중국과 서양 성악의 발전

고대 그리스 현악과 관현악의 대표자: 거문고(Lyra)와 라브로스(lavros). 신 숭배 연결: 아폴로와 디오니소스.

거문고는 개발 과정에서 다양한 변형이 있었는데, 그중 가장 중요한 것은 키사라입니다. 고대 그리스 시대의 음계 배열은 4음 순서였습니다. 중세 기독교의 예배 활동은 일상예배와 미사라는 두 가지 범주로 나누어졌습니다. 뉴엠 표기법은 11세기에 와이어 표기법, 즉 4행 표기법이 탄생하면서 시작되었습니다.

기보법의 진화: 그리스 문자 24자 - 뉴엠 표기법 - 철선 표기법 - 오선보

13세기 독일의 프랑코가 『양적 노래 예술』에서 “양적 표기법은”에서 제안했다. . 초기 다성 음악 유형: Organon-Discount, Gorgeous Organon, Discount,

Condoctus-motet(간단한 노래) Ancient Art School 대표 인물 두 명: 레오난의 2성부 오르가논의 “할렐루야, 나를 죄에서 구원하시는 어린 양” ”

13세기 페로틴의 4성 오르가논에 의한 다성음악 발전의 결과: 1 그것은 다성음악 종지의 형성이다. 두 번째는 표기법의 발달이다. 새로운 예술의 의미와 특징.

의미: 일반적으로 14세기의 구호음악을 말하며, 이는 13세기 다성음악을 지칭하는 '고대 예술'과 관련이 있다. 특징: 금세기에는 많은 음악 창작이 예배 활동과 분리되었습니다. 음악 창작은 전례 없이 세속적이었습니다. 작곡가들은 종교적인

다성 음악 어휘를 결합하여 음악 형식을 만드는 다양한 새로운 방법을 모색했습니다. 이는 작곡 기법과 음악 형식에 일련의 변화를 가져왔습니다. 아르누보의 대표적인 인물은 마쇼(프랑스)와 란디니(이탈리아)이다. 음악의 중세 시대: 대부분의 중국 및 외국 음악 역사가들은 문화사적 관점에서 서기 5세기부터 14세기와 15세기까지의 기간을 로마 음악 학파: 팔레스트리나의 "말" 교황 미사로 정의합니다. 세로스".

베니스 음악학교: G Gabrieli(현대 오케스트레이션의 아버지).

플랑드르 학파: 라수스(Lasus)의 '에코(Echo)'는 중세 이후 다성음악의 대가이다. 완전히 성숙한 음색과 화성 언어를 갖춘 최초의 음악 작품은 이탈리아인 Corelli가 창작했으며 Faramo가 처음으로 해석했습니다. 대표적인 작품은 '하모니'이다. 오페라의 가장 직접적인 원천은 15세기 말의 막간이다. 가장 초기의 오페라는 페리가 작곡한 '다프네'이다. 특징: 이 그리스 신화를 바탕으로

음악이 완벽하게 보존된 최초의 오페라는 페리가 작곡한 "에우리디케"와 리누치니가 대본을 쓴 것입니다. 중세 음악 스타일: 종교 음악, 세속 음악 음악, 종교 및 세속 음악 오페라 역사상 진정한 오페라: 몬테베르디의 "오르페오" 최초의 오라토리오는 1600년 2월에 공연된 (로마) 카발리엘리의 "영혼과 육체의 드라마"였습니다. 역사가들이 오라토리오라고 부르는 로마 오페라의 토대를 마련한 오페라의 원형을 갖고 있으며 그 내용은 종교적, 도덕적 측면을 담고 있다. 최초의 오페라 하우스: 1637 Teatro San Cassiano. "르네상스"는 새로운 주요 문화 운동입니다. 부르고뉴 시대의 음악적 성취: 대규모 종교음악 장르인 미사(Mass)의 확립 라수스의 "에코"는 르네상스 시대의 가장 유명한 마드리갈로 하프시코드와 클라비코드의 두 가지 유형이 있습니다. 하프시코드에는 하프시코드와 하프시코드의 두 가지 유형이 있습니다.

프랑스 자판의 대표적인 모습은 다음과 같습니다. 쿠프랭 르네상스 시대에는 두 가지 새로운 모드가 널리 사용되었으며 이는 나중에 장조와 단조의 생성에 직접적인 영향을 미쳤습니다.

그들은 다음과 같습니다: 에올리안 모드와 아이오니아 모드. 초기 다성음악의 종류: 오르가논, 화려한 오르가논, 리듬 패턴, 디스코트. 장조와 단조: 장조와 단조의 조성 체계의 발전 과정은 르네상스 시대에 시작되어 바로크 시대에 성숙해졌습니다. 바로크 시대의 협주곡에는 협주곡 그로소, 독주 협주곡, 관현악 협주곡의 세 가지 주요 범주가 있습니다.

대표인물 : 작곡가(이탈리아) 비발디. 대표작 : '사계' 헨델 : 기악곡 '수상음악' '왕실불꽃음악'

오라토리오 작품 '메시아' '이집트의 이스라엘인들' 글루크 오페라의 개혁 : 원리 : 음악에 복종하는 음악 시의 필요성 비엔나 신고전주의 학파의 대표자: 하이든, 모차르트, 베토벤. 모차르트: 이탈리아의 진지한 오페라 "크레타의 이도메네오"와 "티토의 자비"

코믹 오페라: "카이로의 거위", "매혹당한 남편", "피가로의 결혼", "돈" Juan" 및 "Così fan tutte"

독일 및 오스트리아 오페라: "Bastian et Bastienne", "The Escape from the Harem" 및 "The Magic Flute" 만하임 학교: 작품은 가볍고 생동감이 넘칩니다. 메인 테마 음악 스타일이 완전히 확립되었고 고음 부분의 라인이 매우 두드러지며 밴드 질감이 맑고 투명합니다. 19세기 민족주의와 낭만주의의 가장 공통점은 바로 자국과 민족의 음악문화에 대한 강한 관심이다. 베버의 '마법의 총알'은 독일 낭만 오페라의 탄생을 알리고 유럽 낭만 오페라의 기초가 되었다. '온딘'은 '해군'으로도 번역된다. 호프만의 오페라는 독일 낭만주의 오페라의 싹을 알렸다. '가곡의 왕' 슈베르트는 'The Devil', 'Wild Rose', 'Trout', 'Serenade' 등의 성악곡으로 가장 유명합니다.

'Lullaby', 'Ave Maria' .

쇼팽: "피아노 시인"

음악적 특성: 강렬하고 영웅적이지만 섬세하고 부드럽습니다. 이는 19세기 낭만주의가 가장 번영했던 시기의 피아노 음악의 일반적인 예술적 개념입니다.

그 중에는 독특한 "고정된 음악적 아이디어"가 있습니다: 베를리오즈의 "말 없는 노래": 멘델스존

"피아노 시인": 쇼팽 "왈츠의 왕": 요한 슈트라우스 2세

'교향시': 리스트 '왈츠의 아버지': 장로 슈트라우스

'뮤지컬 드라마': 바그너 '러시아 음악의 아버지': 글린카

'예술의 왕 노래": 슈베르트 베르디: 첫 번째 오페라 "오베르토"와 마지막 "라 그라시아". 그를 부활시킨 <나부코>

그 외 <일 트로바토레>, <라 트라비아타>, <아이다>, <오델로> 등이 있다

*주요 분야는 오페라이며, 니벨룽겐의 반지', '다스 라인골드', '발키리', '지그프리트'

'인생의 황혼', '트리스탄과 이졸데', '방랑자', '네덜란드인', '로엔그린' ", "Tannhäuser", "Rienzi"

"뉴욕의 마이스터싱어", "퍼시벌" 등 관현악곡 '파우스트 서곡'도 있다 로시니 : '세비야의 이발사' ​​'영국의 엘리자베스 여왕' '알제의 이탈리아 소녀' 글린카 : 공헌 : 유럽을 따라잡기 위해 러시아 전문음악을 들여온 뮤지컬 수준 러시아 예술음악 발전의 토대를 마련하고 길을 열어줌으로써 세계음악에서 러시아 음악의 위상을 확립했다.

작품: 첫 번째 오페라 "이반 수산닌", 두 번째 "루슬란과 류드밀라"

창의적 특징: 첫 번째 오페라 "이반 수산닌"~"은 국가 애국 역사 오페라의 유형을 확립했습니다. .

두 번째 '루~'는 러시아 민속신화가극의 형식을 확립했다. 5인조 그룹: 발라키레프, 가이, 무소르그스키, 보로딘, 림스키-코르사코프 차이콥스키: "6번째 "비창" 교향곡"(엄숙한 서곡)

3개의 댄스 드라마: "백조의 호수", "잠자는 숲속의 공주" 및 "호두까기 인형"

특징: 하나는 심오한 서정성, 다른 하나는 강렬하고 극적인 Smeta That: 교향시 "Vltava" Deosjak: "Slavonic Dances" "From the New World" Grieg: "Solveig's Song" 노르웨이의 "제2의 국가"로 알려져 있음 시벨리우스 : "핀란드에의 송가" 인상파 음악과 그 대표자 : 생상스의 "동물의 사육제" 하위 목록에 있는 "레퀴엠"

드뷔시의 "월광" 라벨의 ​​"보레로" " 이탈리아 오페라: 마스카니의 "무심한 루스티카나" 레온카볼로의 "팔리아치" 푸치니: "예술가의 삶" "토스카" "나비부인" "투란도트" 표현주의 음악: 쇤베르크, 벨게, 베베른(신빈파)

쇤베르크: 12음 체계와 "화성" 신고전주의 음악: 스트라빈스키 20세기 민족주의 음악: (헝가리) Bartok, (폴란드) Szymanowski, (체코) Janacek, (미국) Coplan Gershwin Bartok: 20세기 가장 성공한 민족주의 작곡가 세기. 그는 헝가리 음악에 새로운 지평을 열었을 뿐만 아니라, 20세기 현대 음악의 최전선에 섰던 몇 안 되는 중요한 혁신가 중 한 사람이기도 했습니다. 순차음악: 메시앙; 부수음악: Cage Bach: (1) 성악 작품은 주로 종교음악이며, 대부분이 루터교 종교음악입니다. 두 가지 열정.

(2) 기악의 경우 "평균율 클라비어"(후대에는 "피아니스트를 위한 구약성서"로 알려짐)

"프랑스 모음곡" "영국 모음곡" " 오케스트라 작품 "브란덴부르크 협주곡"

1. 그레고리오 성가

정의: 서기 6세기 로마교회에서 유래하여 8~9세기에 결성되었다. 교황 그레고리오 성가(Pope Gregorian Chant)의 이름을 따서 명명되었습니다. 가울리의 이름을 딴 기독교 전례 음악은 "그레고리오 성가"로 알려져 있으며 "일반 노래"라고도 알려져 있습니다.

기본 기능: (1) 반주가 없는 순수한 인간의 목소리(남성) 노래를 부르는 단일 성부 음악 형식입니다. (2) 가사는 라틴어로 되어 있습니다. (3) 가사는 주로 성경과 시편에 나옵니다. (4) 언어의 가락에 따라 가락이 나누어져 있어 뚜렷한 리듬의 특징이 없습니다. (5) 음악 스타일은 단순하고 장엄하며 안정된 음색으로 주로 진행되고 3도 점프합니다. (6) 음역이 좁습니다. (7) 멜로디는 고대 동양, 고대 그리스 및 민요의 특성을 흡수합니다. 당시의 단순한 자연 규모를 기반으로 합니다. (8) 그레고리오 성가는 암송형과 선율형의 두 가지로 나눌 수 있으며, 후자는 음절형, 합창형, 화창형의 세 가지 형태가 있다.

의의: 이는 기독교 음악 문화의 중요한 부분일 뿐만 아니라 이러한 단성음악의 전통이 점차 육성 발전되어 후대를 위한 수많은 음악가가 편찬되었다. 수많은 창의적인 자료를 제공하는 그레고리오 성가는 서양 음악사에서 매우 중요한 의미를 갖습니다.

2. 독일 '찬송가'의 의의

포지셔닝: 16세기 독일 종교개혁가 마르틴 루터가 개혁한 개신교 찬송가.

대표작: "하나님은 우리의 견고한 요새이시다"

특징: 1. 라틴어를 독일어로 변경

2. 산문 가사를 운율 있는 시로 변경합니다.

3. 멜로디는 민요를 많이 차용했다.

4. 질감면에서는 다성음악이 하모니로 바뀌었습니다.

5. 합창단 노래를 회중이 부르는 찬송가로 변경합니다.

3. 베이스 연속체

정의: 르네상스의 다성적 질감과는 다르게 작곡가가 고음부의 선율만을 창작할 때 쓰는 것이다. 이 독립된 베이스 부분이 작품 전체에 걸쳐 계속되므로 '연속 베이스'라고 합니다. 표시 위의 경우 베이스는 일반적으로 첼로, 더블베이스, 바순과 같은 악기와 함께 연주되는 반면, 연주자의 음악에 대한 이해와 장식이 다르기 때문에 건반 악기인 류트가 하모니를 채워줍니다. 핸들링도 다릅니다.

의미: 베이스 콘티누오는 백년 이상 인기를 끌었습니다. 따라서 바로크 시대를 베이스 콘티누오 시대라고도 합니다. 바로크의 등장으로 이어진 특징입니다. 음향학. 화성체계의 형성은 장조체계와 단조체계의 출현으로도 이어졌다. 이로써 교회 절제 시대는 끝났다.

1. 고대 그리스 시대 음악의 특징

1. 질감: 단일 음악에 속하며 주로 화성 악기가 있다. 주로 반주에 사용됩니다.

2. 연주형식에서는 시, 음악, 춤을 결합하고 시, 작곡, 노래, 반주를 통합한다.

3. 기독교의 탄생은 종교와 밀접한 관련이 있어 서양음악문화 발전에 큰 의미를 갖는다.

4. 음악이론과 음악미학이 상당한 수준에 이르렀다. 5. 고대 그리스의 희비극은 나중에 서양 희극을 발전시킨 집단이다.

2. 고대 그리스 음악과 고대 로마 음악의 차이점은 무엇인가요?

1. 로마인들은 정복과 싸움에 능숙했으며, 힘과 권위, 규율을 옹호했습니다. 그들의 문화적 특성은 고대 그리스 문화의 예술적이고 우아한 성격이 부족했습니다. 2. 로마에서 음악의 인기는 관련이 있습니다. 많은 로마 왕조의 왕의 열정도 이와 관련되어 있습니다.

3. 로마음악의 중요한 특징 중 하나는 집단음악과 의식 및 행렬음악이 매우 대중적이라는 점이다. 4. 소셜 음악 활동과 더불어 가족 음악도 한동안 인기를 끌었습니다.

5. 고대 그리스 음악과의 또 다른 중요한 차이점은 음악의 전문화입니다.

6. 고대 로마음악은 영적 건강 측면에서 더 이상 고대 그리스와 비교할 수 없습니다.

3. 중세 음악의 특징

1. 그레고리오 성가는 중세 음악 활동의 중심이었다

2. 모노포닉 음악의 발전

3. 단성음악에서 다성음악으로, 다성음악은 결국 세속화로 발전했다.

4. 음악은 종교 문화와 생활의 필수적인 부분입니다. 교회는 모드, 화성, 음악 이론, 기보법 등 다양한 예술의 본질을 지배하고 창조합니다. 음악원의 설립은 교회와 관련이 있습니다.

5. 중세 후기에는 교회음악과 세속음악이 서로 대립하고 섞이며 공존했다.

6. 성악이 주를 이루고, 기악이 성악에 종속된다.

4. 르네상스의 특징 개요

1. 생명을 긍정하고 자연을 찬양하는 주제는 중세와 다르다.

2. 마틴 루터의 종교개혁은 종교음악과 세속음악의 구분을 모호하게 만들어 종교음악을 더욱 복잡하고 완벽하게 만들며 세속화로 발전하기 시작했습니다.

3. 르네상스 시대에는 팔레스트리나와 라수스의 주도로 성악 다성음악이 정점에 이르렀다.

4. 독립적인 의미를 지닌 기악 테마가 등장했습니다.

5. 세속음악이 발전하고 목가음악 등 새로운 주제가 많이 등장했습니다.

5. "두 가지 관습"

몬테베르디는 1605년 『목회』 제5권에서 르네상스의 다성적 전통, 즉 “ '고대의 스타일'은 '첫 번째 루틴'이라고 할 수 있는데, 그가 채택한 새로운 작곡 기법이 '두 번째 루틴'이다. 그는 작곡가가 '첫 번째 루틴'을 사용했을 때 '하모니(다성음악)'라는 가사를 강조했다. 화성의 주인'은 형식이 먼저이고 내용이 그 다음이라는 뜻이다. '제2의 루틴'은 그 반대이다. '가사가 조화의 주인이 되어야 한다' 즉 내용이 먼저이고 형식이 그 다음이라는 뜻이다.

'제1 규범'과 '제2 규범'의 의미

르네상스의 다성적 전통, 즉 '제1 규범'은 형식을 먼저, 내용을 그 다음으로 둔다. 몬테베르디 자신의 새로운 작곡 기법은 내용이 먼저이고 형식이 그 다음인 "제2의 컨벤션"이었습니다.

6. 오페라의 기원

1. 비극은 고대 그리스 시대로 거슬러 올라갑니다.

2. 중세 시대의 종교 드라마와 미스터리 드라마. 기적극과 목가극은 오페라 출현의 토대를 마련했습니다.

3. 르네상스 시대의 마드리갈 오페라는 오페라의 탄생을 예고하기도 했다.

4. 오페라의 가장 직접적인 기원은 15세기 말의 막간이다.

5. 오페라는 16세기 말 이탈리아 피렌체에서 마침내 제작됐다.

7. 칸타타와 오라토리오, 그리고 그 차이점

오라토리오: "오라토리오"라고도 알려져 있으며, 극적이고 서사적인 내용을 담은 대규모 성악 모음곡입니다. 듀엣, 아리아, 서곡 등 성경을 주요 내용으로 하여 노래만 하고 연기는 하지 않습니다.

칸타타 : 레시타티브, 아리아, 서곡 등이 포함되어 있으며 규모가 작고 내용이 단순하며 서정성에 중점을 두고 있습니다.

칸타타와 오라토리오의 차이점:

연락처: 1. 둘 다 바로크 시대 오페라와 동시에 제작된 대규모 성악 모음곡입니다.

2. 주로 합창, 독주, 듀엣, 관현악 반주를 포함한 성악.

3. 메이크업, 풍경, 동작, 소품, 무대 디자인 등은 금지됩니다.

4. 둘 다 주악에 속한다.

차이점: 칸타타는 규모가 더 작고 서정성에 중점을 둡니다. 주제는 종교적일 수도 있고 세속적일 수도 있습니다.

규모가 더 큽니다. 수난곡의 가장 초기 기원은 17세기 중반 이후 새로운 유형의 오라토리오로 거슬러 올라갑니다.

8. 고전시대의 음악적 특징

1. 음악은 교회에서 궁궐로, 점차 대중에게로 옮겨갔다.

2. 음악 창작은 화성과 선율의 일치성을 강화하는 주악 형식을 주로 채택하고 '주-종-종-주인'의 기능적 화성 진행을 확립합니다.

3. 명확한 주제, 간결한 뮤지컬 드라마, 아름다운 음악, 단순하고 균형 잡힌 음악 형식의 분할 구조 원칙을 확립합니다.

4. 테마 동기 개발은 바로크 시대의 단일 테마 개발을 대체하기 위해 테마 간의 대조를 사용합니다.

5. '컨티누오 베이스'는 명확한 악기 표기법으로 대체되어 작곡가가 악기의 음색을 더욱 선명하게 경험할 수 있게 해줍니다.

6. 상당한 아름다움을 추구하고 음악의 범위와 표현력을 확장합니다.

7. 음악의 초점은 교향곡, 협주곡, 소나타, 4중주 등 새로운 악기 주제로 옮겨졌습니다.

9. 글루크의 오페라 개혁

1. 음악사에서 글루크의 위치는 이탈리아 오페라의 개혁을 통해 확립되었습니다.

2. 글루크의 오페라 창작 원칙

3. 글루크의 오페라는 단순하고 자연스러우며 감동적이다

4. 스타일 글루크는 오페라에서 흔히 사용하는 '명쾌한 낭송' 대신 오케스트라 반주를 곁들인 낭송을 사용했다. 과거의 오페라

5. 글루크의 오케스트라는 18세기 관현악의 성과를 흡수하여 오케스트라의 개별 성악을 명확한 표기법으로 대체하였다.

10. 소나타와 소나타 형식의 차이

'소나타'는 18세기에 점차 형성되어 다양한 악장으로 구성된 '소나타' 주제를 말한다. 전체적으로 여러 동작이 본질적으로 서로 관련되어 있습니다.

'소나타 형식'은 '소나타'라는 주제 내에서 사용되는 구조적 형식을 말하며, 제1악장에 사용될 때에는 '소나타 알레그로'라고 부르기도 한다.

소나타 형식 다른 악장에서도 종종 소나타 형식과 기타 음악 형식을 사용합니다.

11. 베토벤(독일 작곡가. 비엔나 클래식 음악파의 대표작 중 하나)

대표작: 1. 교향곡: 교향곡 3번 "에로이카" 2. 오페라 Fordario"

3. 소나타: 소나타 14번 "Moonlight" 4. 협주곡: 바이올린, 첼로, 피아노 트리오. 5. 실내악: 현악 4중주 16개 6. 성악 작품: D장조 미사, 성악 모음곡 "먼 연인"

예술적 성취: 1. 동기 부여: 포괄적이고 엄격한 음악적 동기를 유지하면서 고도로 집중된 음악적 동기를 확장합니다. 통합, 개발 부분 확장, 작품의 내부 모순, 동기 부여 홍보 및 극적인 갈등을 강조하는 데 중점을 둡니다. 교향곡 3번을 시작으로 스케르초는 교향곡의 3악장인 교향곡 9번에 도입됩니다.

2. 피아노 소나타의 경우: 그의 32곡의 피아노 소나타는 소나타의 구조에 중요한 기여를 했습니다.

3. 창작 스타일: 시대의 정신적 본질을 표현하는 측면에서 그의 작품은 투쟁에서 승리로, 어둠에서 빛으로, 하이든 스타일의 동기 부여 방식을 계승하고 흡수합니다. 모차르트의 멜로디는 단순함, 거칠음, 단순한 열정의 특징을 이루는 깊은 감정, 당김과 휴식으로 인한 역동성, 조화의 불협화음, 선율의 불안정성을 형성한다.

12. 나폴리 오페라의 특징(공식 오페라의 특징이기도 함)

1. 공식 오페라 방향으로의 발전: 마지막으로 발전한 도시였으며 " '오페라'

2. 대표인물 및 작품 : 스카를라티의 '테오도라'

3. 특징 : (1) 내용 : 주로 고대 신화와 역사를 소재로 하고, 진지한 내용, 코미디에 반대한다.

(2) 구조적 형식 측면에서: 원래의 5막 오페라에서 간결한 3막 구조까지, 종종 막 사이에 삽입됩니다.

코미디, 성적인 막간

듀엣과 합창이 거의 사용되지 않고 춤도 사용되지 않는 독특한 서곡입니다.

(3) 두 가지 다른 암송. 하나는 긴 대화나 독백에 사용되는 건식 암송입니다.

두 번째는 베이스 반주입니다. 두 번째는 반주를 동반한 낭송으로, 복잡한 감정 표현에 뛰어나며 극적이고 긴장감 넘치는 장면에서도 사용된다.

(4) 반주 아리아. 일종의 아리아는 ABA 3섹션 형태인데, 작곡가들은 보통 A섹션을 더 이상 쓰지 않고, B섹션 끝에 ala eapo만 표기하는데, 이는 처음부터 반복한다는 뜻이다. ", 그리고 마지막에 괜찮게 표시

13. A. Scarlatti의 오페라에 대한 공헌

1 , ***은 115개의 오페라를 썼으며 오페라의 창시자였습니다. 현대 오페라.

2. 대표 작품 "Griselda", "Pirro et Dimetro", "The Downfall of the Company of Ten" 가장 유명한 예술적 업적: (1) 그는 나폴리 음악파의 창시자이다. (2) 반주 아리아, 건식 낭송, 반주 낭송을 개척했다. (3) "빠르게-느리게-빠르게" 나폴리 오페라 서곡의 3부 형식을 확립했다. 교향곡(4)의 선구자로서 4개의 현악부와 오보에, 바순, 트럼펫, 프렌치 호른 등 후기 바로크 시대의 전형적인 오케스트라 편곡을 만들어냈습니다.