미술사 섹션

1. 국제 고딕이라고도 불리는 국제 고딕 양식은 1375년부터 1425년까지 서유럽에서 유행했던 고딕 예술의 아름다운 변종입니다. 예술의 특징은 고상함, 이상주의적, 의식적, 신성함입니다. 미술사에서는 12세기 이후 건축 양식의 변화와 함께 시작된 예술 양식을 '고딕'이라고 부르는데, '고딕'이라는 말은 서유럽의 한 민족, 즉 야만적인 성격을 지닌 '고딕'에서 유래했다. , 이상한 의미이지만 고딕 예술은 확실히 고트족에 의해 만들어진 것이 아닙니다. "고트족"은 이미 서유럽의 다른 민족 집단으로 용해되었습니다. 그러므로 고딕 예술은 결코 "조상"이라고 말할 수 없습니다. 고딕 예술에는 건축과 조각이 포함되며 특히 건축에서 두드러집니다. 정확히 말하면 고딕 건축 예술은 중세 마지막 300년, 즉 12~14세기에 유행했던 새로운 건축(조각, 회화 포함) 예술 양식을 가리킨다고 했다. 프랑스는 고국입니다. 유명한 작가 위고는 소설 『파리의 노트르담』에서 장황한 묘사를 통해 이 고딕 양식의 교회의 건축과 조각 예술에 대한 열광적인 찬사를 표현했는데, 이는 전형적인 예 중 하나이다. 중세 시대의 문학과 예술의 전반적인 발전은 어떤 면에서는 더디고 정체되고 퇴행적이었다고 한다면, 고딕 양식의 교회는 참으로 천주교의 종교의식을 가장 잘 구현한 독특한 창조물이라 할 수 있다. 동시에 세속적인 개념이기도 하다. 로마네스크 양식의 반원형 아치 대신 뾰족한 아치가 있습니다. 건물의 무게감과 확장성은 돌기둥과 지지대에 집중되어 있으며, 외부에는 높은 첨탑이 많고, 벽은 얇고, 창문은 크며, 스테인드글라스 문양으로 장식되어 있다. 내부 기둥은 더 얇고 빛이 풍부합니다. 현관문은 생생한 부조와 석조 조각으로 장식되어 있습니다. 미술사에서는 고딕 양식을 '국제 고딕 양식'이라고 부른다.

2. 조토는 역사상 최초로 인간의 표정을 그림으로 표현한 사람이에요! ! 조토는 현대 회화의 창시자인 치마부에(Cimabue)의 제자였다고 합니다. 그러나 그는 이미 어린 시절부터 먼 산의 자연을 그렸다. 따라서 그는 교사의 스튜디오를 떠나 자마자 전통적인 방법을 제거하고 자연에서 배운 교훈, 즉 단순성과 단순함으로 돌아갈 수 있습니다. 그의 예술은 성 프랑스의 가르침을 표현한 예술이다. 그의 간결한 기술과 완벽한 분위기는 성 프랑스의 순수하고 단순한 사랑의 종교를 가장 완벽하게 칭찬합니다. 이제부터 무거운 황금빛 빛을 배경으로 귀중한 색깔의 돌이 박혀 있는 공중에 매달려 있는 성인과 마돈나의 이미지는 더 이상 사람들의 마음과 영혼을 감동시킬 수 없습니다. 이때 조토는 프란치스코와 사랑스러운 동정녀 마리아, 예수, 예언자들과 사도들의 감동적인 이야기를 당시의 종교적 이야기를 기록한 전기와 마찬가지로 교회 벽에 하나씩 그려서 만들어냈다. 13세기와 14세기 사람들은 화려한 비잔틴 그림에는 없는 열정과 신앙을 느꼈습니다.

조토의 스케치와 구성 역시 단순하고 간결하다. 이것이 조토의 특징이다. 조토의 작품은 모두 단순하면서도 진지한 아름다움을 지니고 있습니다. 이 아름다움은 다른 아름다움과 마찬가지로 일종의 조화입니다. 현대미술가 비피슨(B. Befeason)은 “그림에는 열정의 표현, 삶의 고백, 신으로의 회심 등이 있는데 조토를 시작으로 이 점 역시 르네상스 회화 특유의 특징이다. 그러므로 조토는 르네상스의 선구자이자 창시자로 평가받는다”고 말했다.

미술계의 단테는 중세의 마지막 화가이자 새 시대의 첫 번째 화가이다. 그의 그림의 주제는 여전히 주로 종교적이며, 그의 그림에는 여전히 중세 야만 미술과 유사한 유치함이 있지만, 그의 그림에는 종교 문화로부터 상대적으로 독립된 세속적 정신과 야만인으로부터 상대적으로 독립된 객관적 정신이 있다. 사실 이것이 그리스와 로마 고전 미술의 인본주의 정신과 '모방 이론'의 본질이다. '왕좌 위의 마돈나'를 보면 그 구성과 배치가 중세 화가들의 관습을 거의 벗어나지 못하지만, 그 화려함은 대단하다. 장식적인 관심과 미묘한 인물의 배열은 그의 그림에서 더 이상 볼 수 없습니다. 그 깊은 공간은 조토의 그림과 중세 그림의 명백한 차이를 반영합니다. 이 차이의 핵심은 기술에 있는 것이 아니라 개념에 있습니다. 새로운 예술적 관점은 그의 예술에 단순함, 신선함, 스타일을 창조했을 뿐만 아니라, 미래 세대에게 자연을 연구하고 표현하는 예술적 실험의 방식을 제공했습니다. 객관적인 물질세계는 참된 지식을 얻을 수 있다.

3. 사실 이들 거장의 그림은 내용적으로 보면 종교적인 이야기를 표현하는 형식이다. 이야기의 내용은 중세 시대의 것이 아닙니다. 게다가 그림 속 인물은 대개 실제 모습(화가의 스케치)을 갖고 있으며 그림 속 장면도 더 생생합니다. 인문주의의 자비와 배려를 충분히 구현한다(르네상스는 고대 그리스의 부흥을 뜻함). 그 시대의 인본주의 정신)

4. 이탈리아어 질문 마니에라(Maniera)에서 파생된 단어인 매너리즘(Mannerism)은 다음과 같이 번역되기도 한다. 매너리즘과 매너리즘은 회화 이해에서 합리성의 역할에 반대하고 작가의 내면적 경험과 개인적 표현, 섬세한 회화, 화려한 표면 효과, 많은 극적인 장면을 강조하여 라파엘의 통일된 스타일을 비대칭과 혼란으로 대체합니다.

매너리즘이라는 용어는 르네상스 후기(1550~1580)에 나타난 경향을 설명하는 데 자주 사용되는데, 이는 길쭉한 형태, 과장된 스타일, 불균형한 자세를 특징으로 하는 인간과 동물을 묘사하는 것이 특징입니다. 드라마틱하고 강력한 이미지. 미켈란젤로도 한때 매너리스트로 불렸던 적이 있습니다. 그의 후기 작품에 등장하는 말과 사람의 형상은 실제로 거의 균형이 맞지 않는 것처럼 보입니다. 당시 이탈리아의 혼란스러운 상황 속에서 매너리즘은 영감과 경건함을 목표로 하는 예술 학파로 자리 잡았습니다.

매너리즘은 일반적으로 전성기 르네상스의 예술적 습관에 반대되었습니다. 이는 화가들이 라파엘로의 균형감과 즉각성을 구현하는데 절망했기 때문에 화풍을 바꾼 것이 아니라, 이 균형감이 더 이상 당시의 분위기와 경향에 맞지 않았기 때문이다. 매너리즘은 라파엘로의 두 견습생인 줄리오 로마노(Giulio Romano)와 안드레아 델 사르토(Andrea del Sarto)의 지도 아래 성숙해졌으며, 또한 표준 매너리즘 화가 폰토르모(Pontormo)와 로소 피오렌티노(Rosso Fiorentino)를 배출했습니다.

인체와 원근법에 대한 고전적 사실주의 묘사가 정점에 달했던 르네상스 전성기에 일부 화가들은 의도적으로 그림의 구조를 왜곡해 부조리한 감정과 예술적인 공간을 만들어내기 시작했다. 어떤 사람들은 그레코를 매너리즘 화가로 간주하지만, 그레코는 그림의 왜곡된 디자인뿐만 아니라 그가 묘사하는 인물들에서도 독특한 개인적 특징을 표현합니다. 길쭉하고 일그러져 보이는데, 불합리한 시점과 숨막히는 빛, 빽빽한 ​​구도는 보는 사람을 흐릿하고 고민하게 만든다.

르네상스는 주로 인문학이 특징이다. 인간주의의 등장은 인간이 삶의 창조자이자 주인임을 확인시켜 주며, 인간의 생각과 감정을 표현하기 위해서는 문학과 예술이 필요했고, 삶에 이로움을 주기 위해서는 과학이 필요했고, 인간의 인격을 발전시키기 위해서는 교육이 필요했고, 생각과 감정, 지혜를 속박에서 해방시켜야 했습니다. 사회로부터 해방되고 개인적 의존에 맞서 개인의 자유를 옹호하는 것입니다. 르네상스 미술은 이를 바탕으로 발전했다.