발레의 기원

발레 예술은 이탈리아에서 태어나 17 세기 후반 프랑스 루이 14 궁정에서 태어났다. 18 세기는 프랑스에서 점점 완벽해지고 있으며, 19 세기 후반 러시아에서 가장 호황기에 이르렀다. 최근 400 년간의 장기 역사 발전 과정에서 발레는 세계 각국에 큰 영향을 미치고 널리 퍼졌다. 지금까지 세계 각국이 모두 열심히 발전하고 있는 예술 형식이 되었다.

발레의 역사는 유럽 온주르네상스 전성기의 이탈리아 궁정과 프랑스 남부 버겐디의 궁정으로 거슬러 올라간다. 결혼식을 축하하거나, 외국 원수를 접대하거나, 다른 대형 축하 행사를 열 때마다 이런 춤을 선보이며 축원을 표현하거나 재미를 더한다. 발레 발전사에서 비교적 완벽한 발레극' 여왕 코미디 발레' 가 158 1 년 상연됐다. 로레인의 마가렛 양이 반실 공작과 결혼했을 때, 이 발레극의 악보는 여전히 보존되어 있어 가장 오래된 발레 댄스곡으로 간주 될 수 있습니다.

발레는 루이 14 시대 (1643- 17 15) 에 최고조에 달했다. 루이 14 세 본인은 발레 공연을 좋아하는 걸출한 무용가이다. 16 1 년, 루이 14 세는 역사상 최초의 무용학교인 프랑스 왕립무용학원을 설립하여 무용을 전문적으로 가르쳤다. 이 학교는 현재 파리 오페라 하우스에 속한다. 1700 여기서 손발의 다섯 위치와 지금까지의 아름다운 발레 자세를 고정시켰다. 왕실 무용의 거장인 포상, 캄베포드, 룰리의 대대적인 제창 아래 프랑스 발레의 문화적 음악적 중요성이 크게 높아졌다. 그래서 발레는 많은 새로운 궁정 무용의 원천이 되었습니다. 가비트, 파스피드, 보리, 리고덴 등. 이 춤들 중에서 가장 중요한 것은 작은 발걸음이다. 1653 년 이루는 프랑스 궁정의 발레 행사에 참가하여 절정에 이르렀다. 그는 모리애와 함께 희극 발레를 만들었는데, 이것은 연극과 발레의 혼합이다. 1760 이 출간한' Le Bourgeois Gentilhomme' 은 이런 무용극의 가장 유명한 대표작이다. 루리는 발레를 그의 오페라에 적용했고, 그의 후임자 캠프라와 라모가 뒤를 이었다. 특히 모라의 작품은 멕시코, 건강, 중국을 융합해 더욱 재미있다. 이것은 당연히 그의 성격과 배경과 관련이 있다. 영국은' 가면' 이라는 특수 발레를 만들었다. 17 세기 후반에 비엔나는 발레 공연의 중심이 되었다. 그러나 당시 유럽 발레는 전통과 혁신, 엄밀함과 서정, 순무와 제목춤, 발레와 현대춤에 대한 논란 속에 있었다. 20 세기의 오늘날, 이러한 생각들은 어느 정도 그 결과를 가지고 있으며, 때로는 끊임없이 논쟁을 당하기도 한다.

1789 부터' 투옥된 딸' 등 조기 (전 낭만주의 시대라고도 함) 발레 명작이 등장했다. 19 세기 발레 역사의 황금시대-낭만발레가 파리에 나타나 선녀 (1832), 지젤 (184) 이 나타났다 잠자는 미인' (1890),' 호두까기 인형' (1892),' 백조호' (65438+) 를 포함해 20 세기까지 이 개념이 탄생했다 발란친 (1904- 1983) 이 이끄는' 순발레' (즉, 비발레의 발레 작품, 일명' 신고전 발레') 는 연극 발레가 천하를 통일하는 국면을 끝냈다. 전 소련의 키로프 발레단과 모스크바 대극장 발레단, 미국의 뉴욕시 발레단과 미국 발레극장, 영국의 로열 발레단, 프랑스의 파리 오페라하우스 발레단, 덴마크 로열 발레단 등 세계적으로 인정받고 있는 7 개 클래식 발레단이 있다. 당대 발레는 유례없는 보급과 번영을 보였다. 대표 인물과 단체에는 체코의 지미 키리안 (1947-), 그의 네덜란드 무용극장, 미국의 윌리엄? 포세이트 (1949-) 와 그의 프랑크푸르트 발레단.

발레 분류

1, 음악 발레

주요 목적은 삼생의' 죽어가는 백조' 와 같은 무용수의 기예를 전시하는 것이다.

2. 드라마 발레

이름에서 알 수 있듯이 줄거리가 있는 발레 춤이다.

3. 낭만주의

이른바' 화이트 발레' 라고 불리는데, 여성 무용수는 화이트 벨 모양의 망사 치마를 입는 것으로 유명하다. 아담의 지젤처럼요.

4. 고전주의

여자 무용수는 화려한 치마를 입고 남자 무용수와 독특한 클래식 댄스 형식으로 춤을 춘다. 예를 들면 차이코프스키의' 백조 호수' 와 같다.

5. 모더니즘

스타빈스키의' 불새' 처럼요.

6. 오페라와 발레

발레는 오페라' 윌리엄 티레' 의 발레와 같은 오페라에 산재 해있다.

댄스 슈즈

여성 발레리나의 무용수의 발가락은 굳어서 발을 다치지 않고 발가락으로 춤을 출 수 있다.

바디랭귀지

모든 발레는 이 다섯 가지 자세 중 하나로 시작하고 끝난다. 이 자세들은 18 세기에 만들어졌으며 균형을 이루고 발을 아름답게 보이게 하는 데 사용되었습니다.

전통적인 고전 발레 기교는 개업, 스트레칭, 곧은 미학을 기초로 한 것이다. 아라베스크, 자세, 이카터 등 다섯 발의 기본 자세와 세 가지 기본 춤을 포함한다. 다리 기술: 다리 스트레칭 및 개방, rond de jambo (다리 링) 등 다양한 "박쥐"; 다양한 폭과 춤을 추다. 다양한 회전 다리 치는 기교 다양한 춤 동작과 연결 동작 여자 발가락 춤 기술; 듀엣 지원, 리프팅 및 기타 기술; 그리고' 브라스 항' 등등. 고전 발레의 이러한 기본 동작 (요소) 은 글자처럼 각기 다른 캐릭터의 성격, 신분, 감정, 그리고 줄거리 발전에서의 지위와 역할을 쓰기 위해 편성되었다. 이 요소들은 특정 구조수법에 따라 배열돼 비주얼 댄스 어휘를 형성하여 줄거리를 표현하고 다양한 예술적 매력의 댄스 이미지를 만들어 낸다.

발의 다섯 가지 기본 위치:

1 위: 두 발꿈치가 직선에 가깝고 발끝이 바깥쪽으로 180 도입니다.

2 위: 발꿈치가 1 피트 떨어져 있고, 발이 바깥쪽으로 비틀어지고, 발이 일직선이 됩니다.

3 위: 두 발 뒤꿈치를 앞뒤로 놓고 발끝을 바깥쪽으로 펼칩니다.

4 위: 두 발 앞뒤 1 피트 거리 유지, 발끝과 발꿈치는 두 직선에 유지하고 두 다리는 바깥쪽으로 뒤집는다.

5 위: 두 발이 앞뒤로 겹치고 발끝이 닿고 다리가 바깥쪽으로 뒤집힙니다.

손의 기본 위치:

1. 와카노바 학교 (러시아 학교)

1 위: 양손이 앞배 앞에 자연스러운 원을 형성한다.

2 위: 양손을 옆으로 내밀고 시선에서 손바닥을 안쪽으로 뻗는다.

3 위: 손을 머리 위로 들어 시선을 맞춘다

차그디 학교 (이탈리아 학교)

1 위: 양손을 자연원으로 늘어뜨리고 손가락이 허벅지 옆에 닿는 위치.

2 위: 손을 한쪽에 놓다.

3 위: 한 손은 몸 앞에서 안쪽으로, 다른 한 손은 옆으로 뻗는다.

4 위: 한 손을 몸 앞의 횡격막과 같은 높이로 유지하고 동시에 머리 위를 들어 올립니다.

클래식 발레 스커트

치마의 길이는 무릎을 넘지 않고 짧지만 소매에는 민소매, 긴팔, 등롱소매 등이 있습니다.

1, 순백색 클래식 발레 원피스

백조의 호수에 있는 백조처럼요

2, 완전 블랙 또는 선홍색

전자는 백조의 호수에 있는 검은 백조와 같다.

3, 등롱 슬리브 조끼

예를 들어,' 코벨라' 제 2 막 히바 니다가 연기한 인형 코벨라.

4, 조끼와 긴 소매, 밝은 구슬 자수로 장식.

5. 상하색이 다른 발레 스커트

로맨틱 발레 스커트

그 치마는 발목 근처, 종형, 민소매, 등롱소매의 색깔은 흰색, 연한 색, 연보라색 등이다.

1, 랜턴 슬리브 로맨틱 발레

예를 들어, "4 인무" "장미정"

2. 요괴를 연기할 때 팔이나 어깨에 거즈를 덧대어' 지젤' 제 2 막과' 선녀' 무용극과 같이

3. 촌고모 무용복

조끼는 등롱소매로 장식되고 복부는 귀여운 패턴으로 장식되어 있다. 예를 들면' 지젤' 1 막,' 코벨라' 1 막, 발레극' 로맨틱한 딸' 과 같다.

성격; 작용

고전 발레는 그 특정한 구조와 형식을 가지고 있다. 예술감독, 연출, 무용수, 조명음향, 의류, 세트, 전문극장 직원들의 긴밀한 협조를 통해서만 관객들에게 완벽하게 드러날 수 있다.

만약 우리가 발레 무대의 스타일에 대한 기본적인 이해를 할 수 있다면, 우리는 발레 공연을 볼 때 큰 즐거움과 노래를 얻을 것이다. 발레 공연은 주로 다음 세 가지 캐릭터로 구성되어 있다.

1, 주인공: 주인공은 이야기의 핵심 인물이다. 무용수는 일정 수준 이상의 기교와 체력이 필요하며, 가장 중요한 것은 뛰어난 춤 소양과 성격을 가져야 극 중 캐릭터를 해석할 수 있다는 것이다. 고전 발레 이중주는 전체 무용극의 중점으로 대부분 남녀 주인공이 연기한다. 고전 발레 이중주의 구조 순서는 남녀 주인공 완판, 남자 주인공 독창, 여주인공 독창, 마지막에는 종곡 쾌판 (막말) 이다. 주인공의 예술적 소양과 기교 수준은 듀엣에서 드러날 것이다.

2. 솔로 댄서: 주인공 기교를 가지고 1 인 또는 3 ~ 4 명이 연기할 수 있는 사람.

3. 군댄서: 군무용수의 춤 동작은 간단하지만 복잡한 화면 변화로 전체 분위기가 더욱 중요하다. 모든 무용수들이 중요하다. 한 사람이 서로 맞지 않는 한, 대국은 영향을 받을 것이다.

댄스 용어

1. 무용이미지: 무용예술로 만든 인물의 역동적인 이미지로 음악, 무대미술, 메이크업, 의상 등 예술적 요소를 통해 인체의 자세, 조형, 걸음걸이로 인한 감상가치가 있는 시각 효과. 그것은 가시성과 유동성의 심미적 특징을 가지고 있으며, 무용 감상 과정에서 인식과 인지의 주요 대상이며, 무용 예술의 심미적 가치를 반영하는 주체이다.

둘째, 춤 표현 형식: 실생활에서 사람들의 심리활동과 표현 형식의 습관적 특징에 따라 정제와 예술가공을 거쳐 다른 춤 형식으로 요약해 희로애락 등 내면의 감정 변화를 보여준다. 동작과 조화를 이루는 얼굴 표정 외에도 리드미컬한 동작, 자세, 제스처, 형체도 예술의 춤 표정을 만들어 낼 수 있다.

셋째, 춤 동작: 무용 예술의 기본 표현 수단. 인간의 감정 동작과 자연계의 각종 동적 사물에 대한 모방에서 기원한다. 주요 내용은 다음과 같습니다.

1, 단일 동작, 즉 인체의 한 부위를 주동적이고, 다른 부위는 정지 또는 따르기;

2. 복합동작이란 인체의 각 부분이 동시에 일정한 순서, 규격에 따라 진행되는 동작을 말한다.

3. 액션 조합. 일반적으로 댄스 기술 훈련을 주요 목적으로 두 개 이상의 단일 동작이나 복합 동작이 일정한 순서, 방향, 속도, 진폭으로 구성된 활주, 굴신, 발차기, 점프, 회전 등의 연속 동작을 말합니다.

넷째, 민간 무용: 일반적으로 민간에서 생겨나 유포되고, 민간문화에 제약을 받고, 즉흥적으로 창작하지만, 스타일은 비교적 안정적이며, 스스로 즐겁게 즐기는 것을 주요 기능으로 하는 일종의 춤 형태를 가리킨다. 지역, 국가, 민족의 민간 무용은 생활환경, 풍습, 생활방식, 민족적 성격, 문화전통, 종교신앙 등의 요인에 의해 영향을 받아 연기자 나이, 성별 등 생리조건에 의해 제한되며 공연 기교와 스타일에 뚜렷한 차이가 있다. 민간 무용은 소박하고, 형식이 다양하며, 내용이 풍부하고, 이미지가 생동감 있는 등의 특징을 가지고 있다. 각국의 고전 무용, 궁정무, 전문 무용 창업에 없어서는 안 될 소재원이었다.

동사 (verb 의 약자) 사교춤: 일명 사교춤은 유럽 르네상스 이후 궁중 무용과 근대 각종 사교장소에서 유행하는 춤을 가리킨다. 사용 된 이름과 춤, 기본 춤, 형성, 스타일 및 댄스 공연 순서는 대부분 이탈리아, 영국, 프랑스, 독일, 스페인 및 기타 국가의 민속 무용의 특성을 따릅니다.

브롱트, 작은 스텝 댄스, 가비트, 보로네즈, 렌들러르, 폴카, 마주카, 갈루파, 왈츠가 유럽 궁정에서 유행하고 있다.

프랑스 대혁명 이후 궁중 무도회의 형식은 이미 사교적 필요를 훨씬 충족시키지 못했고, 유럽 대륙에는 대중무도장이 등장해 궁중 무도회를 대신해 사교 활동의 주요 장소가 되고 있다.

스텝은 배우기 쉽고, 형식이 자유롭고, 즉흥적으로 발휘하기 쉬우며, 감정을 누설하기 쉽다. 공공무도장에서 인기가 많아 사교댄스는 곧 서민층의 문화생활에 녹아들었다.

발레: 프랑스어 음역. 특히 특정 동작 규범, 기교, 심미 요구 사항을 가진 유럽 고전 형태. 또는 인체의 동작, 손짓으로 연극 내용을 표현하고, 극의 발전을 촉진하며, 일정한 감정, 의경, 심리 상태, 행동을 표현하는 무용 표현 형식을 가리킨다. 전자는 때때로' 무용극' 으로 번역된다. 발레는 고대 라틴어 발로에서 유래한 것으로, 공공장소에서 어떤 스타일의 춤을 추는 것을 뜻하며 극장 공연의 뜻은 없다. 발레는 무대예술의 한 형태로서 르네상스 시대 이탈리아 궁정의 성대한 연회와 오락 활동에 최초로 등장했다. 나중에 피렌체 공주 메디치의 캐서린은 이 춤 형식을 프랑스 궁정으로 데려갔다. 158 1 년 프랑스 궁정 공연의 첫 발레극' 여왕의 코미디 발레' 가 유럽에서 큰 반향을 불러일으켰고, 세계 각국의 궁정은 발레를 궁정 오락의 본보기로 삼았다. 16 1 년 프랑스 왕 루이 14 세는 파리에 왕립무용학원을 설립했다. 발레가 극장에 들어간 후' 코미디 발레' 와' 노래 발레' 두 단계를 거쳤다. 18 세기 중엽에' 줄거리춤' 과 관련 이론이 완벽해지면서 발레는 연극과 오페라에 붙어 막간에만 춤을 추는 지위를 완전히 바꿔 심각한 사회적 의미를 지닌 극장 예술 형식으로 발전하여 춤과 음악으로 줄거리의 발전을 촉진시켰다. 19 세기 초반은 발레 발전사의 또 다른 황금시대로 내용과 주제, 기교, 공연, 공연 형식에 큰 돌파구가 있었다. 발끝 춤 기교가 점차 여배우의 주요 연기 수단이 되어 체계적인 과학 훈련 방법을 축적했다. 낭만주의 문화사조의 영향으로 유럽 각국의 발레 발전은 민족정신과 기질의 표현에 더욱 신경을 써서 이탈리아파, 프랑스파, 러시아파, 덴마크파 등 다양한 스타일의 발레 유파를 형성했다. 20 세기 이래로 러시아는 이탈리아와 프랑스를 대신하여 전통 발레 발전의 중심지가 되었다. 유럽과 미국의 무대에서 각기 다른 풍격과 유파가 분분한 현대 발레가 점차 왕성한 기세를 보이며 발레 예술의 발전에 새로운 활력을 불어넣었다.

일곱째, 드라마 댄스: 발레 용어. 본의는 구조가 비교적 안정적이며 줄거리 발전과 직접적인 연관이 있는 무용을 말한다. 낭만주의 시절 시트콤의 기본 구조는' 출전', 완판 이중주, 남녀 독무, 마지막 전체 배우들이 참가한 군무였다. 레이몬다',' 백조의 호수',' 잠자는 미인',' 하녀' 의 대형 듀엣,' 에스멜라다' 의 춤 장면은 모두 전형적인 줄거리 춤이다. 20 세기 이래, 줄거리춤은 오락춤과 반대되는 개념으로 인물의 심리적 감정 변화를 표현하고 극의 발전을 촉진하는 모든 춤을 가리킨다.

8. 무용극: (춤-연극) 춤을 주요 표현 수단으로 음악, 미술, 연극, 문학 등 예술 형식을 결합하여 특정 연극 내용, 의경, 인물, 감정, 심리 상태와 행동, 그리고 극의 발전을 촉진하는 무대 공연 예술을 표현한다. 무용극은 줄거리 필요나 시대, 인물 스타일이 다르기 때문에 클래식, 민간춤, 개성춤, 현대무용, 궁궐춤, 또는 볼춤을 선택하거나 종합할 수 있다. 편성된 독무, 2 인전, 삼중주, 군무, 2 인전, 삼중주, 군무 등 다양한 댄스 스타일로 구성되어 있다 중국 무용극은 역사가 유구하여 노예 사회의 궁중 악무에서 기원했다. 유럽 발레와 발레 사이에는 명확한 정의가 없다.

9. 군무: (군무) 댄스 스타일 중 하나. 일반적으로 민간 무용' 군무' 에서 유래한 무대 공연 형식, 즉 3 명 이상, 인원수가 다른 멀티 댄스를 가리킨다. 군무의 화면과 구도는 변화무쌍하여 연기자의 동작이 단정하고, 풍격이 통일되고, 호흡이 잘 맞아야 하므로 풍부한 예술적 표현력을 지녔다. (1) 내용과 주제가 독립적이고 줄거리가 완전한 무용작품. 중국의 춤' 달팽이를 만지다',' 초원의 여민병',' 포도틀 아래',' 러시아의' 자작나무', 한국의 춤' 봄이 되면',' 사과를 따는 때',' 미국의 현대무용' 이미지' 는 모두 집단춤의 성공작이다 (2) 대형 무용작품에서는 그림과 구도의 필요성 때문에, 또는 주요 인물을 강조하기 위해 연극 효과를 높이기 위해 군무에 독창, 두 사람, 세 사람의 단락 (예:' 선녀',' 백조호' 등 발레 장면의 독창, 두 사람) 을 삽입하는 경우가 많다. (3) 무용극과 대형 무용에서 전체적인 분위기를 띄우기 위해 편성된 군무, 중국 무용극' 붉은 낭자군' 의' 여용사 춤' 과' 모자 춤', 러시아 발레극' 백조호' 의 백조춤.

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