고전 예술과 현대 예술, 포스트 모던 예술의 차이와 연결

1. 현대예술의 해체는 고대 지중해 연안 (이집트, 그리스, 서아시아) 의 서양예술에서 기원하며 19 세기 후반에 변화의 조짐을 보이고 있다. 20 세기에 접어들면서 이 로고는 서구 예술의 주류, 즉 서구의 현대 예술이 되었다.

서양 현대 예술은 하나의 건물로 볼 수 있다. 다양한 비주얼 스타일로 구성되어 있으며, 이 건물을 짓는 원칙은 과학적이고 합리적이다. 이것은 서구의 수백 년 동안의 사상 문화의 핵심이며, 또한 우리가 여기서 부족한 것이다. 서양인들은 이러한 기술 및 사회 관리 방면에서 비약적인 발전을 이루었다. 그러나, 그것은 또한 삶의 활력의 일부인 한계를 가져왔다. 예를 들어, 자연의 매력은 남성과 여성에게 필수적입니다. 직위, 소득, 가족 지위의 관점에서만 생각하고 계산한다면, 우리는 이성적인 태도를 가질 수 있지만, 감정은 영향을 받을 수 있다. 따라서 인간의 감정과 정신이 관련된 곳이라면 과학만 들을 수 없다.

현대예술의 창작은 과학사상, 구조주의와 입체주의, 산업기술사상과 미래주의, de stijl, 기계제조형태와 다다주의의 기계스케치 그림, 프로이드의 석몽이론과 초현실주의, 이성적 수단의 비이성적 추상표현주의 등을 빼놓을 수 없다. 이 모든 것은 과학과 예술이 함께 노력한 결과다. 사람들은 예술 창작을 일상적인 창작 과정으로 삼아 예술가가 도면을 그릴 수 있게 하고, 공장은 이에 따라 생산한다. 당시 많은 예술가들이 각종 공업과 재료 실험에 종사하여 새로운 합성 재료를 발명하고, 기계 장치를 이용하여 작품의 동력 시스템이 되었으며, 음향 광학 전자가 새로운 예술 자원이 되었다. 다음 예술 활동은 당시의 상황을 설명할 수 있다.

(1) OPArt 는 광학 지식을 바탕으로 한 심리학 실험 예술이다. 제작자는 정확하게 보정된 색상과 형상을 통해 동적 조명과 색상 효과를 만들어 예술가를 대표해 Bridgei Riley 와 Vasa-relev 를 대표합니다.

(2) 아주 적은 예술 (ninlallsn 1) 은 예술작품의 공업화 생산과 수학적 정확성에 대한 추구가 특징이다. 대표 인물은 도널드 자드인데, 그의 작품은 보통 같은 단원의 반복이다.

(3) "운동 에너지 예술", 스위스 장 티티안 (Jean Tit-ian) 과 같은 많은 대표자들이 변형 화가를 만들어 제 1 회 파리 비엔날레를 위해' 향기로운 변종차' 를 만들었다. Len Iye 는 미묘한 균형으로 감동적인 조각품 등을 만들었다.

(4) 라이트 조각 (Lighi Ari) 은 네온사인 광고와 비슷한 형태의 조각의 또 다른 발전 방향이다. 대표 인물은 청년 예술가 댄 프라이빈이다.

(5) 1966 년 뉴욕 무기고에서 열린' 예술과 공학' 실험전은 첨단 기술로 설계된 많은 예술작품을 전시해 예술가와 과학기술 종사자들의 긴밀한 협력을 촉진시켰다. 이어' 예술과 기술 실험' 조직이 설립되어 참가자가 3000 명에 이른다.

세계 각지에서 자주 등장하는 비슷한 활동들이 더 많아 일종의 조류를 형성하고 있다. (윌리엄 셰익스피어, 템페스트, 희망명언) 예를 들어 뉴욕 현대예술박물관에는' 기계' 전시회가 있고, 휘트니 미술관에는' 빛' 전시회가 있고, 런던에는' 기계의 힘' 전시회가 있고, 로스앤젤레스에는' 공업' 전시회가 있다. 과학기술의 힘은 이미 중개예술에서 주도예술로 발전했고, 서구 현대예술은 과학의 힘으로 새로운 성과를 창출하는 동시에 자신을 돌아오지 않는 길로 보냈다.

다음 예술가는 1960s 예술과 공업의 결합을 대표하는 대표입니다.

(1) Barnetr-man 은 거의 반복되는 방식으로 단일 색상 블록을 만드는 추상적인 색상 표면 화가입니다.

(2) 데이비드 시티스 (1906 ~ 65

(3) 화가 Franckenthaler (1928-) 는 행동예술과 색채 추상을 결합하여 추상적인 표현주의 자원을 재사용하고 예술을 물리적 정보의 표현으로 바꾸었다. (4) 검은 줄무늬 화가 이타라 (Frank:tLixlla, 1936-) 는 구리와 알루미늄으로 캔버스의 다양한 모양을 탐색한다.

둘째, 현대예술의 성질은 서구 예술의 역사를 세 단계, 즉 전 근대성, 현대로 요약하는 학자가 있다. 후근대성. 이런 분할법에서 모든 예술은' 근대성' 을 둘러싸고 결정되며,' 현대성' 은 역사를 나누는 좌표가 되었다. 이런 분할 방법은 간단하고 기억하기 쉬우니, 우리는 소중히 여길 수 있습니다.

일본의 포스트 모던 문화에 관한 문장 중 미국에 거주하는 일본 문학 이론가 나오키 (NaOki SakiIJi) 는 "전 근대성, 현대, 포스트 모던 서열은 시계열을 함축하고 있다. 이 서열은 항상 현대 세계의 지정학적 구조와 결합되었다는 것을 기억해야 한다" 고 말했다. 지금은 잘 알려져 있습니다. 이 질서는 기본적으로 19 세기의 역사적 틀로, 이를 통해 민족, 문화, 전통, 인종이 이 이 체계에서의 위치를 알 수 있다. " 공식 무대의 구분은 순전히 시간적인 것이 아니라 공간과 얽혀 있다. 이것은 동시에 지역마다 다른 문명 단계에 있을 수 있다는 것을 의미한다. 예를 들어 19 세기에 중국은 봉건제였고 서방은 이미 자본주의에 들어갔다. 그래서 어떤 사람들은 모든 현대 예술이 현대 예술이라고 말합니다. 이것은 잘못된 것입니다. 현재 우리 나라 전시회에 등장한 많은 예술작품들은 당대 예술의 특징도 없고 현대예술의 특징도 갖고 있지 않아 동서양의 지역적 차이의 결과다.

"전 근대성" 이든 "후현대성" 이든 "현대성" 과 비교한 후에 견해를 가질 수 있다. "근대성" 이 무엇인지 알아내는 것이 이런 비교의 전제이다. 우리는 두 가지 각도에서' 현대예술' 이 바뀌는 이유를 관찰할 수 있다.

하나는 스타일과 형식의 각도이며, 이것은 양적인 개념이다. 이론적으로, 우리는 서구 현대주의 단계에서 창조된 시각적 형식과 스타일의 수를 계산할 수 있는데, 이는 이전 어느 시대보다 몇 배나 많은 것이며, 또한 중국의 기존 예술 형식과 스타일의 합은 비교할 수 없는 것이다.

다른 하나는 가치의 관점입니다. 가치란 무엇이 좋고 무엇이 나쁜 기준인가 하는 것이다. (서양속담, 가치속담) 가치는 매우 중요한 질적 개념이다. 값이 다르면 평가 결과가 달라집니다. 예를 들어, 명청문인의 가치로 오늘의 중국화를 보면, 오늘이 예전보다 못하다고 느낄 수 있다.

정량적인 관점에서 현대예술을 보면 서구 예술가들이 반세기 넘게 많은 노력을 기울였다는 것을 알 수 있다. 전방위 탐구의 정신은 예술 형식 (선반 위 예술) 전환의 다양한 가능성을 실천했고, 심지어 후세 사람들에게 탐구할 여지도 적었다. 혁명이 성공했으니 동지들도 고생할 필요가 없었고, 이후 예술가들은 어쩔 수 없이 다른 길을 개척할 수밖에 없었다.

가치의 관점에서 보면 현대예술은 기본적으로 엘리트 문화의 범주에 속하며 고아예술의 절개를 고수하고 서민과 한패가 되는 것을 하찮게 여길 수 있다는 것을 발견할 수 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 지혜명언) 이 개념은 본질적으로 역사적으로 귀족 문화의 파생물이지만, 사회가 변하여 영적 귀족이 세습 영토를 잃고 어쩔 수 없이 세계에 가서 분투해야 한다.

구체적으로, 현대예술의 가치관은 다음과 같은 방면에서 나타난다.

(1) 순수함을 추구하다. 현대 예술은 시각 제품의 순수성을 추구하고 창작에서 형식 요소만 고려하며 역사, 종교, 문학의 도입과 같은 다른 요소들을 소홀히 하여 추상 예술의 발전을 촉진시켰다. 일반적으로 순수 엘리트주의, 전문가 사상을 추구하는 데는 한계가 있어 지면을 감옥으로 그리는 것과 같다.

(2) 오리지널을 제창하는 것은 스포츠 경기의 기준을 예술에 적용하고 예술 창작을 예술사상 기록적인 경기로 삼는 것이지만, 스포츠는 우승열상이고 예술은 그렇지 않다. 예술의 발전은 진보가 아니라 변화이다. 예를 들어 피카소가 있다고 렘브란트가 나쁘다고 말할 수는 없습니다.

(3) 형식을 중시하는 것은 현대예술 특유의 습관이 아니다. 고전예술도 형식감을 매우 중시하지만, 고전예술의 형식은 내용의 표현에 복종하거나, 형식은 이미지 뒤에 감추고, 현대예술은 형식을 위해 형식을 중시하고, 형식에 독립된 가치와 기능을 부여한다.

(4) 자기 중심주의라고 불린다. 현대 예술가들은 종종 관객을 고려하지 않고 문을 닫고, 종종 이상한 행동과 이상한 옷차림을 통해 자신의 차별화를 표현하기 때문에, 그들의 작품은 매우 개인화되어 이해하기 어렵다. 이는 예술평론가들이 이런 작품을 해석할 수 있는 특권을 얻는 데 도움이 된다.

(5) 전체적인 단조로움. 즉, 현대예술이 유행할 때, 전통리얼 작품, 민족적, 지역적 특색을 지닌 작품, 저개발국의 작품들 등 모든 비현대작품들이 배제되어 전 세계의 예술가들이' 국경을 초월한 언어' 를 사용하게 되면서 어느 정도 글로벌 예술언어 빈곤을 초래한다는 뜻이다.

이러한 여러 방면에서 이해할 수 있듯이, 당연히 반대할 힘이 있다.

셋째, 포스트모던 예술의 출현은 현대예술에 반대하는 힘이 1960 년대에 나타난 것이 아니다.

과학기술의 힘이 모든 것을 휩쓸고 엘리트와 순수한 예술이 이미 바닥났을 때, 새로운 예술 활동이 나타났다. 이러한 활동들은 당시의 조류와 크게 달라 서구 예술이 전환점을 만들어 새로운 국면을 열었다. 그 당시 몇 가지 새로운 예술 활동은 다음과 같습니다.

(1) LandArt (Landart 또는 지오아트) 는 실내 설치 작품이 실외로 발전한 결과로 볼 수 있습니다. 최초의 스타일은 고대 이집트의 피라미드와 영국 부스의 둥근 돌기둥으로 거슬러 올라갈 수 있으며, 아메리카의 광활한 땅은 당대 예술가들에게 시전 재능을 제공하는 무대를 제공한다. 사막, 산맥, 초원을 원시 재료로 하여 거대한 기하학을 다듬거나 첨부하는 것은 지구 예술의 초기 특징이며, 가장 유명한 작품은 로버트 스미스슨의' 나선형 방파제' 이다. 이 댐은 폭이 65,438+05 피트로 관객이 몇 바퀴 돌 수 있지만 실제 기능은 없다.

(2) 장치는 예술적이지 않은 목재 재료이다. 실내에서 단기간에 전시할 수 있는 입체 전시품은 극히 소수도 박물관에 소장될 수 있으며, 예술적인 특색이나 스타일이 아니라 전시품을 배치하는 방식이기 때문에 많은 예술학교에 서비스할 수 있다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 초기 장치는 전통적인 조각 재료의 폐기에서 나온 것으로, "(1) 그것들은 그림이 아니라 조립된 것이다. 설명, 형성 또는 조각; (2) 그 구성 요소의 전부 또는 부분은 미리 형성된 천연 또는 인공 재료, 물체 또는 조각, 비예술 재료이다. 초기 설치 예술의 대표는 독일 다다주의 예술가 Klrtschw-itter 로 1920 년대에 각종 재료로 자신의 집을 가득 채웠다.

(3) BodV 아트는 창작자가 자신의 몸을 예술로 표현한 재료로 그림, 사진, 비디오 또는 기타 현장 기록 수단을 결합한 것을 말한다. 일종의 비극적인 공연 예술,' 비극적인' 은 허구, 공연, 가식성이 없다는 것을 의미한다. 예를 들어 Barry Lewa 의 작품은 기진맥진할 때까지 10 여 미터 떨어진 두 벽 사이를 달리는 것이다. 또 다른 비토 AC Conci 는 이전에 시인이었고 심리적 학대를 받는 경향이 있었다. 예를 들어, 그는 자신의 몸이 물릴 수 있는 부위를 물어뜯어 흔적을 물어뜯을 때까지 멈추지 않았다. 그는 또한 대중 앞에서 자위를 하고 확성기를 세워 소리를 퍼뜨려 대중을' 엿보기' 로 만들어 사회적 금기를 돌파하려고 했다. 다른 하나는 크리스 버튼입니다. 또 다른 유명한 작품인' 사격' 은 그의 친구가 비수 바깥쪽에서 그의 왼팔을 맞히게 하는 것이다. 이런 충격적인 기술은 즉시 그로 하여금 세계적인 명성을 얻게 했다.

(4) 관념예술 (ConceptuaI Art) 은 1920 년대 초반 다다 예술에서 유래한 것으로 예술이 신성하고 지속적인 가치가 없다고 생각하는데, 그 본질은 사상이나 개념이고, 물리적 형식의 구체적인 작품은 중요하지 않기 때문에 관념예술 (Ideaart) 이라고도 불린다 이 탐구의 종점은 글쓰기, 수학 또는 미학과 철학이다. 이론적으로, 이런 종류의 작품은 사실 관람을 위한 것이 아니며, 전통적인 전시 형식은 적용되지 않는다. 그러나 내면의 사상을 표현하고 외적 형식을 피하는 것은 장기적인 문제이다. 관념예술로 여겨지는 작품들은 대부분 미술관 등 공공장소의 임시 장치이다. 예를 들면 나무, 벽돌, 기타 잡동사니를 마음대로 쌓는 것과 같다. 한 가지 예는 거대한 새장인데, 그 안에는 살아있는 새와 다른 물체들이 있고, 또 다른 개념 예술 집단은 논문 집필에 종사하는 사람들이다. 대표 인물은 조셉 코수트, 메이 보치나, 한네 다보펜 등이다.

(5) 프로세스 아트 (Process art) 는 예술의 생산 과정이 사전 구상보다 더 중요하다고 생각하는데, 경험 시간의 흐름은 정지된 물체를 보는 것보다 조금 더 오래 가는 존재를 표현하려 한다. 이런 예술은 시간 변화를 쉽게 반영하는 연성 소재를 많이 채택한다. 최초의 출처는 폴록과 드쿠닌이 창작에서 우연히 튀는 물감으로, 창작 과정은 작가가 전시 자료에 대한 임의 변화였다. 대표 인물은 로버트 모리스입니다. 그의 작품 중 하나는 전시장에 무가치한 혼합재료를 쌓는 것이다. 그는 매일 이 재료들의 배치 상태를 바꾸고 전시가 끝날 때 그것들을 잘 두었다.

이 같은 행사와 함께 이후 서구 예술은 정반대의 두 가지 발전 추세를 보이고 있다. 하나는 순수한 예술, 즉 예술의 독립성을 유지하여 다른 것과 구별되는 것이다. 순예술에서 그림이란 무엇이고, 조각이란 무엇이며, 이미 명확한 정성적 정의를 가지고 있으며, 또 다른 추세는 예술과 비예술의 경계, 특히 예술과 생활의 차이를 혼동하는 것이다. 이전 예술의 소위' 순수' 는 바로 후자의 예술이 배척하려고 시도한 것이다. 거절의 이유는 예술의 본질은 창의력을 자극하는 것이고, 인위적으로 예술의 범위를 나누는 것은 창의력에 대한 속박이라는 것이다. 예술과 생활이 하나가 되어야 예술 창의력이 가장 광범위하게 구현될 수 있다.

새로운 예술 사상이 빠르게 확산되었다. 쓰촨 전후로 미국의 예술 잡지는 더 이상 플라스틱 강철과 기하학으로 가득 차 있지 않다. 자연자료, 행동과정, 환경 및 관객의 도입, 의미분석, 사진기록이 점차 예술매체의 주요 보도가 되고 있다. 이로써 현대예술의 관념, 방법, 형식이 크게 바뀌었고, 사람들이 이야기하는 포스트모던 예술도 이때부터 시작되었다. 그 이후로 연예인의 변화는 군사 인계가 아니다. 다음 회의는 정반대의 국면을 형성할 것이다. 이른바 신구, 결말과 오프닝은 종종 공존한다. 다만 서술의 편의를 위해 토론자들은 얽힌 사실을 분리하는 데 익숙해져 있다. 그렇기 때문에 우리는 학자들이 소위 유파 운동의 시작에 대해 많은 견해를 가지고 있는 것을 자주 볼 수 있다. 이 글에서는 포스트모던 예술을 논하는데, 우리가 의도적으로 시간의 순서를 찾아야 하기 때문에 동시에 공간의 분할을 병행할 수 없다는 점에서 독자들은 주의를 기울여야 한다.

서구 현대예술이 1960 년대에 변신하지 않은 이유는 다방면으로 일반적으로 다음과 같은 사회적 배경과 관련이 있는 것으로 여겨진다.

(1) 베트남 전쟁에서 미국의 실패는 반전 정서를 고조시켰다. 게다가 차가운 국제환경까지 더해져 인간 사회와 현실 생활에 대한 큰 희망을 품지 않고 기존의 인간 생활 기준을 더욱 경멸하기 시작했다. 문화 분야에서는 주류를 반대하고 영원한 가치를 부정하는 경향이 있다.

(2) 산업 발전의 바이스를 활용하는 방법. 공업의 진보는 인류 사회에 밝은 미래를 보여 주었지만, 환경오염, 에너지 부족, 유독폐기물, 핵무기의 위험과 같은 부작용도 점점 더 두드러지고 있다. 링 사람들은 과학기술이 일부 문제를 해결하는 동시에 새로운 문제를 가져왔다는 것을 깨닫고, 사람들은 산업 진보의 장단점을 각성하기 시작했고, 과학적 방법에 대해 의심을 품기 시작했다.

(3) 사회 문제가 두드러진다. 풍부한 물질생활은 정신문제를 해결할 수 없고, 전후에' 무너진 세대' 가 나타났다. 65438 년부터 0968 년까지 유럽과 미국에 학생 운동 열풍이 일어났다.

(4) 새로운 사상의 출현. 많은 유럽 철학자들이 당대 문화에 대해 새로운 견해를 제시하여 예술계에 영향을 미쳤다. 이 철학자들은 롤랜드 바트, 푸코, 데리다, 라콘, 리오타 등을 포함한다. 그들은 기존의 사회 흔들림 이론에 의문을 제기했는데, 이 이론은 다양한 문화 형식과 관련이 있으며, 이로 인해 사람들은 어떤 단일 이론적 틀과 최종 판단도 의심하게 되었다. 예술 분야에서, 그들은 구체적인 가치를 재확인하여 형이상학 적 현대 예술 추구와의 분리로 이어졌다.

위에서 언급한 외부 요인 외에 과도한 이성과 과학기술이야말로 예술 방향 변화의 내적 원인이다. 인류의 정신세계는 자연생태와 마찬가지로 변화무쌍하고 균형이 잡혀 있다는 것을 알아야 한다. 죄수 중 한 명이 과도하게 발전한다면, 그것을 극복할 수 있는 반대 힘이 있을 것이다. 과학이 대부분 예술에 개입한다면, 반과학 세력이 있을 것이다.

넷. 포스트모던 예술 가치관은 1980 년대 이후 미국을 중심으로 포스트모던 예술이 새로운 세계적 예술 트렌드가 되었다. 이러한 예술 현상을 종합하면, 우리는 현재 새로운 가치관이 성장하고 있으며, 주로 다음과 같은 방면에서 나타나고 있다는 것을 분명히 느낄 수 있다.

(1) 순수함을 추구하지 않고, 현대예술은 비주얼 형식, 언어, 음악 연극, 대중매체에만 국한되지 않는다. 디지털 비디오, 음향 광학 전기, 특정 정보를 전달할 수 있는 한 모두 있습니다. 그림은 평면 제한을 초월하고, 조각상은 경관과 건물을 짓고, 전시장도 갤러리와 박물관에만 국한되지 않는다. 현대 서양에서는 이른바 시각예술이라는 것이 이미 다른 종류의 예술과 구별하기 어렵다.

(2) 좋은 서비스 전통. 인류가 풍부한 전통문화 자원을 가지고 있어서 그것들을 버리는 것은 매우 아쉬운 일이다. 당대 예술가는 전통을 반대하지 않고 과거로 자신을 새롭게 한다. 시간과 환경 변화 후, 오래된 상징은 얼음을 나누는' 천서', 차이 구어 치앙' 초선석화살' 과 같은 새로운 의미를 가질 수 있다. 항상 이렇다.

(3) 개인화되지 않은 예술에서 19 세기 후반부터 J 세기 중반까지' 개인표현' 은 창작과 폭발의 주요 목표가 아니다. 포스트모던 예술은 사회적 기능을 강조하여 예술을 상아탑에서 벗어나 대중생활에 가깝게 한다. 예술가는 천하를 자신의 책임으로 삼고, 사회 문제에 관심을 갖고, 사회 활동에 적극적으로 참여하는 것은 더 이상 이상한 인물이 아니다.

(4) 다양한 기준,' 다양성' 은 당대 예술의 핵심 이념이다. 비록 세계에는 여전히 주류 예술 조류가 있지만, 더 이상 통일된 기준으로 판단하지 않는다. 예를 들면 다른 국가, 민족, 지역의 예술적 가치, 여성 예술, 원주민 예술, 저개발국의 예술을 인정하는 것이다. 그러나 체계화하기 어려운 복잡하고 혼란스러운 상황도 있다.

위의 토론을 바탕으로, 아마도 우리는 포스트 모던 예술에 대한 조잡한 인식을 가질 수 있을 것이다. 그것은 현대 예술에 대한 반란에서 비롯된 것이며, 새로운 사상을 표현하고 정보를 전달하는 방법을 발전시켜 관념과 기술을 변화시켰으며, 그것이 대표하는 대중의식, 다원적 가치, 자유창조정신은 서구 당대 문화의 발전 추세를 반영한다. 그러나 지역, 문화, 체제의 차이로 인해 중국 예술계는 단기간에 이 글로벌 예술 운동에 전체적으로 녹아들지 못했다.

동사 (verb 의 줄임말) 두샹의 영감은 서구 포스트모던 예술의 화제에 대해 언급하지 않을 수 없다. 프랑스 화가 마세디 두상은 여전히 서구 포스트모던 예술의 아버지로 묘사된다. 그의 예술과 생활이 서구 포스트모던 예술의 많은 기묘한 현상을 이해하는 데 큰 도움이 되지만, 두샹을 이해하는 것은 어려운 일이다.) 왜냐하면 그의 작품과 생활이 일반인과 너무 멀리 떨어져 있기 때문이다. 설명하기 어렵다.

두샹의 예술 실천은 서기 1930 년에 끝나고 서기 1968 년에 세상을 떠났지만, 가뭄기에 짧은 예술 활동은 후세에 지속적인 영향을 미쳤다. 19 13 년, 그는 첫 기성품 예술작품인' 자가용 바퀴' 를 완성하여 전통작품의 구조에 대한 경멸을 표현했다. 이것은 또한 예술 창작에서 가장 중요한 요소가 제작 기교가 아니라 관념이라는 것을 암시한다. 초콜릿 연삭기 8 호' 는 거의 두상 마지막 선반 작품으로 학원파 유화에 대한 조롱이다. 두상 19 15 이후 뉴욕에 정착했고, 19 17 년 봄에 소변기로 완성되었습니다. 또 다른 작품은 L.II.O.O.Q (19 19) 로 판화 모나리자에 콧수염을 붙이는 것이다. 두샹의 가장 중요한 작품은' 큰 유리' 로 일명' 신부가 그녀의 남자에게 옷을 벗겼다' 이다. 이 작품은 19 15 부터 1923 까지 완성되지 않았다. 192O 이후 두상은 광학과 영화에 대한 관심이 날로 높아져 쓰촨 시대가 되자 다시 장기로 흥미를 돌렸다.

두샹의 가장 중요한 공헌은' 기성' 예술이다. 세속적인 관점에서 볼 때 기성품 공업품이나 기타 물품을 예술전에 두는 것은 터무니없는 일이지만, 사실 그것은 인간의 예술과 세계에 대한 전체적인 견해를 변화시켰고, 사람들은 전통적 가치관과 예술 창작 모델의 필요성에 의문을 제기하기 시작했다. 서구 포스트모던 예술에서' 기성품 상품' 의 영향은 어디에나 있으며, 그것은 다음과 같은 방면에서 사람들에게 영감을 준다.

형식과 미감은 중요하지 않다. 예로부터 예술가들은 아름다움을 창조하는 형식을 천직으로 삼아 이런 작품에 숭고한 지위와 가치를 부여해 왔다. 그러나 두상은 아름다움은 존재하지 않는다고 생각한다. 예술과 예술을 창조한 사람은 특별히 숭고한 것이 없다. 그는 사람들에게 평범한 물체와 예술작품 사이에는 차이가 없고 과일예술은 아름답다고 말했다. 기본 상품도 예뻐요. 일반 상품이 예쁘지 않으면 예술품도 별로 좋지 않다. 소위 예술의 미적 가치는 사람들의 편견에 지나지 않는다. 그가 소변 주전자를 전시에 보낸 것은 이런 편견을 깨는 데 큰 역할을 했다.

(2) 환경과 시간은 작품보다 더 중요하고, 완제품이 예술품으로 실현되는 결정적인 요소는 환경과 시간이다. 작품 자체와 무관하다. 이것은 특정 조건 하에서 보여줍니다. 어떤 것이든, 심지어 행동도 예술이 될 수 있습니다. 한편, 조건이 바뀌면 어떤 일도 예술일 수 없다. 중국의 말에 따르면 이것은 옳다. 그것은 틀렸다. 환경과 시간이 항상 변화하고 있기 때문에 르네상스 시대의 고전 모나리자는 20 세기까지 그려 우스갯소리가 될 수 있다. 미술관에 바퀴와 걸상을 놓는 것은 구조주의 조각품과 맞먹는다.

(3) 예술을 자발적이고 자연스러운 상태로 되돌립니다. 인류의 최초의 예술 활동은 자발적이고 자연스럽며 특별한 훈련이 필요하지 않으며 예술가와 비예술가는 차이가 없다. 하지만 나중에 분업이 생겨 예술이 특별한 일이 되면서 예술에 대한 특수한 기준이 생겼는데, 이 분업과 기준은 이전 체제의 산물이라는 것이 분명하다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언) 인간성의 건전한 발전을 방해하다. 끊임없이 변화하는 사회 조건 하에서 이러한 기존 기준을 최고 법률로 보는 것은 불합리하다. 기성 예술' 은 기존 예술 기준, 심지어 문화 기준을 완전히 무시하고 익살스럽고 심오한 사상으로 문화 분야에서의 인간의 신중함과 솜씨를 조롱하며 자유와 창조정신이 충만한 새로운 시대를 부르는 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 예술명언)

(4) 기술 완화라는 제한. 사람들은 이미 예술 창작을 전문적인 기술 조작으로 삼는 것에 익숙해져 있기 때문에 미원과 전문 화가가 있다. 기성품' 의 예술은 저자 개인의 기술과 무관하며, 한 가지 선택만 있으면 되고, 선택은 일종의 사고 과정이며, 물질제품의 생산 기술과는 무관하다. 두상은 이곳의 사람들에게 예술의 가치는 사상에 있다고 말했다. 사상이 있으면 어떤 물질제품도 예술작품이 될 수 있다. 예술을 사상과 동일시하는 이런 방법은 전통적인 예술학과를 객관적으로 폐지하고 예술과 예술사가 곧 끝날 것이라는 이론적 판단을 함축하고 있다. (윌리엄 셰익스피어, 예술사, 예술사, 예술사, 예술사, 예술사, 예술사, 예술사, 예술사)

미국 화가 드 쿠니시는 "두상이 스스로 운동을 시작했다. 이것은 진정한 현대 운동이다. 모든 예술가가 그에게서 영감을 얻을 수 있다는 것을 암시한다" 고 말했다. 이는' 기성품 제품' 인 것 같다. 서양 예술의 발전 방향을 쉽게 역전시키는 것은 두상이 후세 사람들에게 남겨준 선봉의 이미지다. 뒤샹 이후, 모든 확립 된 예술 모델과 규범을 반대하고, 자유롭고 자유로운 자유 정신을 예술 창작의 목표로 서구 예술계의 * * * 지식이 되었다.

포스트 모던 아트의 특징 또는 추세

다양한 종류의 예술이 포스트모던 단계에서 다른 특징을 보여 주지만, 우리는 여전히 몇 가지 보편적인 특징이나 추세를 요약할 수 있다.

1. 가상화

손가락질' 도' 표시' 분야에 있기 때문에 사회현실도 기호해석으로 구성되어 있고, 기호해석 외에는 적나라한 사실이 없기 때문에 예술생산은 실천생산의 의의를 가지고 있다. 포스트 모던 사회에서는 예술이 더 이상 현실의 반영이 아니다. 반대로, 현실은 예술로 이루어져 있고, 현실은 가상, 건설의 현실이 된다. 이미지나 동영상 제작은 이미 흔히 볼 수 있는 예술 제작 방식이 되었으며, 포스트모던 현실주의 제작 방식이기도 하다. 우리는 웰시와 보드리아의 이론으로 이 현상을 설명할 수 있다.

2. 이벤트

영원한 본질의 폐지로, 모든 우연한 사건은 모두 자신의 의의를 가지고 있다. 포스트모던 행동예술은 사건의 복제성을 부각시켜 충격적인 현장 효과로 일상생활의 인과관계와 이성질서를 와해시켰다. 아도노와 레오타의 이론은 이 현상을 설명할 수 있다.

3. 개념적

현대 예술 자율의 관념이 전복되었다. 예술 자체는 예술을 구성하기에 충분하지 않다. 예술은 언제나 무엇에 관한 것이고, 예술의 이론적 해석도 예술의 구성을 포함한다. 예술은 철학에 점점 가까워지고 이데올로기의 개념이 된다. A. 단토의 이론은 이런 현상을 설명할 수 있다.

4. 타일

포스트 모던 아트도 포스트 모던 아트로 간주됩니다. 포스트 모던 아트 세계에서는 과거에 등장한 다양한 예술을 연결하는 타임 라인이 만료되었으며 미술사에는 "시간의 화살" 이 없습니다. 예술은 더 이상 고금의 구분이 아니라 내외의 차이가 아니다. 한때 등장한 모든 예술은 포스트모던 예술가가 유용하고 콜라주 대상이 될 수 있기 때문에 포스트모던 예술은 더 이상 오리지널을 요구하지 않는다. 슈스트만의 이론은 이 현상을 설명할 수 있다.

5. 유행

포스트모던 예술은 더 이상 영원한 가치를 추구하지 않고 고아와 통속, 엘리트와 대중의 차이에 반대하며 예술과 소비사회의 상품처럼 패션성과 대중적인 특징을 지녔다. 예술계에서 유행하는 것은 역사에 나타난 각종 스타일의 변화면이지만, 어떤 변화된 스타일이든 예술계에서 지속적인 지위를 차지할 수는 없다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 예술명언)

포스트모더니즘 예술의 기본 특징

(1) 심미 범주를 돌파하고 예술과 생활의 경계를 깨려고 합니다. (2) 전통예술과 현대주의 예술의 형태범주에서 방법론으로, 예술로 다양한 사고방식을 표현합니다. (3) 주관적인 느낌을 강조하는 것에서 객관적인 세계로 (4) 개성과 스타일에 대한 냉막 또는 적대감을 강조합니다. (5) 반감각의 결합에서 공업기계 사회와 공업기계 (6) 에 이르기까지 예술 대중화를 제창하고 대중매체를 광범위하게 사용한다.