20세기 음악 발전에 있어서 쇤베르크 음악의 위상

오스트리아 작곡가인 쇤베르크는 비엔나의 유대인 가정에서 태어나 1894년에 알렉산더 폰 젬린스키(Alexander von Zemlinsky)에게 대위법을 배웠습니다. 1911년부터 1920년대까지 그는 베를린과 비엔나에서 가르쳤습니다. 그는 1933년에 미국으로 건너가 캘리포니아에 정착했고, 1940년에 미국 시민이 되었습니다. 수많은 작품 외에도 그는 조화에 관한 가장 중요한 현대 논문 중 하나인 "조화의 구조적 기능", "스타일과 사고", "구성의 기본 원리"를 썼습니다. 그 해에 그는 많은 그림을 그렸는데 그 중 대부분은 자화상이었습니다.

1. 쇤베르크의 낭만주의

쇤베르크의 음악은 후기 낭만주의에서 시작된다. 그는 전통음악에 깊은 기반을 갖고 있으며, 젊었을 때 바그너의 충실한 추종자였기 때문에 그의 음악은 일찍이 바그너의 충실한 추종자였다. 그의 작품은 낭만적인 색채로 가득 차 있으며 현악 6중주 "승화의 밤"과 같은 그의 작품에서도 일부 모방의 흔적을 찾을 수 있으며, 소리를 바꾸는 음악 시스템은 분명히 바그너의 "테리" "스탄과 이졸데"에서 유래한 것 같습니다. 컬러가 아닌 흑백으로 된 Strauss 스타일의 교향시입니다. 교향시 "Pelléas et Mélisande"의 일부 음악은 Strauss의 특성을 가지고 있습니다. 밴드는 실제로 "A Hero's Life"와 똑같습니다. "Six Band Songs"의 그리움은 다시 말러의 느낌을 줍니다.

1901년에 그는 최고의 로맨틱 교향악 오페라 중 하나인 "속삭이는 발라드"를 창작했습니다. 이 작품에는 독창자 5명, 낭독자 1명, 4성부 남성 합창단 3명, 8성부 혼성 합창단, 대규모 오케스트라가 필요하다. 쇤베르크는 음악적 구조와 연주 규모 모두에서 낭만주의를 극한까지 표현했다. 말러 교향곡 8번과 같은 거대한 교향곡의 이미지조차 '속삭임 발라드'에 비하면 열등하다. 이것이 쇤베르크 낭만주의의 정점이었다. 그의 작문 스타일은 일부 작곡가들의 영향을 받았지만 그의 창작 정신은 그의 작품에도 반영될 수 있다.

2. 쇤베르크 표현주의 음악의 변모

이후 쇤베르크는 늘 자신이 전통적인 형식과 기법의 억제에 영향을 받았다고 느끼기 시작했다. 낭만주의 분야에서 음악을 온음계와 모드에서 해방시키고 개념적 문제에 점점 더 집중했습니다. 1907년에는 '현악4중주 1번 라단조'가 연주되었는데, 기분의 급격한 변화로 인해 긴 트레몰로와 피아노에 가까운 연주방식의 특수효과가 청취자들에게 받아들이기 어려웠고, 공연은 실패로 끝났다. 이후 쇤베르크의 작품은 점차 음조와 선법에 의존하는 전통적인 작곡기법을 버리고 낭만주의의 자서전적, 서정적 성격을 버리게 된다. 1908년에는 <실내교향곡>과 <현악4중주 2번>을 연주했다. 이 두 작품은 음의 의미를 배제한 복잡한 화음기법과 음의 부재로 가득 차 있으며 의도적으로 대위법을 추구한 작품이다. 공연은 또 실패했고, 관객들은 그가 마음속에 느꼈던 우울함과 두려움, 괴로움, 절망과 광기를 음악을 통해 표현한 것을 이해할 수 없었다. 독일 작곡가 아이슬러는 쇤베르크에 대해 다음과 같이 평했습니다. 그는 자신이 태어난 사회 질서를 변형하지도 않았고, 아름답게 하지도 않았고, 꾸미지도 않았습니다. 그는 자신의 시대와 수업 앞에 거울을 들고 있었다. 거울에 비친 모습은 아름답지 않았지만 사실이었다. 당시의 사회 환경은 참으로 낙관적이지 않았습니다. 두 차례의 세계 대전과 변화하는 세계 패턴은 사람들을 절망하게 만들었습니다. 이때 사람들은 현실을 바꾸는 방법을 몰랐습니다. 이것은 Schoenberg가 말했듯이 표현주의의 이념적 기반을 강화합니다. 예술가가 추구하는 가장 큰 목표는 단 하나, 즉 자신을 표현하는 것입니다. ②

쇤베르크는 지금도 혁신적인 정신으로 자신의 음악적 길을 확고히 탐색하고 있으며, 이때도 음악의 조화로운 기준과 음악의 구성을 어떻게 이성적으로 통제할 수 있을지 고민하고 있다. 무조의 언어로 창작할 때 멜로디와 화성의 역동성을 파악하고, 가장 실제적인 현재 상황을 가장 직접적인 방식으로 묘사합니다. 드뷔시, 스크리아빈의 음악과 마티아스 홀의 음악이론을 접한 후 그의 음악적 전망은 점차 확립되었으나 여전히 창작에 있어 뚜렷한 방향을 잡지 못했다. 그는 현대 회화에 도움을 받기 위해 추상화가 칸딘스키에게 의지했고, 그리하여 무조 음악의 원리를 요약했습니다. 즉, 간결한 음악적 언어를 사용하여 극단적인 감정적 흥분과 소외를 통한 표현적 조화 사이의 균형을 직관으로 묘사하는 것입니다. 그 결과 <다섯 개의 관현악곡>, 뮤지컬 드라마 <기대>, 뮤지컬 낭송 <피에로 루나>, 뮤지컬 드라마 <행복의 손>이 탄생했다. 그 조화로운 포기를 알고 있습니다.

일부 표현주의 화가들이 주변 사물에 대한 감정을 표현하기 위해 사물을 묘사할 때 현실을 묘사하기 위해 변형과 왜곡을 사용했던 것처럼, 쇤베르크의 작품 역시 이러한 특성을 보여주고 있는데, 과장된 절망과 내면의 긴장과 불안, 두려움으로 가득 차 있다. 한 평론가는 "피에로 루나"를 듣고 다음과 같이 말했습니다. 이것이 음악이라면 제발 다음에는 듣지 못하게 해주세요.

③이러한 평가에도 불구하고 이때 그를 중심으로 점차 추종자들이 모여들었고, 쇤베르크도 낭만주의에서 표현주의로의 변신을 완성했다

3. 쇤베르크 표현주의 체제의 확립

에 직면하다 공연의 실패와 대중의 감상 부족으로 인해 쇤베르크는 창작의 길에 놓인 장애물을 깨달았고, 창작 과정에서 보다 체계적인 새로운 작곡 방법 체계의 확립이 시급했다. 1918년 그는 연주 연습 과정에서 자신의 작곡 체계를 더욱 개선하기 위해 일반 청중이나 초청 평론가가 없는 민간 연주 협회를 설립했습니다. 이때 알베르트 아인슈타인은 우주의 질서를 회복하는 방법을 제시했고, 이는 또한 쇤베르크에게 새로운 개념을 안겨주었고, 그는 또한 음조의 반복적인 방식을 완전히 포기했다. 수세기 동안 사용되어 온 그의 창의적인 경향인 자유로운 무조성은 더 이상 온음계에 속하지 않게 되었습니다. 조성을 사용하지 않고 전통적인 방법에 따라 화음을 작곡하는 실험을 거쳐 1921년경에 12음 체계가 형성되었습니다. 이 체계의 창설은 그 이전의 무조원리를 논리적으로 확장한 것이다. 이때 쇤베르크의 음악은 무조조와 불협화음적인 요소들로 가득 차 있었고, 그는 음악을 단순하게 만들기 위해 최선을 다했다. 주관적인 감정과 유아론적 자기표현, 음악을 재생산하는 것은 음악의 기본 요소이다. 이 아이디어는 1920년부터 1921년까지 그가 네덜란드 암스테르담에서 행한 일련의 음악 강의에 처음으로 반영되었으며, 6개의 현악기와 베이스 파트를 위해 작곡된 "세레나데", "피아노 모음곡" 등 그의 작품에서 실천되었습니다. "기다리다. 곧 12음 체계는 유럽과 미국에서 인기를 얻었고 음악 미학에 있어서 가장 이상적이고 완전하며 진보된 사고 방식으로 간주되었습니다. ⑤12음계의 순수성과 정신적인 표현의 긴밀한 결합은 쇤베르크의 창작을 위한 발판을 성공적으로 제공하여 그를 순수한 표현주의 작곡가로 만들었습니다. "오케스트라를 위한 변주곡", "피아노 협주곡", "바르샤바의 생존자", 오페라 "모세와 아론" 등의 후기 작품에서는 12음 체계가 더욱 개선되어 현대 음악 창작의 중요한 수단이 되었습니다.

혁신과 개혁의 과정에서도 쇤베르크는 1931년 라디오 연설에서 자신의 스승이 먼저 바흐와 모차르트였으며 그 다음이 베토벤이었다고 언급했다. 바그너, 브람스. 바흐의 경우 12음 체계 전체의 음악적 혁명이 뚜렷이 드러납니다. 바흐의 푸가는 클래식 음악이나 낭만주의 음악과는 달리 이미 현대적인 12음 체계의 의미를 함축하고 있으며, 처음부터 끝까지 순서대로 바뀌는 음악적 주제로 구성되어 있으며, 모두 독특한 주제에서 출발한다. 질문에 답하는 핵심 개발. 이는 쇤베르크가 고전적 전통에 속해 있음을 보여주는 중요한 예이기도 합니다.

직관적인 묘사를 추구하며 평생을 바친 완벽주의자였던 이 위대한 작곡가는 쇤베르크가 이 작품들을 완성한 후 1951년 7월 13일 76세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그가 미래 세대에게 남긴 마지막 말은 조화였다. 이는 우주의 모든 생명체가 달성해야 할 균형의 상태이기도 하다. 모든 불협화음은 조화를 표현하고 강조하는 것인데, 이는 쇤베르크가 평생 고민해 온 질문이기도 하다.

시대의 발전과 함께 쇤베르크의 음악은 점점 더 대중화되고 사람들에게 높이 평가되고 있지만, 현재의 쇤베르크의 음악학 연구는 아직 만족스러운 수준에 이르지 못했다. 쇤베르크가 시스템을 완성할 수 있는 이유를 철학적으로 분석하려는 생각의 궁극적인 목표는 이 논문을 통해 쇤베르크에 대한 사람들의 관심을 끌고 그와 그의 음악을 새로운 연구 주제로 삼아 음악사에 있어 그의 더 중요한 공헌을 더 많이 발견하는 것입니다. .