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1 [이론] 단순표현

2 [이론] 리듬변화

3 [이론] 구조적 비전

4 [이론] 그리기 및 특성화

5 [이론] 빛과 어둠의 관계

6 [이론] 빛과 그림자는 해롭다

7 [이론] 통찰력 스케치

8 [이론] 스케치란 무엇인가

9 [이론] 선과 면의 융합

10 [이론] 구조는 진실이다

11 [이론] 깊이 공간

12 [이론] 유사성 우선

[이론] 단순 표현

스케치는 연구 지향적일 뿐만 아니라 표현력도 뛰어납니다. . 미술 감상의 관점에서 보면, 스케치 습작도 하나의 완성된 미술 작품으로 감상할 수 있습니다.

스케치는 단색이지만 표현 방법이 비교적 간단하기 때문에 스케치를 좀 더 요약하고 다듬을 수 있습니다. 화가는 간결한 붓질로 대상의 구조와 내면의 기질을 의도적으로 표현하는데 집중할 수 있다.

중국의 전통 서예와 수묵화는 매력적인 스케치입니다. 한자와 수묵화는 모두 중국 전통문화의 예술적 구성에 속한다. 한자 획의 배열과 구성의 변화, 회화의 탄 먹과 마른 붓놀림의 대조, 먹칠의 대비, 서화의 빈틈없고 희박한 기원을 예술적으로 표현하는 것 등은 모두 서화의 독특한 아름다움과 구도를 표현하고 있다. 중국 전통 미술의 스케치는 종이 뒷면을 통해 나무에 3점씩 침투하는 힘을 가지고 있습니다.

구체적인 신체 구성은 없고, 검정, 흰색, 회색의 순수 레벨 사이의 변화만이 자신의 감각적 감정을 추상적으로 표현하며, 스케치의 리듬인 잉크의 다섯 가지 색상도 만들어낼 수 있습니다.

서구 문화가 유입되면서 중국 미술교육실에도 스케치가 들어섰다. 대가 수준의 스케치가 되어야 비로소 감상할 수 있는 작품이 될 수 있고, 나머지는 연습이라고 할 수 있을 뿐입니다. 이는 결국 스승이 오랜 문화적 축적을 통해 평소 표현력이 매우 뛰어난 스승의 남다른 프리핸드 기술을 구현해냈기 때문이다. 화가는 처음부터 표현의 대상에서 출발해 대상의 내면적 구조와 매력을 드러냈다. 정교하게 다른 형태를 사용할 필요도, 그럴 필요도 없다.

[이론] 리듬이 변한다

리듬은 스케치의 아름다움이다. 리듬이 없는 스케치는 감정이 없는 점, 선 또는 회색의 패치워크일 수 있습니다. 마치 끈이 한 음절만 생성할 수 있고 사람이 멈추지 않고 숨을 쉬지 않고 말할 수 있는 것과 같습니다.

몸의 변화에 ​​따른 붓질의 기복과 리듬감 있는 선을 활용하여 몸의 아름다움을 그려냅니다.

선은 단단할 수도 있고 부드러울 수도 있으며 브러시가 우선시되어야 합니다. 강하면 자연스럽게 곧고, 부드러우면 약해진다. 거친 것이 강조되고 미세한 것이 가상이 됩니다. 선과 마찬가지로 선과 면의 조합을 통해 빛과 그림자를 더해 인체의 변화하는 형태를 강조하고 자연물에 예술적인 리듬미를 만들어냅니다.

[이론] 구조적 비전

시각적 훈련은 사고 과정이기도 하며, 이는 끊임없이 환상을 없애고 세상을 올바르게 인식하는 다리 역할을 합니다. 우리의 시각적 사고가 물리적 구조를 인식함에 있어 정확한 개념과 엄격한 그림 스타일을 형성하도록 하는 방법은 가능한 한 많은 연습이 필요합니다. 속담처럼 연습이 완벽을 만듭니다.

구조적 스케치는 밝고 어두운 스케치를 의미합니다. 그렇다고 해서 어두운 스케치가 구조에 주의를 기울일 필요가 없다는 뜻도 아니고, 구조 스케치가 빛과 어둠을 버리는 것도 아닙니다. 공부와 실력. 선을 표현력으로 활용하고, 명암의 관계를 적절하게 추가하며, 그림 대상의 입체적 구조를 해부학적 형태로 직접적으로 표현한다. 석고상의 스케치이든 실제 형태이든, 대상에 대한 이해를 바탕으로 대상을 분석하고 형태를 파악해야 하며, 그림 속 대상의 사소한 요소를 제거하기 위해 노력해야 합니다. 특히 해부학적 지식을 활용하여 신체의 전반적인 골격과 뼈점, 근육의 관계를 확고하게 파악하여 조각과 조형을 수행해야 합니다.

스케치는 형태에 관한 것이지만 형태 자체에 관한 것뿐만 아니라 형태에 대한 관찰과 느낌에 관한 것이기도 합니다. 스케치의 형태와 방법, 수단은 시각적 사고에 달려 있다. 사물을 표현할 때 적극적이고 적극적인 선택만이 시각의 기본 특성을 반영할 수 있다.

시각은 결코 우리 감정의 수동적인 복사가 아니라 능동적인 이성적 활동, 즉 사고 활동이다. 지각은 사고의 결과이고, 추론은 직관에 대한 연구이며, 마침내 자신만의 창조물을 형성할 수 있습니다.

[이론] 드로잉과 캐릭터화

밝은 톤과 어두운 톤을 사용하는 데 익숙한 사람들에게는 항상 이 방법만이 탄탄한 스케치가 될 수 있다고 느낍니다. 사실, 나중에 연습한 후에도 여전히 너무 강하지 않다는 느낌이 들었습니다. 묘사된 내용이 너무 많고 조각된 부분이 너무 적었습니다.

물체의 볼륨감을 표현하기 위해서는 스케치의 명암을 활용하는 것이 여전히 유용하다고 할 수 있습니다. 하지만 밝은 톤과 어두운 톤에서 벗어나는 방법은 쉬운 일이 아니다. 마음 속에 내재된 개념과 습관의 힘, 그리고 느린 이해의 향상과 더불어 내가 원래 버리고 싶었던 그림 방식은 때때로 계속해서 반복되게 만든다.

밝은 톤과 어두운 톤은 피아노 건반과 같아서 표현력이 풍부해진다. 우리가 사용하는 연필로 여전히 7B와 8B를 만들 수 있나요? 9B와 10B에서도 실제 모델 공간의 검은색을 표현할 수는 없습니다. 검은색과 흰색의 대비는 상대적일 뿐입니다.

무대미술의 어두운 톤에서는 퓨어블랙+플레인을 사용했는데, 조명 아래에서도 하얗게 변하는 부분이 있어서 블랙벨벳으로 전환했는데, 우리 도화지는 어떻게 이런 블랙홀을 표현할 수 있을까요? 사실 흑백은 느낌일 뿐이다. 강한 감정은 우리가 이전의 스케치 방법을 바꾸고, 우리 마음 속의 낡은 죽음 개념을 버리고, 완전히 새로운 사고를 사용하고, 구조적 의지의 통제하에 우리 자신의 감정을 최대한 발휘하고 붓놀림에 집중하여 그림을 그릴 것을 요구합니다. . 대상의 감정이 유사함을 보여줍니다.

고유의 개념을 계속 바꾸고 새로운 그림 방법을 시도하십시오. 숙제를 완료하는 데 너무주의해서는 안됩니다. 그렇지 않으면 시도할 기회를 더 많이 버리고 이미 알고 있는 것을 반복하고 상상력을 제한하게 될 것입니다.

[이론] 빛과 어둠의 관계

빛과 어둠 스케치는 초급 단계에서 많은 사람들이 접하게 되는 학습 방법이다. 다양한 미술 학교에서도 학생들에게 스케치 교육을 지도하기 위해 일반적으로 이 방법을 사용합니다.

밝은 스케치와 어두운 스케치는 빛과 그림자의 변화를 통해 그려지는 대상의 풍부한 빛과 어둠의 계층적 관계를 반영합니다. 초보자는 학습을 시작할 때 조명 아래에서 연습하는 경우가 많습니다. 광원 아래에서 물체의 밝고 어두운 변화를 이해하고 복잡한 모양의 광원의 밝고 어두운 변화를 이해하여 빛의 변화를 더 잘 이해하고 익히는 데 도움이 될 수 있습니다. 사물의 입체감, 질감, 명암, 공간의 풍부한 변화 등을 표현합니다.

빛과 어둠, 흑백, 빛과 그림자, 하이라이트와 반사의 관계에서 빛과 어둠의 스케치에서 리듬의 변화를 익히는 것이 중요합니다. 비교를 통해서만 식별이 가능합니다. 정확한 형태와 반복적인 비교를 바탕으로 밝고 어두운 스케치를 잘 그리는 것이 핵심입니다.

아마도 명암 스케치는 구도, 각도, 광원, 구조, 특성화, 조정 등 여러 단계로 크게 나눌 수 있지만 이것이 절대적인 것은 아닙니다. 우회할 필요는 없지만 우회가 항상 나쁜 것은 아닙니다. 명암 스케치는 연습 중에 자신의 경험을 요약하는 방법을 배우고, 연습 중에 자신의 장점을 발견하고 이를 추진하는 데 주의를 기울여 빛나는 생각이 발전의 출발점이 되도록 해야 합니다. 당신의 성격.

아마 당신의 밝은 스케치와 어두운 스케치가 그의 것만큼 대조되지 않을 수도 있고, 어쩌면 그의 관계 처리가 당신보다 더 미묘할 수도 있습니다. 진실은 대상의 형태의 구조이다.

[이론] 빛과 그림자 해로움

이 작품은 작가가 중앙미술학원 유화수업에 입학하고 처음으로 완성한 그림이라고 할 수 있다. 대학에서 10년 동안 미술 학사 학위를 취득한 사람입니다. 명암기법을 활용하여 그린 연필수업 과제입니다. 거의 사진같죠?

이런 그림 방식은 입시제도 개편 이후 미대에서 큰 인기를 끌었다. 그러나 이 그림은 강사로부터 거의 비꼬는 듯한 비난을 받았다. 만약 내가 북경에 유학을 가지 않았다면 계속해서 이런 그림을 그렸을 것이라고 할 수 있고, 아마도 이것이 가장 정통적인 그림 방식이라고 생각했을 것입니다.

석고 조각상에서 시작하는 것은 밝고 어두운 톤으로 인해 많은 사람들이 사물의 톤, 즉 빛과 그림자만 보게 됩니다. 많은 경우 빛 아래에서 그림을 그리면서 빛과 어둠의 경계를 강조하고, 영리하게 투영을 흐리게 하고 공간을 처리하는 방법을 배우는데, 가장 끔찍한 점은 대상의 내부 구조를 제대로 파악하지 못한다는 점입니다. 그려진 오브제는 단지 머리와 목, 옷의 조합일 뿐이고, 옷 밑에 있는 왼팔조차 인체에 자라지 않는 것처럼 어색하다.

컴퓨터 하드웨어의 대중화와 다양한 드로잉 및 페인팅 소프트웨어의 적용으로 인해 우리는 디지털 카메라로 대상의 고해상도 사진을 쉽게 찍을 수 있게 되었고, 이후에는 Painter와 같은 유명 페인팅 및 드로잉 소프트웨어를 사용할 수 있게 되었습니다. 그리고 Photoshop to Next에서는 다양한 필터 명령을 여러 번 사용하여 사진을 지금의 모습으로 쉽게 "채색"할 ​​수 있습니다. 왜 우리는 이러한 스케치를 하나씩 그리는 데 그렇게 많은 노력을 쏟을까요? 그러한 소프트웨어가 없더라도 우리는 계속해서 이렇게 그릴 수 없습니다. 왜냐하면 이것은 우리 자신의 감정과 창의력은 물론, 어떤 성격의 흔적도 없이(묘사가 아닌) 객관적인 묘사일 뿐이기 때문입니다.

이런 장기적인 스케치는 우리의 시간과 에너지를 많이 낭비하고 밝은 톤과 어두운 톤에만 집중하게 만들어 우리를 수동적인 프로젝터로 만들어 많은 사람들에게 정말 상처를 줍니다.

[이론] 인사이트 스케치

스케치, 그냥 평범한 설명이 아닌가? 이 설명은 대중의 일반적인 개념으로는 거의 받아들일 수 없지만, 예술이나 개념으로는 그림은 얕은 것 같습니다.

드로잉은 회화, 디자인, 모든 조형예술의 기초이다. 화려한 색상과 형태가 없다면 스케치는 순수한 물질적 묘사이자 구성, 리듬, 곡선에 대한 근본적인 연구가 됩니다. 그림의 형태와 색상의 외부 코팅을 벗겨내면 대상의 본질적인 뼈대와 구조, 즉 작품의 내적 의미를 진정으로 표현하는 지지적인 아름다움이 드러납니다.

스케치는 단색의 선을 사용하여 직관적인 세계의 사물을 표현하는 형식적인 예술 창작물입니다. 생각, 개념, 태도, 감정, 환상, 상징, 심지어 추상적인 형태까지 표현할 수도 있습니다. 회화만큼 전체와 색채에 중점을 두는 것이 아니라 구조와 형태에 중점을 둔다.

스케치는 모델링 능력을 키우는 가장 기본적인 수단입니다. 그러나 회화 예술과 디자인 예술의 업무 분업이 다르기 때문에 스케치 훈련의 초점도 다릅니다.

회화와 스케치는 감상의 아름다움을 지탱하는 기반이 되지만, 디자인 스케치는 일반적으로 작품을 독립적으로 감상하는 형태로 나타나지 않고 단지 디자인 예술의 한 부분이나 과정으로 작용할 뿐입니다. 회화와 스케치의 고급 단계에서는 점차 독특한 감상 가치가 있는 작품으로 승화할 수 있으며 점차적으로 훈련에서 벗어날 수 있습니다. 어쩌면 더 간결하거나 더 세련될 수도 있습니다. 요컨대 고급 단계에 있는 동안 좋은 취향을 갖게 될 것입니다. 디자인 스케치의 중요성은 점점 더 분명해지고, 정교해질수록 실용적이게 됩니다.

스케치는 꽉 쥔 주먹과 같아서 허세를 부릴 수 없습니다. 주먹의 구조를 명확하게 설명하고, 손가락과 손바닥의 관계, 뼈와 근육, 정맥, 피부의 결합, 그리고 다양한 형태가 나타내는 아름다운 형태를 보여주어야 합니다. 순수한 선, 선과 면의 조합, 빛과 그림자 톤을 사용하더라도 목적은 단 하나뿐입니다. 바로 주먹의 모양을 묘사하는 것입니다. 이런 관점에서 사생은 감정에만 의존해서는 안 되고, 오해를 불러일으키는 모습도 조심해야 한다.

어떤 사람들은 스케치가 검은색, 흰색, 회색이라고 말합니다. 사실 이것은 그림과 스케치에 대한 오해이며, 빛과 그림자 단계에서 장기 연필 스케치를 피하는 것입니다. 페인팅 과정의 불분명한 레이어. 구상회화에서 검정, 흰색, 회색은 하나의 톤일 뿐이며, 검정, 흰색, 회색의 세 가지 주요 톤에 묘사된 레이어, 빛, 그림자는 종종 소위 표현 형태일 수 있습니다. 학원의 석고로 기하학적 도형을 그리는 것 ——석고 조각상을 배우는 "공식적인" 방식이 가져오는 부정적인 영향. 물론 흑색, 백색, 회색의 순수한 연구에 있어서는 사생과 관련된 어느 정도의 율동적인 아름다움을 갖고 있으며, 형식미의 범주에 속하는 어느 정도의 감상도 갖고 있다.

미술 실천에 있어서 스케치의 초기 단계는 이성적이어야 하며, 이를 위해서는 작가가 차분하게 분석하고 생각하고 신중하게 파악하는 것이 필요합니다. 물론 그림을 그리는 데에는 느낌이 필요하고, 느낌이 매우 중요하며, 다양한 표현 방법도 더 중요하며, 이는 화가의 후기 스타일을 반영할 수 있는 경우가 많습니다. 그러나 회화의 기초 연구 단계로서, 혹은 작품 제작의 초기 단계로서, 스케치 문제가 먼저 해결되어야 한다. 이는 마치 건물과도 같아서 기초가 튼튼해야 하고, 건물의 외부 장식 형태도 스케치를 기반으로 하는 것이 합리적이다.

고급 단계의 사실주의 화가와 표현주의 화가는 사생의 초점에서 확연한 차이를 보이는데, 후자는 “사실적인 신체의 모습을 묘사하기보다는 장면의 감정 표현”을 추구하는 반면, 초현실주의 화가는 초점을 맞춘다. 잠재의식의 심리학을 표현하는 방법.

[이론] 스케치란 무엇인가

스케치에 대한 해석은 다양합니다. 다음 발췌문은 참고용입니다.

●영문번역 구분:

DRAWING, SKETCH, DESSEIN;

●색상 구분:

목탄, 연필, 펜 등을 사용하여 선으로 사물의 밝은 부분과 어두운 부분을 그립니다. 그림을 스케치라고 합니다. 스케치는 모든 회화의 기본이자 연구 과정에서 꼭 필요한 단계입니다. (아티스트 매거진, on Sketching - Xiao Rusong)

●도구 구분:

스케치란 일반적으로 크레용, 숯펜, 펜 등 평평한 표면에 흔적을 남길 수 있는 방법을 의미합니다. , 붓, 잉크, 종이뿐만 아니라 젖은 점토, 잉크가 묻은 천, 금속, 석기, 용기 또는 천 표면의 마모 및 찢어짐. (미술시각백과사전);

●일반 구분:

윤곽과 선은 스케치의 총칭입니다. 스케치에는 보는 사람이 보는 과정에서 느낄 수 있는 자연스러운 리듬감이 있습니다. 다양한 붓놀림은 리듬, 능동적 및 수동적 환경, 평면, 볼륨, 톤 및 질감을 포함하여 다양한 캐릭터 라인과 교차 관계를 만듭니다.

●개념 구분:

스케치는 단색의 선을 사용하여 직관적인 세계의 사물을 표현하는 형식적인 예술 창작. 생각, 개념, 태도, 감정, 환상, 상징, 심지어 추상적인 형태까지 표현할 수도 있습니다. 회화만큼 전체와 색채에 중점을 두는 것이 아니라 구조와 형태에 중점을 둔다. (브리태니커백과사전);

●과정 구분:

서양미술사전에 따르면 스케치와 관련된 유일한 설명은 작품이나 작품의 일부를 스케치라고 한다. 대략적인 스케치는 빛과 그림자, 구도, 전체 그림의 규모 등 핵심 사항에 대한 작가의 연구와 논의입니다. 풍경화가의 빠른 스케치는 일반적으로 풍경에 대한 빛의 효과를 표현하고 향후 다시 칠하기 위한 아이디어를 준비하는 데 사용되는 작고 빠른 기록입니다(Lion Books 발행).

[이론] 선과 면의 융합

본래 우리가 마주하는 형태에는 '선'과 '점'이 없고, 우리가 느끼는 것은 '면'의 존재이다. 그것은 또한 끊임없이 변화하는 기복 속에서 구조와 형태에 붙어 있습니다.

우리를 바라보는 '얼굴'은 옆에서 보면 압축된 선이 되고, 세로로 보면 선이 점이 된다. 이러한 스케치 요소는 개체의 형태를 캡처하는 강력한 수단을 제공합니다. 그러나 스케치 과정에서 선을 너무 자유롭게 사용하기가 매우 쉽고 이로 인해 성급한 부드러움이 발생합니다. 올바른 신체 구조를 찾기 위한 인내와 지루한 연습 속에서 우리는 선을 그리는 지루함을 벗어나기도 어렵고, 흔들리고 싶은 유혹도 뿌리치기 어렵습니다.

우리가 스케치하는 선은 물리적인 구조적 속성을 가지고 있어야 실질적인 의미를 갖는다고 할 수 있습니다. 그렇지 않으면 낭비선 또는 낭비선의 집합이 될 것이며, 물론 이 선들로 구성된 표면은 무의미하고 더러운 회색이 될 것입니다. 스케치할 때 회색의 "얼굴"이 느껴질 수도 있습니다. 우리의 감정은 여전히 ​​환상에 있기 때문에 "얼굴"의 일부라고 착각하여 그리는 결과는 여전히 형태의 일부가 아닙니다.

이러한 오류를 피하려면 항상 대상의 구조에 집중해야 합니다. 대상을 수동적으로 모방할 수는 없지만 대상이 제공하는 회화 요소를 적극적이고 주관적으로 분석하고 판단해야 합니다. 그리고 전체적인 구조를 철저하게 활용하여 칠해진 형태를 완벽하게 조절합니다.

우리가 사용하는 '점', '선', '면' 모두 그 자체로는 의미가 없습니다. 인체 구조의 요소가 되어 결국 점, 선, 면이 아닌 인체의 일부가 됩니다.

중국 인물화는 선을 이용해 옷의 접힌 부분을 표현하고, 비단선, 실선, 쇠선, 대나무 잎 등 '십팔도' 기법을 정리했다. 서양화 공간을 활용하면 선의 활용이 표면 구성 요소에 통합되어 더욱 다채로워집니다. 형태와 구조를 관찰함에 있어 사람마다 인식하는 방식이 다르다고 생각합니다. 점, 선, 면의 융합을 어떻게 활용하여 형태에 대한 이해를 구체화하는지는 창작의 과정이 될 것입니다. 그 전에는 전통적인 중국 교육 방법인 베끼기 학습을 사용하여 선배 마스터의 펜을 경험하고 자신의 경험을 통합하는 것이 더 흥미로울 것이라고 믿습니다.

[ 이론] 구조는 실재합니다

스케치와 페인팅에서 가장 중요한 것은 물론 구조입니다.

현실적으로 많은 화가들은 인물이나 사물의 구조에 대한 이해 부족으로 인해 결국 형식적인 길만 따라갈 수밖에 없고, 창작에 깊이가 있는 명작을 만들어내기 어렵다. 우리는 이미 컴퓨터에서 그래픽을 처리하고 모델링의 수고를 많이 덜어줄 수 있는 편리한 카메라(현재는 디지털 카메라가 사용됨)와 스캐너를 보유하고 있지만 모양은 모양이고 구조는 구조이므로 동일한 개념은 아닙니다. 회화 과정에서 형태는 구조에 부착된 표현이고, 구조는 대상을 지탱하는 역할을 하며, 외형의 윤곽은 대상의 내면미를 제대로 표현할 수 없다.

우리가 관찰하는 사물의 형태는 외형, 윤곽이다. 일단 물체의 위치가 바뀌고 구조에 대한 이해가 부족하면 시작하기가 어렵습니다. 초급 단계에서는 거의 모든 사람들이 안정적인 삼각형을 사용하여 신체의 일반적인 위치와 구성을 결정한 다음 작은 가상 삼각형, 사각형 등을 사용하여 칠해진 대상의 로컬 위치를 분해하는 경험을 했습니다. 조롱박과만 비교될 수 ​​있으며 국자는 마치 사진처럼 사물을 묘사하는 데 사용됩니다.

배고픔의 시대를 지나온 것처럼, 사진 부족의 시대를 거쳐 사진 읽기 시대로 접어들고 있습니다. 온갖 종류의 그래픽, 이미지, 라이브러리가 속속 등장하고 있는데, 사진을 복사하여 사물을 재현하는 방식보다는 그냥 사진에 참여하는 것이 카메라만큼 객관적이지 않습니다. 화가에게 있어서 가장 받아들이기 어려운 것은 “그림이 얼마나 좋은지 보세요, 사진과 같습니다.”라는 칭찬을 받는 것입니다. 즉, 그 작품들은 강렬하고 강조되고 깊은 것이 없고, 화가의 물리적 구조에 대한 이해와 대상의 의미를 표현하는 창의성이 부족하다.

예술의 현실은 순전히 객관적인 현실이 아니라 화가가 ​​자신의 감각과 손을 통해 화가의 내면의 감정을 표현하는 예술적 현실이다. 여기에서 저기까지, 외부에서 내부까지 특성화와 특성화를 유지합니다.

[이론] 깊이 공간

우리가 마주한 것은 3차원 공간인데, 우리의 그림은 2차원밖에 없는 종이나 캔버스이다. 오브제 공간 역시 스케치를 통해 해결해야 할 중요한 문제이다.

공간 문제를 해결하려면 빛과 그림자를 사용할 수도 있고, 선을 사용하거나 선과 면의 조합을 사용할 수도 있습니다. 평면에서 물체를 관찰하는 데 익숙해지면, 특히 관점이 크게 바뀌고 모델링 기술을 아직 해결하지 못한 경우 우리는 종종 당황합니다. 이 문제를 해결하는 열쇠는 먼저 형태를 파악하고 구조를 이해하는 문제를 해결하는 것입니다. 구조를 바탕으로 점, 선, 면 등 깊이 구성 요소를 예리하게 찾아내고 원거리와 근거리 사이의 관계를 세심하게 처리하는 것입니다. . 공간을 적절하게 관리할 수 있을 것입니다.

어쩌면 훌륭한 화가가 되면 더 이상 3차원 공간이 필요하지 않고 의도적으로 평면적인 장식 효과나 기타 충격적인 색상 구성을 추구하지만, 그 끈기 속에는 여전히 가상과 현실의 질감이 있습니다. 먼 곳과 가까운 곳의 변화와 대조.

석고 스케치의 실천은 구조, 형태, 비례, 명암, 공간 등 비교적 순수한 관계를 반영하는 것으로, 특정 조명 아래에서는 미묘한 명암의 변화가 나타날 수 있다. 쉬운 관찰; 환경이나 시간의 제약을 받지 않아 초보자도 오랫동안 사물을 다양한 측면과 각도에서 관찰하고 분석할 수 있으며 차분하게 사물을 표현할 수 있습니다.

그러나 오랫동안 석고 스케치를 그리면 사람들을 오도하기 쉽습니다. 조명 조건, 빛과 어둠의 교차, 투영 등에 의존하게 되고, 움직이는 신체 구조를 예리하게 관찰하면 운동되지 않습니다.

[이론] 유사성 우선

채색된 사물의 이미지든 부피든 절대적인 유사성을 얻을 수는 없습니다.

눈으로 관찰한 뒤 손과 펜으로 표현하기 때문이다. 우리의 모델링 능력이 높든 낮든 관계없이 우리가 절대적인 닮음을 얻을 수 있다고 해도 그것은 여전히 ​​신성한 닮음만큼 좋지 않습니다.

영적인 유사성은 우리가 흔히 이야기하는 특성과 다소 비슷하다. 하지만 특성은 비슷한 요소만 있을 뿐, 비슷한 매력은 전혀 없습니다. 그 특징은 다소 무뚝뚝하고 이성적으로 나타나고, 예술의 과장된 요소들은 과소표현되는 경우가 많다.

이미지 사고에 중점을 둔 회화와 사생은 신체의 구조에 대한 이해를 바탕으로 칠해진 신체를 창조적으로 충동의 표현이자 예술적 경지에 이르게 한다. 물질적 진정성을 추구하기 위해 이성적 사고에 의존하는 디자인 스케치는 장인정신과 아름다움의 활용에 있어 보다 객관적이고 엄격하며 심지어 엄격하기까지 합니다. 열정. 따라서 디자인 스케치가 높은 수준의 예술적 감상 수준에 오르는 것은 어렵습니다.

그림 스케치와 디자인 스케치의 근본적인 차이점은 형태의 유사성과 정신의 유사성을 추구하는 데 있습니다. 회화와 스케치가 표현적인 스케치로 발전할 때, 우리는 당연히 정신성의 표현을 우선시해야 합니다. 실물과 그림의 느낌을 반복적으로 비교하고, 초상화와 프리핸드 붓놀림에서 시각적 충격과 감염성을 전달하여 예술의 미학적 가치를 구현하는 방법.