오페라 성악

오페라의 보컬 부분에는 솔로, 듀엣, 합창이 포함됩니다. 가사는 극중 캐릭터의 대사입니다(스타일에 따라 노래할 수도 있음). 연극 개막 시 서곡이나 전주곡, 초기 오페라에도 때때로 헌정 프롤로그(성악 포함)가 있었습니다. 각 장면에서 기악은 노래의 반주 역할뿐만 아니라 연결 역할도 합니다. 막간은 막간을 연결하는 데 자주 사용되며 각 막에는 고유한 전주곡이 있습니다. 연극 진행 중에 춤을 삽입할 수도 있습니다. 오페라의 음악적 구조는 비교적 독립적인 음악들이 연결되어 구성될 수도 있고, 지속적으로 발전하는 통일된 구조일 수도 있다.

오페라에서 중요한 보컬 스타일로는 레시타티브, 아리아, 아리아, 레시타티브, 듀엣, 합창 등이 있으며, 장르에는 진지한 오페라, 코믹 오페라, 그랜드 오페라, 오페레타, 오페레타, 뮤지컬 코미디, 실내악 등이 있습니다. 오페라, 사운드트랙 드라마 등 듀엣은 등장인물의 구체적인 감정과 극적 구성에 따라 여러 인물이 동시에 노래하는 것을 말하는데, 두 사람이 동시에 노래하는 것을 듀엣이라고 합니다. 하나의 작품으로 트리오, 4중주, 5중주가 될 수 있고, Rossini의 "The Barber of Sevinia"에는 6중주가 있고, 심지어 Mozart의 "The Marriage of Figaro"에는 7중주가 있습니다. 때로는 그룹으로 3~5명이 모여 각자의 의견을 갖고, 어떤 사람은 피가로에 공감하고, 어떤 사람은 백작에 공감하고, 어떤 사람은 농담을 비웃기도 한다. 작곡가의 뛰어난 기술은 다양한 극을 구성하는 그의 능력에 반영된다. 조화로운 사운드와 표현력이 풍부한 악절이 우리 오페라와는 많이 다릅니다.

또 다른 형태는 미사 장면에서의 합창으로, 줄거리의 요구에 따라 남성, 여성, 혼성, 어린이 등이 될 수 있다.

오페라에는 스토리가 있고, 노래에는 가사가 있고, 음악과 드라마의 발전은 뗄래야 뗄 수 없는 관계다. 그러므로 중국에 서양 오페라를 소개할 때 번역을 사용하는 것이 더 나을까요, 아니면 원문을 노래하여 '원래의 풍미'를 유지하는 것이 더 나을까요? 항상 두 가지 의견이 있었는데, 각각은 나름의 장점이 있었습니다. 중화인민공화국 건국 이후 경극 일꾼들은 서양 오페라를 도입할 때 번역에 많은 노력을 기울였다. 여기서 중요한 문제가 있는데, 그것은 문학적 언어를 잘 번역할 뿐만 아니라, 정할 때에도 마찬가지이다. 음악의 법칙에 맞아야만 청중이 편안함을 느끼고 받아들여질 수 있습니다. 이것은 과학적이고 매우 힘든 일입니다. 음악적 성취도가 높은 번역가, 즉 번역가와 음악가의 협력이 필요합니다. 좋은. 내 개인적인 견해는 관객이 연극을 보기 위해 극장에 오기 때문에 사람들이 그것을 이해해야 한다는 것이다. 중국에서 서양 오페라를 소개할 때, 사람들이 언제든지 줄거리의 드라마와 오페라 음악을 더 쉽게 이해할 수 있도록, 그리고 노래와 연기가 모두 있는 공연을 즐길 수 있도록 중국어로 번역하는 것이 가장 좋습니다. 중국 관객들은 우리 연주자들이 서양 오페라의 매력을 이해해주기를 진심으로 바랍니다. 최근에는 중국어 자막이 붙은 원곡을 활용해 노래하는 것이 사회적 유행이지만, 원곡을 부르는 우리 배우들의 수준을 보여줄 수도 있고, 외국 에이전트들의 호응을 얻어 해외 공연에 초청될 수도 있지만, 내가 아는 한, 관객들에게 서양 오페라의 수용은 더 멀고, 관객들은 그것을 잊어버리고, 어차피 우리가 그것을 이해하는 것을 원하지 않는다고 생각할 것이고, 원어 수준은 말할 것도 없다. 일부 배우의 비중은 사실 아무도 이해할 수 없으며 이는 중국에서 서양 오페라의 확산을 촉진하는 데 도움이 되지 않습니다.

드라마의 한 형태. 이는 음악에 맞춰진 극적인 텍스트(가사)로 구성되며 일반적으로 노래할 때 음악 반주가 함께 제공됩니다. 초기부터 오페라 공연에는 솔리스트, 듀엣, 합창단, 오케스트라 단원 외에도 무용수가 포함되는 경우가 많았습니다. 이 복잡하고 값비싼 형태의 뮤지컬 극장 엔터테인먼트는 5세기 동안 관객들에게 인기를 끌었습니다. 다른 극 형식과의 분명한 차이점은 대사가 말로 표현되지 않고 노래로 표현된다는 점이다. 동반되는 소리.

고대에도 시와 연극, 음악을 결합한 작품이 있었다. 고대 그리스 극작가 아이스킬로스(Aeschylus), 소포클레스(Sophocles), 에우리피데스(Euripides)는 이미 자신들의 연극에서 합창을 사용했습니다. 기적극, 기적극 등 성경을 바탕으로 한 중세 종교극에도 일반적으로 일종의 음악 반주가 있었습니다. 이러한 뮤지컬 극장과 다른 형태의 뮤지컬은 오페라의 선구자로 간주될 수 있습니다. 오페라는 16세기 말 이탈리아 피렌체에서 탄생했다. 첫 번째 오페라는 르네상스 시대의 목가 시인 오타비오 리누치니(Ottavio Rinuccini)와 작곡가 야코포 페리(Jacopo Peri)가 공동 집필한 "다프네(Dafne)"였으며, 현존하는 최초의 오페라 대본은 "다프네(Dafne)" 에우리디체(Euridice)이기도 합니다. 그러나 이 두 오페라의 아버지의 작품은 장르와 구조 모두에서 탐구적인 것이었다. 그로부터 약 10년 뒤 클라우디오 몬테베르디의 오페라 명작 '오르페오의 라 파볼라'가 나왔다. 그 중 악기 반주는 극적인 요소가 되었으며, 당시 오페라의 주제는 대부분 그리스와 로마 신화, 전설, 허구적인 역사 이야기였습니다.

세계 최초의 오페라 하우스인 산 카시아노 극장(Teatro di San Cassiano)은 1637년 베니스에서 개장하여 일반 관객에게도 공개되었으며, 이로써 오페라가 왕실과 귀족에 의해 독점되던 시대가 끝나고 오페라의 발전이 크게 촉진되었습니다. 몬테베르디의 학생인 프란체스코 카발리는 이 시대의 가장 유명한 오페라 작곡가였습니다. 그는 1639년부터 1669년까지 베니스 오페라 하우스를 위해 약 40편의 오페라를 작곡했는데, 그 중 가장 유명한 것은 "야손"(Giasone)입니다. 카바리와 동시에 활동했던 이탈리아 오페라 작가 피에트로 안토니오 체스티(Pietro Antonio Cesti)도 많은 오페라를 썼는데, 그 중 가장 유명한 것은 "황금 사과(Il pomo d'oro)"입니다. 17세기 중반 이후 베네치아 오페라 장르는 쇠퇴하기 시작했지만, 종종 "코믹 오페라의 아버지"라고 불리는 발다사레 갈루피(Baldassare Galuppi)와 같은 몇몇 재능 있는 작곡가들이 이 시기에도 여전히 등장했습니다.

로마 등 다른 이탈리아 도시들은 곧 그들만의 현지 스타일의 오페라를 발전시켰습니다. 로마 오페라는 베네치아 오페라와 달리 무대의 웅장함을 크게 강조하지 않고, 오히려 기악 서곡과 서곡 형식의 막간 악장에 중점을 두고 극 전체의 비극적 분위기를 밝게 해주는 흥미로운 막간극을 선호한다. . 로마에는 또한 최초의 완전한 코믹 오페라 "Chi soffe speri"(Chi soffe speri)를 창작한 Virgilio Mazzocchi와 Marco Marrazzoli와 같은 유명한 오페라 작가들이 많이 있습니다.

18세기에는 이탈리아 오페라 중심지가 나폴리로 이전하면서 다양한 오페라 장르가 속속 등장하며 이탈리아와 해외의 여러 오페라 활동 중심지에 영향을 미쳤다. 초점은 사람들이 가사를 이해할 수 있도록 음악이 가사에 복종하도록 만드는 것입니다. 작사가 Apostolo Zeno와 Pietro Metastasio가 이에 기여했습니다. 오페라 아리아, 특히 3부 아리아가 지배적입니다. 나폴리 오페라는 단순한 하모니를 갖고 있으며, 더욱 선율적이고 경쾌하며, 로코코 스타일의 장엄한 음색을 갖고 있습니다. 대표적인 작가로는 Alessandro Scarlatti, Nicola Antonio Porpora, Leonardo Vinci 및 Leonardo Leo가 있습니다.

1720년 베네치아 출신 베네데토 마르첼로는 "Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben"(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben) comporre ed eseguire opere italian을 썼습니다. in musica)는 드라마를 희석시키는 오페라의 증가하는 고정관념을 풍자하여 오페라 개혁의 실험으로 이어졌지만 거의 성공하지 못했습니다.

17세기에는 독자적인 형식의 풍자적인 희극이 발전했다. 처음에는 메인 오페라의 막 사이에 삽입되는 경우가 많았습니다. 성숙 과정에서 형식 오페라의 정서적이고 진지한 특성을 일부 회복하여 많은 희극 오페라에 혼합적인 성격을 부여했습니다. '세르비아의 이발사', '피가로의 결혼', '비밀의 결혼'(Il matrimonio segreto) 등이 이 시대의 대표작이다.

오페라가 프랑스에 소개된 것은 1650년 이전이다. 프랑스 최초의 오페라 '포모네'는 1671년 왕립음악원(현 파리 오페라 하우스) 개관식에서 초연됐다. 그러나 오페라는 Jean-Baptiste Lully의 생애 이후까지 진정한 프랑스 예술이 되지 못했습니다. 이탈리아인 룰리는 파리로 건너가 프랑스 연극과 발레의 특징을 빌려 프랑스풍 오페라를 탄생시켰다. 그는 이탈리아 아리아를 싫어했고 대신 짧고 생동감 넘치는 노래를 사용하는 것을 옹호했습니다. 그는 코메디 프랑세즈의 낭송법에 따라 낭송을 개편하고 프랑스 서곡을 발전시켰다. Lully의 스타일은 Hippolyte et Aricie를 포함한 주요 작품인 Jean-phlippe Rameau의 오페라에서 정점에 이르렀습니다.

1627년 독일과 오스트리아에 오페라가 소개된 뒤 '민속 오페라'가 등장하면서 모차르트, 헨델, 베토벤 등 수많은 오페라 작가들이 등장했다. 주요 작품으로는 '마술피리'가 있다. ", "마술피리", "마술피리". 올랜도", "피가로의 결혼", "돈 후안", "피델리오"(피델리오), "일 몬도 델라 루나"(일 몬도 델라 루나) 등 . 1769년에 Ranieri de'Calzabigi와 Gluck은 오페라 혁신에 관한 중요한 문서인 오페라 "Alceste"의 서문을 출판했습니다. 그는 중복되고 화려한 3부 아리아를 폐지하고 단순한 표현과 진실한 감정으로 대체되어야 한다고 믿었습니다. 음악의 의무는 '시를 섬기는 것'이다. Gluck의 대표작으로는 "Iphigenie en Aulide"(Iphigenie en Aulide)와 "Iphigenie en Tauride"(Iphigenie en Tauride)가 있습니다.

그의 개혁 아이디어는 큰 영향을 미쳤습니다.

오페라가 영국에 소개된 후 영국에 정착되기까지는 오랜 시간이 걸렸습니다. 최초의 영국 오페라는 헨리 퍼셀(Henry Purcell)의 디도(Dido)와 아이네아스(Aeneas)였습니다. 이 오페라는 암송과 노래의 경계를 무너뜨렸습니다. '거지의 오페라' 공연은 마침내 영국 관객들을 모국어로 부르는 연극을 듣는 데 익숙해지게 만들었다.

18세기 말부터 19세기 초까지 프랑스 희극은 크게 발전했다. 1752년에는 루소의 단막 코미디 오페라 "Guerre des Bouffons"(Guerre des Bouffons)가 상연되었는데, 그는 매우 대중적인 낭만적인 사랑을 반영한 곡과 보드빌 연주를 결합한 메들리 형식으로 악보를 썼으며 매우 인기가 있었습니다. 프랑스 스타일. 그 이후로 이 새로운 유형의 코믹 오페라는 파리와 다른 지역의 오페라 무대를 장악했습니다. 유명한 극작가로는 Pierre-Alexandre Monsigny, Andre Gretry, Etienne-Nicolas Mehul 및 Francois-Adrien Boieldieu가 있습니다. 프랑스 코믹 오페라는 로시니의 영향을 반영하여 부아엘디외 이후 더욱 이탈리아적으로 변했습니다. 이 기간 동안 이탈리아 오페라는 한동안 쇠퇴했고 요한 시몬 마이어, 로시니, 가에타노 도니제티, 빈첸초 벨리니 등 재능 있는 오페라 작곡가들이 '세르비아의 이발사', '세르비아의 이발사' ​​등 세계적으로 유명한 오페라 작품을 다수 탄생시켰다. 안나 볼레나'(Anna Bolena), '일 피라타'(Il pirata), '아이 푸리타니'(I puritani) 등이 다시 인기를 끌었다.

'그랜드 오페라'는 19세기 파리에서 탄생한 국제적인 스타일의 대규모 오페라로, 무대는 화려한 풍경으로 가득 차 있다. 화려한 의상, 발레 등 다양한 워크온 지골 형성. 이는 벨칸토의 미묘함을 거의 없애고 오케스트라 자체와 드라마에서의 역할을 크게 확장합니다. 최초의 그랜드 오페라는 Giacomo Meyerbeer의 Robert le Diable이었습니다. Meyerbeer와 Fromental Halevy 이후 그랜드 오페라는 새로운 음악 경향을 반영하기 시작했으며 다양한 하이브리드 형태로 발전했습니다. 이 시기의 프랑스 오페라 작가로는 베를리오즈(Berlioz)와 오펜 바흐(Offen Bach)가 있는데, 그의 주요 작품으로는 "Orphee aux enfers"(Orphee aux enfers), "The Trojans", "Les Contes d'Hoffmann"(Les Contes d'Hoffmann) 등이 있습니다. ) 외.

독일 낭만주의 오페라에는 독일 낭만주의 음악의 전신인 '마수'(Der Freischutz) 등의 작품이 포함되며, 이 시기 존 등의 오페레타도 등장했다. 슈트라우스의 걸작 <박쥐>는 이를 정점으로 끌어올렸다.

19세기 이후의 유명한 오페라 작곡가로는 이탈리아의 베르디, 푸치니, 부소니 등, 독일과 오스트리아의 바그너, 리하르트 슈트라우스, 한스 피츠너, 프랑스의 구노 등이 있다. , 비제, 토마스, 쥘 마스네, 드뷔시, 라벨.

오페라가 러시아에 소개된 이후에는 처음에는 대부분 외국 작품이 공연됐고, 이후 림스키-코사 코프 등 러시아 오페라의 아버지 미하일 이바노비치 글린카 등 뛰어난 오페라 작곡가들이 대거 등장했다. , 보로딘, 모데스트 무소르그스키, 차이콥스키, 스트라빈스키, 프로코피예프 등

20세기 중반까지 오페라는 거의 박물관 예술이 되었고, 대부분 오래된 작품을 다시 공연하고 신작은 거의 찾아볼 수 없었습니다. 오페라의 미래는 오페라와 같은 무대극과 청중을 놀라게 하는 기타 혼합 오페라 형식에 있다고 보는 작가도 있고, 공장이나 학교 공연을 위해 작곡된 작은 오페라에 있다고 보는 작가도 있습니다. 이를 구별하기 위해 표준 서사학 용어를 사용한다면, 오페라 서사는 표면적으로 '말하기'보다는 '보여주는' 경우가 많습니다. 그러나 이 디스플레이는 멀티미디어이기 때문에 학자들은 이것이 말하는 것과 동일한 기능을 가지고 있다고 믿습니다.

소설 서사와 달리 오페라 서사는 두 가지 다른 형태로 존재합니다. 하나는 Kier Elam이 "극적" 텍스트(즉, 오페라의 악보와 텍스트)/드라마 대본이라고 부르는 것입니다. "공연" 텍스트 - 각각의 서로 다른 공연은 같은 길이의 드라마 텍스트를 해석하여 직관적으로 만들고 그 매력에 생생한 유형의 삶을 부여합니다(Elam 1980: 3). 본질적으로 무대 위의 오페라 작품은 두 가지 극적인 텍스트를 조화시킨 것이며, 기호학적 복잡성 수준은 소설 속 화자가 제공하는 것과 거의 동일합니다. 원작 작가와 작곡가부터 출연진 전체에 이르기까지 다양한 사람들이 관객이 경험하게 될 스토리를 형성하는 데 참여합니다.

감독, 지휘자, 공연자, ​​가수, 디자이너(조명, 의상, 무대 등) 및 기타 개인과 그룹이 협력하여 다양한 매체와 다양한 방식을 통해 무대에서 오페라 서사를 전달합니다.