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인상파 작품은 단 1점만 발견됐다.

인상주의는 19세기 후반 프랑스에서 탄생한 회화파로, 대표자로는 모네, 마네, 피사로, 르누아르, 시슬리, 드가, 모리조, 바지 등이 있다. 인상파의 그림은 사실주의에서 출발했지만, 그들의 주된 관심은 세상에 대한 자신의 시각적 경험을 정확하고 객관적으로 묘사하는 것이었습니다. 인상파 화가들은 사회사, 종교, 윤리보다는 순간적인 시각적 경험, 색채, 분위기, 화법에 더 많은 관심을 기울였다는 점에서 이전 유럽 화가들과는 다른 예술적 길을 걷기 시작했다. 그들의 작품이 처음 등장했을 때 고전 회화 형식에 익숙했던 관객들로부터 비판을 받았는데, 1874년 첫 인상파 전시회에서 모네의 '해돋이 인상'이 비판을 받았고, 이후에는 '인상주의', '인상주의'라는 용어가 사용된다. 모네와 같은 화가 집단의 작품을 지칭하는 고유명사.

유럽 회화사의 발전 과정으로 볼 때, 깜박이는 햇빛과 미묘한 그림자가 그림에 도입되어 그림을 신선하고 밝고 생동감있게 만든 것은 인상파 화가들의 펜 아래였습니다. 진정성을 추구하려는 예술가들의 노력은 인상파 시대에 정점을 이루다가 쇠퇴하기 시작했다. 마네에서 세잔에 이르기까지 유럽의 회화 전통은 자기 부정과 동시에 자기 개선을 이루는 과정이 전체 서구 현대 회화의 발전 틀을 이루고 있다. 인상파 화가들은 미술 활동을 시작하면서 오해와 조롱을 받기도 했고, 공동 활동도 오래가지 못했지만 서양 미술에 지대한 영향을 미쳤고, 이는 음악과 문학에도 영향을 미쳤다. 20세기 초에 인상주의는 매우 인기 있는 미술 학교가 되었습니다. 오늘날까지도 인상주의 그림은 회화 역사상 다른 ​​어떤 장르보다 여전히 전 세계 관객들에게 더 큰 인기를 누리고 있습니다. 이번 전시는 마네, 모네, 르누아르, 드가, 세잔과 같은 예술가들의 작품을 통해 프랑스 인상주의의 진화, 즉 시작, 발전, 후속 회화에 미친 영향을 소개합니다. 방문객들은 이 뛰어난 화가들이 다루는 주제(풍경, 정물, 초상화 등)의 다양성뿐만 아니라 회화 경험의 발전도 관찰할 수 있습니다. 이번 미술전은 몇몇 대표작의 전시로 드물다. 이번에 중국에 전시된 인상주의 작품은 총 51점으로, 모네 11점, 시슬리 5점, 드가 4점, 르누아르 4점, 마네 3점, 피사로 7점, 팡탱 등 모두 포함된다고 할 수 있다. —라투르, 모리조, 바지유 등도 중국 관객이 볼 수 있는 작품이 있다. 그 중에는 마네의 '피콜로를 연주하는 소년'과 '선술집 하녀', 드가의 '댄스 레슨', '압생트라고도 알려진 카페', '젊은 여인의 초상', 모네의 '루앙 대성당', '수련', 르누아르의 '흉상, 햇빛의 효과', 피사로의 '퐁투아즈: 에르미타주의 비탈', 시슬리의 '루푸셴의 정원길' 등의 작품은 모두 인상주의 회화 예술의 전형이다.

인상주의 그림은 1920년대부터 중국에 소개되기 시작했지만 1970년대 후반이 되어서야 중국 관객들이 인상주의 작품을 거의 볼 수 없었다. 프랑스 문화의 해 활동에서는 인상주의 회화가 집중적으로 전시되어 우리나라 대외 미술 교류사에 선례를 남겼습니다. 이번에 중국 관객에게 선보인 51점의 작품은 프랑스 국립소장품에 속하며, 대부분이 파리 오르세 미술관에서 소장된 작품이다. 오르세 미술관은 현대 미술 작품을 전문적으로 수집하는 국립 미술관으로 파리 센 강변에 위치해 있으며, 전 세계 미술 순례자들이 파리를 여행할 때 꼭 들러야 할 곳입니다. 오르세 미술관은 이렇게 아름다운 인상파 작품을 한꺼번에 꺼내 바다 멀리 떨어진 중국에 전시한 것은 세기의 미술 행사라고 할 수 있다. 이번 전시는 대중에게 중국과 프랑스 문화 사이에 가교를 놓는 기회를 제공하고, 중국과 프랑스 문화의 유사점과 차이점, 중국과 프랑스 문화의 공통점과 보완성을 이해하는 기회를 제공하고자 합니다.

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인상주의는 19세기 후반 프랑스에서 시작되었습니다. 모네, 시슬리, 르누아르, 세잔, 드가, 피사로 등 마네를 중심으로 한 화가 집단은 학문적 예술에 반대한다는 슬로건 아래 혁신적인 태도로 예술적 혁신을 펼치며 프랑스 회화계에 진출해 유명해졌다. . 1874년 파리에서 첫 전시회를 열어 사회로부터 큰 호응을 얻었던 작품 중에는 모네가 그린 유화 <인상해돋이>가 있는데, 비평가들은 이들을 화가라고 농담으로 불렀다. 인상파 화가들이었기 때문에 인상파 그림이라는 이름이 붙었습니다.

인상주의는 객관적인 사물에 대한 화가의 감정과 인상을 강조하고 학문적 관습에 반대하며 예술적 혁신을 옹호합니다. 회화 기법에 있어서는 빛과 색을 논하고, 외부의 빛을 이용하여 사물을 묘사하는 방법을 개발하였으며, 색의 변화는 보는 위치, 빛의 조건, 빛의 영향에 따라 발생한다는 것을 깨달았다. 환경은 변화하고 동시에 이 과학적 원리를 회화에 적용합니다. 그들은 작업실을 나와 자연 속으로 들어가 햇빛 아래서 직접 스케치를 하며 관찰과 직접적인 감정을 바탕으로 미묘한 색상 변화를 표현했습니다. 이는 회화사에 있어서 큰 혁명이었으며, 이후의 현대 미술에도 큰 영향을 미쳤다. 인상주의 그림은 인간 생활의 주제를 거의 반영하지 않기 때문에 창작의 주제와 내용이 크게 제한됩니다.

마네(1832~1883)는 19세기 후반 회화계의 혁명에서 중요한 역할을 한 화가로 인상파 화가들과 긴밀한 관계를 맺었지만, 인상주의 미술전에는 참여하지 않았지만 인상파 화가들은 늘 마네를 중심으로 새로운 회화이론과 작품을 만들어냈다.

마네는 1832년 부유한 판사 집안에서 태어났다. 예술에 대한 사랑 때문에 고위 관직의 길을 버리고 화가가 되었다. 마네는 전통적인 세피아 톤을 깨고 야외의 빛을 이용해 그림을 밝고 산뜻하게 만든 최초의 화가였습니다. 그는 고전 미술의 영향을 받아 항상 작품에서 웅장하고 엄숙한 스타일을 유지하고 있다. 그의 그림은 사실적인 조형 기술을 갖고 있지만, 후대의 인상파 화가들이 사물의 색을 무너뜨릴 정도로 색채가 아직 발전하지 못했다. . 도. 그의 색상 처리는 비교적 완벽하며 각 색상 블록은 조화롭고 부드럽고 밝아 사람들에게 투명하고 상쾌한 느낌을 줍니다. 마네의 유명한 작품인 '피리를 부는 소년'은 전체적으로 어두운 톤에 여러 가지 밝고 선명한 색감이 돋보이는 작품으로 더욱 웅장하고 눈부시다. 그의 또 다른 대표작인 『올림피아』도 이러한 표현 방식을 사용하고 있다.

모네(1840~1926)는 인상주의의 선구자였다. 1874년에 그는 첫 번째 인상주의 회화 전시회를 시작하고 조직했으며, 그의 유화 '인상 일출'은 전시회에서 반향을 불러일으켜 '인상주의'라는 명칭이 공식적으로 등장하게 되었다.

'인상·일출'은 화가가 본 '물 위의 일출'의 스쳐가는 장면에 대한 감정과 감상을 표현한 작품이다. 그림이 보여주는 것은 하늘과 물과 같은 색의 흐릿한 아침 안개 속에서 붉은 태양이 천천히 떠오르고 있다는 것입니다. 물 위에 떠 있는 배들과 해변의 풍경은 파란색과 녹색으로 쉽게 윤곽이 잡혀 있으며, 모두가 그렇습니다. 전체 그림의 개체가 하나로 혼합됩니다.

모네의 작품에서 그는 색면의 탐구에 큰 관심을 기울였으며 사물과 형태의 사실성을 무시했습니다. 그는 순간적인 인상을 표현하기 위해 빛과 색을 활용하는 데 중점을 두고 있으며, 회화에서 색관계의 주체적인 아름다움을 추구한다. 그는 야외 회화를 진정으로 강조한 최초의 화가였습니다. 그의 작품은 거의 모두 야외에서 이루어지며 그의 태도는 매우 진지하다. 그림의 진정성을 유지하기 위해 아침에 그림을 그리는 경우가 많으며, 그림이 완성되지 않으면 다음날 같은 시간까지 기다려서 그림이 끝날 때까지 계속 그림을 그립니다. 그는 종종 장면을 마주하고, 다른 시간과 다른 조명 아래에서 사물의 색상 변화를 그린다. 예를 들어 유화 '해스택'과 '리옹 대성당'은 이런 색채 실험을 한 화가의 작품으로 자주 언급되는 작품이다. 빛과 색의 순간적인 미묘한 변화를 추구하는 그의 신중한 작업은 이전에 볼 수 없었던 것입니다. 이러한 예술적 추구는 특히 모네가 만년에 그린 유화 "수련"에서 두드러집니다. 모네는 인상파 화가 중 가장 오래 산 사람으로, 사람들은 말년에 인상주의 그림의 가치를 깨닫고 말년에 행복한 삶을 살았습니다.

드가(1834-1917)는 활동적인 활동가이자 인상파 화가의 중요한 일원으로 무용수와 목욕하는 여인을 묘사한 것으로 유명합니다. 드가는 은행가의 아들로 부유한 삶을 살았고, 좋은 교육을 받았으며, 높은 수준의 문화적 성취를 이루었습니다.

드가는 초기에 엄격한 고전미술의 영향을 받아 전통미술에 대한 애정을 키워왔기 때문에 인상파 화가들 중에서도 늘 엄격한 조형을 고집한 화가였다. 마네의 영향을 받아 색채 연구에 집중하기 시작했고, 인상파 전시회에 참여하며 독특한 화풍을 지닌 인상파 화가의 일원이 되었다. 드가는 일생 동안 복잡하고 혼란스러운 움직임을 추구하는 데 강한 관심을 유지했는데, 특히 무대 조명 아래의 무용수들과 극도로 생생한 경마장의 장면이 그러했습니다. 그는 종종 무대 뒤와 박스 안의 대상을 차분하게 관찰하며 배우들이 춤을 추는 순간순간의 동작을 지시하고 무용수들의 부드러운 몸짓과 생동감 넘치는 점프 자세를 생생하게 보여주며 더욱 성공적이었던 것은 아래의 감정을 전달했다는 점이다. 무대 조명은 매우 현실적이어야 합니다. 드가의 대표작으로는 『무대 위의 춤추는 소녀』, 『다리미를 치는 여인』이 있다.

르누아르(1841~1919)는 인상주의의 중요한 화가이다. 그는 1841년 가난한 재단사의 집에서 태어나 도자기 그릇에 그림을 그리며 생계를 꾸렸다. 그는 천성적으로 낙관적이고 단순하며, 생명과 자연을 사랑하며, 사람과 자연의 아름다움에 대해 매우 예리한 예술적 감성을 가지고 있습니다. 르누아르는 주로 여성과 누드의 초상화를 그렸습니다. 그의 그림은 언제나 즐거운 분위기로 가득 차 있으며, 인물들은 형용할 수 없는 부드러움과 미소로 형상화되어 있습니다. 동시에 그는 그림에 인상주의적 방법을 사용하려고 노력했고 그의 인물화는 생동감 있고 다채로웠으며 이상적인 결과를 얻었습니다.

르누아르의 소녀와 어린이를 그린 작품 역시 예술적 가치가 높다. 그의 그림 속 아이들은 순수하고 유치하며, 그가 그린 소녀들은 차분하고 우아한 분위기를 전달할 수 있다. 『소녀의 초상』은 이러한 유형의 그의 대표작 중 하나이다.

르누아르의 작품은 붓놀림을 사용하여 사람들에게 점프하는 느낌을 줍니다. 그는 또한 그의 그림에서 밝은 색부터 어두운 색까지 다양한 색상을 사용하는 것을 좋아합니다. 그림 속의 인물들은 한 편의 찬양과 서정적인 음악처럼 매우 여유롭고 행복하며 젊음의 아름다움이 가득한 모습으로 사람들에게 삶이 너무나 아름답고 낭만적인 정서로 가득 차 있음을 느끼게 해줍니다. Ship', 'Biscuit Shop', 'Dance in the Street', 'Box' 모두 그의 예술적 특징을 고스란히 반영하고 있다.

피사로(1830-1903)는 인상주의의 중요한 화가였습니다. 피사로는 프랑스령 안틸레스 제도의 작은 세인트 토마스 섬에서 태어났습니다. 그의 아버지는 작은 상점 주인이었습니다.

그는 어렸을 때 점원으로 일하다가 그림에 대한 열정으로 25세에 고향 섬을 떠나 예술의 수도로 알려진 파리로 왔다. 코로와 밀레의 작품은 그에게 큰 영향을 미쳤고, 그는 예술이 따라야 할 유일한 주인은 자연뿐이라고 굳게 믿었습니다. 피사로는 다른 인상파 화가들보다 일찍 야외 조명을 사용하여 그림을 그리기 시작했습니다. 그는 종종 “야외의 선명한 빛 속에서 자연에 따라 성실하게 그림을 그리라!”라고 말했다.

피사로는 평생 가난했지만 언제나 밝고 밝은 얼굴로 살았다. 그는 시골생활을 매우 좋아하며, 눈에 보이는 모든 것을 과장이나 희화화 없이 지극히 평범한 그림으로 그린다. 그의 그림에서 그는 종종 사물을 묘사하기 위해 채도가 높은 색상과 섬세한 붓질을 사용하여 순수한 예술적 매력을 선사합니다. 대표작으로는 '투아세의 빨간 지붕', '몽마르트르 거리' 등이 있다.

인상주의의 후발주자인 쇠라(Seurat, 1859~1891)는 인상주의의 독보적인 인물이다. 쇠라는 빛의 조명 아래서 모든 사물의 색이 나누어진다고 믿었으며, 이 나누어진 색을 진정으로 표현하려면 서로 다른 순수한 색점과 블록이 함께 병치되어야 한다고 믿었습니다. 이 이론을 바탕으로 한 작품을 "점묘법"이라고 하며 "점묘법"이라고도 알려진 "신인상주의 회화"를 형성합니다. 건축에 있어서 과학적 이론과 합리성을 바탕으로 한 신인상주의는 어떤 면에서는 회화 속 대상의 구체성과 현실성을 복원해 왔고, 색채 분석에서도 어느 정도 탐구를 해왔다. 그림 역시 그 가치 있고 직관적인 선명함을 잃었습니다.

'그랑자트 섬의 일요일 오후'는 쇠라의 대표작이다. 완성까지 ***3년이 걸렸다. 화가는 미세한 붓놀림과 작은 점의 형태를 채택하고 큰 녹색 블록을 주색으로 사용하고 보라색, 파란색, 빨간색, 노란색 및 기타 색상 점을 혼합하여 그림에 풍부한 색상 변화와 보색 대비가 있습니다. 부분, 전체가 조화를 이룬다.

인상주의 이후에는 인상주의와는 다른 또 다른 예술적 사상이 등장했는데, 이를 '포스트 인상주의'라고 불렀다. 후기인상주의는 인상주의의 '객관주의적' 표현과 외부의 빛과 색채에 대한 일방적인 추구에 만족하지 않고, 작가의 자기감정과 주관적 감정, 감정의 표현을 강조하였다. 예술적 표현에 있어서 『후기인상주의』는 형태, 색채, 부피의 구성적 관계를 매우 중시하며, 예술적 이미지는 실물의 대상과 달라야 하며, 작가의 주관적인 감정을 이용하여 객관적인 대상을 변형시켜야 한다는 점을 강조하며, '주관적 객관성'이 표현되어야 한다. 그들은 외부의 빛과 색채에 있어서 인상파의 업적을 존중하면서도 외부의 빛을 추구하지 않고 물질의 구체성과 안정성, 내부 구조를 표현하는데 중점을 두었다. 후기 인상파 그림은 현대 학교 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다.

세잔(1839-1906)은 포스트인상주의의 중요한 화가이자 현대 회화의 아버지이다. 세잔은 피사로에 의해 인상파 학교에 소개되었고 첫 번째 인상파 전시회에 참가했습니다. 그는 빛과 색채에 대한 인상주의적 분석을 고수하지 않고, 스쳐가는 자연현상을 포착하는데 힘쓰며 자신만의 예술적 방식과 스타일을 확립했다.

세잔은 오랜 관찰과 연습 끝에 자연물을 원기둥, 원뿔, 구 등의 기하학적 형태로 요약할 수 있음을 제안했습니다. 인간에게 자연은 평면이 아니라 깊이이다. 자연풍경의 형태와 구조, 그리고 색의 진행과의 관계에 주목해야 한다. 그는 "선은 존재하지 않고, 명암도 없고, 색의 대비만이 있을 뿐이며, 정확한 톤의 관계에서 사물의 양이 표현된다"고 믿는다. 그는 그림 속 공간감을 처리하기 위해 색상을 매우 능숙하게 다루며, 풍경이 멀거나 가깝거나 흐릿하거나 흐릿한 곳이 없이 동시에 매우 신선합니다. , 원거리와 근거리의 원근감과 공간감을 뚜렷하게 보여줍니다. 이 느낌은 그림 속 사물의 투시선과 구도가 아니라 사물의 색상과 색상 간의 관계로 표현됩니다. 색은 볼륨을 대체하고, 색 관계는 빛과 어둠의 관계를 대체합니다. 그는 색을 사용하여 모양을 만듭니다. 우리는 정확한 색상과 색상 간의 조화로운 관계를 찾는 것이 어렵다는 것을 알고 있으며, 세잔은 이러한 어려움을 성공적으로 극복했습니다.

세잔의 작품은 대부분 그 자신의 예술적 사고가 반영된 작품이다. 그의 정물화, 산수화, 인물화는 사물의 질감과 형태의 정확성을 무시하고 묵직하고 안정된 양감과 사물 간의 전체적인 관계를 강조하면서 기하학의 감각이 강하다. 세잔의 작품은 현실을 맹목적으로 모방하는 것이 아니라 다양한 관계의 조화를 추구한다.

세잔의 볼륨과 공간을 강조하는 것, 독창적인 색채 배치와 색채의 사용, 사물의 형태와 구조를 다루는 것, 변형 기법을 의식적으로 사용하는 것 등은 모두 형식미를 추구하는 예술적 방식이다. . 이는 후기 현대 학교에 매우 중요한 영향을 미쳤습니다. 그리하여 세잔은 말년에 현대 미술에 관심을 가진 많은 화가들로부터 칭송을 받았으며 그를 '현대 미술의 아버지'로 존경하였다.

세잔의 대표작으로는 '정물', '생빅투아르 산' 등이 있다.

반 고흐(1853-1890)는 후기 인상파 운동의 중요한 화가였습니다. 그는 네덜란드 출신이었습니다. 그의 가족은 어렸을 때 미술 등 다양한 직업에 종사했습니다. 딜러, 교사, 선교사 등 그는 거의 30세가 되었을 때 그림 그리기 경력을 시작했습니다.

풍부한 인생 경험을 갖고 있고 일하는 사람들에 대한 깊은 감정을 가지고 있기 때문에 그들의 평범하고 힘든 직장 생활을 예술 작품으로 표현하는데 관심이 많다.

초기 유화의 대부분은 시골풍경과 사람들의 노동생활을 사실적인 기법으로 표현하였으며, 색채 표현은 전통적인 어두운 색조가 주를 이루었다. 1886년 파리에 온 반 고흐는 인상주의 회화의 훌륭하고 따뜻한 빛과 색채의 효과에 매료되어 원래의 화법을 바꾸기 시작했고, 색채 표현과 다른 형태의 인상주의 회화에 큰 열정을 쏟았습니다. 실험에서. 이때부터 반 고흐의 유화는 더욱 밝고 불타오르는 색채와 스포티하고 연속적이며 파도처럼 빠르게 흐르는 붓놀림을 사용하여 더욱 밝아지기 시작했는데, 이는 그의 그림의 특징이다. 그는 자신이 묘사하는 사물을 자신의 열정적이고 흥미진진한 주관적 감정을 표현하는 매개체로 여기고, 자신의 독특한 예술적 기법을 표현하는 매개체로 자신의 주관적 감정과 열정을 표현하는 매개체로 여긴다. 그는 인상주의의 예술적 방법, 특히 사물의 색상과 형태 방법을 전통으로부터 더욱 독립된 지점까지 발전시켰습니다. 반 고흐의 예술은 생애 동안 세상에서 인정받지 못했지만, 이후 사람들은 점차 그의 예술적 창작을 이해하고 인정하게 되었습니다. 그의 작품은 친절함, 아름다움, 창조적 상상력의 자유에 대한 열망으로 가득 차 있으며, 특히 그는 오늘날까지 미술계에 살아 있는 '야수파'와 '표현주의' 화가들에게 인정을 받았습니다.

반 고흐의 대표작으로는 초기 작품 '감자 먹는 사람들', 후기 작품 '해바라기', '별이 빛나는 밤', '우체부' 등이 있다.

고갱(1848-1903)은 후기 인상주의의 중요한 화가였습니다. 그는 파리에서 태어나 젊은 시절 선원과 점원으로 일하다가 예술을 추구하기 위해 사업을 그만두고 대부분의 시간을 그림 창작에 바쳤습니다. 처음에 그는 인상파 화가 피사로의 지도를 받아 인상파 회화의 길로 나아갔습니다. 곧 그는 그림 스타일을 바꾸고 예술가의 주관적인 환상에 더욱 초점을 맞추고 장식적인 스타일을 만들기 시작했습니다. 그는 분주하고 다툼이 많은 도시생활에 지쳐 소박한 자연과 고독한 삶을 동경한다. 고갱은 부유한 삶을 포기하고 파리를 떠나 바다를 건너 적도 남쪽, 태평양 한가운데 있는 열대 섬인 타히티에 와서 자신의 독특한 예술적 스타일을 탐구하기 시작했습니다. 그의 인생은 여기서 끝났다. 그는 어린 시절 어머니로부터 받았던 원주민에 대한 깊은 감정을 여기에서 발견했다. 고갱은 개발되지 않은 열대 자연의 원초적인 아름다움과 문명의 소음에서 멀리 떨어진 원주민들의 소박하고 소박한 삶을 표현하는데 큰 열정을 쏟았습니다. 그는 고대 이집트 미술의 장엄하고 꾸준하며 평화롭고 풍부한 문양의 장식 스타일에 가까운 예술적 기법을 채택하고 단순하고 소박하며 굵은 선의 구조적 형태를 추구합니다. 색상에 있어서는 형식미에 대한 요구에서 출발하여 컬러 블록의 배치와 전체적인 효과에 주목하여 주관적인 창작으로 배열하고, 색상 간의 관계를 단순화하고, 보다 순수한 색상을 사용하여 조화를 추구한다. 또는 대비가 강해 장식적인 느낌을 줍니다. 고갱은 예술가가 객관적인 자연을 표현하는 것뿐만 아니라 생각 속의 신비한 마음을 탐구하고 주관적인 것을 표현해야 한다고 주장했습니다. 따라서 그는 세잔과 반 고흐처럼 현대 화가 집단에게 영감을 주었습니다.

미술 감상의 방향 : 서양 미술

예술을 향해 더 나아가

서양 미술사에 대한 연구를 통해 몇 가지 예술적 문제를 해결할 수 있습니다.

먼저 예술이란 무엇을 위한 것인가?

고대에는 예술의 본질에 대해 여러 가지 의견이 있었는데, 아리스토텔레스는 “예술은 자연의 모방이다”라고 말했는데, 이는 더 이상 완전히 사실이 아닙니다. 예술은 표현을 위해 자연의 재료를 사용하거나, 자연 현상을 상징으로, 자연 형태를 묘사의 대상으로 사용해야 하지만, 결코 자연을 맹목적으로 모방하는 것은 아닙니다.

어떤 사람들은 예술이 “구체적이고 객관적인 느낌의 대상을 창조하는 인간의 창조적 기술이다. 이 대상은 우리의 정신적 세계에 행복을 가져다줄 수 있고 오래 지속되는 가치를 지닌다”고 말한다. 객관적으로 말하자면.. 주관적인 관점에서 볼 때 예술은 예술가의 이상적인 감정, 즉 소위 자기 표현의 구체화이자 객관화입니다. 그러므로 예술의 목적은 실용성이 아니라 순수한 정신적 행복에 있는 것이다. 예술의 기원은 이성적인 지식의 구조가 아니라 민족정신의 창조나 천재의 타고난 충동에 있는 것이다. 그는 어디에서나 국적이나 개성을 표현합니다. 예술을 창조하는 능력은 자연에 뿌리를 두고 있기 때문에 이성적인 지식에 의해 지도되고 확장될 수 있지만, 학문에 의해서만 창조되거나 완성될 수는 없습니다. 예술의 원천은 지극히 강하고 깊으며 통제할 수 없는 감정이며, 이는 평범함을 뛰어넘는 상상력을 동반합니다. 인간 본성의 가장 깊은 곳에서 발생하는 이러한 감정은 상상을 믿을 수 없을 정도로 강렬하게 자극하고, 이 순간 발생하는 수많은 복잡한 감정과 감정의 연결 조직은 일반적인 이성으로는 요약할 수 없는 영역에 직관적으로 도달하도록 이끈다. 예술창작의 기초가 되었습니다.

다시 한번, 그것은 미학과 예술의 관계입니다

휴고는 "예술이 없으면 인간의 삶은 무색해질 것입니다"라고 말한 적이 있습니다. 실러는 한때 감정적으로 "아! 인간"이라고 외쳤습니다. “모든 사람은 예술에 매료되고 예술적 아름다움을 갈망합니다. 그렇기 때문에 예술적인 아름다움을 창조하려면 진정한 예술가가 필요합니다. 그리고 예술에는 현실의 삶과 예술가의 창작이 필요합니다. 이것이 없다면 어떻게 예술적 아름다움이 있을 수 있겠습니까? 예술에서의 예술적 아름다움은 예술 작품과 불가분의 관계에 있습니다. 예술 작품에서의 아름다움은 창작물에 대한 미적 이해에서 비롯된 아름다움의 법칙에 따라 창조된 사물의 아름다움입니다. 주제. 그러므로 예술작품의 예술미는 진선미의 통일성이기도 하다.

“우리가 이해하는 대로 삶을 볼 수 있는 것은 무엇이든 아름답습니다. 삶을 보여주거나 삶을 상기시키는 것은 모두 아름답습니다." "사물은 그 사물의 개념을 충분히 표현할 수 있으면 아름답다"고 말한다면, 즉 "비범하고 비교할 수 없는 것은 무엇이든 아름답다"는 말입니다. 이 말은 분명히 부정확합니다. 어떤 것이 아름답다고 불리기 전에 탁월해야 한다는 것은 절대적으로 사실입니다. 예를 들어, 숲은 아름다울 수도 있지만 키가 크고 키가 크고 울창한 나무가 있는 "좋은" 숲이어야 합니다. 아름답다고는 할 수 없습니다. 그러나 평범하지 않은 것이 모두 아름다운 것은 아닙니다. 늪이 그 종류에 속할수록 미학적 관점에서 볼 때 더 추악합니다. 비록 '아름다움'이 예술과 완전히 동일하지는 않지만, 예술은 반드시 '아름다움'이어야 합니다. 중국과 외국 미학의 역사와 대중의 미학적 실천은 이데올로기로서의 예술이 미학의 유일한 대상은 아니지만 하나의 대상임을 보여줍니다. 미학의 중요한 대상에는 여러 가지 범주가 있습니다. 그러나 예술과 삶의 관계, 창작동기와 예술적 효과, 미적 대상과 미적 대상의 관계에 있어서는 서로 일치하는 동일한 본질을 갖고 있다.

예술과 과학의 문제도 있는데, 예술과 과학의 관계는 오래됐지만 젊은 주제다. 여기서 가장 설득력 있는 것은 서양의 르네상스다. 고대 중국 "고대 그리스에서 '예술'의 의미 또는 '예술'의 개념은 예술과 과학 기술의 긴밀한 관계를 깊이 반영합니다. 고대 그리스인들은 전문적인 지식을 바탕으로 배울 수 있는 기술을 '예술'이라고 불렀고, 음악, 조각, 회화, 시 등도 예술이라고 불렀습니다. 예술과 과학기술의 일체화라는 이 '예술' 개념은 유럽 르네상스 시대에 정점에 달했고, 르네상스 시대의 과학, 문화, 예술의 발전은 인류 문명사에서 가장 영광스러운 시기이기도 했다. 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 뒤러 등은 예술가일 뿐만 아니라 과학자, 기술자이기도 했으며, 뛰어난 예술 작품을 창조하고 과학 발전과 기술 발명에도 큰 업적을 남겼습니다. 예술과 과학은 인류 문화의 두 날개이며, 사람들은 그 둘 사이의 관계를 탐구해 왔습니다. 아인슈타인은 “진짜 과학과 진짜 음악에는 동일한 사고 과정이 필요하다”고 말했다. 예술과 과학의 관계는 한때 매우 가까웠으며, 산업혁명 전후에 그 분리가 일어났다. 이는 과학기술의 발전과 심화와 관련이 있다. 다양한 직업적 행동의 출현은 밀접한 관련이 있습니다. 그러나 이 둘의 유기적인 결합은 예술과 과학의 발전에 큰 이로움을 준다. 르네상스의 과학적, 문화적 성취는 예술과 과학의 상호 통합과 발전을 가장 잘 구현한 것이라고 볼 수 있다. ,

위의 세 가지 점은 물론 이 과정을 통해 얻은 생각이자 얻은 것입니다. 그러나 중요한 것은 이론적 지식을 사용하여 답변할 수 있다는 것입니다. 몇 가지 실제 문제를 해결합니다.

요컨대 서양 미술사를 공부하면서 지식이 넓어졌고 더 많은 것을 배웠습니다