여성은' 소매띠' 기모노를 입고 미혼 여성은' 소매띠 진동' 기모노를 입는다. 또한 방문, 놀이, 쇼핑 등 외출 목적에 따라 기모노를 입는 패턴, 색상, 스타일도 다르다.
소매와 기모노
여성은 친척의 결혼식과 공식 의식, 의식 등에 참석할 때 입는 옷으로, 검은색을 배경으로 다섯 가지 도안을 염색하고, 기모노 전신의 밑단 양쪽 끝에 도안을 인쇄하여 기혼 여성이' 검은 소매' 라는 기모노를 사용한다는 것을 보여준다. 또한 밑단에 3 개 또는 1 개의 패턴과 무늬가 찍힌 다른 색상의 원단을' 채색 소매' 라고 합니다.
긴팔 기모노 II
미혼 여성의 첫 옷은 소매의 길이에 따라' 대진소매',' 중진소매',' 소진소매' 로 나뉜다. 그중 마모가 가장 많은 것은' 진동 슬리브' 이다. 예를 들면 성인식, 졸업식, 연회, 모임, 친구 방문 등이 있습니다. 이런 기모노는 패션감을 주기 때문에 기혼 여성들이 점점 더' 진동 소매' 를 입는다.
기모노를 참관하다
전체적으로 패턴이 있는 말 잘 듣는 밑단, 왼쪽 앞소매, 왼쪽 어깨에서 깃까지 한 폭의 그림으로 최근 몇 년 동안 가장 유행하는 심플한 선물룩으로 인기가 있습니다. 개학식, 친구 잔치, 모임, 다과회 등은 나이, 결혼 제한 없이 입을 수 있습니다.
코몬 기모노
일반적으로 데일리 패션으로 전체적으로 작은 무늬가 염색되어 입고, 데이트, 쇼핑을 연습하기에 좋습니다. 젊은 여성이라면 반정식 모임에도 사용할 수 있습니다.
9 답변: 일본 전통 의상
남성 기모노
남성 기모노는 패턴이 있는 코트와 치마를 정식으로 입고 있습니다. 블랙을 제외한 패턴으로 염색한 다른 코트와 스커트는 모두 단순한 선물로 옷을 마음대로 코디할 수 있습니다.
개인적으로 무사복보다 못하다고 생각한다. ) 을 참조하십시오
수수한 기모노
단색 기모노입니다 (블랙 제외). 무늬로 염색한 거라면 옷으로 입을 수 있어요. 패턴이 없으면 데일리 패션 룩으로 활용 가능합니다.
"지불" 기모노
소매, 앞뒤, 칼라 패턴은 모두 기모노 프린트로 아래에서 위로 찍혀 있습니다. 기모노를 방문하는 것보다 가볍고 편해요.
패션 그림: 500 년의 역사를 가진' 패션 악마' 패션 일러스트레이션은 이미 500 년 가까이 존재해 왔다. 옷이 나왔으니 디자인 의류의 이념이나 이미지를 패션 일러스트로 바꿔야 한다. 이런 시각적 형식은 일러스트레이션, 그림, 유화에서 유래한 것으로,' 패션 스케치' 라고도 불린다. 패션 디자이너는 주로' 의류 스케치' 를 사용하여 종이나 디지털 방식으로 브레인스토밍을 한다. 디자인의 주요 기능은 실제 옷을 바느질하기 전에 최종 결과를 미리 보고 시각화하는 것입니다.
다음으로 500 년 된' 패션 악마' 의 역사 발전 과정을 패션 일러스트레이션으로 살펴봅시다.
1. 패션 일러스트레이션의 시작
패션 일러스트레이션은 16 세기에 시작되었는데, 당시 전 세계의 탐구와 발견으로 세계 각국의 사람들의 복장에 매료되었다. 각기 다른 사회계층과 문화가 입기에 적합한 책이 인쇄되어 변화에 대한 두려움과 이러한 발견으로 인한 사회적 격동을 해소하는 데 도움이 된다.
1520 년에서 16 10 년 사이에 특정 민족이나 등급을 입은 사람의 대지를 포함하여 200 여 가지의 판화, 에칭 또는 목판화가 출판되었다. 이것들은 최초의 의류 삽화이자 현대 패션 삽화의 원형이다. 이 삽화들은 의류 디자이너, 재봉사, 고객이 새로운 디자인 영감을 불러일으키는 데 사용될 가능성이 높다.
17 세기 예술가 JacquesCallot 과 AbrahamBosse 는 모두 현대 조각 기술을 사용하여 사실적인 의상과 시대 디테일을 제작했다.
이들 정기 간행물은 1670 년대부터 프랑스와 영국에서 출판되어 Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, LagalleriedesModes, Lecabs 를 포함한 최초의 패션 잡지로 여겨진다. 이 기간 동안 출판 저널의 수가 증가한 것은 시장의 최신 패션 뉴스를 알고 싶어하는 여성 독자들에 대한 반응이다. 18 연말과 19 초까지 남성 스타일의 일러스트레이션은 여성 일러스트레이션만큼 중요해졌습니다.
2. 19 세기 패션 판
Fashionplate 는 18 세기 후반에 먼저 등장해 파리에서 유행했다. 이 기간 동안 HoraceVenet 의' IncroyablesetMerveilleuses' 와 Georges-JacquesGatine 이 나폴레옹 1 세 때 조각한 일련의 수채화 패션 그림 등 간행물들이 유명해졌다.
프랑스는 패션 중재자로서의 지위가 국내외 패션 일러스트레이션에 대한 지속적인 수요를 확보했다. 패션의류에 대한 이런 관심과 패션의류에 대한 폭넓은 접근으로 19 세기에 150 여 종의 패션잡지가 등장했다. 이 매우 상세한 패션 일러스트들은 유행에 대한 정보를 포착하고 일반적인 의류 가이드를 제공한다.
이 단계에서 고급 패션이 등장했습니다 (1860). 패션 회사는 일러스트를 고용하며 여성복 디자이너와 직접 협력할 것이다. 디자이너가 옷감을 라이브 모델에 걸어놓을 때 일러스트는 새로운 디자인을 그려낼 것이다. 또한 완성된 시리즈의 각 설계에 대한 그림을 그린 다음 고객에게 보낼 수 있습니다.
19 연말까지 수동 컬러 인쇄가 풀 컬러 인쇄로 대체되었습니다. 패션 패턴은 두 개의 모양을 사용하기 시작하는데, 그 중 하나는 뒷면이나 측면에서 볼 수 있어 더 많은 각도에서 옷을 볼 수 있어 복사가 쉬워집니다. 19 세기 일러스트레이터의 초점은 정확성과 디테일이다. 이들은 청중에게 포괄적인 정보와 지침을 제공하기 위해 정물 이미지 규칙을 따릅니다.
셋. 20 세기 패션 잡지와 삽화
20 세기 초의 수십 년 동안 현대적 의미의 패션 일러스트레이션이 처음으로 번영하기 시작했다. 최신 패션 스타일의 발표가 점점 더 돈을 벌면서 패션 일러스트레이터의 일은 이미 직업이 되었다. 패션은 한때 예술가의 작품이었지만 지금은 산업이 되어 전례 없는 양으로 새로운 상품을 생산하여 백화점의 빈자리를 메우고 있다. 이 상점들은 새로운 소일거리 방식인 쇼핑 문화를 창조했다.
프랑스 사치품 잡지 Gazette 는 19 12 부터 1925 까지 출판되어 패션을 해석하는 데 있어 유례없는 자유를 얻은 젊은 예술가들을 모았다. Iribe 는 CharlesMartin, EduardoGarciaBenito, GeorgeBarbier, GeorgesLepape, UmbertoBrunelleschi 등 유명 간행물에 기고한 패션 일러스트레이터 중 선두주자입니다. 그들이' 공보' 를 위해 만든 인쇄판은 일본 목판화의 영향과 장식 예술 스타일의 새로운 변화를 보여준다.
미국에서는 대중시장 패션지 보그 (Vogue) 와 Harper'sBazaar 가 사교 행사와 현대 패션 트렌드를 다루고 있다. Harper 'sBazaar 잡지는 엘트와 19 15 부터 1938 까지 독점 계약을 체결하여 출판 역사상 가장 긴 계약 중 하나입니다.
19 10 에서 제 2 차 세계대전이 발발할 때까지' 보그' 잡지의 표지는 줄곧 그림이 무성했다. 보그' 의 초기 표지에는 미국 일러스트 헬렌던 (HelenDryden), 조지 볼프플란드 (GeorgeWolfPlank), 조지 레팡 (GeorgesLepape), F.X. 가 전시됐다.
제 1 차 세계 대전 이후 유럽 예술가들이 에두아르도 베니토, 찰스 마틴, 피에르 브레사드, 안드레마티를 포함한 유럽 예술가들이 합류했다.
4. 패션그림의 황금시대
1920 년대부터 1930 년대까지 이 시기는 패션 일러스트레이션의' 황금시대' 를 대표한다. 모든 상업 예술가는 패션 예술가와 완벽한 제도사로 여겨진다. 많은 사람들이 권위와 신앙으로 원단의 질감, 광택, 심지어 무게를 나타낼 수 있다.
사진과 인쇄 신기술이 발달하면서 사진 복사가 잡지 페이지에 직접 올려져 패션 도안이 더 이상 현대생활의 대표가 아니라는 것을 의미한다. 1930 년대 초까지 사진이 잡지의 첫 번째 선택이 되기 시작했다. 보그' 잡지 1936 에 따르면 사진 표지가 더 잘 팔리고 삽화가 내부 페이지에 들어가기 시작했다고 합니다.
1929 주식재해 이후 경기 침체로 미국 패션계의 파리 패션에 대한 의존도가 낮아졌다. 두 차례의 세계 대전 중에 미국의 의류 제조업은 큰 발전을 이루었고, 대규모 생산 방법을 개선하고, 사이즈의 표준화를 실현하였다. 중산층 여성들은 숙련된 재봉사에 의지하여 저렴한 가격으로 최신 패션 디자인을 살 수 있고,' 보그' 와' Vogue' Sjournal' 등 잡지가 발표한 도안은 가정재봉사에게 값진 것이다.
보그' 잡지의 주된 목적은 가능한 한 독자에게 패션을 보여주는 것이다. 사진은 일러스트를 의류에 대한 정확한 기록에 대한 수요에서 해방시키고 패션 의류를 해석하는 경향이 있다. 이 잡지의 출판사에 따르면, "예술가는 주로 재미있는 사진과 장식 효과를 얻는 데 관심이 있다. 그들은 현대 패션 정신에 관한 어떤 것도 충실하게 보도하는 것에 싫증이 나서 지루하다. "
디오는 1940 년대 후반' NewLook' 에서 전후 패션 부흥에 영감을 주었다. 여러모로 퇴보적인 스타일이다. 미래를 전망하는 대신 과거로 돌아가는 것도 더 밝고 낙관적인 시대로 돌아가는 것을 상징한다.
동사 (verb 의 약자) 패션 일러스트레이션의 파괴와 부흥
1950 년대에는 패션 편집자들이 사진 편집과 전파에 더 많은 예산을 썼다. 나중에 패션 사진작가가 유명인으로 승진한 것은 일러스트들이 속옷과 액세서리에 글을 쓰거나 광고 활동에 종사하는 것에 만족해야 한다는 것을 의미한다.
1960 년대에는 패션 일러스트레이션이 잡지 출판업에서의 지위가 계속 사라졌으며, 이러한 추세는 청년잡지라는 새로운 범주에 반영되었다. 이러한 잡지들 중 상당수는 1960 년대에 출판되었으며, 이 모든 삽화들은 삽화를 사진의 저렴한 대안으로 사용한다.
AntonioVogue 는 이 시기에 유일하게 정기적으로' 보그' 잡지에 등장한 예술가로, 그의 경력은' 여성복일보' 에서 시작되었다.
20 세기 후반에 패션 일러스트레이션은 이미 생존하기 어려웠고 1980 년대까지 부흥을 시작하지 않았다. Lamoden Peinture (1982), condenast's vanity (1981), visis 에서 이런 부흥은 광고 활동, 특히 바니가 1993- 1996 에 있는 뉴욕 광고 활동 덕분이다.
6. 오늘의 패션 일러스트레이션
미술과 상업예술 사이에 패션 일러스트레이션이 최근 중요한 유파로 재평가되었다. 아름다움과 우아함이 패션과 예술 분야에서 시대에 뒤떨어졌기 때문에 패션 일러스트레이션은 때로 더 이른 시대로 돌아가는 것 같다.
촬영은 의류의 세부 사항을 기록하는 데 매우 뛰어나기 때문에 일러스트의 중점은 더 이상 의류의 정확한 표현이 아니라 의류와 가능한 착용자를 설명하는 것이다. 20 세기 말 20 세기 초, 디지털 도구와 소셜 미디어 플랫폼의 지원을 받아 독특한 예술 풍격을 발전시켰다. 65438 년부터 0990 년까지 Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jasonbrooks, KristianRussell 과 같은 선구자 일러스트레이터가 컴퓨터 그래픽 분야에서 부상하기 시작했다.
이 시기는 컴퓨터 디자인 프로그램인 AdobePhotoshop 과 Illustrator 의 출현과 전통적인 예술 기반 패션 일러스트레이션 형식의 부흥을 목격했다. 뉴욕 파슨스 디자인 대학과 FIT 대학은 패션 수업에서 삽화를 특수 요소로 제공하기 시작했다. 손으로 만든' 전통' 일러스트가 이미 부흥했고, 패션 일러스트들은 종종 과거의 마스터를 되돌아보고 스타일 영감을 찾는다. 고전적 방법에 기반한 패션 일러스트레이션은 더욱 현대적인 방법으로 만든 일러스트레이션을 성공적으로 보완했다.
최근 패션 디자이너와 일러스트레이터의 협력을 통해 일러스트가 유행하기 시작했다. 소셜 미디어가 사용됨에 따라 패션 일러스트들이 사람들의 주의를 끌기 시작했다. 패션 일러스트레이션은 활기찬 색채, 복잡하게 얽힌 도안, 끝없는 개성으로 가득 차 있어 깊은 인상을 남겼다.
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패션 디자인에서 흔히 볼 수 있는 일러스트레이션에는 어떤 예술 스타일이 있나요? 자세히 말씀해 주시겠어요? 1 .. 유행 스타일
포프 스타일의 일러스트 아트가 등장해 20_ Lan50 _ Nafen 에서 유행하고 있다. 주로 상업예술의 창작 수법을 통해 대중문화와 상업예술을 일체화한 새로운 예술 풍격을 형성했다. 동시에 포프 스타일에서 비교적 과장된 만화 이미지, 신문판화, 유머러스한 표어 등은 모두 포프 스타일만의 것이다. 포프 스타일은 매우 예술적이다 [3] 앤디 워홀 (Andy Warhol) 은 패션 디자인 분야에서 포프 스타일의 발전에 기여한 가장 뛰어난 인물 중 한 명이다. 그는 처음으로 종이, 플라스틱, 인조가죽을 의류 제작의 기본 재료로 사용했는데, 그의 일러스트레이션에는 파격적인 디자인 이념이 담겨 있는데, 그 특징은 밝은 색채, 디자인 이념 전위, 선색 대담함이 특징이다. 지금까지도 포프 스타일의 삽화에는 앤디 워홀과 비슷한 점이 많이 남아 있다.
2. 추상 스타일
추상적인 스타일의 작품은 일반적으로 기하학적 점, 선, 면, 원, 삼각형, 정사각형을 기반으로 깊이 창작되며, 창작 스타일에는 전형적인 추상적인 특징이 있다. 몬드리안은 추상적인 스타일 작품에서 비교적 성공한 초기 인물 중 한 명으로, 그의 추상적인 스타일 창작 스타일은 독특하며, 각종 직사각형 도안을 일러스트레이션 내용으로 사용하는 것에 초점을 맞추고 있는데, 이런 일러스트레이션 예술 형식은 추상 스타일에 큰 영향을 미친다. 프랑스의 유명한 패션 디자이너가 창작한 추상적인 스타일의 작품' 빨강 노랑 블루' 를 예로 들어 보겠습니다. 이 작품의 영감은 몬드리안의 추상적인 스타일에서 유래한 것으로, 선, 삼각형, 직사각형 등 다양한 색상을 선택해 관객들에게 독특한 예술 감상 경험을 선사하며 작품에 강한 시각적 충격감과 신선함을 부여한다.
3. 비유 스타일
구체적인 스타일은 위의 두 가지 스타일과 다르며, 그 그래픽 특징은 일반적으로 사실적이고 사실적이다. 또한, 구체적인 스타일의 작품은 선의 표현이 비교적 직설적이며, 개괄, 과장, 변형으로 장식할 수 있어 작품의 색채감을 높이고 작품의 간결, 정교함을 부각시킬 수 있다. 이탈리아의 유명한 패션 디자이너 뮤시아 프라다를 예로 들자면, 그녀는 의상 디자인 창작에서 직접 삽화를 사용할 수 있는 능력을 가지고 있었다. 그녀는 의상 디자인 작품에 삽화를 채울 수 있었다. 그녀의 작품은 인물을 정성껏 빚고 작품의 색채와 화려함을 부각시키는 데 주력했다 [4]. 또한 구체적인 스타일의 라인은 우아하여 관객들에게 환상적인 심리적 체험을 줄 수 있다. 특히 의상 디자인에서는 디자인 작품의 정교함을 효과적으로 높여 동적인 미감을 줄 수 있다.