바이올린 소개

바이올린

바이올린

현악기입니다. 현악기는 전 세계적으로 널리 퍼져 있으며 현대 오케스트라에서 사용됩니다. 기악음악에서 매우 중요한 위치를 차지하고 있으며, 현대 교향악단의 중추적인 역할을 하는 악기이기도 하며, 높은 연주 실력을 갖춘 독주 악기이기도 합니다. 현대 바이올린의 출현은 300년 이상의 역사를 가지고 있으며, 그 생산 자체는 매우 섬세한 공예 기술입니다. 그 발음은 사람의 목소리와 유사하며 부드럽고 따뜻하며 가볍고 화려하며 심지어 가장 드라마틱한 강한 감정까지 표현하는데 적합합니다. 수세기에 걸쳐 전 세계의 유명한 작곡가들이 수많은 클래식 바이올린 작품을 작곡했으며, 바이올리니스트들은 이 악기를 바탕으로 정교한 공연 예술을 발전시켜 왔습니다.

모양과 구조 바이올린은 70개의 부품으로 구성되어 있습니다. 주요 구성품으로는 헤드스톡, 바디, 넥, 페그, 스트링, 브릿지, 턱받침, 보우 등이 있습니다. 그 단면도와 이름이 그림에 나와 있습니다.

바이올린 본체(노래 상자)는 길이가 약 35.5cm이며 곡선 패널, 후면 패널, 측면 패널로 구성됩니다. 윗부분은 일반적으로 질감이 더 부드러운 가문비나무로 만들어지며, 뒷면과 측면 패널은 질감이 더 단단한 단풍나무로 만들어집니다. 헤드스톡과 넥은 솔리드 메이플, 지판은 에보니로 제작되었습니다. 바이올린의 음질은 기본적으로 목재와 해당 구조, 목재의 진동 주파수 및 현의 진동에 대한 반응에 따라 달라집니다. 고품질 피아노는 방출되는 모든 소리의 기본 톤과 배음을 똑같이 민감하게 퍼뜨릴 수 있습니다.

4개의 문자열. 원래는 양 내장으로 만든 맨현이었지만, 18세기경부터 낮은 G현은 반응성을 높이기 위해 은선으로 덮는 경우가 많았습니다. 현대에는 G, D, A 현을 거트 현으로 감거나 금속 와이어로 감싼 강철 와이어를 사용하기도 합니다. E 현은 고음역에서 더 나은 톤을 제공하기 위해 강철 현으로 변경되었습니다.

이렇게 현대적인 스타일로 바이올린을 제작하는 이유는 전적으로 미학적 외관에 기초한 것이 아니라 음향과 연주에 대한 요구 때문입니다. 바이올린의 패널과 뒷면은 곡선으로 되어 있어 소리가 좋고 공명이 잘 나며, 바이올린의 허리 부분이 좁아서 고음 및 저음 현을 연주하기 쉽고 패널과 뒷면이 상감 처리되어 있으며, 판이 깨지는 것을 방지합니다. 바이올린 연주에 좋은 것은 음질도 중요한 역할을 합니다. 패널과 후면 패널 사이에는 사운드 컬럼 지지대가 있으며 위치의 변화는 바이올린의 음색에 큰 영향을 미칩니다. 베이스 빔은 패널의 왼쪽 하단에 접착되어 보강 역할뿐만 아니라 음향 효과도 제공합니다. 바이올린 표면의 페인트가 너무 단단하거나, 너무 부드럽거나, 고르지 않게 칠해지면 음질이 손상됩니다. 활과 현 사이의 마찰로 인해 현이 진동하면 브릿지는 윗부분을 진동시키고 사운드 포스트는 뒤쪽을 진동시킵니다. 사운드 포스트가 브릿지의 E현 측에 지지되기 때문에 E현은 덜 진동하는 반면 G현은 더 많이 진동하여 베이스 빔이 더 많이 진동하고 사운드 박스가 진동하게 됩니다. 피아노의 소리가 제대로 발휘될 수 있는지 여부는 현과 현의 장력, 브릿지의 품질, 활의 압력과 속도에 따라 달라집니다. 피아노의 다양한 음색을 표현하기 위해서는 연주자의 보잉, 핑거링, 비브라토 등의 연주 기술도 추가되어야 합니다.

제작사 바이올린을 최초로 발명한 사람이 누구인지는 알 수 없습니다. 현대 바이올린은 1550년경에 사람들에게 친숙해졌으며, 당시 대중적인 악기인 리벡과 틸리에서 진화되었습니다. 일반적으로 바이올린의 전신인 비올은 구조나 조율, 연주기술 면에서 현대 바이올린의 형성에 결정적인 영향을 미치지 못했다고 알려져 있다. 한때 일반적으로 이탈리아 북부의 밀라노, 베네치아, 브레시아, 크레모나가 바이올린의 발상지라고 믿어졌습니다. 16세기 후반 이탈리아의 바이올린 제작 산업에는 두 개의 유명한 바이올린 제작 학교가 등장했는데, 하나는 아마티와 그의 아들들이 대표하는 크레모나 학교이고, 다른 하나는 살로의 가스파로(1540~1609)와 브레시아 바이올린 제작 학교이다. 그의 학생 G.P. 이 두 학교에서 만든 바이올린은 수백 년이 지난 후에도 여전히 높은 품질의 보물입니다.

1650~1750년은 바이올린 제작의 황금기였으며 N. Amati, J. Steiner, 스트라디바리와 G 중 가장 뛰어난 제작자로 꼽히는 A. 등 유명 바이올린 제작자들이 많이 등장했습니다. Guarneriet al. 아마티가 만든 바이올린은 상판과 뒷면의 곡률이 더 크고 음질도 좋습니다. 밝은 소프라노처럼 실내악을 연주하는 데 사용됩니다. 18세기 후반에 G.B. Viotti는 스트라디바리우스를 칭찬했습니다. Viotti의 스승인 G. Pugnani와 N. Paganini가 두 명의 바이올린 대가인 Guarneri와 사랑에 빠진 후 이 작품은 사람들에게 높이 평가되어 큰 명성을 얻었습니다. 스트라디바리우스와 과르네리 악기는 홀에서 협주곡을 연주하는 데 필요한 음향 성능을 갖추고 있습니다.

18세기 이후 바이올린 제작 산업의 주도적 위치는 이탈리아에서 프랑스로 옮겨갔다. 이 기간 동안 바이올린의 모양은 계속해서 개선되어 더 큰 음량과 더 나은 음질을 달성했습니다. 프랑스의 바이올린 제작자 N. Lubo(1758-1824)는 스트라디바리를 모델로 삼아 프랑스와 이탈리아의 바이올린 제작 기술을 결합했습니다. 동시에 프랑스인 F. Tourt(1747-1835)는 1785년경 활의 길이, 무게, 모양, 장치 및 기타 측면에서 대대적인 개혁을 단행했습니다. 이 기간 동안 바이올린의 발전은 J. Haydn, W.A. Mozart 및 L. van Beethoven 작품의 노래적 성격뿐만 아니라 바이올린에 대한 활 연주 및 기타 연주 요구 사항의 더 큰 변화를 반영했습니다.

1789년부터 1799년까지 프랑스 혁명 이후 귀족과 왕족이 쇠퇴하면서 음악도 궁정에서 민간 부문으로 옮겨갔고 대중을 위해 교향악단과 콘서트홀이 등장했다.

환경 변화에 적응하려면 바이올린의 음량을 늘려야 합니다. 18세기 말부터 19세기 초까지 바이올린 목은 더 길어지고 얇아졌으며 뒤로 기울어졌습니다. 지판은 더 길어졌고 G현은 이미 더 큰 원호로 덮여 있었습니다. 은선. 이러한 변화의 목적은 더 큰 긴장에 적응하는 것입니다. 현의 성장은 악기 표면에 가해지는 압력을 증가시켜 베이스빔이 길고 굵어지며, 음기둥도 두꺼워져 더 크고 강력한 소리를 얻게 됩니다. 1820년경 L. Spohr는 왼손이 피아노를 잡는 역할을 완전히 맡지 못하도록 하는 턱받침을 발명했습니다. 턱받침을 설정하면 왼손으로 스트링, 비브라토, 프레스 스트링을 쉽게 변경할 수 있습니다.

18세기 말, 유럽에는 음악원이 속속 등장하면서 바이올린에 대한 수요가 크게 늘어나고 기계로 제작되는 바이올린 산업의 발전도 촉진됐다. 프랑스의 미르쿠(Mircoux)와 독일의 미텐발트(Mittenwald)는 모두 바이올린이 대량 생산되는 곳입니다. 프랑스의 J.-B. Villom은 19세기 바이올린 제작계의 유명한 인물이었습니다.

빌리움은 자신의 지도 하에 바이올린을 만들 노동자 몇 명을 고용해 자신의 브랜드 이름으로 판매했다. 그는 전 세계에서 개인 손에 분실된 고품질 피아노를 다수 수집하여 연주자, 수집가 또는 박물관에 보냈습니다.

중국은 최근 몇 년간 바이올린 제조 분야에서 국제적인 명성을 누리고 있습니다. 광저우 악기 공장의 Chen Jinnong이 만든 Hongmian 브랜드 바이올린은 1980년 미국에서 열린 제4회 국제 바이올린 제작 대회에서 "음질 부문 금메달"을 수상했습니다. 1983년 독일 카셀에서 열린 슈포르 콩쿠르. 국제 바이올린 제작 콩쿠르에서 "음질 부분 금메달" 수상.

연주 포인트 : 바이올린은 노래하는 멜로디 악기이다. 그러므로 바이올린에서 노래하는 듯한 풍부하고 아름다운 소리를 어떻게 만들어내는가가 바이올린 연주에 있어 가장 중요한 문제이다. 바이올린 연주 기술에 관한 한, 다음과 같은 주요 기본 기술이 있습니다.

활력이 뛰어난 연주자는 바이올린에서 끊임없이 변화하는 소리를 낼 수 있는데, 이는 활의 속도, 활이 현에 가하는 압력, 접촉에 따라 달라집니다. 활과 끈의 다양한 조합. 바이올린의 활법에는 여러 가지가 있는데, 그 주요 방법은 다음과 같습니다: ① 분할 활: 하나의 활: 하나의 음을 연주합니다. ② 연속 활: 하나의 활은 여러 음을 연주합니다. ③ 일시 정지 활: 음표 사이를 쉬는 활; 문자열을 남깁니다. 이 네 가지 활법이 가장 기본이 되는데, 20세기 중반에는 연속적인 활, 즉 한 활에서 여러 음을 중간에 쉬어가며 연주하는 것을 곡예로 여겨 바이올린을 연주하였다고 한다. "절의 예술".

음높이: 바이올린 연주자는 왼손 손가락으로 현을 눌러 진동하는 현의 길이를 줄여 음높이를 변경합니다. 연주자는 다양한 조건에서 현의 정확한 위치에 손가락을 정확하게 눌러 좋은 인토네이션을 얻을 수 있습니다. 이는 수년간의 연습의 결과이자 자격을 갖춘 연주자에게 필수적인 능력이기도 합니다. 바이올리니스트는 인간의 청각이 허용하는 범위 내에서 피치를 결정합니다. 그러므로 그들은 모두 음조를 조절할 수 있는 예민한 청각 능력을 가지고 있습니다. 때로는 연주자가 개인 연주 요구 사항을 충족하기 위해 의도적으로 특정 음을 약간 높거나 낮게 당기는 경우가 있습니다.

비브라토: 왼손 손가락으로 현을 진동시키면 소리의 피치가 규칙적으로 변동하는데, 이를 비브라토라고 합니다. 비브라토는 바이올린 연주에서 매우 중요한 표현 수단입니다. 비브라토는 손가락, 손목, 팔로 구분됩니다. 뛰어난 연주자는 이 세 가지 비브라토 방법을 숙달해야 할 뿐만 아니라 다양한 속도와 진폭에서 비브라토를 사용하는 방법을 배워야 하며, 다양한 작가, 다양한 작품, 다양한 프레이즈를 연주할 때 다양한 방식으로 비브라토를 사용하는 방법도 배워야 합니다. 비브라토의 사용을 통해 청중은 다양한 연주자의 음악적 개성을 명확하게 식별할 수 있습니다.

지판에서 왼손 손가락의 위치를 ​​포지션이라고 합니다. 주축대 근처에 있는 손잡이가 낮은 손잡이이고, 브릿지 근처에 있는 손잡이가 높은 손잡이입니다. 한 위치에서 다른 위치로 변경하는 것을 위치 변경이라고 합니다. 열린 현의 위치를 ​​변경하는 방법, 같은 손가락의 위치를 ​​변경하는 방법, 다른 손가락과 배음의 위치를 ​​변경하는 방법 등 위치를 변경하는 방법은 다양합니다. 핸들을 변경할 때 음악적이지 않은 포르타멘토가 생성되는 것은 기술 훈련이 부족하다는 신호입니다. 포르타멘토는 풍부한 변화를 통해 사운드 간의 연결을 만들 수 있으며, 특히 핸들 변경과 결합하면 표현력이 풍부한 연주 수단이 됩니다.

복음 바이올린과 화음 바이올린은 동시에 두 음을 연주할 수도 있고 심지어 세 음을 동시에 연주할 수도 있고, 4음 코드를 따로 연주할 수도 있습니다. 이는 표현력을 풍부하게 할 뿐만 아니라, 의존하지도 않습니다. 다른 악기의 반주를 솔로로 연주합니다. 바이올린의 3도, 6도, 옥타브, 10도의 이중 음계는 이중 음표 연주의 기본이자 바이올리니스트가 평생 동안 연습해야 할 기본 기술입니다. 바이올린 연주에서 왼손 비브라토, 배음, 플러킹 등은 모두 첨단 기술이다.

연주예술의 발전 이탈리아에서 바이올린이 등장하기 시작한 16세기에는 일반적으로 춤이나 노래에 반주하거나 노래를 직접 연주하는 데 사용되었다. 17세기 초 바이올린 소나타의 등장과 함께 연주기술도 그에 맞춰 발전하였다. 1627년 그의 창작에서는 C. Farina(약 1600~1640)가 더블 톤, 트레몰로, 트릴 및 하이 포지션을 사용하고 고양이 울음소리, 개 짖는 소리, 플루트, 드럼, 기타 및 기타 소리를 시뮬레이션했습니다. 일부 연주자와 작곡가도 이를 따랐고, 그 결과 뻐꾸기, 나이팅게일, 수탉 등의 소리를 시뮬레이션한 작품이 당시 음악계에 넘쳐났습니다. 17세기 후반이 되어서야 이탈리아의 작곡가이자 바이올리니스트인 A. Corelli가 바이올린 예술을 올바른 방향으로 인도했습니다.

이탈리아 바이올린 학교 코렐리는 이탈리아 바이올린 학교의 창립자이다. 그는 바이올린이 본질적으로 노래하는 악기임을 확인했습니다.

그가 쓴 소나타는 알레그로 악장의 비음악적 효과를 버리고 화려하고 활력 넘치는 멜로디 형성에 중점을 두었습니다. 그의 느린 움직임은 노래로 가득 차 있어 뚜렷한 대조를 이룬다. 그의 노래 특성은 이탈리아 학교의 토대를 마련했습니다. A. 비발디는 이탈리아 바이올린 협주곡 악파의 대표적인 인물이다. 그는 바이올린을 반주하기 위해 오케스트라를 사용한 최초의 사람이었습니다. 그의 이러한 이니셔티브는 협주곡에 교향곡적인 성격을 부여하고 드라마를 추가했습니다. G. Tartini는 18세기 유럽에서 가장 유명한 바이올리니스트이자 이탈리아 악파의 대표자였습니다. 그는 코렐리의 작품을 주제로 50개의 변주곡을 썼는데, 이는 바이올린 활 연주 기술을 크게 발전시켰습니다. 그는 세 악장으로 구성된 초기 바이올린 소나타의 형식을 확립했습니다. 그의 걸작 <악마의 트릴>은 18세기 바이올린 연주예술의 정점이다.

18세기 중반 바이올린 활은 지금처럼 휘어져 있지 않고 바깥쪽으로 아치형을 이루고 있어 바로크 시대 작곡가들의 작품을 연주하기에 적합했고, J.S. 바흐의 다성 바이올린 작품. J. 하이든과 W.A. 모차르트 시대에는 음악 작품의 멜로디 라인이 더욱 기복이 심해졌고, 음량에도 더욱 강력한 악센트가 필요해졌습니다. 이에 따라 바이올린 연주 기술도 변화하여 1785년 프랑스인 투르의 현대 바이올린이 탄생했습니다. 활은 활 취급이 발전하고 개선되었습니다. 현대 바이올린 연주의 아버지로 불리는 G.B. 비오티(G.B. Viotti)는 바로크 시대에서 고전 시대로의 전환기 바이올린 예술의 발전 단계를 구현한 대표적인 인물이다. 그는 바이올린의 노래 프레이즈와 기술적인 프레이즈를 결합하고 E현의 음역을 최대한 활용했습니다. 비오티의 "바이올린 협주곡 22번"(가단조, 1797)은 아직도 많은 작곡가들에게 높이 평가되고 있습니다. 파가니니는 이탈리아 학파가 쇠퇴하는 동안 등장한 새로운 낭만주의의 선구자였습니다. 그의 "24 Caprices"는 항상 바이올린 연주 기술의 모델이었습니다. 그가 사용한 새로운 멜로디 기법, 대담한 변조, 풍부한 반음계 진행, 날카로운 화성 조합, 독특한 리듬 패턴 및 다양한 속도 변화는 미래의 낭만주의 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 카프리스는 "바이올린 기술 백과사전"으로 알려져 있습니다. 파가니니는 이중 배음, 연속 활, 활 던지기, 특수 조율 방법, 왼손 피킹 기술, 이중 음표 및 복잡한 코드, 지판의 왼손 손가락 사이의 장거리 점프 등 다양한 기술을 연주에 사용했습니다. .'는 모두 그의 세대의 바이올리니스트들이 탐구하려고 최선을 다한 비밀입니다.

독일 바이올린 학교 1650년 이전 독일 바이올린 연주 예술은 기본적으로 이탈리아의 길을 따랐습니다. 1700년경 독일 작곡가들은 이탈리아 작곡가들보다 더 어려운 기술, 특히 코드 사용, 특수 조율 방법, 특정 설명적 연주 효과를 사용하는 바이올린 작품을 썼습니다. 바이올린은 고도로 기술적인 악기로 발전했습니다. J.S. 바흐의 6개의 무반주 바이올린 소나타와 모음곡은 연주자에게 매우 엄격한 요구 사항을 적용합니다. 1756년 L. 모차르트(W.A. 모차르트의 아버지)가 쓴 『바이올린 입문서』는 독일 바이올린의 발전 과정을 요약한 책이다. 1831년에 독일의 유명한 바이올리니스트 슈포어가 그의 "바이올린 교습서"를 완성했습니다. F. 다비드(1810~1873)는 1843년 라이프치히 음악원이 개교할 당시 바이올린과의 학과장이었습니다. 그의 노력으로 라이프치히 음악원이 발전할 수 있도록 격려하고 동기를 부여하는 데 능숙한 교사였습니다. 19세기 중반 바이올린 학습 센터가 되었습니다. David는 많은 고전 작품을 편집했으며 풍부한 레퍼토리에 기여했습니다. 유명한 연주자 J. Joachim의 역사적 업적은 그의 탁월한 연주 기술을 사용하여 작품의 음악적 의미를 충실하게 재현한 데 있습니다. 바흐의 6개의 무반주 소나타와 모음곡은 그의 연주로 인해 현대 바이올리니스트들에게 바이올린 다성음악의 정점으로 인정받고 있습니다. 그의 또 다른 역사적 업적은 뛰어난 학생을 많이 양성한 것인데, 그 중에는 20세기 초 뛰어난 바이올린 교육자였던 L. Orr도 그중 한 명이었습니다. 요아킴의 마지막 학생인 A. 바이덴베르크(A. Weidenberg)는 나치 독일이 유대인을 박해하자 중국으로 도망쳐 상하이에 살았으며 국립 상하이 음악 대학에서 바이올린과 실내악을 가르쳤다는 점을 언급할 가치가 있습니다.

프랑스-벨기에 바이올린 학교 Viotti는 1782년에 처음으로 프랑스에 왔습니다. 그의 훈련과 영향을 받아 프랑스 P. Bayeux, P. Rod 및 R. Krutzer** * 함께 프랑스 바이올린을 창립했습니다. 학교. 1795년 파리음악원이 설립되어 현재 전 세계의 바이올린 교육은 거의 모두 J.-F. Mazas(1782~1849), Krutzer, Rohde, P. 학생들을 양성하기 위한 가빈을 비롯한 바이올리니스트들의 연습곡 중 크루처의 <42개의 연습곡>은 뛰어난 작품으로 평가받고 있다. 19세기 중반 이후 프랑스 바이올린 연주 학교는 세계 바이올린 연주 예술에 큰 영향을 미쳤다. H. Wieniawski, P. de Sarasat, F. Kreisler는 이러한 사상 학파의 대표자입니다. 폴란드 바이올리니스트 비에니아프스키는 파리 음악원을 졸업했습니다. 프랑스 유파의 연주 스타일을 계승해 로맨틱한 터치를 더했다. 프랑스 바이올린 학교에서는 소리의 웅장함을 강조하고 손목 활 동작이 많아 연속 활 연주가 어려웠지만, 나중에는 이 연속 활 방법을 전체 동작을 사용하여 성공적으로 익힐 수 있음을 발견했습니다. 팔.

비에니아프스키는 1862년에 자신의 연주 기술을 러시아로 가져와 나중에 등장한 러시아 공연 학교의 광범위한 발전을 위한 토대를 마련했습니다. 스페인 출신의 사라사테는 프랑스 음악원에서 훈련받은 뛰어난 연주자 중 한 명으로 그의 연주는 감미롭고 순수한 음색으로 유명하다. 그가 사용하는 비브라토는 더 넓고, 특히 고음역에서 음정이 뛰어나며, 그의 기술은 훌륭하고 부드럽습니다. 그가 쓴 <집시의 노래>와 <카르멘 판타지아>는 매우 창의적이고 기술적으로 어려운 곡이다. 오스트리아 출신의 크라이슬러는 1887년 파리 음악원을 졸업했다. 자유롭고 편안한 연주 스타일, 결코 자신의 실력을 과시하지 않는 연주, 우아한 절법, 영리한 프레이즈 처리, 리드미컬한 활력이 넘치는 인물이다. Kreisler는 Wieniawski의 비브라토 기술을 계승하고 발전시켜 비교할 수 없는 음색 변화를 달성할 수 있었습니다. 그의 보잉과 운지법은 매우 독특합니다.

프랑스-벨기에 학교는 바이올린 연주 역사상 프랑스-벨기에 학교로 불린다. 두 학교가 결성 시기가 멀지 않았고 둘 다 비오티의 영향을 받았기 때문이다. 벨기에 바이올린 학교의 창립자인 C.-A. de Berio의 교사는 Viotti의 학생이었으며, Berio도 파리 음악원에서 공부했습니다. 그는 파가니니의 뛰어난 테크닉과 프랑스식 우아함을 결합하여 프랑스 고전 연주 학교를 현대화했습니다. 베리오는 프랑스 학교의 직접적인 제자가 아니었고 전통을 깨고 새로운 낭만적인 프랑스-벨기에 학교를 만들 수 있었습니다. Berio의 학생 H. Vietan은 벨기에 학교에 큰 영향을 미쳤습니다. 바이올린 연주의 역사에 대한 그의 큰 공헌은 교향곡에서 솔리스트로서 바이올린의 역할을 촉진한 것입니다. 그의 "제4 바이올린 협주곡"(D 단조, 약 1850년)은 독창적인 작품입니다. H. Berlioz는 독주 바이올린 파트가 포함된 장엄한 교향곡이라고 불렀습니다. E. Ysaye는 Vietan의 학생입니다. 그의 연주는 열정적이고 활력이 넘치며, 장엄하고 아름답습니다. 시가 가득하며, 더욱 강렬한 비브라토를 사용합니다. 프랑스-벨기에 학교에는 위에서 언급한 대표자들 외에도 여전히 월드뮤직계에서 활동하고 있는 J. Thibault와 Y. Menuhin이 있다.

러시아 및 소련 바이올린 학교 L. Orr는 상트페테르부르크 음악원에서 약 50년 동안 가르친 덕분에 그를 20세기 초 유명한 바이올린 교수로 만들었습니다. J. Heifetz, M. Ellman, N. Milstein, E. Zimbalist 등 세계 최고의 바이올리니스트들은 모두 그의 제자들에게서 나왔습니다. Orr는 학생들의 특정 상황에 따라 학생들의 잠재적인 능력을 최대한 활용합니다. 그의 저서 "나의 바이올린 연주 교육 방법"은 음악이 먼저이고, 기술이 두 번째이며, 시대에 따라 음악이 다르다는 등 그의 교육 아이디어와 미학적 견해를 자세히 설명합니다. Orr는 러시아 바이올린 학교 설립에 중요한 역할을 했습니다. 그러나 오르르(Orr), 비에르탄(Viertan), 비에니아프스키(Wieniawski)는 오랫동안 러시아에서 가르치고 공연해 왔다. 러시아 학교는 프랑스-벨기에 학교를 기반으로 해서 자연적으로, 역사적으로 형성되었다고 볼 수 있다. 어떤 사람. 그리고 나무를 만들어 보세요. 하이페츠는 상트페테르부르크 음악원의 학생이었습니다. 그는 불 같은 감정, 강철 같은 통제력, 놀라운 기술 및 강한 성격을 가졌습니다. 그의 빠른 비브라토 사용, 표현력이 풍부한 포르타멘토, 강한 보잉, 상대적으로 빠른 음악 처리 등은 모두 그의 강한 음악적 개성을 자연스럽게 표현합니다. 소련 사회주의 연방과 소련이 창립된 후, 오데사 음악원의 П.С. Orr의 경력을 계승하고 발전시켜 소련 바이올린 학교를 설립했습니다. Stolyarsky는 1933년 소련 최초의 영재 음악 학교를 설립했으며 소련 학교 창립자 중 한 사람이 되었습니다. 그는 어린 시절부터 어린이들을 위한 포괄적인 기술 및 예술 교육을 옹호했습니다. 그의 제자인 Д.□.는 동시대의 가장 뛰어난 바이올리니스트 중 한 명으로, 뛰어난 연주 실력과 음악에 대한 깊은 이해를 완벽하게 결합하고 있으며, 현대 음악에도 적극적으로 참여하고 있습니다. 모스트라스의 『바이올린의 음높이 문제』, 『바이올린 연주자의 리듬훈련』, 『바이올린 연주의 역동적인 문제』는 모두 귀중하다. 그의 학생 I. Galamian은 미국에서 유명한 교사가되었습니다. Poliski는 Orr의 교육 원칙을 계승하고 발전시켜 학생들의 음악적 감각과 전반적인 발전을 키우는 데 중점을 두었습니다. 극도로 순수한 소리, 정확한 억양, 탁월한 테크닉, 고상한 스타일, 꼼꼼하고 심오한 음악 처리가 이 교육 시스템의 특징입니다. 그의 조카 И.□.Yampoliski는 "바이올린 운지법 입문"의 저자입니다. Yanpoliski의 또 다른 학생

□.И. Yankelevich는 교사의 교육 원리를 계승하고 발전시켰으며 학생들의 재능을 철저히 분석하여 학생의 연주 기술과 개성을 발전시키는 데 능숙했습니다. 중국의 유명한 바이올린 교사이자 중앙 음악원 부교수인 Lin Yueji는 Yankelevich의 학생이었습니다. Lin Yueji의 학생인 Hu Kun은 한때 Sibelius 국제 바이올린 콩쿠르에서 우승했습니다. 또한 언급할만한 가치가 있는 것은 유명한 미국 바이올리니스트 I. Stern입니다. 그는 러시아 악파와 깊은 인연을 갖고 있으며, 프랑스-벨기에 악파의 영향을 받아 대중을 끌어들이고 자신만의 스타일을 창조하는 데 능숙하며 현대 시대의 일류 연주자로 거듭났다. 그는 중국을 두 번 방문하여 연주와 강의를 했으며, 중국의 많은 젊은 바이올리니스트들을 가르쳤습니다.