발레 사진 및 관련 정보

'발레'는 이탈리아에서 시작되어 프랑스에서 번성했습니다. '발레'라는 단어는 원래 '점프' 또는 '춤'을 의미하는 프랑스어 '발레'를 음역한 것입니다. 발레는 원래 유럽에서 대중적인 오락이나 광장 공연을 위해 추는 춤으로, 발전 과정에서 엄격한 규범과 구조적 형태를 형성하게 되었는데, 주요 특징은 여배우들이 특별한 신발을 신고 서서 춤을 추는 것입니다. 발끝. 발레는 종합무대예술로서 17세기 프랑스 궁정에서 형성되었습니다. 1661년 프랑스 왕 루이 14세는 파리에 세계 최초의 왕립 무용 학교를 설립하라는 명령을 내려 발레의 5가지 기본 발 자세와 7가지 손 자세를 확립하고 발레에 완전한 동작과 시스템을 부여했습니다. 이 다섯 가지 기본 발 위치는 오늘날에도 여전히 사용되고 있습니다. ? 발레는 음악, 춤, 마임을 사용하여 극적인 줄거리를 공연합니다. 여배우들은 춤을 출 때 발가락이 땅에 닿는 경우가 많다. 의미: ① 무대무용의 한 형태, 즉 일반적으로 발레로 알려진 유럽 고전무용. 유럽 ​​각지의 민속무용을 바탕으로 수세기에 걸쳐 지속적인 가공, 농축, 발전을 거쳐 형성된 엄격한 규격과 구조적 형태를 지닌 유럽의 전통 무용예술이다. 19세기 이후 여배우들이 발가락 끝으로 춤을 추기 위해서는 특별한 토 댄싱 슈즈를 신어야 한다는 것이 중요한 기술적인 특징이어서 이를 토 댄싱이라고도 부르는 사람도 있었다. ②무용극은 원래 유럽 고전무용을 주요 표현수단으로 삼아 음악, 무언극, 무대예술, 문학 등을 융합하여 이야기나 줄거리를 표현하는 연극예술을 가리킨다. 20세기 현대무용이 등장한 이후, 이야기의 내용이나 줄거리를 표현하기 위한 주요 표현수단으로 고전무용의 기법과 결합된 현대무용을 현대발레라고 한다. 점차적으로 발레라는 단어는 고전발레나 현대발레와는 춤의 스타일이나 구조적 특징, 표현기법 등에서 다르지만, 다양한 다른 춤을 주요 표현수단으로 활용하는 무용극을 지칭하기도 한다. ③ 현대 안무가가 창작한 무용작품에는 스토리 내용이나 줄거리가 없는 경우가 많다. 특정 음악 작품 등을 발레라고도 합니다. ?발레라는 단어는 고대 라틴어인 ballo에서 유래되었습니다. 처음에 이 단어는 춤이나 대중 앞에서 춤을 추는 것을 의미했을 뿐 연극 공연이라는 의미는 없었습니다. 무대예술로서 발레는 르네상스 시대 이탈리아의 대연회와 연예활동에서 탄생했으며, 17세기 프랑스 궁정에서 형성됐다. 낭송, 낭송, 희곡이 종합적으로 공연되는 공연으로, 전문 무용 교사가 기획하고, 왕과 귀족이 배우로 출연하며, 여성 역도 남성이 연기한다. 발레로 둘러싸여 있습니다.

배우들이 서로 다른 역할을 표시하기 위해 가죽 마스크를 착용하므로 가면 발레라고도 합니다. ? 1661년 루이 14세는 파리에 왕립무용학원을 설립하라는 명령을 내렸습니다. 1770년대에는 비숍 리슐리외 궁전 극장에서 발레 공연이 시작되었습니다. 공연장과 관객의 시야각의 변화로 인해 배우들의 서 있는 자세는 점점 더 바깥쪽으로 향하게 되었고, 이로 인해 발의 5가지 기본 자세가 정식으로 결정되는 것이 공연의 발전 기본이 되었습니다. 발레 테크닉. 전문 발레 배우들이 등장해 점차 귀족 아마추어 배우들을 대체했고, 전문 여성 발레 배우들도 무대에 오르기 시작했고, 무용 기술도 급속히 발전했다. 발레 공연은 기본적으로 자기 오락적인 사회 활동에서 점차 연극 공연 예술로 변모해 왔습니다. 이 시기의 발레는 오페라에 종속되어 있었는데, 오페라에 발레 장면을 추가한 것이었고, 당시에는 노래하는 발레나 발레 오페라라고 불리기도 했다. 이러한 상황은 18세기 중반까지 지속되었다. 18세기 발레 거장 J.G. 노웰(J.G. Nowell)은 발레 역사상 가장 영향력 있는 댄스 혁신가였습니다. 그는 1760년에 출간된 『무용과 무용극에 관한 서한』에서 처음으로 '플롯 발레'라는 개념을 제시하면서, 무용은 단순한 신체적 기술이 아니라 극적 표현과 이념적 의사소통의 도구임을 강조했다. 노웰의 이론은 발레 혁신의 물결을 촉진시켰고 그와 다른 많은 배우 및 안무가들의 지속적인 노력으로 발레는 내용, 주제, 음악, 무용 기술, 의상 등의 측면에서 일련의 개혁을 겪었습니다. 발레 마지막으로 오페라와 분리되어 독립된 연극예술을 형성할 수 있다. ? 발레 발전의 역사에는 크게 두 가지 미학적 관점이 작용해 왔다. 한 가지 견해는 발레가 "순수한 춤"이라는 것입니다. 16세기 이탈리아 무용 교사이자 "여왕의 코미디 발레"의 안무가인 B. de Beauroye는 발레가 "여러 사람이 춤을 추는 기하학적 패턴의 조합"이라고 믿습니다. 함께." 이러한 견해는 전적으로 발레의 형식적인 아름다움에만 초점을 맞추고 발레의 내용이나 줄거리를 거의 완전히 무시하여 뛰어난 기술과 화려함만을 순수하게 추구하는 경우가 많습니다. 18세기 중반 이전에는 이러한 관점이 발레 창작을 지배했습니다. 또 다른 견해는 발레가 '극적인 춤'이라는 점을 강조하는데, 노웰의 '플롯 발레' 이론은 이러한 견해를 가장 집약적으로 표현하고 있다. 그는 발레 작품에서 무용은 드라마틱한 내용을 표현해야 한다고 믿으며, “플롯과 안무가 통일되어야 하고, 논리적이고 이해하기 쉬운 스토리를 중심 주제로 해야 하며, 솔로 댄스나 플롯과 전혀 관련이 없는 댄스 부분이 있어야 한다”고 말했다. 탈락', 댄스 드라마에서는 "현란한 댄스 테크닉뿐만 아니라 관객을 감동시키는 드라마틱한 퍼포먼스"라고 평했다.

위의 두 가지 주요 견해는 오늘날에도 여전히 유효하며, 많은 안무가들은 드라마틱하거나 플롯이 있는 발레 작품을 만드는 데 전념하는 반면, 일부는 줄거리가 없는 발레에 관심을 갖고 두 가지 유형의 작품 모두에서 뛰어난 레퍼토리가 관객들에게 호평을 받고 있습니다. 평가받고 있으며 레퍼토리의 일부로 자주 연주됩니다. 20세기 이후 다양한 문학적, 예술적 경향이 발레 창작에 미치는 영향이 점점 더 뚜렷해졌고, 다양한 스타일의 작품이 많이 등장했습니다. ?발레

발레 작품을 창작할 때 안무가는 문학적 대본(또는 이야기, 시, 음악 작품)을 바탕으로 무용극의 구조나 무용의 구조를 구상하고, 그런 다음 배우들이 그것을 반영합니다. 연출가와 배우 모두 발레 언어(또는 발레 어휘), 즉 발레 기술과 발레 언어를 사용하여 특정 내용이나 감정을 표현하는 능력을 숙지해야 합니다. 표현하지 못하는 것, 배우들은 훈련을 받아야 하지만 발레 창작은 이러한 기본 조건이 충족되어야만 완성될 수 있다. 발레의 구조적 형태에는 독주무용, 이중무용, 삼중주무용, 사중주무용, 군무 등이 있다. 안무가는 고전무용, 인물무용(무용무용 및 민속무용), 현대무용 등을 사용한다. 위의 형태에는 발레(분할 여부, <백조의 호수> 등), 단막 발레(<라 실피드> 등), 발레 스케치(<백조의 죽음> 등) 등이 있다. 이러한 발레의 구조적 형태는 19세기 후반에 고도의 표준화와 양식화로 발전했고, 이는 발레의 발전에 영향을 미치고 제한했다. 20세기 안무가들이 창작한 수많은 발레 작품에서는 이러한 규범과 절차가 크게 무너지고 새로운 탐구와 창작이 끊임없이 등장하고 있다.