드라마 무대 미술 디자인

드라마는 우리나라 전통문화의 일종이다. 연극 공연 과정에서는 무대의 예술적인 디자인도 매우 중요하다. 그럼, 드라마 무대 미술 디자인에 대해 알고 계시나요? 다음은 제가 여러분에게 도움이 될 수 있도록 정리한 드라마 무대 미술 디자인입니다.

전통적인 시스템 무대 디자인

전통 오페라 무대의 중요한 예술적 특징은 '가상성'입니다. 현실과 현실 사이의 관계를 관리하는 것은 무대예술 디자인의 핵심 문제입니다. 연극 무대의 디자인은 풍경이다. 무대 위의 모든 풍경과 공간은 가상적이다. 장면이나 장면 블록은 벽, 문, 산 등이 될 수 있다. 모두 단순하며, 무대 위의 빈 공간은 진짜 보물주머니이자 관객들의 무한한 환상의 발상지이다. 무대디자인은 실제 풍경의 계획을 통해 무대 위의 공간을 관리하는 것이라고 할 수 있다. 디자인의 주된 업무는 실제 배치보다는 공간을 배치하는 것이다.

오페라 무대예술에는 늘 '네 가지 통일체'라는 말이 있다. 첫째는 유사성과 비유사성의 통일성, 둘째는 정신적 유사성과 물리적 유사성의 통일성, 셋째는 통일성이다. 삶의 현실과 예술의 현실, 넷째는 공간과 무한한 공간의 합일이다. 공간 처리 측면에서 '가상 예술 기법'을 사용하여 관객의 상상력을 최대한 동원함으로써 무대 환경을 풍부하게 만듭니다. 이 시기의 무대예술은 삶의 현실성을 강조했을 뿐만 아니라 예술적 가공, 세련미, 예술적 과장도 강조했다.

최고의 연극 무대 예술 디자인 10가지

1. 햄릿(1912)

무대 디자이너 에드워드 고든 크레이그( 에드워드 고든 크레이그는 현대 연극의 선구자였습니다. 디자인 조명의 상상력과 무대 조화의 아름다움에 대한 그의 견해는 1950년대와 1960년대 현대 무대 연극의 대표자인 피터 브룩 감독에게 큰 영향을 미쳤습니다. 1912년 모스크바 예술극장(MAT)에서 공연된 <햄릿>은 20세기 가장 영향력 있는 연극인인 에드워드 고든 크레이그와 연극 교육자 스타니슬랍스키의 공동작업으로 햄릿 공연사에도 가장 중요한 사건이다. 20세기 연극에서. 극 내내 클라우디우스와 거트루드는 망토를 입고, 금빛 망토는 금박을 입힌 벽에 반사되고, 화면을 밀어 장면을 바꿀 수 있다. Brooke는 Edward Gordon Craig를 "영감이자 징조"라고 불렀습니다.

2. '한여름 밤의 꿈'(1970)

1970년 셰익스피어의 희극 '한여름 밤의 꿈'은 드라마의 거장 피터 브룩이 창작한 작품이다. 랜드마크 디자인. 프로듀서이자 감독인 조나단 밀러(Jonathan Miller)는 "우리가 무대에서 표현하고 싶은 것에 대한 우리의 생각을 바꾸고 우리 모두를 말에서 해방시켰는데, 그것이 바로 시각적 자유였다"고 말했습니다. 배우 샐리 제이콥스(Sally Jacobs)는 서커스 디자인이 강한 흰색 조명으로 비춰지는 평범한 흰색 상자라고 말했습니다. 요정들은 높은 그네를 타고, 엘프 퍽의 마력은 장대 위의 회전하는 원반이며, 연인을 유혹하는 숲은 영적인 이미지를 구현합니다.

이 연극은 상상력을 최대한 발휘하며, 특히 무대 위의 성적 표현의 증가를 예로 들어 궁전은 절제되고 억압된 성적 욕망을 나타내고, 숲은 억제되지 않은 성적 욕망을 나타냅니다.

3. "검사관이 부른다"(1992)

무대 디자인이 이 연극을 재구성했습니다. 현대 작가 존 보인턴 프리스틀리(John Boynton Priestley)의 희곡 "House of Guilty"는 제2차 세계대전 말기에 쓰여졌으며 시대와 계급의 충돌을 보여줍니다. 스티븐 달드리 감독의 1992년 '하우스 오브 길트(House of Guilt)'는 표현주의와 비관주의 영화의 디자인에 큰 영향을 받았습니다. 기둥 위에 지탱된 위태로운 집은 무너져가는 중산층 주택을 연상케 하며, 갈라진 벽은 거주자가 노출되게 만드는 왜곡된 비율로 인해 인형의 집과 유사합니다. 아이들이 놀던 곳은 폭격을 받은 거리였습니다. 이 작품은 드라마 중의 군마로 꼽힌다.

4. The Tempest(2000)

폴 브라운은 멋진 자연의 세계를 무대로 끌어올렸습니다. 그의 디자인에서 Gainsborough 스튜디오는 잔디밭으로 덮여 있고 오래된 장거리 역 내부에는 넓은 해바라기가 자랍니다. 2000년에 그는 Jonathan Kent의 The Tempest를 위해 환상적인 물 풍경을 창조했습니다. 무대에는 거대한 호수가 디자인되어 있고, 호수 가장자리에는 바위와 자갈이 깔려 있었고, 호수 뒤에는 주인공 프로스페로스가 열심히 생각하고 있었는데, 지붕에 구멍이 뚫려 있어 엘프 아리엘이 결코 닿지 않게 되었습니다. 땅.

5. "조지와 함께하는 일요일"(2005)

이 드라마는 첨단 기술과 저급 기술의 첫 번째 완벽한 조합입니다. 작곡가 스티븐 손드하임(Stephen Sondheim)의 뮤지컬 <조지와 함께한 공원의 일요일>은 프랑스 점묘화 화가 조르주 쇠라(Georges Seurat)에게서 영감을 받았습니다. 2005년 Minnie Chocolate Factory에서 Sam Buntrock 감독은 세트 및 의상 디자이너 David Farley와 비디오 디자이너 Timothy Bird***를 모아 이 연극을 제작했습니다. 극은 조르주 쇠라(Georges Seurat)의 에메랄드 그린 풍경화를 배경으로 비디오 애니메이션을 통해 하얀 커튼이 나무로 변하고, 녹색과 노란색 조명 아래 나뭇가지가 어두운 선을 보여주고, 만화 속 개가 미니 스크린 위로 점프한다. 이 쇼는 하이테크 기술을 사용하여 쇼를 완성합니다.

6. '충격의 피터'(1998)

'충격의 피터'는 하인리히 호프만의 소설을 원작으로 한 영화다. 독일 동화책 '슈트루벨페터'를 뮤지컬로 각색한 작품이다. 지난 20년 동안 가장 상상력이 풍부한 쇼였으며 큰 영예를 얻었습니다. 이 쇼의 창작은 감독 Phelim McDermott(Phelim McDermott)와 디자이너 Zhu Julian Crouch의 ***가 결합된 것과 같습니다. 그들은 하인리히 호프만의 경고 이야기인 인생을 장난감 수업 환경으로 설정했습니다. 주름진 극장 커튼, 사용하기 위해 구부려야 하는 판지 가구 및 문, 사람들에게 강한 시각적 감각을 주는 인형, 흐트러진 피터가 무대를 응시합니다. 성냥을 가지고 놀다가 불에 타 죽은 사람은 빨간 드레스를 입고 온몸에 거품이 묻어 있었는데... 이것은 판토마임과 인형극 요소의 조합입니다. 뮤지컬에서도 아이들은 시처럼 모두 죽는다. 이 연극은 1998년 영국 리즈의 웨스트요크셔극장에서 초연됐다. 1998년에는 Barclays/TMA Award 최우수 감독상을 수상했으며, 1999년에는 South Bank Theatre 부문 후보에 올랐고 New York Drama Critics Circle Award에서 최우수 디자인상을 수상했습니다.

7. 파우스트(2006)

2006년은 리얼리티 연극이 시작된 해이다. Punchdrunk는 영국 Wapping에 있는 1,500제곱피트의 사용하지 않는 창고에서 관객이 마음대로 돌아다닐 수 있는 무대 세계를 만들었습니다. 쇼의 디자인은 괴테의 파우스트와 미국 회화 거장 에드워드 호퍼(Edward Hopper)의 그림에서 영감을 얻었습니다. Punchdruck은 1950년대 미국의 작은 마을에서 일련의 마법을 사용하여 다음과 같은 아름다운 장식을 만들었습니다. 모텔의 깨진 유리, 보트와 이국적인 나무뿌리가 쌓여 있는 실험실, 레스토랑, 영화관, 백화점 등.

연극 공연 중 극장은 관객에게 마스크를 주며 유령이 엿보는 톰처럼 작은 마을을 마음대로 돌아다닐 수 있도록 해준다. 때때로 당신은 다른 관중들과 함께 바에 있을 수도 있고, 때로는 장례식장에 혼자 있을 수도 있어 청중이 마치 쇼의 일부인 것처럼 느낄 수도 있습니다. 공연 중에 배우가 갑자기 손을 잡거나, 얼굴을 만지거나, 귀에 대고 속삭이는 경우가 있습니다. 이러한 무대 디자인은 관객이 관객일 뿐만 아니라 공연자이자 참여자로서 공연 전체를 통합하게 만든다.

8.. "The White Guard"(2010)

연극 무대 디자이너 버니 크리스티(Bunny Christie)의 디자인은 매우 대담합니다. 그녀는 Lyttelton Stage를 Glasgow 하우스로 레이어링하고 West Yorkshire Playhouse를 조각하여 두 부분으로 나누는 등 멋진 무대 디자인을 전문으로 합니다. 그녀는 1917년 10월 혁명을 표현하기 위해 무대의 끊임없는 움직임을 사용했습니다. 극중 술취한 남자가 피아노에서 기둥으로 떨어지자 무대는 후퇴해 관객들은 술취한 남자의 쓰러짐이 그에게 집중되는 것을 느낄 것 같다. 쇼의 성공의 대부분은 Bonnie Christie의 디자인에 달려 있습니다. 동시에 Neil Austin의 조명 디자인과 Christopher Shutt의 음향 효과는 우리가 최전선의 혼란과 혼란 속에 있는 것처럼 느끼게 합니다.

보니 크리스티는 카리브해 세인트앤드루에서 태어나 런던 중앙예술아카데미에서 수학했다. 그녀의 연극 작품은 올리비에 드라마 부문 3개 상을 포함해 많은 상을 수상했습니다. 그녀는 단편영화로 오스카상 후보에 오른 케네스 브래너 감독의 '백조의 노래'에 참여했다. 2014년 Christie는 새로운 뮤지컬 "The Making of Dagenham"을 공동 디자인했습니다.

9. '레드'(2009)

'레드'는 미국 작가 존 로건이 집필한 예술가 마크 로스코의 소설로, 런던의 토마스 공연장에서 공연됐다. 2009년 12월 창고. 2010년에는 토니상 최우수 플레이상을 수상했습니다. 영국의 유명한 무대 디자이너이자 의상 디자이너인 크리스토퍼 오람은 2009년 존 로건의 '레드'를 만들 때 "드라마는 커다란 유화와 같다"고 말한 화가를 기억했다. 그래서 그는 무대 뒤의 전쟁 지역에 유화를 걸었습니다. 그는 Neil Austin의 조명 아래에 희미하거나 빛나는 빨간색과 검은색 평면 패널을 배치했습니다. 이것들을 제거하면 무대는 피 묻은 무대 입처럼 보이는 삼면에 빨간색 물방울이 있는 흰색 직사각형으로 드러납니다. 이것은 극장 세계에 대한 Orm의 가장 큰 선물입니다. 극장의 핵심을 발견하고 이를 디자인에 적용하는 것입니다. 이 연극의 무대 조명 디자인은 훌륭한 현대 조명 디자인 중 하나입니다.

크리스토퍼 오르메(Christopher Orme)는 영국 웨스트 서식스 대학교(University of West Sussex)에서 예술과 디자인을 전공했으며 그의 디자인은 전 세계 극장에서 볼 수 있습니다. 그는 Tony Award, Olivier Award, Evening Standard Award, Garland Award 및 Innovation Award를 수상했습니다.

10. '서커 펀치'(2010)

'서커 펀치'는 영국의 유명 극작가 로이 윌리엄스(Roy Williams)의 작품으로, 로열 코트 극장에서 초연됐다. 2010년 런던에서. 이 연극은 London Evening Standard Laurence Olivier Drama Award for Best New Play 후보에 올랐습니다. 유명한 무대 디자이너 미리암 뷰터(Miriam Buether)는 한때 궁전을 관형 마차로 변형하여 관객과 배우가 서로 마주할 수 있도록 했습니다. Roy Williams의 The Bad Guy에 대한 2010년 복싱 장면에서 Miriam Bittey는 런던의 King's Palace Theatre를 복싱 링으로 변모시켰습니다. 천장에 거대한 모래주머니가 걸려 있고 벽에는 스폰서 광고가 덮여 경기장을 뒤덮었으며 형광등이 복싱 선수들을 강렬하게 빛냈습니다. , 그의 모든 펀치와 쿵쿵은 무대를 둘러싼 거울에 반영되었습니다. 이 창의적인 무대 디자인은 2010년 런던 이브닝 스탠다드 최우수 디자이너인 Miriam Bittey를 수상했습니다.

Miriam Bittey는 주로 런던에서 활동합니다. 그녀는 Central Saint Martins에서 미술 및 디자인 분야의 무대 디자인과 함부르크의 패션 디자인을 공부했습니다.