서양 미술 이론의 간략한 역사-제 6 장 19 세기 미술 이론

소개 키워드, 현대화, 현대주의, 학원파, 살롱, 인상주의, 상징주의, 낭만주의, 터너. 제 1 절, 학원파의 위기. < P > 현대주의가 그 본질을 연구하는 것은 사회 정치와 경제 변화에 대한 반응이자 매우 비판적인 혁신 활동이다. 앙겔은 다윗에 이어 신고전주의 대표 화가였지만 예술 현대화의 과정의 서막을 열었다. 드라클로바를 핵심으로 한 프랑스 낭만주의는 학원파와 고전주의 투쟁을 반대하며 성장하고 있으며, 예술적 환상과 열정, 감정과 개성의 표현, 색채와 색채의 대비를 강조한다. 쿠르베의 관점에서 볼 때, 현실주의는 생활의 진실을 창작의 최고 원칙으로 묘사하는데, 진정한 예술가는 모두 자신이 처한 시대에 속하며 그 특징을 정확하게 포착한 사람들이다. 마네는 전통에 대한 이유 속에서 그에 대한 더욱 깊은 조롱을 실현했다.

하나, 앙겔

는 자연으로부터 배운다. 앙겔은 진실과 자연에 대한 의존으로 다윗의 훈계를 무너뜨리고 현실주의의 탄생을 위해 잠재적인 요소를 키웠다. 자연으로부터 배우는 첫째와 필요성을 강조할 뿐만 아니라 진정한 예술가도 자연 앞에서도 상당한 독립성과 판단성을 가져야 한다고 생각한다. < P > 예술의 아름다움은 전형화된 수집에서 비롯되며, 예술의 진가는 전형화에 진정한 표현력과 예술가의 사상을 부여하는 통찰력에서 비롯된다. 그래야 작품이 자연에서 유래하고 자연보다 높을 수 있다.

전통에서 배우다. 영감을 얻는 것도 필수적이다.

스케치와 색상. 스케치 학파. < P > 둘째, 드라크로바 < P > 그림 주제의 출처. 고대 그리스와 로마의 서클에서 그림 주제를 찾는 것은 가장 어리석은 일입니다. 현명한 방법은 책의 세계를 돌아다니며 영감을 얻은 다음 상상의 승천과 영감의 인도를 통해 그림을 그리는 것입니다.

상상력. 그는 그림을 문학적인 주제로 만들고 낭만주의를 상상력의 운동으로 만들었다. 그는 그림 속의 정신적 가치를 부각시켜 그림 자체에 대한 관심을 줄였다. 그는 예술작품을 구성하는 현실을 성적 요소가 모두 상징적인 가치체계로 분류해 거의 열광적인 태도로 상상력을 중시하고 있다. 상상력은 사실상 일종의 정신이다. 그림에 주목하고, 그림에 형식화된 예술가의 자연과 인생에 대한 탐구, 결국 철학 체계의 사색에 귀속되는 물화이다. (알버트 아인슈타인, 생각명언) 사상을 캔버스에 굳힌 회화 표현만이 가장 가치 있는 것이다. 순수한 형식화 요소는 눈에 띄는 것 이상이다. (알버트 아인슈타인, 생각명언)

스케치와 색상. 상상력은 항상 그 색채의 도움으로 완성된다. 드라크로바가 스케치에서 본능과 충동을 따른다면, 색채에서 그것은 엄밀한 과학을 따른다. (조지 버나드 쇼, 자기관리명언)

셋, 쿠르베

살아있는 예술. 고전주의의 허위성과 낭만주의의 환상성과의 대립에서 현실주의자들은 예술의 진실성을 강조하며 예술의 원래 모습과 자질을 반영해야 하며, 그림이 눈으로 직접 보는 것만 표현할 수 있다고 주장한다. 진정한 예술가는 모두 자신이 처한 시대와 그 특징을 정확하게 포착한 사람들이다.

볼륨 및 색상. 색채를 서로 어우러지게 하는 그의 두꺼운 기술 자체는 이미 현대의 새로운 감정 방식에 접근하여 예술의 새로운 시대가 도래함을 예고하고 있다.

개성, 예술에 대한 자유의 의미. 그는 그림을 그릴 때 사상의 자유를 얻기 위해 노력한다. 그는 회화 평가에 있어서 유일한 심판관이 예술가 자신이라고 생각한다. 예술가는 그림을 그릴 때 예술을 위한 예술의 신조를 고려하지 않는다. 그는 단지 그림을 그리는 사람, 사상을 보여주기 위해 그림을 그리는 사람이다. < P > 넷째, 마나이 < P > 는 전통에 대한 전복이다. 그는 공인된 형식을 제재와 함께 전통과 결별하였다. 그는 나만 따르고 전통에 입각하고 전통에 반하는 진정한 의미의 혁신가이다.

자연에 대한 비판. 자연이 없으면 나는 그릴 수 없다, 나는 꾸며내지 않을 것이다. 자연에서 얻고 자연을 기초로 심화하여 결국 자연의 배후의 예술적 비밀과 자연의 본질을 드러낸다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 자연명언) < P > 2 절 인상주의 < P > 1, 모네, 인상파의 아버지 < P > 는 외광표현 및 색채혁명이 예술에서 가장 완벽한 구현자이다.

빛에 대한 연구. 빛의 교감, 안개가 자욱한 화면이 더욱 대담하고, 더욱 돌파력이 있다. 눈앞의 대상을 잊다. 그들은 단지 색덩어리일 뿐이다.

진짜 환각. 모네의 그림에는 두 가지 의도가 나타나 있는데, 시각의 진실성에 대해 사물의 내면미의 장식성을 추구한다. 색블록과 획은 다시 한 번 자신의 논리를 가지고 있어 개인화된 기술 표현력을 암시한다. 회화에서 자연은 연구된 물체이자 그 물체 자체에 대한 일종의 이탈이다.

주관적이고 객관적인 정체성의 전환. 인상주의 화가의 천부적인 재능은 그들의 주관적이고 객관적인 신분증의 끊임없는 전환에 기반을 두고 있다. 그는 완전히 객관적인 사물에 대한 재현이 아니라 주관적이고 객관적인 긴장관계의 산물이다. 원시적이고, 순수하고, 진실한 "무의식적인 것" 입니다. 자연계에는 사실 어떤 색깔도 존재하지 않는다. 모든 것이 빛의 산물이다. < P > 둘째, 세잔-현대화의 아버지 < P > 실천이 이론보다 앞서다. 나는 내가 이론적으로 나의 탐구 성과를 지킬 수 있다고 생각하는 그날까지 소리 없이 일하기로 결정했다. (윌리엄 셰익스피어, 템페스트, 과학명언)

그림과 자연의 관계. 그의 그림의 발판은 이론이 아니라 자연이다. 그는 인상파 화가처럼 자연의 순간적인 빛의 변화를 포착하는 것을 주장하지 않고, 자연의 구조를 표현하고, 자연에 대한 주관적인 분석과 개괄을 해야 한다. 원뿔, 구 및 기둥으로 오브젝트를 처리합니다. 그는 전통회화에서 초점 투시가 완성한 공간감을 거짓된 공간으로 간주하고 대신 색채 그 자체로 깊이감을 표현하자고 주장했다. 공간감을 동시에 표현하는 외광도 더 이상 존재하지 않으며, 화면 속의 빛도 색채의 교감에 의해 실현되어야 한다. < P > 3 절, 상징주의 < P > 1, 포터라일, 상징주의의 영혼 인물.

상징주의 이론. < P > 상징주의는 현실주의, 특히 좌라의 자연주의에 반대하기 위해 생겨났는데, 원래는 파리에서 기원한 문학 운동일 뿐이다. 나중에 다른 나라와 다른 예술 분야에 스며들었다. < P > 상징주의는 꿈을 표현하는 것이다. 그들은 객관적인 세계를 부인하지 않고, 다만 객관적인 세계 외에 또 하나의 정신세계가 존재한다고 생각한다. 그리고이 영적 세계도 인간 생존에 필요합니다.

예술의 근대성에 대하여 그는 예술이 근대성을 가지고 있고 절대 영원한 아름다움은 존재하지 않는다고 생각한다. 더 적절하게도, 절대 영원한 아름다움은 단지 다른 아름다움의 일반적인 표정에서 추출한 추상적인 관념일 뿐이다. (존 F. 케네디, 아름다움명언) 그 훌륭한 초상화들이 지금까지 전해 내려온 것은 그들이 당시의 의상으로 자신을 치장했기 때문이다. 그들의 자세, 눈빛, 미소도 그 시대에 속하기 때문에 화면 전체가 완벽하게 조화를 이룬다. < P > 둘째, 폴 고갱 < P > 종합주의 이론. 베나 종합주의 예술 이론의 기본 사상은 상상이 사물의 기본 형태를 유지하고 있으며, 이 기본 형식은 감성적인 이미지의 단순화라는 것이다. 기억은 의미 있는 것만 유지할 수 있고, 어떤 의미에서 상징주의적인 것이다. 고갱은 인상파가 눈꺼풀 아래 있는 것을 그린 것이지 마음 깊은 곳의 신비로운 것이 아니라고 말했다. 너무 많은 사생을 하지 마라, 예술은 일종의 추상이다. 우리는 불완전한 상상력을 가지고 마음의 배를 항해할 뿐, 무한한 시간과 공간은 더욱 궁리할 수 있다. (조지 버나드 쇼, 시간명언) 나무는 가능한 한 녹색, 그림자, 가능한 한 파란색이며, 사실적으로 제한되어서는 안 된다.

원시 예술을 논하다. 나는 문명의 영향에서 벗어나고 싶다. 나는 단지 매우 소박한 예술에 종사하고 싶다. < P > 셋 반 고흐 < P > 그림은 영혼과 감정을 표현했다. 반 고흐는 학원파, 그림의 인체와 비율은 흠잡을 데 없이 죽었으며, 그림의 가장 중요한 것은 영혼을 표현하는 것이라고 생각한다. 화가는 자신이 감동한 것을 그려야 한다.

그림은 진실을 표현해야 한다. 그러나 반 고흐가 말한 진실은 좌라가 제창한 자연주의의 방법이 아니다. 그는 모양과 색채를 이용하여 그가 그린 것에 대한 그의 진실한 느낌을 표현했다. 이것이 바로 그의 목적에 적합하여, 그는 사물의 모습을 과장하여 변형시켰다. < P > 4, 오리에 < P > 는 예술이 두 가지 주요 대립 추세, 사실주의와 아이디어주의라고 생각한다. 사실주의의 목적은 외모와 사물의 감각 외모를 드러내는 것이다. 사상주의는 더 순수하고 우월해 보이는데, 가장 높은 예술은 생각일 뿐이다. 생각을 특별한 언어로 바꾸어 표현하다.

관념예술은 참되고 절대적인 예술이다.

그는 상징주의 미학관을 5 시로 요약했다. < P > 그것은 의식적이다. 왜냐하면 그것의 유일한 이상은 사상과 개념을 표현하는 것이기 때문이다. < P > 그것은 다양한 형식과 표시로 사상을 표현하기 때문에 상징적이다. < P > 일반적으로 이해할 수 있는 기술로 이러한 형태와 표시를 표시하므로 종합적입니다. < P > 그것은 주관적이다. 묘사된 것은 객체로 볼 수 없고 주관적으로 보는 일종의 사상이 존재하기 때문이다. < P > 그것은 장식이다. 엄밀히 말하면 이집트인, 그리스인, 원시인들이 구상한 장식화와 같다. 주관적이고, 종합적이고, 상징적이며, 이데올로기의 예술적 표현일 뿐이다. < P > 제 4 절 로스킨미학 < P > 1, 로스킨' 현대화가' < P > 영국 예술평론가.

그림은 진실을 표현해야 한다. 좋은 예술은 거의 모방하지 않는다. 첫째, 사실에 대한 관찰, 둘째, 사실을 말하는 방식으로 사람의 디자인과 위신을 표현한다. 예술은 이 두 가지 통일 속에만 존재할 수 있다.

예술 모델화에 반대하다. 인상파는 자연의 빛의 변화를 표현해야 한다. 로킨스의 인상은 종합적인 지식에 기반을 두고 있고, 자연이성에 대한 사색은 예술가가 예술작품을 통해 자연의 신비를 밝혀야 한다. 이 과정은 또한 과학적 논증의 과정과 같다. < P > 로킨스 심미철학의 갈등, 한편으로는 아름다움과 현실을 감별하고 과학적 관찰 결과에 따라 역사와 자연의 추진력을 드러낸다. 반면에 아름다움은 순수한 개념, 인간의 영혼에 대한 하느님의 반사의 표현으로 정의된다. 그는 예술이 경제와 정치의 산물이자 정신과 환경의 산물이다. < P > 둘째, 윌리엄 모리스 < P > 로킨스의 견해도 영국의 디자인에 영향을 미쳤다. 윌리엄 모리스는 로킨스의 예술관, 즉 작품을 즐거움에서 비롯해 아름다움과 기능을 융합할 수 있는 능력을 가장 가지고 있다. 모리스는 로킨스의 견해를 인정하고 산업혁명으로 인한 기계화 생산과 당시 예술에서 유행했던 예술을 위한 예술 경향에 반대했다. < P > 모리스는 예술의 범위가 그림과 조각에 국한되지 않는 것으로 보이며, 그 주요 부분은 실용예술이어야 하며, 상업 분야에서 로킨스의 수공예에 대한 관점을 실천하려고 노력해야 한다.

예술과 산업. 로킨스는 공업이 없는 생활은 죄악이고 예술이 없는 공업은 야만적이라고 생각한다. 모리스는 예술성이 부족한 기계화 생산이 부족한 대량 제품에 대해 몹시 혐오했다. 그는 공업이 디자이너와 제작자의 분리를 야기하는 것을 보았는데, 이런 단절은 디자이너의 기능에 맞는 설계안을 방해하고, 노동자들이 생산 과정에서 창조적으로 발휘하는 것을 방해한다.

예술의 즐거움과 아름다움. 모리스는 공업경제가 사람들의 생활을 점점 인간성을 잃게 하고, 예술 실천의 최고 경지는 책임감이 아니라 즐거움이라고 생각한다. 완벽한 예술은 즐거움을 주는 예술이다. 창작 활동은 도덕에 도움이 되지 않더라도 그 자체도 좋고 즐거움도 생길 수 있다.

예술과 사회 제도. 모리스는 예술이 공업과 자본주의 제도를 파괴하는 격렬한 사회 변화를 가져올 것이라고 생각한다. 새로운 시대는 개인의 가치와 존엄성 위에 세워질 것이다. 이 시대의 모든 노동자들은 모두 예술가이다. < P > 셋째, 휘슬러 < P > 는 예술을 위한 예술을 명백히 찬성하며 미학운동의 지도자이다. 그는 예술의 목표가 도덕의 향상과 무관하며, 심미력이야말로 사람들의 생활에서 유일하게 진지하게 대하는 것이라고 생각한다. 예술가의 임무는 진리가 아니라 아름다움을 탐구하는 것이다.

예술과 자연. 그가 보기에 화가는 피아니스트에게 피아노와 같다. 그는 악기에서 연주하여 그것을 사용하기 위해 다른 목적과 다른 스타일의 작품을 만들었다. 예술가의 임무는 자연을 모방하는 것이 아니라 자연을 전달하는 것이다.

는 음악에 소속되어 있습니다. 그는 그림의 표현력과 음악의 표현력을 결합했다. 음악 용어를 그림의 제목으로 삼다. 4, 월터 페트 < P > 가 예술을 위해 예술한 영국 미학 운동 이론가 대표 인물. < P > 그는 예술이 사상을 표현해야 한다고 생각했지만, 만물이 개성에 미치는 영향이라고 생각했고, 이런 개성을 가진 사람만이 다양한 느낌을 성공적으로 표현하는 예술가가 될 수 있었다.

그는 예술의 의미와 목표가 그 자체라고 생각한다. 예술은 미의 표현 방식과 방법이다.

섹션 v, 다양 화에 대한 토론. < P > 1, 부크하트, 문화역사학자들은 유럽 예술사와 휴머니즘을 연구한다. < P >' 이탈리아 르네상스 문화' 는 부크하트 역사학자의 지위를 확립했다. 그의 기준을 통해 르네상스의 이탈리아는 베리클리의 아테네와 견줄 만한 시기를 형성했으며, 모든 서구 문명에서 주요한 창조적 힘이었다. 그는 르네상스에서 일어난 독특한 정치 환경을 처음으로 요약했고, 걸출한 이탈리아는 풍속 습관, 교육, 예술에서 모두 자신의 문화혁명을 보여줄 수 있게 되었다. 그는 르네상스의 유일성을 강조했다. 그것은 고대의 부흥이 아니라 이탈리아의 천재들이 연합하여 서방 세계를 정복한 것이다. < P >' 역사의 묵상' 은 부크하트와 이런 관점의 관계를 가장 잘 설명하는데, 사회의 진정한 가치는 그들의 예술의 질로 측정해야 한다. 그는 예술이 인류 정신의 가장 걸출하고 가장 심오하고 예측할 수 없는 창조물이라고 단언했다. 그는 예술 생산이 사회 발전에서 균형 잡힌 이유를 생각했지만 위대한 교육의 역할을 배제했다. 그는 대학 전문화는 주로 과장한 중요하지 않은 것을 제창하는 것이며, 교육은 천재에게 아무런 소용이 없다고 생각한다. 르네상스 시대와 비교했을 때 현대인들은 신앙의 부족으로 위대한 예술을 생산하거나 감상할 수 없다.

둘째, 데나

가 예술에 영향을 미치는 요소. 예술철학' 은 인종, 환경, 시대의 세 가지 요인이 모든 물질문명과 정신문명의 성격 면모에 영향을 미치며 예술작품의 출현도 이에 달려 있다. 위대한 예술 작품을 생산하는 데는 두 가지 조건이 있습니다. 첫째, 자발적이고 독특한 감정은 매우 강해야 하며, 거리낌 없이 표현할 수 있고, 비판도 두려워하지 않고, 지도도 받을 필요가 없습니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 예술명언) 둘째, 주변에 동정이 있어야 하고, 비슷한 사상이 항상 당신을 돕고, 당신의 마음 속에 있는 막연한 관념이 양분을 얻고, 격려를 받고, 부화하고, 번식할 수 있도록 격려해야 합니다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 자기관리명언) 예술가와 예술은 사회 풍속, 법률, 인종적 특징에 대한 의존도가 마치 농작물이 기후, 토양, 날씨에 의존해야 하는 것과 같다.

예술과 모방. 예술은 모방이지 복제가 아니다. 그 본질과 주요 특징을 표현하기 위해 핵심 지위를 차지하는 감정 표현을 더욱 또렷하고 선명하게 하기 위해서다. 그는 예술가 개인에 대한 이해에도 기계주의의 특징을 보여 다른 동물처럼 창조되었다고 생각한다. < P > 하지만 예술작품이 고립되어 있지 않다는 점을 제대로 감안하면 예술작품을 이해하려면 그가 속한 환경에 배치해야 한다. 이 환경에는 통일 예술가의 다른 작품, 예술가가 속한 학원과 그룹이 포함된다. 예술가의 예술적 재미가 형성하는 환경 등. 그는 환경의 역할을 과장하고 예술가의 능동성을 무시했다. < P > 셋, 좌라 < P > 자연주의 문학 창작 이론 대표는 공덕의 실증주의 철학, 베르나의 실험의학의 영향을 받았다. 그는 실험성 소설이 버나드 사상을 의학에서 문학으로 옮기는 것이라고 주장했다. 베르나르