발레에 관한 일기를 써주세요

세계발레의 발전 개요 연회발레

발레는 15, 16세기 르네상스 전성기에 이탈리아에서 등장하여 예술가들이 발레의 예술적 양식을 모방하려고 노력하였다. 고대 그리스. 최초의 발레 공연은 1489년 이탈리아의 한 작은 마을에서 밀라노 공작과 스페인 아라곤 공주 이다벨의 결혼식을 축하하기 위해 공연되었습니다. 당시의 공연 형식은 오늘날 우리가 보는 발레 공연과 전혀 달랐는데, 각 공연은 대략 음식을 제공하는 것과 관련이 있었습니다. 강이 나타나 물고기를 먹기 시작했습니다. 이어 수많은 신화 속 인물들이 무대에 올라 다양한 요리와 과일을 선보였고, 마침내 손님들이 모두 참여해 신나는 카니발 공연을 펼쳤습니다. 이는 노래, 춤, 낭송, 연극이 결합된 공연 형식으로 후대에서는 이를 '연회 발레'라고 불렀다.

궁정 발레

이탈리아 귀족과 프랑스 궁정의 결혼으로 인해 1581년 헨리 3세 여왕의 여동생 마가렛의 공연을 통해 이탈리아의 "발레" 공연이 프랑스로 전해졌습니다. 특별 결혼 축하 행사에서는 '여왕의 코미디 발레'가 공연되었습니다. 무대는 없었고 관객들은 벽이 세 개 달린 2층짜리 갤러리에 앉았다. 왕과 고관들은 제단에 앉았고, 공연은 홀 바닥에서 이루어졌습니다. 안무가이자 연출가인 보로예는 프랑스에 고용된 이탈리아인이었다. 내용은 서큐버스 실세가 어떻게 아폴로를 정복했지만 프랑스 왕 폐하가 항복했는지 보여줍니다. 공연은 연극, 음악, 춤, 낭송, 곡예가 혼합되어 있습니다. 루이 14세 시대(1643-1715) 동안 프랑스 발레는 전성기에 이르렀습니다. 루이 14세 자신도 춤을 좋아했고 훈련도 잘 받았습니다. 15세 때 궁정발레 '카산드라' 공연에 참여해 아폴로 신 역을 맡았다.

멜로드라마적 발레

18세기 유럽의 계몽주의는 프랑스 발레의 발전에 깊은 영향을 미쳤습니다. 발레를 귀족적 오락을 위한 장식으로 취급하는 것에 반대하는 것에는 발레가 현실을 드라마처럼 표현하길 원하고 발레가 사회적 내용과 교육적 의미를 가져야 한다고 주장하는 것이 발레를 플롯하는 시대의 배경이다. " 태어났다. 노웰은 유럽 발레 혁신의 주류를 대표하며 계몽주의의 민주적 정신을 구현하고 있습니다. 그는 "댄스 앤 댄스 드라마에 관한 편지"에서 발레에 대한 혁신적인 아이디어를 제시했습니다. 노웰의 학생인 장 도베르발(Jean Doberval)이 창작한 댄스 드라마 "주의 없음"(No Use of Caution)은 오늘날에도 여전히 공연되고 있으며 주요 현대 발레단의 레퍼토리가 되었습니다.

낭만발레

낭만발레는 발레 발전 역사상 '황금기'이다. 춤 실력과 안무, 공연 형태 면에서 화려한 무대를 경험했다. '라 실피드', '지젤', '에스메랄다', '해적' 등 댄스 드라마의 등장으로 페로, 부르농빌, 타고니, 엘슬러 웨이트 등 수많은 발레 재능이 탄생했다. 이 시기 발레의 특징은 다음과 같이 요약된다.

1. 내용과 주제의 변화. 다른 세상의 요정과 유령이 신화, 전설, 고대 영웅담의 등장인물을 대체했습니다. 현실에 대한 불만과 실망의 정서, 이 세계를 초월한 또 다른 세계에 대한 관심의 추구, 현실에 대한 실망을 없애기 위한 죽음, 삶에 대한 욕망을 대체하려는 비현실적인 추구를 반영한다. 대표작으로는 『라 실피드』(1832)와 『지젤』(1841)이 있다. <지젤>은 프랑스 스타일을 하나로 모아 낭만주의 발레의 정점에 이르렀다. 이후 낭만주의와 현실주의가 결합하는 현상이 점차 나타나기 시작했다.

2. 댄스 실력과 퍼포먼스가 눈에 띄게 발전했다. 토댄스 실력은 여성 댄서의 퍼포먼스에 중요한 요소가 되었고, 남자 댄스 실력도 더욱 향상됐다.

3. 공연 형태에서는 가스등 조명과 대형 커튼을 사용하고, 발레 의상과 신발을 개량해 시적이고 경쾌한 스타일을 연출했다.

낭만발레의 황금기는 1830년대부터 1940년대까지 10여년 만에 침체되고 쇠퇴했다. 19세기 후반부터 유럽발레의 중심은 점차 러시아로 옮겨갔다.

러시안 발레

사회가 발전하면서 발레는 점차 궁정연예무용에서 줄거리가 있는 발레로 변해 극장에 진출해 사회생활 내용을 담은 무용극을 공연했다.

19세기 낭만주의는 발레 예술에도 지대한 영향을 미쳤다. 발레는 내용에서 형식으로 근본적인 변화를 겪었습니다. 민속 신화와 전설, 요정, 꽃의 신, 엘프, 유령을 반영하는 이야기는 발레 창작의 주요 주제가되었습니다. 여배우들이 주인공이 되었고, 의상은 짧은 스커트로 바뀌었고, 포인테 댄스는 발레의 필수 요소가 되었습니다. 포인테 위에 서는 이 기술은 무용수의 몸을 위로 들어올리는 동작으로 가벼운 자세를 표현하고 추구와 욕망의 감정을 표현하는데 적합하다.

19세기 말에는 차이콥스키가 작곡한 불후의 명작 '백조의 호수', '잠자는 숲속의 미녀', '호두까기 인형' 등의 발레가 러시아를 비롯한 여러 나라에서 연달아 공연되며 중심이 됐다. 세계 발레 예술의 중심, 파리에서 페테르스부르크까지. 특히 차이코프스키의 음악은 댄스 드라마 음악에 풍부한 이미지 내용과 드라마틱한 역동성, 교향적 전개를 선사한다. 이 작품은 발레의 고전 작품일 뿐만 아니라 세계 음악계에서도 불멸의 작품입니다.

19세기 후반 유럽의 낭만발레는 쇠퇴했고, 역사적으로 발레를 부흥시키려는 사명은 러시아의 어깨에 맡겨졌다. 1940년대부터 외국 무용수들이 러시아를 자주 방문했다. Taglioni 아버지와 딸인 Perrault, Saint-Leon 등의 공연과 안무 활동, 특히 Bournonville 학생 Johnson(상트페테르부르크)과 Brass(모스크바)의 교육 활동은 러시아 무용에 경의를 표했습니다. 프랑스와 이탈리아의 두 주요 댄스 학교의 본질을 세계적으로 발전시키고 점차적으로 새로운 사고 학교인 러시아 댄스 학교를 형성했습니다. Matipa와 Ivanov는 레퍼토리 구성에 결정적인 역할을했습니다. 19세기 말에는 차이콥스키가 작곡한 <백조의 호수>, <잠자는 숲속의 미녀>, <호두까기 인형> 등의 발레가 러시아를 비롯한 여러 나라에서 연이어 공연되었다. 세계 발레 예술의 중심지는 파리에서 상트페테르부르크로 옮겨갔다. 특히 차이코프스키의 음악은 댄스 드라마 음악에 풍부한 이미지 내용과 드라마틱한 역동성, 교향적 전개를 선사한다. 이 작품은 발레의 고전 작품일 뿐만 아니라 세계 음악계에서도 불멸의 작품입니다. 이는 댄스 드라마 음악의 혁신을 실현하여 음악을 댄스 드라마의 이미지 형성과 사건 설명의 기초로 삼고 댄스 드라마 감독의 심포닉 댄스 아이디어에 영감을 주고 풍부하게 했습니다. <백조의 호수> 2막은 무용시의 정점에 이르며 교향악의 한 예로 평가된다. 이후 글라주노프가 작곡한 <레이문다>(1898)와 <사계>(1900)가 있다. 이 작품들은 낭만주의 발레의 전통을 계승했을 뿐만 아니라 러시아 사실주의의 전통도 반영하고 있다.

20세기 초 러시아 발레는 이미 세계 발레계에서 독보적인 위치를 차지하고 있었고, 자신만의 레퍼토리와 공연 스타일, 교육 시스템을 갖추고 있었고, 수많은 안무가와 공연 재능을 갖고 있었다. 등장했다. 이후 러시아 발레계의 젊은이들은 새로운 공연 방식과 발전 경로에 대한 혁신과 탐구를 요구해왔습니다. Gorski와 Fokine은 그들의 리더입니다. Fokine의 혁신적인 아이디어는 Imperial Theatre에서 실현될 수 없었으며 그의 주요 작품은 Diaghilev Ballet을 위해 해외에서 리허설 및 상연되었습니다. 디아길레프는 1909년부터 3년 연속 러시아 공연 시즌을 조직했고, 1913년 몬테카를로에 본부를 둔 상설 극단인 '디아길레프 러시아 발레단'을 설립해 유럽과 미국을 순회하며 고전과 발레에 큰 영향을 미쳤다. 러시아에 보존되어 있던 전통 레퍼토리가 유럽으로 다시 보내지면서 유럽 발레의 부활이 촉진되었습니다. 그룹이 해체된 후 멤버들은 유럽과 미국 여러 나라로 분산되었으며, 리파르는 프랑스에, 드 발루아는 영국에, 발란신과 포킨은 미국에 있었으며, 그들은 다양한 분야에서 발레의 부흥이나 창작에 중요한 공헌을 했다. 국가.

현대 발레

1929년 말, 리파는 파리 오페라 발레단의 상임 안무가이자 수석 무용수가 되어 1958년 떠날 때까지 실제로 개혁을 단행했다. , 발레 공연 전에 무대 뒤로 가서 무용수들과 이야기를 나눌 수 있는 고객의 100년 된 권리를 폐지했습니다. 매주 개회식도 열립니다. 1932년 Giselle의 부활에서 Lifar는 뛰어난 재능을 지닌 Albert 역을 맡았습니다. 프랑스의 대표적인 안무가인 로랑 프티(Laurent Petit)가 1965년 자라의 음악을 바탕으로 <노틀담의 꼽추>를 안무해 눈부신 성공을 거두었다. 1970년 모리스 베이야드가 각본과 감독을 맡은 <불새>는 가장 독특한 작품이다. 파리오페라발레단의 레퍼토리에는 '지젤', '코펠리아', '실비아' 등도 있다.

영국 발레는 주로 세 명의 위대한 여성의 생애 업적에 기인합니다. 수년간 왕립극장에서 프리마 발레리나로 활동한 아델리나 주네 부인, 니나 드 발루아 부인의 불멸의 작품은 왕립발레단입니다. Lady Mary Lambert는 그녀의 이름을 딴 발레단의 창립자입니다. 페스티벌 발레와 스코틀랜드 발레도 있습니다.

미국에는 국립발레단이 없었다. 발란신은 1933년 링컨 코스틴을 만나 아메리칸 댄스 스쿨의 주최로 초청받았다. 1948년에는 발란신이 예술감독이자 수석안무가로, 예술고문 제롬 로빈스가 부교수로 참여하면서 뉴욕시티발레단으로 변신했다. 전형적인 미국 댄스 스타일이 형성되었습니다. 또 다른 중요한 발레단은 1940년에 활동을 시작한 아메리칸 발레 극장(American Ballet Theatre)입니다. 감독을 역임한 이들 중에는 포드 킹, 맥신, 앤서니 튜더 등이 있다. 최초의 흑인 클래식 발레단인 조프리 발레(Joffrey Ballet), 아서 미첼(Arthur Mitchell)의 할렘 댄스 극장(Dance Theatre of Harlem)도 있었습니다.

덴마크 왕립발레단은 덴마크 민족 전통을 훌륭하게 계승한 발레단으로, 100년 전 부르농빌이 창작한 댄스극이 지금도 코펜하겐에서 순수한 스타일로 공연되고 있다. (실제로는 올드 프렌치 스타일) 덴마크 발레는 늘 전통의식이 강했어요. 1932년 Harald Randall은 1952년까지 왕립 극장의 발레 감독으로 임명되었습니다. 그가 프랑스와 영국을 위해 편곡한 "Etude"는 발레 기술의 눈부신 전시였습니다.

20세기 초 러시아의 영향력 있는 감독으로는 고르스키, 푸니, 포킨 등이 있다. 안나 파블로바(Anna Pavlova)는 1905년 "백조의 죽음"으로 포킨의 개념을 이상적으로 구현했습니다.

러시아에서는 10월 혁명 이후 고르스키가 연극의 표현성을 고집해 무용수들이 원래 궁정에서 제작됐던 스타니슬랍스키 방식의 캐릭터로 살아갈 수 있도록 했다. "붉은 양귀비"는 1927년 모스크바에서 공연되었습니다. 이 작품은 러시아 최초의 영웅적인 현대 무용극으로 고전 발레의 승리를 알리고 고전 발레가 따라야 할 원칙을 제시했습니다.

세묘노바(Semyonova)와 울라노바(Ulanova)가 데뷔했다. 새롭게 창작된 댄스 드라마는 극적 구조에 초점을 맞추고 안무가의 어휘력을 풍부하게 하기 위해 포크 댄스를 더 많이 활용했다. 러시아 발레가 부흥을 시작했습니다.

1581년 프랑스에서 '여왕의 코미디 발레'가 공연된 이후 400년이 넘는 세월 동안 발레는 전 세계로 퍼져 인류 문화유산의 중요한 부분으로 인식되고 있다. 5개 대륙에서 많은 공연을 펼치는 세계적인 예술계에서는 자체 전문 발레 학교와 발레 공연 단체를 설립했습니다. 오늘날 발레 예술은 번영하고 있으며, 클래식 발레, 현대 발레, 드라마 발레, 교향곡 발레 등 다양한 유파가 경쟁을 벌이고 있으며 많은 국가에서 점차 자신만의 스타일을 형성하고 있습니다. 발레의 예술적 표현에 있어 새로운 탐구와 창작이 끊임없이 나타나고 있다.

발레의 상징은 발가락으로 서 있는 발레리나이다. 관객들에게 있어서 발끝으로 춤추는 것은 편안하고 즐거운 일이다. 여배우의 발에 신은 핑크색 발레슈즈는 너무나 우아하고 우아해 이것이 고귀한 예술임을 일깨워준다. 하지만 실제로 발가락으로 춤을 추는 것은 매우 어렵습니다.

발레 예술에 전념하고 그 신비를 발견하는 사람들은 자신의 비밀을 대중에게 공개하려고 하지 않습니다. 발레화의 비밀이 밝혀지면 발레의 신비도 사라질 것 같다.

발레화가 감당할 수 있는 엄청난 하중은 축구화에 버금가는데, 핵심은 발가락이다. 발가락은 부드러울뿐만 아니라 상당한 안전 요소도 가지고 있습니다. 점프하다 신발 발가락이 부러지더라도 그녀는 장애가 되지 않을 것이라고 장담한다.

러시아 유명 기업 '그리슈코'가 제작한 발레 슈즈는 아프리카부터 멕시코까지 30여 개국에서 인기를 끌고 있다.

발레슈즈의 발가락 부분은 새틴과 같은 코르셋 원단으로 꿰매어져 있습니다. Grishko의 전문가들은 발레 슈즈에 가장 적합한 색상은 많은 국가에서 흔히 사용되는 분홍색 대신 청중을 자극하지 않고 여배우 자신을 달래주는 복숭아 피부색이라고 결론지었습니다.

발레 슈즈의 가장 큰 비결은 배우가 발가락으로 춤을 출 수 있게 해주는 '신발 상자'다. "신발 상자"는 신발의 발가락 부분에 숨겨져 있습니다. "신발 상자"는 실제로 발가락과 발등 부분을 덮는 단단한 소매입니다. "신발 상자"는 목재, 플라스틱, 코르크 등의 재료를 사용하지 않고, 가장 흔히 사용되는 베옷이나 기타 직물을 6겹으로 구성합니다. "Grishko"라는 회사는 발가락을 너무 단단하지도, 너무 부드럽지도, 부러지기 쉽지도 않게 만드는 접착제에 대한 전문 기술을 보유하고 있습니다.

신발의 발가락 부분을 손으로 꿰맨 후 '신발 상자' 안쪽이 바깥쪽을 향하도록 신발의 나머지 부분과 함께 바느질합니다. 그 후, 제화공은 발가락을 뒤로 돌리고 작은 망치로 "신발 상자"를 매끄럽게 만듭니다. 울퉁불퉁한 부분이 없으면 단단한 곳에 신발을 똑바로 세워서 균형을 유지할 수 있는지 확인하세요. 마지막으로 댄스 슈즈를 섭씨 50도에서 건조시킨 후 실온에 보관하세요. 발레 슈즈가 준비되었습니다!

발레 슈즈의 수명은 안타깝게도 2~3회 정도로 짧습니다. '그리슈코' 댄스슈즈의 기록은 볼쇼이극장 솔리스트 나데즈다 그라초가 키트리와 협업해 발레 '돈키호트'에서 9번 춤을 췄다는 것이다.

다양한 발 높이에 적응하기 위해 발레 슈즈는 '바가노바', '엘리타', '푸에르티에' 3가지 종류가 있다. 각 모델은 17가지 크기로 구분됩니다. 또한, 사이즈별로 뚱뚱하고 마른 상황이 5가지 있습니다. 두께, 크기, 무게가 다른 255종의 신발 중에서 여배우라면 누구나 자신에게 어울리는 이상적인 신발을 선택할 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 신발이 발에 잘 맞도록 하기 위해 여배우마다 자신만의 비법이 있습니다. 일부는 망치를 사용하여 신발을 치고, 일부는 문을 사용하여 신발을 쥐고, 일부는 다양한 물건을 사용하여 "신발 상자"를 완충시킵니다. " "...

러시아 발레리나 스타 예카테리나 막시모바야는 선택의 여지가 충분하지 않은 시대에 댄스슈즈에 적합한 발을 완성하기 위해 하루 종일 시간을 보내야 했다고 인정했습니다.

한 가지 언급되지 않은 점은 댄스 슈즈에 달린 작은 리본을 여배우 각자가 직접 꿰맨다는 점이다. 무대로 가는 길은 열려있습니다!

남자배우들은 일명 푹신한 신발을 신는데, 외부인들이 보기엔 평범한 천신발처럼 보일 정도다. 제작 과정은 확실히 여배우의 과정과 비교할 수는 없지만 그 자체의 정교함도 있습니다. 부드러운 신발에는 풀 솔과 스플릿 솔의 두 가지 유형이 있습니다. 밑창은 앞부분과 뒤꿈치의 두 부분으로 구성됩니다. 배우의 발이 안에서 편안하고 자유로운 느낌을 주는 신발의 앞부분이다. 발레를 감상하는 방법 발레를 감상하는 방식에는 일반적으로 두 가지가 있습니다. 하나는 전통적이고 다른 하나는 현대적이다. 일반적으로 감상 방법은 감상 대상과 통일되어야 한다고 주장한다. 즉, '초기', '낭만주의', '고전주의'라는 세 가지 전통 시기의 발레, 뮤지컬 발레, 순수 발레를 감상하기 위해 세심한 전통적 사고를 활용해야 한다고 주장한다. ".

전통적인 감상 방식은 관객이 30분 정도 전에 극장에 도착해야 일상의 사소한 일과 고민을 모두 극장 문 밖이나 지상의 공간에 맡길 수 있다. 휴대품 보관소에 가서 진정하고, 길 위의 군중, 시장의 소음, 직장의 논쟁, 그리고 사소한 문제와는 아무런 관련이 없는 매우 특별한 미학적 분야인 극장에 온 마음을 다하십시오. 가족과 함께 <실피드>, <지젤>, <코펠리아> 같은 인공 원더랜드와 <잠자는 숲속의 미녀>, <호두까기 인형>, <백조의 호수> 같은 꿈의 세계로 들어가 소란스러운 일상을 탈출하세요. 몇 시간 동안 도시와 정신적 압박을 받았습니다.

다음으로 프로그램 목록을 꼼꼼히 살펴보고, 줄거리 개요, 관련 코멘트, 무용단의 간략한 역사, 안무가와 무용수 소개 등을 꼼꼼히 읽어보고, 널리 알려진 발레 스타를 찾고, 다른 발레 스타를 상상해 볼 수도 있습니다. 중독성 있는 음악 명작, 고급스럽고 화려한 의상과 웅장한 풍경을 기대해 보세요...

현대적인 감상 방식은 관객에게 어떤 가혹한 요구도 하지 않고, 관객에게 행복한 철학을 선사하며, 왜냐하면 현대 생활의 리듬은 관객, 특히 전문 관객이 극장에 30분 전에 도착하는 것을 허용하지 않기 때문입니다. 이해하기 위해 가지고 있는 다양한 합리적 지식을 사용하려면 삶의 다채로운 지각 경험을 사용하여 참여하십시오.

이러한 감상 방식은 프로그램 목록에 있는 것들이 단순히 안무가들이 설정한 함정이거나, 댄스 드라마 감독이나 발레 안무가의 불일치를 만회하기 위해 팔린 만병통치약이라고 생각하여 시청하거나 볼 수 있다. 아니, 보지 않는 것이 더 좋습니다! 줄거리가 어떻게 "작성"되었는지는 중요하지 않습니다. 성공이나 실패는 그가 무대에서 어떻게 "춤추는지"에 달려 있습니다. 결국 발레는 주로 춤을 기반으로 하고 드라마로 보완된다. 그렇지 않으면 발레의 주연배우들이 파 드 되를 추고 난 뒤, 심지어는 변주곡을 추고 난 뒤에도 관객에게 경의를 표하는 일이 빈번하다는 것은 설명할 수 없을 것이다. 춤보다 드라마가 더 중요하다면, 이런 행동이 '드라마'가 아니겠는가? 어떻게 서구 관객과 평론가들이 한 세기 동안 이를 참을 수 있겠는가?

이러한 감상 방식은 연예인을 존경할 수 있다고 생각하지만, 감탄할 정도로 연예인을 숭배할 필요는 없습니다. 연예인 숭배 문화는 정말 너무 고전적이에요! 가장 중요한 것은 비평가들의 의견을 따르기보다는 자신만의 미적 기준을 따르고, 군중을 따르기보다는 자신의 눈과 마음 속에서 스타를 찾는 것입니다.