궁중무용과 발레

발레의 전통과 형성에 대해 이야기하다

프랑스 발레의 음역은 다음과 같은 의미를 갖는다. ① 무대무용의 한 형태, 즉 흔히 발레로 알려진 유럽 고전무용. 유럽 ​​각지의 민속무용을 바탕으로 수세기에 걸쳐 지속적인 가공, 농축, 발전을 거쳐 형성된 엄격한 규격과 구조적 형태를 지닌 유럽의 전통 무용예술이다. 19세기 이후 여배우들이 발가락 끝으로 춤을 추기 위해서는 특별한 토 댄싱 슈즈를 신어야 한다는 것이 중요한 기술적인 특징이어서 이를 토 댄싱이라고도 부르는 사람도 있었다. ②무용극은 원래 유럽 고전무용을 주요 표현수단으로 삼아 음악, 무언극, 무대예술, 문학 등을 융합하여 이야기나 줄거리를 표현하는 연극예술을 가리킨다. 20세기 현대무용이 등장한 이후, 이야기의 내용이나 줄거리를 표현하기 위한 주요 표현수단으로 고전무용의 기법과 결합된 현대무용을 현대발레라고 한다. 점차적으로 발레라는 단어는 고전발레나 현대발레와는 춤의 스타일이나 구조적 특징, 표현기법 등에서 다르지만, 다양한 다른 춤을 주요 표현수단으로 활용하는 무용극을 지칭하기도 한다. ③ 현대 안무가가 창작한 무용작품에는 스토리 내용이나 줄거리가 없는 경우가 많다. 특정 음악 작품 등을 발레라고도 합니다.

발레라는 단어는 고대 라틴어 발로(ballo)에서 유래됐다. 처음에 이 단어는 춤이나 대중 앞에서 춤을 추는 것을 의미했을 뿐 연극 공연이라는 의미는 없었습니다. 무대예술로서 발레는 르네상스 시대 이탈리아의 대연회와 연예활동에서 탄생했으며, 17세기 프랑스 궁정에서 형성됐다. 낭송, 낭송, 희곡이 종합적으로 공연되는 공연으로, 전문 무용 교사가 기획하고, 왕과 귀족이 배우로 출연하며, 여성 역도 남성이 연기한다. 홀을 둘러보고, 배우들은 다양한 캐릭터의 가죽 마스크를 착용하므로 마스크 발레라고도 불립니다.

1661년 루이 14세는 파리 왕립무용학원 설립을 명령했다. 1770년대에는 비숍 리슐리외 궁전 극장에서 발레 공연이 시작되었습니다. 공연장과 관객의 시야각의 변화로 인해 배우들의 서 있는 자세는 점점 더 바깥쪽으로 향하게 되었고, 이로 인해 발의 5가지 기본 자세가 정식으로 결정되는 것이 공연의 발전 기본이 되었습니다. 발레 테크닉. 전문 발레 배우들이 등장해 점차 귀족 아마추어 배우들을 대체했고, 전문 여성 발레 배우들도 무대에 오르기 시작했고, 무용 기술도 급속히 발전했다. 발레 공연은 기본적으로 자기 오락적인 사회 활동에서 점차 연극 공연 예술로 변모해 왔습니다. 이 시기의 발레는 오페라에 종속되어 있었는데, 오페라에 발레 장면을 더한 것이 사실은 춤의 연속이었고 이때는 노래하는 발레나 발레 오페라라고 부르기도 했다. 이러한 상황은 18세기 중반까지 지속되었다. 18세기 발레 거장 J.G. 노웰(J.G. Nowell)은 발레 역사상 가장 영향력 있는 댄스 혁신가였습니다. 그는 1760년에 출간된 『무용과 무용극에 관한 서한』에서 처음으로 '플롯 발레'라는 개념을 제시하면서, 무용은 단순한 신체적 기술이 아니라 극적 표현과 이념적 의사소통의 도구임을 강조했다. 노웰의 이론은 발레 혁신의 물결을 촉진시켰고 그와 다른 많은 배우 및 안무가들의 지속적인 노력으로 발레는 내용, 주제, 음악, 무용 기술, 의상 등의 측면에서 일련의 개혁을 겪었습니다. 발레 마지막으로 오페라와 분리되어 독립된 연극예술을 형성할 수 있다.

발레 발전의 역사에는 크게 두 가지 미학적 관점이 작용해 왔다. 한 가지 견해는 발레가 "순수한 춤"이라는 것입니다. 16세기 이탈리아 무용 교사이자 "여왕의 코미디 발레"의 안무가인 B. de Beauroye는 발레가 "여러 사람이 춤을 추는 기하학적 패턴의 조합"이라고 믿습니다. 함께." 이러한 견해는 전적으로 발레의 형식적인 아름다움에만 초점을 맞추고 발레의 내용이나 줄거리를 거의 완전히 무시하여 뛰어난 기술과 화려함만을 순수하게 추구하는 경우가 많습니다. 18세기 중반 이전에는 이러한 관점이 발레 창작을 지배했습니다. 또 다른 견해는 발레가 '극적인 춤'이라는 점을 강조하는데, 노웰의 '플롯 발레' 이론은 이러한 견해를 가장 집약적으로 표현하고 있다. 그는 발레 작품에서 무용은 드라마틱한 내용을 표현해야 한다고 믿으며, “플롯과 안무가 통일되어야 하고, 논리적이고 이해하기 쉬운 스토리를 중심 주제로 해야 하며, 솔로 댄스나 플롯과 전혀 관련이 없는 댄스 부분이 있어야 한다”고 말했다. 탈락', 댄스 드라마에서는 "현란한 댄스 테크닉뿐만 아니라 관객을 감동시키는 드라마틱한 퍼포먼스"라고 평했다. 위의 두 가지 주요 견해는 오늘날에도 여전히 유효하며, 많은 안무가들은 드라마틱하거나 플롯이 있는 발레 작품을 만드는 데 전념하는 반면, 일부는 줄거리가 없는 발레에 관심을 갖고 두 가지 유형의 작품 모두에서 뛰어난 레퍼토리가 관객들에게 호평을 받고 있습니다. 평가받고 있으며 레퍼토리의 일부로 자주 연주됩니다. 20세기 이후 다양한 문학적, 예술적 경향이 발레 창작에 미치는 영향이 점점 더 뚜렷해졌고, 다양한 스타일의 작품이 많이 등장했습니다.

발레 작품을 만들 때 안무가는 문학적 대본(혹은 이야기, 시, 음악 작품)을 바탕으로 무용극 구조나 무용 구조를 구상하고, 배우들이 그것을 구현합니다.

연출가와 배우 모두 발레 언어(또는 발레 어휘), 즉 발레 기술과 발레 언어를 사용하여 특정 내용이나 감정을 표현하는 능력을 숙지해야 합니다. 표현하지 못하는 것, 배우들은 훈련을 받아야 하지만 발레 창작은 이러한 기본 조건이 충족되어야만 완성될 수 있다. 발레의 구조적 형태에는 독주무용, 이중무용, 삼중주무용, 사중주무용, 군무 등이 있다. 안무가는 고전무용, 인물무용(무대화된 민족무용 및 민속무용), 현대무용 등을 사용한다. 위의 형태에는 발레(분할 여부, <백조의 호수> 등), 단막 발레(<라 실피드> 등), 발레 스케치(<백조의 죽음> 등) 등이 있다. 이러한 발레의 구조적 형태는 19세기 후반에 고도의 표준화와 양식화로 발전했고, 이는 발레의 발전에 영향을 미치고 제한했다. 20세기 안무가들이 창작한 수많은 발레 작품에서는 이러한 규범과 절차가 크게 무너지고 새로운 탐구와 창작이 계속해서 일어나고 있다.

세계발레의 발전 개요

연회발레

발레는 15~16세기 르네상스 전성기에 이탈리아에서 등장했다. 고대 그리스의 예술 스타일을 모방하는 것이 가장 좋습니다. 최초의 발레 공연은 1489년 이탈리아의 한 작은 마을에서 밀라노 공작과 스페인 아라곤 공주 이다벨의 결혼식을 축하하기 위해 공연되었습니다. 당시의 공연 형식은 오늘날 우리가 보는 발레 공연과 전혀 달랐는데, 각 공연은 대략 음식을 제공하는 것과 관련이 있었습니다. 강이 나타나 물고기를 먹기 시작했습니다. 이어 수많은 신화 속 인물들이 무대에 올라 다양한 요리와 과일을 선보였고, 마침내 손님들이 모두 참여해 신나는 카니발 공연을 펼쳤습니다. 이는 노래, 춤, 낭송, 연극이 결합된 공연 형식으로 후대에서는 이를 '연회 발레'라고 불렀다.

궁정 발레

이탈리아 귀족과 프랑스 궁정의 결혼으로 인해 1581년 헨리 3세 여왕의 여동생 마가렛의 공연을 통해 이탈리아의 "발레" 공연이 프랑스로 전해졌습니다. 특별 결혼 축하 행사에서는 '여왕의 코미디 발레'가 공연되었습니다. 무대는 없었고 관객들은 벽이 3개 있는 2층짜리 갤러리에 앉았다. 왕과 고관들은 제단에 앉았고, 공연은 홀 바닥에서 이루어졌습니다. 안무가이자 연출가인 보로예는 프랑스에 고용된 이탈리아인이었다. 내용은 서큐버스 실세가 어떻게 아폴로를 정복했지만 프랑스 왕 폐하에게 항복해야 했는지를 보여줍니다. 공연은 연극, 음악, 춤, 낭송, 곡예가 혼합되어 있습니다. 루이 14세 시대(1643-1715) 동안 프랑스 발레는 전성기에 이르렀습니다. 루이 14세 자신도 춤을 좋아했고 훈련도 잘 받았습니다. 15세 때 궁정발레 '카산드라' 공연에 참여해 아폴로 신 역을 맡았다.

멜로드라마적 발레

18세기 유럽의 계몽주의는 프랑스 발레의 발전에 깊은 영향을 미쳤습니다. 발레를 귀족적 오락을 위한 장식으로 취급하는 것에 반대하는 것에는 발레가 현실을 드라마처럼 표현하길 원하고 발레가 사회적 내용과 교육적 의미를 가져야 한다고 주장하는 것이 발레를 플롯하는 시대의 배경이다. " 태어났다. 노웰은 유럽 발레 혁신의 주류를 대표하며 계몽주의의 민주적 정신을 구현하고 있습니다. 그는 "댄스 앤 댄스 드라마에 관한 편지"에서 발레에 대한 혁신적인 아이디어를 제시했습니다. 노웰의 학생인 장 도베르발(Jean Doberval)이 창작한 댄스 드라마 "주의 없음"(No Use of Caution)은 오늘날에도 여전히 공연되고 있으며 주요 현대 발레단의 레퍼토리가 되었습니다.

낭만발레

낭만발레는 발레 발전 역사상 '황금기'이다. 춤 실력과 안무, 공연 형식 면에서 화려한 무대를 경험했다. '라 실피드', '지젤', '에스메랄다', '해적' 등 댄스 드라마의 등장으로 페로, 부르농빌, 타고니, 엘슬러 웨이트 등 수많은 발레 재능이 탄생했다. 이 시기 발레의 특징은 다음과 같이 요약된다.

1. 내용과 주제의 변화. 다른 세상의 요정과 유령이 신화, 전설, 고대 영웅담의 등장인물을 대체했습니다. 현실에 대한 불만과 실망의 정서, 이 세계를 초월한 또 다른 세계에 대한 관심의 추구, 현실에 대한 실망을 없애기 위한 죽음, 삶에 대한 욕망을 대체하려는 비현실적인 추구를 반영한다. 대표작으로는 『라 실피드』(1832), 『지젤』(1841) 등이 있다. <지젤>은 프랑스 스타일을 하나로 모아 낭만주의 발레의 정점에 이르렀다. 이후 낭만주의와 현실주의가 결합하는 현상이 점차 나타나기 시작했다.

2. 댄스 실력과 퍼포먼스가 눈에 띄게 발전했다. 토댄스 실력은 여성 댄서의 퍼포먼스에 중요한 요소가 되었고, 남자 댄스 실력도 더욱 향상됐다.

3. 공연 형태에서는 가스등 조명과 대형 커튼을 사용하고, 발레 의상과 신발을 개량해 시적이고 경쾌한 스타일을 연출했다.

낭만발레의 황금기는 1830년대부터 1940년대까지 10여년 만에 침체되고 쇠퇴했다. 19세기 후반부터 유럽발레의 중심은 점차 러시아로 옮겨갔다.

러시안 발레

19세기 후반 유럽의 낭만발레는 쇠퇴했고, 역사적으로 발레를 부흥시키려는 사명은 러시아의 어깨에 맡겨졌다. 1940년대부터 외국 무용수들이 러시아를 자주 방문했다.

Taglioni 아버지와 딸인 Perrault, Saint-Leon 등의 공연과 안무 활동, 특히 Bournonville 학생 Johnson(상트페테르부르크)과 Brass(모스크바)의 교육 활동은 러시아 무용에 경의를 표했습니다. 프랑스와 이탈리아의 두 주요 댄스 학교의 본질을 세계적으로 발전시키고 점차적으로 새로운 사고 학교인 러시아 댄스 학교를 형성했습니다. Matipa와 Ivanov는 레퍼토리 구성에 결정적인 역할을했습니다. 차이코프스키는 <백조의 호수>, <잠자는 숲속의 미녀>, <호두까기 인형>을 통해 댄스드라마 음악의 혁신을 이루었고, 음악을 댄스드라마의 이미지 형성과 사건 서술의 기초로 삼았으며, 댄스드라마 안무가들이 생각하는 교향악무에 영감을 주고 풍요롭게 만들었다. . <백조의 호수> 2막은 무용시의 정점에 이르며 교향악의 한 예로 평가된다. 이후 글라주노프가 작곡한 <레이문다>(1898)와 <사계>(1900)가 있다. 이 작품들은 낭만주의 발레의 전통을 계승했을 뿐만 아니라 러시아 사실주의의 전통도 반영하고 있다.

20세기 초 러시아 발레는 이미 세계 발레계에서 독보적인 위치를 차지하고 있었고, 자신만의 레퍼토리와 공연 스타일, 교육 시스템을 갖추고 있었고, 수많은 안무가와 공연 재능을 갖고 있었다. 등장했다. 이후 러시아 발레계의 젊은이들은 새로운 공연 방식과 발전 경로에 대한 혁신과 탐구를 요구해왔습니다. Gorski와 Fokine은 그들의 리더입니다. Fokine의 혁신적인 아이디어는 Imperial Theatre에서 실현될 수 없었으며 그의 주요 작품은 Diaghilev Ballet을 위해 해외에서 리허설 및 상연되었습니다. 디아길레프는 1909년부터 3년 연속 러시아 공연 시즌을 조직했고, 1913년 몬테카를로에 본부를 둔 상설 극단인 '디아길레프 러시아 발레단'을 설립해 유럽과 미국을 순회하며 고전과 발레에 큰 영향을 미쳤다. 러시아에 보존되어 있던 전통 레퍼토리가 유럽으로 다시 보내지면서 유럽 발레의 부흥이 촉진되었습니다. 그룹이 해체된 후 멤버들은 유럽과 미국 여러 나라로 분산되었으며, 리파르는 프랑스에, 드 발루아는 영국에, 발란신과 포킨은 미국에 있었으며, 그들은 다양한 분야에서 발레의 부흥이나 창작에 중요한 공헌을 했다. 국가.

현대 발레

1929년 말, 리파는 파리 오페라 발레단의 상임 안무가이자 수석 무용수가 되어 1958년 떠날 때까지 실제로 개혁을 단행했다. , 발레 공연 전에 무대 뒤로 가서 무용수들과 이야기를 나눌 수 있는 고객의 100년 된 권리를 폐지했습니다. 매주 개회식도 열립니다. 1932년 Giselle의 부활에서 Lifar는 뛰어난 재능을 지닌 Albert 역을 맡았습니다. 프랑스의 대표적인 안무가인 로랑 프티(Laurent Petit)가 1965년 자라의 음악을 바탕으로 <노틀담의 꼽추>를 안무해 눈부신 성공을 거두었다. 1970년 모리스 베이야드가 각본과 감독을 맡은 <불새>는 가장 독특한 작품이다. 파리오페라발레단의 레퍼토리에는 '지젤', '코펠리아', '실비아' 등도 있다.

영국 발레는 주로 세 명의 위대한 여성의 생애 업적에 기인합니다. 수년간 왕립극장에서 프리마 발레리나로 활동한 아델리나 주네 부인, 니나 드 발루아 부인의 불멸의 작품은 왕립발레단입니다. Lady Mary Lambert는 그녀의 이름을 딴 발레단의 창립자입니다. 페스티벌 발레와 스코틀랜드 발레도 있습니다.

미국에는 국립발레단이 없었다. 발란신은 1933년 링컨 코스틴을 만나 아메리칸 댄스 스쿨의 주최로 초청받았다. 1948년에는 발란신이 예술감독이자 수석안무가로, 예술고문 제롬 로빈스가 부교수로 참여하면서 뉴욕시티발레단으로 변신했다. 전형적인 미국 댄스 스타일이 형성되었습니다. 또 다른 중요한 발레단은 1940년에 활동을 시작한 아메리칸 발레 극장(American Ballet Theatre)입니다. 감독을 역임한 이들 중에는 포드 킹, 맥신, 앤서니 튜더 등이 있다. 최초의 흑인 클래식 발레단인 조프리 발레(Joffrey Ballet), 아서 미첼(Arthur Mitchell)의 할렘 댄스 극장(Dance Theatre of Harlem)도 있었습니다.

덴마크 왕립발레단은 덴마크 민족 전통을 훌륭하게 계승한 발레단으로, 100년 전 부르농빌이 창작한 댄스극이 지금도 코펜하겐에서 순수한 스타일로 공연되고 있다. (사실 옛날 프랑스 스타일이에요) 덴마크 발레는 늘 전통의식이 강했어요. 1932년 Harald Randall은 1952년까지 왕립 극장의 발레 감독으로 임명되었습니다. 그가 프랑스와 영국을 위해 편곡한 "Etude"는 발레 기술의 눈부신 전시였습니다.

20세기 초 러시아의 영향력 있는 감독으로는 고르스키, 푸니, 포키네 등이 있다. 안나 파블로바(Anna Pavlova)는 1905년 "백조의 죽음"으로 포킨의 개념을 이상적으로 구현했습니다.

러시아에서는 10월 혁명 이후 고르스키가 연극의 표현성을 고집해 무용수들이 원래 궁정에서 제작됐던 스타니슬랍스키 방식의 캐릭터로 살아갈 수 있도록 했다. "붉은 양귀비"는 1927년 모스크바에서 공연되었습니다. 이 작품은 러시아 최초의 영웅적인 현대 무용극으로 고전 발레의 승리를 알리고 고전 발레가 따라야 할 원칙을 제시했습니다. 세묘노바(Semyonova)와 울라노바(Ulanova)가 데뷔했다. 새롭게 창작된 댄스 드라마는 극적 구조에 초점을 맞추고 안무가의 어휘력을 풍부하게 하기 위해 포크 댄스를 더 많이 활용했다. 러시아 발레가 부흥을 시작했습니다.

1581년 프랑스에서 '여왕의 코미디 발레'가 공연된 이후 400년이 넘는 세월 동안 발레는 전 세계로 퍼져 인류 문화유산의 중요한 부분으로 인식되고 있다. 5개 대륙에서 많은 공연을 펼치는 세계적인 예술계에서는 자체 전문 발레 학교와 발레 공연 단체를 설립했습니다.

오늘날 발레 예술은 번영하고 있으며, 클래식 발레, 현대 발레, 드라마 발레, 교향곡 발레 등 다양한 유파가 경쟁을 벌이고 있으며 많은 국가에서 점차 자신만의 스타일을 형성하고 있습니다. 발레의 예술적 표현에 있어 새로운 탐구와 창작이 끊임없이 나타나고 있다.

발레를 감상하는 방법

발레를 감상하는 방법은 크게 두 가지로 나뉜다. 하나는 전통적이고 다른 하나는 현대적이다. 일반적으로 감상 방법은 감상 대상과 통일되어야 한다고 주장한다. 즉, '초기', '낭만주의', '고전주의'라는 세 가지 전통 시기의 발레, 뮤지컬 발레, 순수 발레를 감상하기 위해 세심한 전통적 사고를 활용해야 한다고 주장한다. ".

전통적인 감상 방식은 관객이 30분 정도 전에 극장에 도착해야 일상의 사소한 일과 고민을 모두 극장 문 밖이나 지상의 공간에 맡길 수 있다. 휴대품 보관소에 가서 진정하고, 길 위의 군중, 시장의 소음, 직장의 논쟁, 그리고 사소한 문제와는 아무런 관련이 없는 매우 특별한 미학적 분야인 극장에 온 마음을 다하십시오. 가족과 함께 <실피드>, <지젤>, <코펠리아> 같은 인공 원더랜드와 <잠자는 숲속의 미녀>, <호두까기 인형>, <백조의 호수> 같은 꿈의 세계로 들어가 소란스러운 일상을 탈출하세요. 몇 시간 동안 도시와 정신적 압박을 받았습니다. 다음으로 프로그램 목록을 꼼꼼히 살펴보고, 줄거리 개요, 관련 코멘트, 무용단의 간략한 역사, 안무가와 무용수 소개 등을 꼼꼼히 읽어보고, 널리 알려진 발레 스타를 찾고, 다른 발레 스타를 상상해 볼 수도 있습니다. 중독성 있는 음악 명작, 고급스럽고 화려한 의상과 웅장한 풍경을 기대해 보세요...

현대적인 감상 방식은 관객에게 어떤 가혹한 요구도 하지 않고, 관객에게 행복한 철학을 선사하며, 왜냐하면 현대 생활의 리듬은 관객, 특히 전문 관객이 극장에 30분 전에 도착하는 것을 허용하지 않기 때문입니다. 이해하기 위해 가지고 있는 다양한 합리적 지식을 사용하려면 삶의 다채로운 지각 경험을 사용하여 참여하십시오.

이러한 감상 방식은 프로그램 목록에 있는 것들이 단순히 안무가들이 설정한 함정이거나, 댄스 드라마 감독이나 발레 안무가의 불일치를 만회하기 위해 팔린 만병통치약이라고 생각하여 시청하거나 볼 수 있다. 아니, 보지 않는 것이 더 좋습니다! 줄거리가 어떻게 "작성"되었는지는 중요하지 않습니다. 성공이나 실패는 그가 무대에서 어떻게 "춤추는지"에 달려 있습니다. 결국 발레는 주로 춤을 기반으로 하고 드라마로 보완된다. 그렇지 않으면 발레의 주연배우들이 파 드 되를 추고 난 뒤, 심지어는 변주곡을 추고 난 뒤에도 관객에게 경의를 표하는 일이 빈번하다는 것은 설명할 수 없을 것이다. 춤보다 드라마가 더 중요하다면, 이런 행동이 '드라마'가 아니겠는가? 어떻게 서구 관객과 평론가들이 한 세기 동안 이를 참을 수 있겠는가?

이러한 감상 방식은 연예인을 존경할 수 있다고 생각하지만, 감탄할 정도로 연예인을 숭배할 필요는 없습니다. 연예인 숭배 문화는 정말 너무 고전적이에요! 가장 중요한 것은 비평가들의 의견을 따르기보다는 자신만의 미적 기준을 따르고, 군중을 따르기보다는 자신의 눈과 마음 속에서 스타를 찾는 것입니다.

중국 발레의 역사

하하

1581년 프랑스 '여왕의 희극 발레' 공연을 이야기하면 늘 발레의 시작 - 프로토타입 그것이 사실이라면, 중국에서의 발레의 확산과 발전은 거의 3세기쯤 늦었을 것이다. 그러나 늦게 시작했음에도 불구하고 비약적으로 발전하고 있습니다.

20세기 초 외국 발레단이 중국에 와서 공연을 펼쳤지만 그 규모는 제한적이었다. 그 이후로 러시아 화교들이 중국을 방문하여 특히 상하이, 천진, 하얼빈 등지에 아마추어 사립 발레 학교를 개설하여 중국 발레 계몽 교육에 긍정적인 영향을 미치고 있습니다. 중국에서 발레의 진정한 성장과 발전은 중화인민공화국 건국 이후에 일어났다는 것은 의심의 여지가 없다. 이는 세계적으로 중요한 모든 우수한 문화예술을 적극적으로 흡수하고 지원하려는 중국 정부의 기본 정책과 밀접한 관련이 있다. .

처음 중국 발레에 영향을 미친 것은 러시아 학교였다. 1954년 2월 소련 최초의 전문가 O·A·YEALINA가 베이징에 초청되어 첫 번째 '교사 양성반'을 개최한 이후 1958년에 중국은 최초의 고전 발레 '백조의 호수'를 상연하면서 중국 발레는 급속한 발전을 이루었습니다. 초기 단계의 "트리플 점프". 이 기간 동안 발레 예술에 정통한 다이애련(Dai Ailien)도 중요한 역할을 했다.

첫 번째 '교사 양성반' 학생들(대부분 발레 훈련을 받은 이들)은 기적적으로 소련 무용학교 1~6학년 강의 계획서를 반년 만에 이수하고 모두 합격했다. 엄격한 심사. 그들은 같은 해에 설립된 발레 전공인 베이징 무용 학교의 교육 중추가 되었습니다. 그 이후로 저는 계속해서 연습을 거듭해 왔으며, 뛰어난 인재들을 양성하는 진정한 발레 교육자로 성장했습니다. "3단계 점프"를 달성하기 위한 중요한 방법은 훈련 중에 연습하고 수행하는 것입니다. 이 기간 동안 소련의 유명한 발레 예술가들이 종종 중국을 방문하여 공연을 펼쳤고, 이들의 뛰어난 공연은 많은 관객을 매료시켰으며, 중국인들은 점차 이 예술에 익숙해지고 사랑하게 되었습니다.

1957년 중국에서는 채플린의 지휘 아래 최초로 완전 발레를 공연했는데, 18세기 말 장 도베르발이 작곡한 작품이다. 당시 중국 발레 무용수들의 실제 수준에 적합한 현실적인 스타일과 공연을 통해 팀이 향상되었습니다.

1958년 10월, 북경무용학교는 구세프의 지도 아래 총력을 기울여 세계적으로 유명한 고전발레 '백조의 호수'(오데트 역: 백수상)(SWAN LAKE)를 성공적으로 공연했다. 플레이는 국내외적으로 큰 반향을 불러일으켰다. 엄격한 리허설을 통해 다재다능한 재능을 갖춘 발레팀이 빠른 속도로 탄생했다. 오늘날 "백조의 호수"는 중국에 '안착'하여 관객에게 가장 매력적인 발레가 되었습니다. 1959년 말, 중국 역사상 최초의 전문 발레단인 베이징 무용 학교 실험 발레단이 설립되었습니다. 이듬해 상하이에서도 베이징과 같은 구조의 무용학교를 설립하고 전문발레인재 양성사업도 맡게 됐다. 그때부터 북과 남은 발레산업의 새로운 국면을 열어나가기 위해 화답해 나갔다. . '백조의 호수' 이후 1959년과 1960년에는 구세프의 지도 하에 'LECORSAIRE'와 'GISELLE'을 성공적으로 공연했는데, 이 두 공연은 중국의 젊은 발레팀이 맡았으며, 서로 다른 스타일을 지닌 이 유명한 발레는 비교적 차분한 모습을 보였다. .

이 기간 동안 중국은 장주휘(1934~), 왕희현(1933~) 등을 모스크바 국립극원 무용연출과에 파견해 모두 우수한 성적을 거뒀다. 중국으로 돌아온 후 Jiang Zuhui는 졸업 작품인 "스페인의 딸"(르네상스 시대 유럽의 유명한 작가 Robert de Vega의 유명한 시극 "양천촌"을 각색하여 1961년 천진 가무 극장에서 초연)을 발표했습니다. ; Wang Xixian 베이징에서 그는 베이징 무용 학교 실험 발레단이 초연한 졸업 작품 "THE FOUNTAIN OF BAKHCH I SARAY"(러시아 시인 푸쉬킨의 유명한 시를 각색)를 연출하고 무대에 올렸습니다.

1963년에 중앙오페라댄스극장이 설립되었고 학교부속발레단은 실험단계를 마치고 국가수준의 극장이 되었다. 프랑스 유명 작가 위고의 동명 소설을 각색한 작품으로 중앙오페라무용극장에서 초연됐다. 불과 10년 만에 중국 안무가와 배우들이 기본적으로 창작과 리허설, 무대 공연을 독립적으로 컨트롤할 수 있게 됐다.

중국 발레의 창작과 실천은 1964년에 시작됐다. 실제로 1세대 발레 안무가들은 대부분 민속무용을 전공하다 발레 전공으로 전환했다. 발레의 국유화 탐구에 기여. 다양한 결과를 낳은 발레 국유화 탐구) 중국 최초이자 가장 성공적인 대규모 발레라고 할 수 있다. 내용부터 형식까지 뚜렷한 중국 스타일과 스타일을 갖고 있다.

"Red Detachment. of Women". 1964년 초연, 안무가: Li Chengxiang, Wang Xixian, Jiang Zuhui; 작곡가: Wu Zuqiang, Du Mingxin 등; 초연: 중앙 오페라 및 무용 극단, 여주인공: Bai Shuxiang이 Qionghua 역, Wu Jingzhu가 역 중대 사령관: Liu Qingtang이 Nan Batian 역을 맡았고, 주연 배우: Zhao Ruheng이 Qionghua의 동료 역을 맡았으며, 동명의 영화를 각색했습니다. 고문을 당한 경화는 집주인 남발천의 탄압을 견디고 호랑이 입에서 빠져나와 홍군 대표 홍창경을 만나게 되고, 이후 여군에 합류하여 뛰어난 혁명 전사로 성장하게 된다. 홍창칭의 죽음. 충격적인 비극적 구성, 웅장한 장면, 독특한 캐릭터, 하이난 섬의 현지 풍습으로 인해 이 무용극은 탄생 이후 발레 무대에서 전례 없는 영웅적인 모습을 만들어냈습니다. 쁘띠 슈즈를 신은 중국 여성부대의 대담한 이미지는 발레의 본질과 중국 스타일을 결합하여 발레 세계에 독특한 터치를 더합니다.

지음: 후롱롱(1929——), "The White- Fu Aidi (1936——), Cheng Daihui (1932——), Lin Yangyang (1939——)이 창작한 Haired Girl”은 “The Red Detachment of Women”과 동시에 발표되었으며 똑같이 중요합니다. 중국 발레의 또 다른 성공적인 탐구.

1965년 초연, Yan Jinxuan 작곡, 초연: 상하이 발레단의 여주인공: Cai Guoying(A), Mao Huifang(B), Xi'er 역, Gu Xiamei(A) Shi Zhongqin(B)이 주연을 맡았고, Ling Guiming이 주연을 맡았으며, Dong Xilin이 Yang Bailao를 연기했습니다. 동명의 오페라를 각색한 이 작품은 가난한 농부의 딸 시얼이 빚을 갚기 위해 깡패 집주인 황 시렌에게 팔려가는 이야기를 담고 있습니다. 산으로 도망칩니다. 오랜 세월 야외에서 살다 보니 머리가 하얗게 변했고, 모르는 사람들은 그녀를 '백발요정'(유령)이라고 불렀다. 결국 그녀는 팔로군에 의해 구출되어 팔로군 병사가 된 젊은 연인 다춘과 재회하게 된다. 오페라 '백발소녀'는 '구사회는 사람을 귀신으로 만들고, 신사회는 귀신을 사람으로 만든다'는 실화로 중국 내 수천명에게 감동을 안겼다.

이번 발레는 원작을 따르거나 편법을 택하지 않고, 발레의 예술적 특성에 맞춰 재창조한 발레이다.

중국 고전무용과 민속무용이라는 소재를 능숙하게 사용하여 사실성과 낭만을 결합하여 발레와 같은 방식으로 줄거리를 표현합니다. 극중 주인공에 대해: 시얼의 순진함, 달콤함, 강인함, '백발 소녀'가 된 후의 인내력, 군 입대 후 다춘의 단순함, 정직함, 용기와 노력, 황시인의 교활함과 악랄함... 등등 모두 더욱 생생하고 생생하게 그려져 있습니다.

'홍여애'와 '백발소녀'는 중국 발레 발전사에서 이정표 역할을 한다. 그들은 "외국의 소재를 중국에 적응시키는 것"의 더 깊은 실천이며, 독특한 중국적 특성을 가지고 발레 예술의 세계에서 독자적으로 자리매김하고 있습니다. 집단적 지혜가 경험의 부족함을 보완하여 발레 중국화에 대한 탐구가 더 높은 출발점에서 시작되어 빠르게 시작되도록 합니다. 다른 무용극, 무용극 작품의 운명과 달리 이 두 작품은 '문화대혁명' 시기에 '모범 오페라'로 지정되었으며, 당시에는 거의 상연이 허용되지 않았던 무용극이었다. 시대와 사회의 시련에도 불구하고 '붉은 여인상'과 '백발 소녀'는 여전히 예술적 활력을 유지하고 있습니다. 두 작품 모두 '20세기 고전'으로 인정받았다. 발레 분야의 문학적 회복기의 공연은 우선 서양 고전 발레 레퍼토리의 공연을 재개하는 것으로, 그동안 '빨간색'과 '백색' 하나만 본 수많은 관객들이 오랜만에 화려한 발레 예술을 접하고 '백조의 호수' 열풍을 일으켰다.

새로운 시대의 중국 발레는 활발한 발전 추세를 보여왔다.

우선 좀 더 개방적인 시각으로 발레뿐만 아니라 세계로부터 폭넓게 흡수되고 학습된다. 단일 러시아 학교로 제한됩니다. 1980년대 초반부터 영국, 프랑스, ​​독일, 스위스, 캐나다 등 여러 나라의 유명 발레예술가들이 우호교류의 형태로 잇따라 기술을 전수해왔습니다. 발레 베테랑 Anton Dowling과 유명한 발레 안무가 B. STEVENSON은 중국 국립 발레단에서 남성과 여성을 위한 순수 클래식 스타일의 "4중주"(TE-PASDE QUIXOTE), "Prelude" 및 "전주곡" 등 자신의 작품을 연속적으로 지도하고 리허설했습니다. 유명 발레 거장 발란신의 '세렌드(SERENDE)'... 등 대부분이 극단이 자주 공연하는 레퍼토리가 됐다.

또한 지난 10년 동안 중국은 다양한 스타일의 서양 고전 작품을 연속으로 공연해왔습니다. 예를 들어 1980년에는 Lisette Sanval의 개인 지도 하에 중국 국립발레단이 공연했습니다. 파리 오페라 하우스의 발레 마스터, 1984년 유명한 프랑스 낭만 발레 "Sylvia"(SYLVIA), 1985년 영국의 유명한 발레 예술가 Belinda Wright와 Yulisha Jerko가 리허설하고 공연했습니다. 세계적인 발레가 루돌프 누레예프와 발레 거장 유진 폴리야코프의 지도 하에 <돈키호테>(DONQUIXOTE), <로미오와 줄리엣>(1989, 로만 워커 감독), <슬리핑 뷰티>(1994)를 공연했다. , MacMillan MAC MILLAN 에디션, Maury 감독 Ke Parker)...모두 매우 성공적이었습니다. 특히 누예프는 타의 추종을 불허하는 뛰어난 기량과 극중 캐릭터에 대한 깊은 이해, 그리고 중국 국립발레단의 실태를 접목해 혹독한 훈련을 진행해 배우의 수준 향상에 큰 기여를 하며 역사에 한 획을 그었다. 중국 발레의 소중한 페이지. 위에서 언급한 많은 국제 교류 활동에서 Dai Ailien은 가교 역할을 매우 훌륭하게 수행했습니다. 동시에 베이징 댄스 아카데미는 배움과 실천을 결합하는 좋은 전통을 고수하여 "Coppelia"(1979)와 "La Bayadere"(1981)를 연속으로 공연했습니다. 상하이 발레단은 "Napoli"("라고도 함)를 공연했습니다. 어부'), '신부와 함께') 3막, 천진 노래무용단이 '스페인 딸'(1982)을 부활시켰고, 1981년 창단된 랴오닝 발레단이 '바다의 영웅들'(1983)을 창단했다. 이는 대중의 문화를 풍요롭게 했을 뿐만 아니라 전 세계의 권위 있는 발레 권위자들의 지도 아래 순수 클래식 발레의 명작을 공연함으로써 새로운 세대의 발레 재능이 급속도로 성장할 수 있게 해주었습니다.

1980년 5월, 왕치펑(여, 상하이)은 일본 오사카에서 열린 제3회 세계발레콩쿠르에 참가해 14위를 차지하며 우리나라 최초의 발레 메달을 획득했다.

1982년 6월, 미국 잭슨 국제발레콩쿠르에서 왕치펑(여, 상하이)과 장웨이창(베이징)이 공연 부문 3위를 차지했다.

1984년 11월 제1회 파리국제발레콩쿠르에서 왕치펑(상하이)과 왕차이준(베이징)이 파리오페라발전협회상을 수상했다.

이후 중국 참가자들은 각종 국제발레대회에 자주 출전하며 막강한 저력을 보여주고 있다.

1985년 - 제13회 로잔 국제 발레 콩쿠르에서 Li Ying(여자, 베이징)이 1위를, Xu Gang(베이징)이 2위를 차지했습니다.

1985년 - 제5회 모스크바 국제발레콩쿠르에서 탕민(여)이 최우수 연기상을 수상했고, 장웨이창(Zhang Weiqiang)과 조민화(Zhao Minhua)가 남자 파 드 되와 솔로 댄스 부문에서 각각 3위를 차지했다(모두 베이징 출신).

1992 - 탄 위안위안(상하이)은 같은 해 제5회 파리 국제 발레 콩쿠르에서 1위를, 탄 위안위안은 같은 해 제1회 일본 국제 발레 콩쿠르 여자 주니어 부문에서 금메달을 획득했다. 중국 랴오닝) 여자 참가자 Yu Xiaonan이 같은 세션 청소년 그룹에서 은메달을 획득했습니다.

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궁정무용

궁정무용

A 고대 궁전과 왕실에서 오락용으로 춤을 춥니다. 대부분은 민간에서 나온 것이고, 일부는 궁중의 전문 예술가들이 가공하고 제작한 것이기도 하다.

내용은 주로 황제가 자신의 덕을 찬양하거나 평화를 가져오기 위해 노래하고 춤추는 내용입니다. 형식은 더욱 깔끔하고 화려하며, 구조는 일반적으로 당시의 예술에 속합니다.