오페라란 무엇입니까? 외국 오페라의 발전 역사를 간략하게 기술하다.

17 세기 이탈리아의 정치적 불행위와 상업 불황은 예술적 열정과 창작 활력을 인멸하지 않았고, 오랜' 음악 강국' 의 지위를 약화시키지도 않았다.

몇 가지 주된 이유가 있습니다. 첫째, 이탈리아는 항상 멜로디가 풍부한 나라였습니다. 둘째, 이탈리아는 유럽의 참신하고 다양한 음악 품종의 실험원이다. 셋째, 이탈리아는 재능이 넘치는 작곡가들과 가수들을 유지해 왔으며, 그들의 주된 임무는 새로운 음악 품종을 양성하는 것이다. 마지막으로 가장 중요한 점은 귀족 스폰서와 투자자들이 객관적으로 여러 가지 이유로 음악 산업을 지지한다는 점이다.

따라서 이탈리아는 유럽의 다른 나라들에 비해 오페라를 유럽 전체에 세기 선물로 바칠 조건도 있고, 심지어 오페라를 유럽 전체에 바칠 책임도 있다.

이탈리아 오페라는 피렌체 오페라, 로마 오페라, 베니스 오페라, 나폴리 오페라로 나눌 수 있다.

이런 지역마다, 시기마다, 풍격이 다른 희곡은 영향이 다르다.

첫째, 피렌체 오페라

16 세기 후반에 플로렌스에는' 플로렌스 카멜라타 (살롱) 클럽' (일명 플로렌스 예술팀) 이라는 비공식 음악 연구단체가 등장했는데, 그 단체는 주로 귀족 신분을 가진 청년 시인과 작곡가였다.

그들이 오페라 하우스의 문을 두드리는 것은 이번이 처음이다.

이 예술팀은 Count Buddy 가 주관하며, 이 토론의 중심 내용은 어떻게 음악과 연극을 더 잘 융합하여 더 큰 예술적 감화력을 갖게 되었는지에 대해 논의한다.

그들은 그리스 음악을 자세히 연구한 후, 그리스 음악이 큰 감화력과 강렬한 연주 효과를 낼 수 있는 것은 그리스 음악이 단성부 멜로디이기 때문에 소리의 자연 표현력 (예: 음역, 음고 변동, 리듬 변화 등) 을 발전시켜 청중의 감정에 결정적으로 영향을 미치고 지배할 수 있다는 결론을 내렸다.

반면 과거에는 성부가 다른 멜로디와 가사를 부르는 방식으로 관객들이 가사를 알아듣고 인물을 이해하기가 어려웠다. 이런 음악은 기껏해야 기악 합주일 뿐이다.

그래서 그들은 가사에 맞는 작곡 방법을 선택했다. 음악' 말하기' 로 부르는 방식, 즉 독창 멜로디로 배우 언어의 억양을 강화하고 표현한다.

울리오 카치니 (caccini Giulio1551-161638) 와 자코보 에밀리오 드 카볼리 (카발레리 에밀리오 드 155O- 1602) 등. 그들은 오페라라는 처녀지의 개척자들이다.

카치니는 프로 가수, 작곡가, 심지어 연주가이다. 그의 다중신분은 그의 오페라 생애에서 특별하고 유익한 역할을 했다.

카치니는 가사의 음절을 바탕으로 새로운 노래 스타일을 창조하고, 발음이 명확하고 유연하며, 디지털 저음을 배합하여 낭송의 창시자 중 하나가 되도록 노력했다.

그는 또한 멜로디선의 적절한 위치에 장식음을 넣어 16 세기의 현란한 창법을 형성했다.

이 노래집 (새 음악) 에서 카치니는 대량의 풍격이 참신한 한 한 곡을 정리하여 디지털 저음을 배합했다.

이에 대해 그는 "오페라를 더 잘 창작하고 노래하기 위해 가장 중요한 것은 개념과 언어를 이해하고, 관심과 감정을 가지고 표현하는 사상 주제를 이해하고, 복조 음악의 정렬 방법을 이해하는 것" 이라고 설명했다.

이 노래와 작가의 새로운 사상은 희곡의 형성을 위해 모방할 수 있는 모델을 보여 후세의 창작 활력과 영감을 불러일으켰다.

카치니는 성악 방면에 조예가 높으며, 미성시대 1 세대 영향력 있는 성악 교육자이기도 하다.

성악 교육 방면에 있어서의 그의 업적에 대해서도 우리는 아래에 소개할 것이다.

페리는 카치니와 마찬가지로 가수이자 작곡가이다. 그는 에피소드극에서 전설적인 가수 아리안을 성공적으로 연기한 적이 있다.

그러나 그는 오페라 창작에서 더 큰 성과를 거두었다.

페리는 오페라 창작 실천에서 낭송 스타일을 정의하는 것으로 유명하다.

그는 노래와 말 사이에 있는 선서조를 만드는 데 성공했다. 화음음정과 불협화음정에서 디지털 저음을 그대로 유지하여 연속적인 말을 모방했다.

이런 서술 어조는 끊임없이 음높이를 바꾸는 자유낭송처럼 들린다.

페리는 서사조, 아리아, 다른 독창곡 등 오페라의 필요에 따라 연극 음악집을 창작했다.

피렌체 예술그룹의 연구 성과는 소규모의 살롱식 담화일 뿐만 아니라 실천에 옮기는 것이다.

어떤 의미에서 이탈리아 오페라는 그들의 거실에서 탄생했다.

피렌체 예술단체의 원래 의도는 그리스 음악을 회복하는 것이었지만, 사실 그들은 자신의 이상과 추구에 부합하는 새로운 예술 유파를 창조했다.

이 거대한 공헌은 예상치 못한 것일 수 있다.

다프네' 는 이탈리아와 유럽의 첫 오페라로 여겨져 65438 년부터 0597 년까지 플로렌스에서 공연됐다.

오타비오 리누치니 (작사인) 와 페리 (작곡가) 가 창작한 것으로, 둘 다 플로렌스 예술그룹의 일원이다.

다프네' 는 고대 그리스의 사랑 이야기에서 취재한 것으로, 내용은 휴머니즘의 빛을 반짝이고 있다. 극중 노래는 모두 단성부 성악으로, 대부분 자유롭고 느긋한 리듬을 위주로 하고, 노래성이 강한 노래도 있다. 음악 풍격이 참신하고 가사의 사상이 잘 표현되었다.

1600 년, 그들은 계속 합작하여 플로렌스의 왕실 결혼식을 위해 오로디케를 공연했다.

이것은 Flo 와 오로디각의 사랑을 찬양하는 유명한 동화이다. 축제 행사를 위해 결말이 해피엔딩으로 바뀌었다.

율디각의 음악' 이라는 책에서 페리는 극중 풍격이 다른 한 곡을 설명했다. 예를 들면' 다프니' 의 전형적인 신낭송과 같이 감동적이고 조화롭기 시작했다. 오로디각이 뱀에게 물렸을 때, 멜로디는 설레고, 불협화 음정은 증가하며, 화음은 갑자기 바뀌었다. 아리아' 티르시의 노래' 는 교향악곡으로 각색되어 리듬이 선명하고 멜로디가 아름답고 화음 종결성이 강하다.

카치니도 오로디를 위해 음악을 썼다. 페리의 연극 음악보다 카치니의' 특히 연극' 의 음악은 더 멜로디적이고 서정적이다.

피렌체의 오페라는 원래 이탈리아 오페라의 일반적인 특징을 가지고 있어 피렌체의 특색을 지닌 전원시처럼 우아한 예술 풍격을 형성했다.

다와 유 이후 거의 30 년 동안 피렌체에서 상연된 오페라는 손꼽힌다.

오페라의 중심이 로마로 옮겨지기 시작했다.

둘째, 로마 오페라

로마 오페라의 주제는 신화 우화를 위주로 종교색이 짙고 무대 예술이 럭셔리하고 풍부한 효과를 추구한다.

초기 로마 오페라의 주요 저자는 플로렌스 예술그룹의 카발리 엘리였다.

그는 피렌체의 귀족으로 공작의 궁정에서 예술 사무를 맡고 있다. 그는 문화 관리이자 전문가이다.

피렌체 예술단체의 일원으로서 그는 피렌체에서 단막극 몇 편을 공연한 적이 있다.

일찍이 1600 년에 그는 극 (영과 고기의 표현) 을 창작하여 로마에서 상연했다.

이것은 우화적인 방식으로 종교 사상을 선전하는 도덕극이다.

카발리 엘리의 작품에서는 작곡가가 공식 신분으로 통치자의 사상을 의식적으로 표현하고 영합하는 것을 볼 수 있지만, 연극의 음악 창작은 여전히 카발리 엘리가 피렌체 예술 집단에서 추구하는 것을 반영하고 있다.

1623 년 오페라 예술을 사랑하고 제창한 교황 울반 8 세가 로마에서 등극하면서 로마 오페라의 이탈리아 리더십을 확립하는 데 큰 영향을 미쳤다.

도시 가정은 3000 명의 관객을 수용할 수 있는 오페라하우스를 주재하고 오페라 무대를 위한 오르간을 개발하는 등 오페라 발전을 지지하는 데 많은 일을 했다.

로마는 성좌와 왕실의 소재지였기 때문에 로마 오페라는 사치스럽고 화려한 장면을 숭상하고 귀족의 입맛에 더 잘 맞고 허영심을 만족시킬 수 있었다. 이는 플로렌스 오페라의 스타일과 크게 달랐다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라)

이 시기의 희곡은 대부분 신과 성인의 서사시극을 블루본으로 삼는다.

1634 년 교황 클레멘트 9 세가 된 훌리오 로스피리오는' 산타알레시오' 를 창작했습니다.

그 연극은 중세의 한 로마' 성인' 의 이야기를 묘사하는데, 그 주제는 여전히 종교 도덕의 설교이다.

1662 년, domenico Mazzocchi 가 창작한' Adone 체인' 이 로마에서 상연됐다. 이 오페라는 일반적으로 전형적인' 로마식' 스타일로 여겨지는데, 교회에 영합하고 귀족을 기쁘게 하는 등 무대 효과가 매우 호화롭고 풍부하다.

로마 말기 오페라의 주요 작곡가는 루이지 로시로, 1647 년 당시 오페라 주제로 널리 사용되었던' Flo' 를 적었다.

연극' 올림픽' 에서 오래된 주제는 빈 바구니에 불과하지만 패션, 괴기, 기타 유행하는 재료로 가득 차 있어 센세이션을 일으킬 것으로 예상된다.

로마 오페라는 음악 창작에 있어서 칭찬할 만한 장점이 있다.

예를 들어 낭송과 아리아의 차이는 더욱 뚜렷하고, 낭송은 더욱 언어적이며, 아리아는 더욱 선율적이다. 아동의 쇠사슬' 은 낭송에서 너무 무미건조한 성분을 배제했을 뿐만 아니라, 그 오페라 전주곡도 나중에 널리 채택된 오페라 전주곡의 초기 형태가 되었다.

그러나 로마 오페라 제재의 한계와 귀족화 경향으로 일반 대중과의 유대가 점차 단절되고, 겉치레와 낭비에서 자신의 활력을 압박하고, 결국 오페라 무대에서 빠져나와 더 이상 발전하지 못했다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라명언)

로마 오페라가 쇠퇴한 직접적인 원인은 1644 년 울반 8 세가 사망했고, 그의 정적은 울반 가문을 오페라와 함께 로마에서 추방했기 때문이다.

셋째, 몬테베르디

이때 이탈리아에는 오페라의 보급에 중요한 역할을 한 위대한 작곡가가 나타났다. 전원창작 방면에서 상당히 유명한 몬트베르디다.

몬트베르디는 초기에 주로 전원작문에 종사했기 때문에 높은 명성을 누렸다.

1990 년부터 16 12 년까지 만투야 공작이 된 뮤지션과 뮤지션. 이 기간 동안 그는 오페라' FLO' (1607) 와' 아리안' (1608) 을 창작하고 상연했다.

16 12 ~ 베니스, 이듬해 산타카일 대성당 음악감독.

그는 76 세에 사망할 때까지 베니스에서 30 년을 살았다.

이 기간 동안 그는 교회와 오페라하우스를 위해' 돈크레티와 크로린다의 전쟁' (65,438+0,624),' 율리시스 귀환' (65,438+0) 을 포함한 약 65,438+00 편의 오페라를 창작했다 그는 75 세에 교황 야풍의 후기를 적어 고전이라고 할 수 있다.

이 시기 다른 이탈리아 오페라 작곡가에 비해 몬트베르디는 두 가지 특징을 가지고 있다.

첫째, 몬트베르디는 풍부한 감정을 가지고 오페라 창작에 자신의 감정을 쏟는 * * * 형 작곡가이다.

몬트베르디는 음악이 기술적인 예술이 아니라 감각적인 즐거움을 줄 뿐만 아니라 사람의 마음과 감정을 충분히 표현해야 한다고 생각한다.

과거의 음악은 사람의 우울, 슬픔, 희망, 평온 등의 감정을 표현하기에 충분치 않았다.

음악, 특히 희곡 음악도 사람의 분노, 두려움, 실망, 증오 등 격렬하고 복잡한 내면세계를 표현해' 설레는' 희곡 음악을 형성해야 한다.

이에 따라 몬트베르디는 "음악은 가사의 본의를 지적하는 것이 아니라 더 깊어야 한다" 고 생각한다.

이런' 깊은' 은 인물 활동에 대한 사상 감정의 세밀한 묘사에 나타나 인물의 과거, 현재, 미래의 사상 감정의 유기적 연계에 나타난다.

오페라 창작 실천에서 몬트베르디는 이러한 원칙들을 다양한 예술 이미지에 적용하여 다채롭고 감동적으로 만들었다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 예술명언)

특히 아내가 중병에 걸려 사망하기 전후로 그는 자신의 비탄에 잠겨 가슴 아픈 감정을 작품에 완전히 녹였다. 이런' 어디로 갈 것인가' 의 경지는 극중의 줄거리와 인물과 일치한다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 남녀명언)

그의' 오블로' 와' 아리안' 이

속속 출간된 후, 생동감 있고 감동적인 예술 이미지들이 수천 명의 관중들을 위해 눈물을 흘렸다.

몬트베르디의 이 예술적 특색은' 오FLO' 낭송에 충분히 반영되었다.

오블로는 고대 시인이자 가수로, 그의 음악은 암석, 나무, 야수를 감동시켰다.

그가 아내 오로디각의 죽음을 알게 되었을 때, 그는 그녀와 함께 가기로 결정했다.

넌 죽었어, 사랑하는 아내,

나는 아직 여기에 있지만, 너는 영원히 나를 떠났다.

너는 다시는 돌아오지 않을 것이고, 나는 아직 살아 있다.

아니, 이 시가 사람들의 마음을 감동시킨다면,

나는 용감하게 가장 깊은 지옥에 들어갈 것이다.

수호자가 마음을 바꾸게 하면 내가 너를 데리고 하나님을 만나러 갈 것이다.

잔인한 운명이 나를 거절한다면,

나는 너와 함께 명계에 머무를 것이다!

이 선서조에서 몬트베르디는 가사를 매우 슬픈 낭송으로 쓰고, 많은 음악 창작 수법을 동원하고, 감정의 힘을 표현하고, 사람의 목소리의 특기를 발휘하며, 강한 감정과 엄숙한 비극 분위기로 가득 차게 하여 전형적인' 몬트베르디식 감정' 오페라 음악이 되었다.

둘째, 몬테베르디의 뛰어난 공헌은 그가 연극 오페라 음악을 정형화한 최초의 작곡가라는 데 있다.

몬트베르디의 오페라 음악에서, 모든 표현 형식은 연극의 요구에 부응하고 의존한다.

이러한 극적인 표현은 오페라 음악에서 처음으로 비슷한' 주도동기' (예: 오FLO) 를 끌어들이는 것을 포함한다. 극적인 가사로 음악적 이미지를 통해 인물의 내면을 분석하고 인물의 성격 특징을 구현한다. 고음부를 강조하고 독창성부를 넓히고 풍부하게 한다. 서술 어조의 표현력을 강조하다.

특히 몬트베르디는 오페라에서 처음으로 약 40 개의 악기로 구성된 오케스트라를 사용했고, 오케스트라의 편성도 줄거리와 캐릭터의 필요에 기반을 두고 있다.

이전에는 페리나 다른 사람들과 같은 오페라가 루트첸이나 건반금과 같은 몇 가지 악기만 사용했다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라)

몬테베르디 오페라 음악의 이러한 창작 특징은 오랜 기간 동안 후세 사람들이 모방하는 원칙이 되어 이탈리아 오페라의 걸출한 작곡가가 될 뿐만 아니라 17 세기 유럽의 위대한 작곡가가 되었다.

넷. 베니스 오페라 하우스

베니스는 유럽 오페라 행사의 중심지로서 17 세기 삼사십년대에 형성되었다.

베니스 오페라와 로마 오페라, 심지어 베니스 오페라와 피렌체 오페라에도 뚜렷한 차이가 있다.

이러한 차이는 우선 베니스의 전통적인 상업 분위기와 관련이 있다.

17 세기에 베니스의 상업 활동이 위축되었지만, 이 도시의 상업의식은 사라지지 않았다.

이런 전통적인 상업 분위기는 이 도시의 희곡 활동에서 매우 중요한 역할을 했다.

이탈리아의 다른 도시에서는 오페라의 공연장이 일반적으로 황궁이나 귀족 주택의 소극장에 설치되어 오페라 공연을 관람하는 것은 상류 사회의 특허였다.

베니스에서는 더 민주적인 형식을 채택하여 오페라하우스가 대중에게 개방되었다.

일반적으로 오페라 하우스는 더 이상 귀족의 후원을 받지 않고 스스로 손익을 책임지는 경영 모델을 채택한다.

1637 년, 최초의' 산타카시노' 라는 오페라하우스가 베니스에 건설되었다. 그 후 3 년 동안 세 개의 대형 공공극장이 건설되었다. 인구가 14 만 명인 이 도시는 최대 8 개의 극장이 있다.

오페라 하우스는 모든 애호가들의' * * * 체' 이다. 귀족이 상자를 차지하고 중산층이 표를 사고, 좌석표 4 리라, 개인석 2 리라를 더 내면 일반인들이 무료로 좌석을 즐길 수 있지만 대부분' 입석' 이다.

베니스의 오페라 하우스는 건설된 이래 이 상업 도시와 일치하는 경제적 성격을 가지고 있다.

이것은 베니스 오페라가 일반 대중에게 개방되어야 하며, 그 내용과 형식은 시민계층의 심미적 취향에 적응해야 한다. 그렇지 않으면 생존할 수 없다.

상업적 관점에서 볼 때, 비교적 짧은 시간 내에 오페라 하우스를 잇따라 건설하는 것은 시장 수요가 크고 시장 전망이 좋기 때문이다.

일이 바로 이렇다.

17 세기 중엽에는 베니스의 오페라 공연이 거의 텅 비어 성황을 이루었다. 상자 안에는 우아하고 예속된 귀족과 처녀들이 가득 찼고, 연못자리는 뱃사공과 노점상들로 가득 찼고, 신분이 다른 관중들이 뒤섞여 있었다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라) 시끄러운 웃음소리, 열렬한 박수 소리, 방탕한 휘파람 소리, 쯧쯧쯧 입맞춤 소리가 여기저기서 울려 퍼졌다. 목사와 귀족을 포함한 열정적인 오페라 팬들은 그들이 숭배하는 가수의 이름을 외치기도 하고, 무대에 뛰어올라 극 중 역할을 하기도 한다.

긍정적인 의미에서 베니스의 오페라는 확실히 일반 대중의 정신적 식량이 되었다.

오페라하우스가 많아지고 규모가 커지면서 오페라의 발전을 크게 방해했다.

오페라 작곡가, 가수, 밴드의 가치가 높아져 대량의 오페라 작품이 생겨났다. 65438 년부터 30 년대 말까지 350 여 편의 연극이 상연되었다.

이런 현상의 부산물로서 연이은 공연으로 배우와 밴드의 외향적 전환이 빚어지면서 극중 인물은 어쩔 수 없이 줄었다. (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출, 연출)

경제적 이익을 위해 일반 극장은 더 이상 더 큰 밴드를 고용할 수 없다.

이것들은 모두 민주화, 시민화, 상업화, 오락화 등 자신의 특색을 형성했다.

베니스 오페라의 예술적 스타일로 볼 때, 사극이 가장 성공적인 오페라가 되었다는 특징이 있다. 서정적 아리아는 큰 발전을 이루었습니다. 미성창법은 노래에서 광범위하게 응용된다. 극의 전개가 복잡해지는 경향이 있다. 극본의 구조는 점차 엄격하고, 보통 3 막으로, 각 장면은 또 몇 개의 장면으로 나뉜다.

특히, 무대 세트 장치는 기본적으로 기계화되어 해전, 폭풍, 신, 코끼리, 사자가 움직이는 것을 흉내낼 수 있으며, 오르내릴 수도 있다.

베니스 무대 예술의 걸출한 업적 중 일부는 줄곧 19 세기까지 사용되었다.

1637 년 페라리와 마넬리가 작곡한 오페라' 안드로메다' 가 새로 지은 산타카시아노 오페라하우스에서 상연돼 베니스 오페라의 시작을 알렸다.

이 오페라의 비용은 높지 않다. 페라리도 악기를 연주하고, 밴드는 12 명밖에 없다. 마넬리와 내시 3 명을 포함한 배우 6 명.

이후의 많은 베니스 오페라 (몬트베르디의 오페라 포함) 와 마찬가지로, (안) 오페라의 배우와 밴드는 모두 비교적 적다. 부분적으로는 오페라하우스가 그것의 경제적 효과를 고려했기 때문이다.

베니스 오페라의 주요 작곡가는 몬트베르디의 학생인 프란체스코 카발리 (Cavalli Pietro Francesco1602-1676) 와 안토니오 체스티 (Cesti) 입니다

카발리는 42 편의 오페라를 창작했는데, 이는 베니스의 오페라 작품에 대한 수요도 반영한 것이다.

카발리의 대표작으로는' 테티와 페레오의 결혼' (1639),' 디도의 여왕' (164 1 년),' 에그즈' 가 있다

65438 년부터 0649 년까지 그는 가장 유명한 오페라' 제이슨' 을 창작했는데, 그 중 아리아와 낭송은 두 가지 전혀 다른 스타일을 형성하기 시작했다.

카발리의 오페라 음악은 극적이고 심리적인 묘사에 능하며, 특히 아리아 멜로디가 충만하고, 가창곡이 아름답고, 매우 훌륭하다. 낭송은 몬트베르디의 변화와 세부 사항은 부족하지만 여전히 자연스럽고 부드럽다.

카발리의 스타일과는 달리 체스티의 오페라는 서정적이고 장식적이다.

그는 이탈리아 고유의 순음악적 요소를 회복하고 발전시키기 위해 노력하며 아름답고 유창한 멜로디를 중시하며 작품을 세심하게 조각했다.

그래서 오페라의 아리아는 발전했지만 극성이 약간 약화되어 작품의 기세와 힘이 부족하다.

세스티의 주요 작품인' 올론타이아' (1649) 는 베니스, 로마, 플로렌스, 밀라노, 나폴리 등에서 오랫동안 공연했다. 17 세기에 가장 많이 공연한 극종 중 하나입니다.

1667 년에 창작된 전형적인 바로크 스타일의 궁중 오페라' 금사과' 는 체스티의 대표작이다.

왕실 결혼식을 위해 특별히 제작된 이 오페라는 상연 당시 5,000 명의 관객을 수용할 수 있는 대극장까지 특별히 지었다.

전극 5 막, 최대 25 곡의 아리아가 가수의 공력을 충분히 발휘했다.

공연 라인업이 방대하여 무대 세트와 장치가 매우 호화롭다.

베니스 오페라 후기 주요 작곡가는 피터로 사이먼 아고스티니 (약 1635- 1680) 와 안토니오 사토리오 (1630-/) 였다

그들은 유행하는 스타일의 새로운 아리아를 만들고 표현 기능이 있는 화강 단락을 채택하려고 시도했다.

전자의 대표작은' 사빈 여자의 굴욕' 이고, 후자는' 애들레이드' 이다.

17 세기 중엽까지 이탈리아 오페라는 베니스에서 기본적으로 형성되었으며, 이후 200 년 동안 오페라의 형식은 근본적인 변화가 없었다.

이 유파의 주요 특징은 독창이 오페라의 주요 노래 형식이 되었다는 것이다. 아리아와 낭송은 분리되어 있으며, 아리아는 작가의 중시와 청중의 환영을 받고 있다. 새로운 미성창법은 오페라 노래에서 이미 절대적인 주도적 지위를 차지하고 있다. 피렌체 예술단체가 원래 고수했던 음악과 가사의 관계가 점차 바뀌면서 음악이 가사를 능가하는 경향이 나타났다.

동사 (verb 의 약어) 나폴리 오페라 하우스

17 세기 80 년대에 이탈리아 오페라의 중심이 나폴리로 옮겨졌다.

나폴리 오페라는 원래 베니스 오페라의 영향을 받았고, 카발리, 체스티 등의 작품은 나폴리에서 유행하고 센세이션을 일으켰다.

이후 나폴리 오페라는 비약적으로 베니스를 대신해 이탈리아의 새로운 오페라 행사센터가 됐다.

나폴리 오페라는 18 세기 중후반까지 왕성한 생명력을 유지해 왔으며, 많은 걸출한 나폴리 작곡가들의 발자취가 유럽에 퍼져 오페라의 유럽 보급과 보급에 긍정적인 역할을 했다.

나폴리 오페라의 전체적인 스타일은 유머, 발랄함, 활력입니다. 우아한 외적 형태를 중시하고 극적인 강도는 상대적으로 약해지지만, 아름다운 음악은 모든 부족을 메울 수 있을 만큼 충분하다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 우아함, 우아함, 우아함, 우아함, 우아함)

나폴리 오페라의 창시자이자 가장 중요한 대표 작곡가는 스칼라티 (Scarlati Alessandro1660-1725) 이다.

그는 음악가 출신으로 1679 년 로마에서 자신의 첫 오페라' 무지한 잘못' 을 상연해 성공을 거두었다.

그 결과, 그는 로마에 사는 스웨덴 크리스티나 여왕의 개인 극장의 지휘자가 되었다. 이 기간 동안 그는' 진정한 사랑' (1680) 과' 폼페이 장군' (1683) 을 창작했다.

1684 년 나폴리에 도착하여 총독부 음악감독을 맡다. 그는' 피로와 드미트리우스' (1694) 와' 10 의 타락' (1697) 과 같은 40 여 편의 오페라를 창작했다.

1702 부터 로마 세인트 메리 대성당 음악감독으로 재직했습니다.

1709 년에 그는 사망할 때까지 나폴리로 돌아와 가난한 음악학원 원장으로 일했다. 이 기간 동안 그의 중요한 작품은' 티그라hne' (1715),' 영광의 승리' (17/kloc) 였다

스칼라티는 다산의 작곡가이다. 그는 당시 오페라 작곡가 중 1 위를 차지한 1 15 편의 오페라를 창작했다. 대부분의 주제는 생활 희극이나 역사 전설에서 따온 것이다.

이 밖에도 700 여 곡의 청창극, 청창극, 대중노래가 있다.

스칼라티가 오페라에 기여한 것은 오페라가 음악으로 표현된 연극이며 오페라에서 음악의 핵심 지위를 강조해야 한다는 점이다. 인물의 감정 발전은 음악으로 구현하고 요약하여 전형적인 음악 이미지를 형성할 수 있다.

음악에 비해 가사는 힌트일 뿐 중요한 역할을 하지 않는다.

그래서 성악은 그의 오페라에서 절대적인 우위를 점하고 있다. 둘째,' 청낭송' (일명' 백화낭송') 의 노래 형식을 만들어 장편 독백과 대화에 주로 사용되며, 한두 개의 악기만 반주로 사용하여 줄거리 발전 과정에서 매개체 역할을 한다. 셋째, A-B 백투백 창단을 사용하여 인물의 모순된 감정을 표현하고 어떤 대칭적인 절차를 형성한다. 넷째, 그는 오페라 서곡의 형식을 발전시키고 고정시켰고, 빠르고 느린 노래와 빠른 춤의 세 부분으로 구성되어 향후 오페라 서곡의 고정 형태가 되었다. 다섯째, 오케스트라의 온전하고 사성부의 밴드를 만들어 각 악기의 특징에 따라 다른 감정의 음악을 연주한다. 이런 밴드 편제와 배합기의 방법은 오랫동안 적용되었다.

스칼라티는 근면하고 엄밀하며 슬기로운 작곡가로 진지한 연극 이상에 대한 집착을 보여' 진지한 스칼라티' 라고 불린다.

그의 작품은 한때 대중의 환영을 받지 못했지만, 서클에서 추앙을 받아 헨델을 포함한 작곡가들에게 중요한 영향을 미쳤다.

스칼라티와 이후 나폴리 오페라 작곡가들이 창작한 오페라들 중 일부는' 포인트 오페라' 로 어느 정도 음악회 성격에 속하며 오페라의 극적인 요소도 점차 희미해졌지만, 이는 스칼라티가 이탈리아 오페라 발전에서 역사적 지위와 전승을 방해하지 않는다. (윌리엄 셰익스피어, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라, 오페라)

18 세기 상반기에 나폴리 오페라는 이탈리아의 다른 지역 오페라와 마찬가지로 오페라 음악의 서정적 측면을 발전시켰으며 가수의 독주 기교와 호화로운 무대 장식에 더 의존했다.

오페라는 점차 피렌체 예술가가 심리를 묘사하고 개성을 표현하려는 원래의 의도에서 벗어나 쾌락감각의 저질로 미끄러졌다.

17 세기 중후반 오페라의 장르 형식이 기본적으로 고정돼 나폴리 시대에는 낭송과 아리아를 더 나누었다.

서술은 1 으로 나눌 수 있다. 청대 선서조, 즉' 백화선서조' 는 노래를 부를 때 말에 가깝고, 간단한 반주만 사용한다. 둘째,' 반주가 있는 선서조',' 기악 낭송조' 라고도 하는 선서조는 긴장된 연극 장면, 독백 또는 대화 시 정서 변화를 밴드에서 연주한다.

아리아의 분류는 비교적 복잡하다. 반주 형식으로 볼 때, 반주 아리아와 반주 아리아가 있다. 색채감으로 볼 때, * * * 아리아, 애원 아리아, 유머러스한 아리아 등이 있습니다. 음악 스타일로 볼 때 전원 댄스 아리아, 구두 아리아 낭송 등이 있다.

또한 스칼라티의 작품에는 낭송과 아리아 사이에 아리아 같은 낭송인' 음정' 이 있다.

이 형식은 바그너에게 전달되어 자유 아리아로 발전했다.

18 세기 중반에 이르러 이러한 보편적인 정형양식은 향후 오페라 창작의 기본 요소가 되었다.

17 세기와 18 세기는 이런 특징을 가지고 있으며, 신화 영웅전설을 주제로 한 이탈리아 오페라는 음악사에서' 정통 오페라' 라고 불린다.

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