아르데코 운동이란 무엇인가요?

'아르 데코' 운동(Art Deco)은 1920~30년대 프랑스, ​​미국, 영국 등지에서 진행된 매우 특별한 스타일의 디자인 운동이다. 이 운동은 유럽의 모더니즘 운동과 거의 동시에 발생하고 발전했기 때문에 '아르데코' 운동은 모더니즘 운동의 영향을 크게 받았는데, 이는 재료의 사용과 디자인의 흔적에서 뚜렷이 나타난다. 이 영향. 그러나 이념적 발전의 배경, 즉 이념적 관점에서 볼 때 모더니즘 운동의 민주적 색채와 사회주의적 배경은 '아르데코' 운동에서 결코 발생하지 않았다. "아르 데코", 특히 프랑스의 "아르 데코" 운동은 형태, 색상 및 장식적 동기에 있어서 새롭고 현대적인 내용을 가지고 있지만 여전히 전통적인 디자인 운동입니다. 서비스 대상은 여전히 ​​상류층입니다. 이는 소수의 부르주아 엘리트들로 구성된 사회, 디자인의 민주화와 디자인의 사회적 효과를 강조하는 모더니스트의 입장과는 매우 다른 모습이다. 따라서 두 운동이 거의 동시에 발생하여 서로 영향을 미쳤음에도 불구하고, 특히 "장식 예술" 운동의 형태와 재료에 대한 모더니즘의 영향은 서로 다른 두 가지 범주에 속하며 자체 개발 규칙을 가지고 있습니다.

20세기 초, 예술가와 디자이너 집단은 새로운 시대의 필연성에 민감했고, 더 이상 기계적인 형태를 기피하지 않았고, 새로운 재료(철, 유리 등)도 기피하지 않았습니다. , 등.). 그들은 영국의 '예술 공예' 운동과 프랑스에서 시작되어 서구 국가들에 영향을 준 '아르누보' 운동이 현대화와 산업화에 대해 단정적으로 부정적인 태도를 취한다는 치명적인 결함을 가지고 있다고 믿습니다. 시대는 변했고, 현대화와 산업화는 막을 수 없게 됐다. 이를 피하는 것보다 적응하는 것이 좋다. 기계적인 형태와 현대적인 특징을 보다 자연스럽고 고급스럽게 만들기 위해 수많은 새로운 장식적 모티브를 사용하는 것은 새로운 탐험의 길을 제공할 수 있습니다. 이러한 이해는 프랑스, ​​미국, 영국의 일부 디자이너들 사이에서 공통적이었습니다. 특히 1920년대에는 서양이 전반적으로 번영했고, 미국은 빠른 속도로 발전하여 새로운 시장을 창출하고 생존과 지원을 제공했습니다. 새로운 디자인과 예술적 스타일의 발전 기회. 이러한 역사적 상황은 새로운 실험의 출현을 촉발시켰고, 그 결과는 20세기 초의 또 다른 중요한 디자인 운동인 "아르 데코" 운동이었습니다.

'아르 데코' 운동은 1925년 파리에서 열린 대규모 전시회인 '장식예술박람회(The Exposition des Arts Decoratifs)'에서 이름을 따왔습니다. 이번 전시는 아르누보 운동을 따른 건축적, 장식적 스타일을 선보이는 것을 목표로 한다. 전시회 제목은 특정 디자인 스타일과 디자인 개발의 특정 단계를 지칭하는 데 자주 사용됩니다. 그러나 "아르 데코"라는 용어는 실제로 단순한 디자인 스타일 이상의 의미를 갖습니다. '아르누보' 운동과 마찬가지로 1920년대의 밝은 색상의 소위 재즈 패턴부터 1930년대의 유선형 디자인 스타일, 심플한 영국식 화장품 포장에서부터 미국 뉴욕의 록펠러 센터 빌딩까지 폭넓게 다루고 있습니다. 모든 건물이 이 운동에 속한다고 할 수 있다. 그들 사이에는 유사점이 있지만 성격은 더 강합니다. 따라서 '장식미술'을 단순히 하나의 통일된 디자인 스타일로 간주하는 것은 부적절하다.

이념적, 이념적 관점에서 볼 때 '아르데코' 운동은 허식적인 '아르누보' 운동에 대한 반작용이었다. "뉴 아트"는 중세, 고딕, 자연 양식의 장식을 강조하고 수공예품의 아름다움을 강조하며 기계화 시대의 특성을 부정하는 반면, "장식 예술" 운동은 고전주의, 자연(특히 유기적 형태)에 반대합니다. 기계화의 아름다움을 표방하는 순수 수공예의 트렌드. 그러므로 '아르데코' 스타일은 시대적 측면에서 보다 긍정적인 의미를 지닌다. 한편, '장식미술' 운동이 시작된 시기는 모더니즘이 발전한 시기였다. 따라서 이 운동이 아무리 장식의 효과를 강조했다고 해도, 장식은 모더니즘이 반대하는 주요 디자인 내용 중 하나였다. 하지만 디자인에서는 여전히 모더니즘의 영향을 많이 받습니다. 재료의 사용, 디자인 테마의 선택, 디자인 자체의 특성 등 이 두 가지 디자인 움직임에는 많은 본질적인 연관성이 있습니다. 과거에는 "아르 데코"가 모더니즘에 반대하는 디자인 운동으로 간주되는 경우가 많았으나, 현재 연구에 따르면 둘은 불가분의 관계에 있으며, 특히 미국 산업 디자인과 "아르 데코" 운동은 때로는 명확하게 구별하기가 어렵습니다. 예를 들어, 1937년 뉴욕 세계 박람회를 위해 미국 디자이너 레이먼드 로위(Raymond Loewy)가 디자인한 "산업 디자이너 사무실(Industrial Designer's Office)"은 순수한 모더니즘인지, 프랑스 모더니즘 스타일인지 구분하기 어렵습니다. 1920년대 중반에도 두 가지 스타일이 결합되었습니다. 이 모든 것은 '장식 예술'과 '모더니즘'의 관계가 형식적 특성 측면에서 완전히 모순되지는 않으며 밀접하고 복잡한 관계를 가지고 있음을 보여줍니다.

둘의 차이점은 주로 동기와 그들이 대표하는 이념에 있습니다.

"장식 예술"은 프랑스를 중심으로 한 유럽 및 미국 국가의 디자인에 대한 오랜 전통적 지위를 계승합니다. 즉, 부유한 상류층을 위한 디자인이므로 여전히 권력을 위한 디자인이며, 그 대상은 "모더니즘" 운동입니다. 디자인을 강조합니다 대중, 특히 저소득 프롤레타리아에게 봉사하므로 좌파적이며 소지식적 이상주의적이며 유토피아적입니다.

일부 서양 디자인 이론가들은 '아르데코' 운동을 '대중적 모더니즘' 또는 '대중적 모더니즘'이라고 부르는데, 그 이유는 그 스타일이 일부 측면에서 대량 생산된 철관 가구와 같은 대중적인 제품을 대중화하는 데 사용되기 때문입니다. 자동차와 고층 빌딩. 이 용어는 오해를 불러일으키기 쉽다. '아르데코' 스타일의 주요 타겟층은 여전히 ​​일반 대중이 아닌 사회의 권력층이기 때문이다.

1960년대 이후 점점 더 많은 디자인 이론가들이 '아르데코' 운동을 영국의 '예술과 공예' 운동과 유럽과 유럽의 '아르누보' 운동의 확장과 발전으로 간주하기 시작했습니다. 미국. 장식적 모티브의 관점에서나, 강조하는 서비스 방향의 관점에서 보면 이러한 견해는 확실히 이해가 된다. 그러나 복잡한 점은 이 운동의 주요 발전시기가 제1차 세계대전과 제2차 세계대전 사이였으며, 이 시기도 모더니스트 운동 발전의 주요 단계였기 때문에 혼동이 자주 발생한다는 점이다. 예를 들어, 프랑스에서는 이 운동과 디자인 스타일을 "모더니즘"(모더니즘)이라고 부르는 사람도 있고, 이 스타일에 영향을 준 요인 중 하나가 미국 재즈 음악이기 때문에 "모던"이라고 부르는 사람도 있습니다. 그리고 퍼포먼스를 재즈 모더니즘이라고 부르세요. 그러나 이념적 관점에서 볼 때, 권력에 봉사하는 것을 강조하는 아르데코 운동과 대중에 봉사하는 사회주의적 입장을 강조하는 모더니스트 운동 사이에는 여전히 뚜렷한 차이가 있습니다.

'아르 데코' 운동의 스타일은 공식적으로 다음과 같은 매우 특별한 요소의 영향을 받았습니다.

l) 이집트와 같은 고대 장식 스타일의 실용적인 참고

영국에서 시작된 '미술 공예' 운동과 프랑스에서 시작된 '아르누보' 운동은 모두 중세 스타일, 특히 고딕 양식, 일본식 장식과 자연 양식에서 참고 영양분을 추구했으며, '장식 미술'은 " "는 고대 이집트의 호화로운 장식적 특징을 참조합니다. 이전의 두 가지 디자인 운동은 유기적이고 평면적이며 조화로운 색상을 중심으로 순수한 기하학적 형태와 소위 기계적인 컬러인 흑백 계열을 기본적으로 거부했습니다. 1922년 영국의 고고학자 하워드 카터(Howard Carter)는 이집트에서 전혀 훼손되지 않은 고대 황제의 무덤인 투탕카멘의 무덤을 발견했습니다. 발굴된 수많은 문화 유물은 화려한 고전 예술의 세계를 보여주며 유럽을 충격에 빠뜨렸습니다. 3,300년 된 유물, 특히 투탕카멘의 금 마스크는 금속성 및 흑백 색상 시리즈를 사용하여 단순한 기하학적 형태를 가지고 있지만 장식적인 효과가 뛰어나 디자이너에게 강력한 깨달음을 선사합니다. 꽃이 만발한 파피루스 형태의 주두(기원전 1250년 루소 궁전의 기둥 디자인), 얽힌 파피루스와 연꽃으로 구성된 주두(기원전 106년 페락 섬의 왕립 건물) 등 고대 이집트 시대의 매우 일반적인 건축 장식 패턴, 모두 단순하고 생동감 넘치는 기하학적 패턴이 자연을 추상화하고 변형한 모습이 정말 장관입니다. 이러한 디자인 모티브는 일본 스타일이 유럽에 소개된 이후 또 다른 중요한 외국 영향입니다.

2) 원시 미술의 영향

20세기 초부터 원시 미술, 특히 아프리카와 남미의 원시 부족 미술의 영향이 컸다. 유럽 ​​아방가르드 미술계에 큰 영향을 미쳤다. 피카소의 "아비뇽 소녀"는 아프리카 원시 미술의 영향을 받았으며, 노르웨이 예술가 에드바르 뭉크는 남아메리카의 원시 부족 문화에 큰 영향을 받았습니다. 이러한 영향은 디자인계에도 깊이 반영되었습니다. 아프리카 부족 춤 가면의 상징적이고 과장된 특성과 아프리카 조각, 특히 나무 조각의 밝고 간결한 특성은 서양 예술가와 디자이너에게 큰 영감을 주었습니다.

3) 단순한 기하학적 모양

19세기 중반 '예술과 공예' 운동 이후 대부분의 디자인 탐구는 유기적인 자연 형태에서 장식적인 동기를 추구해 왔습니다. 따라서 대규모 산업생산과 밀접한 관련이 있고 시대적 특성이 강한 단순한 기하학적 형태는 자연스럽게 1920년대 디자이너들의 연구의 초점이 되었다. 이러한 기하학적 모티브의 기원은 여전히 ​​고전 이집트, 중앙 아메리카 및 남아메리카(예: 마야, 아즈텍, 잉카 문화)의 고대 인도 문화에서 유래합니다. 일반적으로 사용되는 기하학적 패턴에는 햇살과 번개(번개 저그기레이트), 지그재그, 겹침 등이 있습니다. 화살(갈매기 모양), 항성 폭발, 아즈텍 모양의 주각, 이집트 피라미드 등

4) 무대예술의 영향

20세기 초 무용, 특히 발레는 전통을 깨뜨리는 대대적인 개혁을 겪기 시작했다. 이런 개혁은 이미 발레의 중심지 중 하나인 러시아에서 발전했다. 개편의 내용은 음악, 안무, 무대디자인, 의상디자인 등 다양한 측면에 반영된다. 러시아발레단이 해외 공연을 하게 되면 이 개편의 영향력이 해외에도 전달된다.

서구 국가의 경우 20세기 초 발레 뤼스(Ballets Russes)에서 주요 영향을 받았습니다. 당시 러시아 발레의 개혁은 완성되지 않았는데, 발레단이 파리에 온 후 현대 서양 예술의 대개혁 분위기에 영향을 받아 이러한 변화가 디자인에 반영되면서 새로운 디자인 스타일의 출현. 이 러시아 발레단은 지도자 디아길레프의 지휘 하에 1902년경 파리에 와서 공연을 했으며 그 이후로 파리를 본거지로 삼았습니다. 1909년에 이 극단은 스트라빈스키의 "불새", "봄의 제전", "페트로프스카", "뱀의 춤" 등을 포함한 일련의 매우 전위적인 발레를 공연했습니다. 이 발레의 무대 디자인과 의상 디자인은 금속성 색상을 많이 사용하고 강렬한 색상 구성을 사용하여 매우 아방가르드합니다. 예를 들어 지젤이 안무와 연출을 맡은 '스네이크 댄스'의 무대 의상은 이 발레단의 의상 디자이너가 디자인한 것으로, 의상이 콤팩트하고 꼭 맞는 브론즈 색상으로 매우 강렬한 효과를 낸다. 러시안 발레단의 수석 디자이너는 레온 바크스트(Leon Bakst)이다. 그의 디자인은 전 세계 디자이너들에게 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 프랑스 패션 디자인의 시작을 이끌었다. 프랑스 최초의 패션 디자이너 폴 브와지에(Paul Boisier) 그의 디자인은 그의 무대 디자인에서 영감을 받았다. 부아슬레는 1915년부터 1925년까지 프랑스 패션 디자인에서 가장 중요한 인물이 되었습니다. 실제로 프랑스 패션 디자인, 특히 Boiolette 디자인의 개별적인 특성 역시 "아르 데코" 운동에 매우 강한 영향을 미쳤습니다.

또 다른 영향력 있는 무대 예술 스타일은 미국 재즈입니다. 1920년대와 1930년대는 미국 블랙 재즈 음악의 전성기였다. 이 강렬하고 독특하며 특별한 미국 포크 음악과 그 연주 방식은 디자이너들에게 매우 신선하고 전염성이 있었다. 따라서 그 리듬, 특별한 리듬감, 강렬한 색상이 모두 디자인에 반영됩니다.

5) 자동차의 영향

1898년경 자동차가 발명되어 곧 중요한 교통수단이 되었다. 20세기 초 많은 아방가르드인들에게 자동차는 미래의 상징으로 여겨졌고, 속도감은 시대감각이었다. 특히 1차 세계대전 이후 드라이카에 대한 사랑은 디자이너들 사이에서 큰 인기를 끌었습니다. 1920년대와 1930년대의 많은 포스터와 광고는 자동차 경주를 주제로 밝은 색상, 밝은 구성, 강렬한 시대감각을 보여주었습니다. 20세기 문명의 새로운 상징인 자동차는 '아르데코' 운동의 디자이너들에게 현대 산업문명의 성과를 과감히 자신의 디자인 모티브로 채택하도록 영감을 주었으며, 이는 형태와 사고 모두에 영감을 주는 매우 중요한 역할을 했습니다. .

6) 자신만의 독특한 컬러 시리즈를 형성

"장식 예술"은 우아함을 강조하는 이전의 다양한 디자인 스타일의 배색과는 매우 다른 독특하고 강한 색상 특성을 가지고 있습니다. 이러한 요소들의 영향을 받아 브릴리언트 레드, 브라이트 옐로, 브라이트 블루(라이팅 블루), 오렌지 레드, 메탈릭 컬러 시리즈 등 강렬한 원색과 메탈릭 컬러에 특히 주의하여 자신만의 독특한 컬러 플랜을 형성했습니다. 브론즈, 골드, 실버 및 기타 색상).

'아르데코' 운동은 유럽과 미국의 많은 국가, 특히 프랑스, ​​영국, 미국의 디자인 성과가 참여하는 국제적인 디자인 운동이다. 또한 1910년경부터 1935년경까지 발전하여 유럽의 여러 나라에 영향을 미쳤습니다. 20세기에 비교적 오랫동안 지속된 디자인 운동이었습니다.

'아르 데코' 운동은 과거와 미래를 연결하는 운동으로 '예술과 공예' 운동과 '아르누보' 운동의 자연 장식과 중세 복고풍에 반대할 뿐만 아니라, 단조로운 산업 스타일을 비판하기도 합니다. 따라서 장식적인 경향에 있어서 앞선 두 운동과 유사점이 있음에도 불구하고 산업화를 인정하는 관점에서는 그 연속이라고 보기 어렵고 장식을 중시하는 점에서 현대와 동일하지는 않다. 동시에 독일에서 시작된 운동도 큰 변화를 가져왔습니다. 이는 '아르누보' 운동과 모더니스트 운동의 연결고리로서 양측의 특징은 모두 존재하지만 단순한 반복이나 재현은 아니다. '아르데코'의 장식적 특성은 1980년대에 재인식되며 포스트모던 스타일로 다시 가치를 인정받았다.

'아르 데코' 운동은 프랑스 파리에서 시작되었으며 주로 가구, 직물, 금속제품, 유리제품, 도자기, 장식조각, 그림, 그래픽, 디자인 및 포스터, 보석 디자인 등.

이 스타일이 미국에 소개되었을 당시 건축 디자인, 인테리어 디자인 등 대규모 공공 프로젝트에서 주로 사용되었습니다. 뉴욕을 시작으로 점차 중서부 및 서해안 지역으로 확산되어 자동차 디자인, 산업제품 디자인, 그래픽 디자인, 무대 디자인, 영화 등 다양한 디자인 분야를 망라하며 1920~30년대 미국 디자인에 큰 영향을 미쳤다. 설계.

다른 유럽 국가에서는 '아르데코' 운동의 발전이 상대적으로 미약했고, 프랑스와 미국에서 가졌던 포괄적인 영향력을 갖지 못했다.

'아르데코' 스타일은 나라마다 다르기 때문에, 전체적인 이해를 위해서는 각 나라의 발전 현황과 스타일 분포를 소개하는 것이 필요하다. 이 디자인 운동에 참여하는 국가는 아래에 자세히 설명되어 있습니다.

요약

'아르데코' 운동은 1920년대에 나타나 1930년대에 국제적으로 대중적인 디자인 스타일이 되었으며 건축 디자인, 인테리어 디자인, 가구 디자인, 산업제품 디자인, 그래픽 디자인, 텍스타일 디자인, 의류 디자인 등 디자인의 거의 모든 측면은 금세기의 매우 중요한 디자인 운동입니다. 주요 개발도상국은 프랑스, ​​미국, 영국이지만 이 스타일은 전 세계적으로 인기 있는 스타일이 되었습니다. "아르데코" 스타일의 건축과 인테리어 디자인은 멀리 동양의 상하이에서도 찾아볼 수 있습니다. 그 인기의 폭을 보여줍니다. 이에 반해 '아르누보' 운동은 유럽과 미국 전역으로 퍼져나갔지만 그 영향력의 범위는 대체로 지역적이며 디자인계에서의 탐구에 불과해 상대적으로 자리잡기는 어렵다. 통일된 대중적인 스타일. "장식 예술" 스타일에 대한 연구가 특별한 의미가 있음을 알 수 있습니다.

'아르 데코' 스타일이 인기를 끌게 된 이유 중 하나는 본질적으로 절충적인 자세가 대량 생산의 가능성을 제공했기 때문입니다. "아르누보" 운동은 곡선과 비기하학적 형태로 인해 널리 대중화될 가능성이 낮았으며, 이로 인해 손으로만 생산할 수 있었고 기계로 대량 생산할 수 없는 상황이 발생했습니다. 20세기 이후 사람들은 어떤 스타일이 대중화되어 대중적인 스타일이 되기 위해서는 대량생산에 대한 고려가 무시할 수 없는 중요한 요소라는 점을 인식하게 되었다.

'아르 데코' 운동은 20세기 초 장식 운동의 마지막 시도로 장인정신과 산업화라는 이중성을 수용하고 디자인에 있어서 절충적인 입장을 취하며 이를 결합시키려 했다. 고급스럽고 고급스러운 수공예품은 미래를 대표하는 산업적 특성과 결합하여 새로운 스타일을 개발할 수 있습니다. 이 운동은 세계의 모더니즘 디자인 운동과 거의 동시에 일어났고, 유럽 대륙에서는 1930년대 후반에 거의 동시에 끝났으므로 모든 면에서 모더니즘의 영향을 받은 것이 분명하다. 그러나 주로 상류층 고객에게 봉사하는 것을 출발점으로 삼았기 때문에 모더니즘과는 전혀 다른 이념적 입장을 가지고 있었기 때문에 '아르데코' 운동은 제2차 세계대전 이후 다시 발전하지 못했으나 기본적으로는 발전하지 못했다. 역사적 유물인 모더니즘만이 진정한 세계적인 디자인 운동이 되었습니다.

'아르 데코' 운동은 재료의 사용부터 장식의 모티브, 표면 처리 기술에 이르기까지 장식 및 디자인 기술 측면에서 참고할 수 있는 많은 양의 중요한 정보를 제공했습니다. 예술적인 면에서는 동양과 서양을 결합하려는 시도, 인간의 손길과 기계화 등이 1980년대 포스트모더니즘 시대의 중요한 연구 중심지였다. 형식적인 관점에서 볼 때, 1920년대와 1930년대의 이러한 디자인 운동의 스타일은 이념적인 관점에서 볼 때 1980년대의 포스트모더니즘 스타일과 불가분의 관계가 있습니다. 그러므로 이에 대한 이해와 연구가 더욱 중요합니다.