바로크 음악 스타일

1, 바로크 스타일 < P > 음악의 바로크 시대는 보통 16 년부터 175 년, 즉 몬트윌지부터 바흐와 헨드르까지 대략적으로 여겨진다. 175 년, 대위법 거장인 존 세바스티안 바흐와의 사별은 바로크 정상의 대위법 음악의 종말을 상징하며 바로크 시대의 종말을 상징한다. 이 기간을 바로크라고 부르는 이유는 한 시기 음악표현의 기술과 방식이 기본적으로 어느 정도 * * * 같은 점을 가지고 있기 때문에 이 명사로 표기하는 것은 특별한 의미가 없다. 바로크 (Baroque) 라는 단어는 프랑스어에서 유래한 것으로, 포루투갈어 barroco, 형태가 둥글지 않은 진주를 뜻한다. 바로크 말기 평론가들이 이 시기의 음악을 논평할 때 가장 먼저 사용했으며, 일반적으로 천박하고 기이하며 과장된 음악을 가리킨다. 바로크 이후 고전주의 시대의 음악가들은 음악 언어를 단순화하고 규범화하는 경향이 있는데, 그들의 견해로는 바로크 음악이 너무 과장되어 규범화되지 않았다. 그래서 바로크라는 단어는 평론가들이 17 세기와 18 세기 초반의 예술과 음악 작품을 가리키는 데 사용되었다. 자, 시간이 지남에 따라, 우리는 이 시기의 음악을 좀 더 깊고 세밀한 역사적 시각으로 볼 수 있습니다. 바로크는 더 이상 조잡하고 조잡한 의미를 가지고 있지 않지만, 바로크 전후의 음악 작품보다 과장과 다소 불규칙적인 특징이 있습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) < P > 르네상스 시대의 예술은 명료함, 통일, 조화를 중시한다. 그러나 16 세기 말까지 예술에서 감정의 요인이 날로 증가하여 맑고 완벽한 형식이 감정을 표현할 필요성에 압도되었다. 미술에서는 카라바조 (1573-161) 의 짙은 색채와 극적인 그림에서 볼 수 있다. 음악에서도 우리는 이미 마렌치오, 제수알도의 목가, 도렌드의 고곡에서 단단을 보았고, 그들의 차세대는 더욱 발전했다. 이런 강렬한 효과를 내기 위해서는 반드시 새로운 음악 스타일을 발전시켜야 한다. 일반적으로 르네상스 시대의 평온한 동시 음악은 더 이상 새로운 시대에 필요한 특색에 적합하지 않다. 바로크 시대의 가장 중요한 창조는 바로' 대비' 의 개념이다. 르네상스 시대의 음악은 유창했고, 각 성부 (보통 4 ~ 5 개 성부) 가 서로 얽혀 동시에 진행되었다. 16 년 이후 이런 직물은 점점 덜 쓰이고 교회 음악에서만 볼 수 있다. 교회 음악은 전통과 고정식 예배식에 묶여 있어 가장 보수적이기 때문이다. < P > "대비" 는 음의 높음과 낮음의 다양한 측면으로 표현될 수 있습니다. 속도의 속도와 느림 (빠른 단락과 느린 부분의 비교) 힘의 강도와 약점; 음색의 차이 독주 (노래) 와 전주 (합창) 등등. 이 모든 것은 바로크 시대의 음악 구조에 존재하며, 각각 그들의 지위를 가지고 있다. 바로크 시대의 많은 음악가들은 협주곡이나 복협주곡 형식 (이 단어 자체가 뚜렷한 대비 요인을 의미함) 을 사용하는데, 이 형식의 기본 특징은 직체의 전환이며, 때로는 한 성부 (독주) 나 여러 성부, 때로는 큰 집단으로 합주하기도 한다. < P > 가장 뚜렷하고 강한 대조는 당시 등장한 새로운 장르 중 하나인' 모노디' 로, 독창곡으로, 대략 그 위에 유창한 인성부가 있고, 아킬레트건이나 깃털 건반 반주가 있어 반주가 더디다. 이 장르의 대표 인물 (어느 정도는 말할 수 있다. (약 1545-1618) 그의 획기적인 작품인' 새 음악' 노래에서, 사람의 목소리의 멜로디는 가사의 의미에 따라 크게 변해 리듬과 직물에서 간소하고 장식적일 수 있다. 그리고 거의 고정불변음형 반주성부와 대조를 이룹니다. 카치니는 플로렌스의' 카멜라타 클럽' (음악가, 시인, 귀족으로 구성된 단체) 회원으로, 197 년대부터 8 년대까지 고대 그리스 음악에서 감정을 표현한 관점을 재창조한 개념을 접하며 이 개념을 따라' 단성부 노래' 형식을 채택했다. 위의' 반주' 라는 단어는 르네상스 음악에서는 거의 고려하지 않고, 하나의 관념으로서 바로크 시대에 속하며, 악기 성부 간의 지위가 다르다는 것을 의미한다. 사실 바로크 음악의 가장 중요한 특징은 반주 부분, 즉 저음을 통주하는 것이다. 베이스 연주자는 깃털 건금이나 오르간 (또는 현악기 아킬레트건이나 기타) 에서 저음부를 연주하며, 그 위에는 그가 연주해야 할 충전현을 나타내는 숫자가 표시되어 있다. 저음은 종종 두 사람이 연주한다. 한 사람은 첼로 (또는 비올금 또는 파이프) 와 같은 < P > 음향을 연장할 수 있는 악기로 저음부를 연주하고, 다른 한 사람은 충전현을 연주한다. 저음을 연주하는 이 직물은 위의 사람 소리나 악기의 멜로디 성부, 하단에는 저음 악기가 있고, 가운데에는 화음이 채워져 있는데, 이것은 전형적인 바로크 음악의 풍모이다. 위의 성부도 종종 두 개, 때로는 두 가수를 위해, 때로는 바이올린 두 개 (이 때 삼중소나타라고 불림) 를 사용하는데, 이런 구조는 바로크 음악에서도 전형적이다. 특히 저음을 통주하면 부족할 수 없고, 저음에서 화성을 낳는 개념이 바로크 음악에 얼마나 중요한지, 그것의 중심이다. 이 개념의 출현은 갑작스럽지 않다. 16 세기 중반에는 저음부를 복조 음악에서 다른 성부 선들과 구별한 것이 있었지만, 바로크 시대에야 이 스타일이 명확하게 확정되었다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) < P > 는 위와 같은 변화와 관련이 있으며, 복조를 포기하는 것이다. (더 정확히 말하자면, 복조 음악은 일종의 구식 방법이 되어 교회의 어떤 종류의 음악에만 쓰인다.) 화성을 중시하면 한 곡에 화성이 나타나는 몇 가지 종결점이 나타나는데, 이러한 종결점은 종료나 마무리라고 하는데, 이는 어떤 표준의 일련의 화음으로 인해 형성된 것이다. (윌리엄 셰익스피어, 템플린, 음악명언) (윌리엄 셰익스피어, 템플린, 음악명언) 이와 관련된 것은 리듬의 진행이다. 성악에서는 멜로디가 가사의 감정을 표현하려면 언어의 자연스러운 리듬을 따라야 한다. 기악 중 (성악, 특히 합창곡 포함) 에는 춤 리듬이 있다. 저음은 무용음악의 리듬형을 사용했기 때문에, 음조감각의 발전과 특정 음으로의 경향성을 가속화했다. 동시에, 새로운 악기의 출현은 이 과정을 가속화했는데, 그중에서 가장 중요한 악기는 바이올린족계이다. 당시 비올진의 발음은 복조 음악의 선명함에는 적합하지만 리듬의 동력감은 부족했고, 바이올린은 깨끗하고 명쾌한 운궁과 휘황찬란한 기교곡을 연주하는 능력은 춤 리듬을 연주하는 음악에 적합했다. 단성부 노래보다 기교를 발휘할 수 있는 능력이 더 뛰어나다. 성악 스타일과 기악 스타일의 교체는 전형적인 바로크 수법이다. 바로크 음악에는 이런 두 가지 다른 풍격이 번갈아 진행되는 것은 신기하고 효과를 위한 것이다. < P > 바로크 초기의 중요한 음악 형식은 단성부 노래 (이전 시기 복조음악에 비해) 와 그에 연결된 체재오페라와 청창극으로 음성과 음악의 밀접한 결합을 강조하며 오페라에 세트 효과도 있다. 단멜로디 음악에서는 대위법을 사용하지 않는다. 그 형식은 멜로디와 저음의 결합으로 발전한다. 예를 들면 분단곡 형식, 회족곡 구조, 반복되는 저음성부의 변주 등이 있다. 바이올린계 악기는 저음조합을 연주하기에 적합한 악기, 비올금족 계열을 대체하는 바이올린 등 악기 분야에서도 발달했다. 바이올린계 악기는 더욱 유연하며 더 높은 사람의 목소리와 같은 음역을 연주할 수 있다. (윌리엄 셰익스피어, 바이올린, 바이올린, 바이올린, 바이올린, 바이올린, 바이올린, 바이올린, 바이올린) < P > 2. 바로크 시대 유럽 각국의 음악 < P > 바로크 시대에는 음악 예술이 전례 없는 급격한 발전을 이루었다. 이후 로코코 예술의 출현에 기여했습니다. 이 시기의 음악은 덕, 뜻, 법 등 여러 나라에서 가장 대표적이다.

1. 바락 시대의 독일 음악 < P > 바락 시대의 독일 음악으로 허츠, 바흐, 헨델을 대표한다. 중세 이후의 복조 음악을 피라미드에 비유하면, 그들의 음악은 르네상스 이후 이탈리아의 새로운 음악을 흡수했을 뿐만 아니라 새로운 길을 개척했기 때문에 탑 꼭대기와 같다. 허츠 (HeinrichSchutz, 1585-1672 년) 는 스물네 살 때 이탈리아로 유학을 갔고, 사단은 베네치아 악파의 큰 가브리엘 (GiovanniGabrieli, 1557-1612) 에서 왔다. 귀국 후, 그는 최초의 독일어 오페라' 다프네' 를 발표했고, 나중에는 많은 수난곡을 창작했다. 허츠는 바흐와 헨델과 정확히 1 년 차이가 났는데, 그의 스타일은 이 두 바로크 음악 대가의 창작에 중요한 영향을 미쳤다. < P > 헨델과 바흐의 음악작품은 전통음악의 집대성 방면에서나 새로운 사조를 따르는 방면에서 음악사에서 빛을 발한다. 헨델의 작품은 오페라와 청창극 음악으로, 그의 기악 작품에도 강렬한 성악 요소가 담겨 있는데, 이는 이탈리아의 영향을 받은 것이 분명하다. 바흐 음악은 성악 작품에 강한 기악 요소를 담고 있어 고전주의 시대가 도래하기 위한 든든한 토대를 마련했다.

2. 바로크 시대의 이탈리아 음악 < P > 오페라라는 위대한 예술 형식은' 음악의 요람' 인 유럽 문명 고국 이탈리아에서 탄생했다. 당시 피렌체에는 많은 위대한 예술가들과 고대 그리스 예술에 관심이 많은 귀족들이 있었다. 이 귀족들은 그리스 연극에 새로운 생명을 부여하기로 결심했고, 그래서 그들은 오래된 그리스 이야기에 곡을 작곡하기 시작했고, 합창단이 의상을 입고 전체 이야기를 불렀다. 이것이 바로 오페라의 초기 형태였다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 예술명언) 나중에, 이야기 속의 역할은 각각 가수들이 맡았다. 합창 프로그램 사이에는 남녀 성악가가 각각 독창을 맡는다. 캐릭터의 말이 가볍고 가벼울 때, 대사는 반창반설로 처리되는데, 이런 노래는 찬송가와 비슷하며, 선서조로 불린다. 강한 감정은 진짜 멜로디로 표현되는데, 이를 아리아라고 합니다. 그리고 아리아는 가수의 아름다운 음색을 과시하기 위해 특별히 사용되었다. 당시 오페라 한 편은 이탈리아, 영국, 독일에서 상연됐고, 아리아는 항상 이탈리아어로 불렀고, 서술 부분의 노래는 자국어로 불렀다. < P > 이탈리아의 바로크 음악에서는 초기 오페라와 견줄 만한 현악이 있었는데, 당시 오페라의 고대 서곡과 협주곡은 모두 현악 위주였다. 이 기간 동안 이탈리아는 토리리 (GiuseppeTorelli, 165-178), 콜리 (ArcagelloCorelli, 1653-1713), 비탈리 (T. 이 음악가들은 모두 바이올린 명수일 뿐만 아니라, 모두 바이올린 음악의 작곡가들이다. 이탈리아 북부 알프스 지역의 크레모나 (Cremona) 에서 바이올린 제작자들은 마티, 과넬리, 스트라디발리 등 세심하게 만든 바이올린이 여전히 무대에서 활발히 활동하며 무한한 예술적 매력을 뽐내고 있다. < P > 오페라의 서곡은 빠른 시작, 중간 느림, 빠른 종료 등 세 부분으로 나누어져야 한다. 이런 형식은 나중에 협주곡과 교향곡의 기본 형태가 되었다. 바이올린, 비올라, 첼로, 바이올린 등 현악기는 지금도 오케스트라에서 빼놓을 수 없는 악기이자 매우 중요한 실내악과 독주악기다. 바로크 시대의 이탈리아 음악의 영향이 매우 심오하다는 것을 알 수 있다.

3. 바로크 시대의 프랑스 음악 < P > 은 당시 프랑스 파리에서 오페라와 고대 피아노 음악이 각 왕후 귀족의 저택에서 매우 성행하였다. 이 시기의 프랑스 오페라는 이탈리아 오페라의 전통에서 벗어나 독립적으로 성장하여 이미 무용극의 형식에 가까워졌다. 바로크 시대에 프랑스의 가장 대표적인 오페라 작곡가는 뤼리 (JeanBaptisteLully, 1632-1687) 로, 그가 창작한 오페라는 간결하고 명료하며 멜로디가 아름다웠으며 춤도 강했다. 그 내용은 맵고 유머러스하며 입목 3 점이다.

오페라와 동시에 성행하는 것은 고대 피아노 음악이다. 고대 피아노는 종종 바로크 문화를 대표하는 장식으로 붙어 있는데, 그것은 깃털 건반금과 현대 피아노의 전신과 동등하다. 당시 고대 피아노 마스터는 쿠플란 (FrancoisCouperin, 1668-1733 년) 과 라모 (J.P.JeanPhilippeRameau, 1683-1764 년) 로 고대 피아노 스펙트럼을 많이 썼다 1722 년에 출판된' 화음학 개론' (라모) 은 음악사에서 가장 초기의 음향학 이론 저작이다.