드라마란 무엇인가요?

드라마

드라마

종합예술의 일종. 두 가지 의미를 가지고 있는데, 좁은 의미에서는 구체적으로 고대 그리스의 비극과 희극에서 시작되어 유럽 국가에서 발전하여 세계적으로 널리 유행하게 된 무대 공연 형식을 영어로 드라마(Drama)라고 합니다. 중국. 넓은 의미에서는 중국 오페라, 일본 가부키, 인도 고전극, 한국 오페라 등 일부 동양 국가 및 민족의 전통적인 무대 공연 형태도 포함됩니다.

역사적 개요: 인간 문화의 필수적인 부분인 드라마는 다른 문화적 요소와 밀접하게 관련되어 있습니다. 유럽 ​​드라마든 일부 동부 국가의 국가 드라마든 그 기원은 고대 희생 노래와 춤으로 거슬러 올라갑니다.

유럽 드라마는 고대 그리스 제사 의식의 노래와 춤 공연에서 유래됐다. 기원전 6세기 말, 아리온은 봄 의식에서 디오니소스를 공연했을 때 합창단 지도자가 제기한 질문에 답하기 위해 즉흥적으로 시를 짓고, 디오니소스 노래와 춤에 배우를 추가했고, 여러 곡을 차례로 연주했습니다. 등장인물과 합창단 리더와의 대화 등이 드라마의 원초적 요소로 여겨졌다. 고대 그리스 비극의 창시자인 아이스킬로스는 배우의 수를 2명으로 늘리고, 노래와 춤의 서사적 요소를 점차 감소시키며, 희곡의 요소를 증가시켜 독자적인 예술 양식을 형성하였다. 고대 그리스에서는 겨울 축제가 열리면 사람들이 새와 동물로 분장하고 카니발 퍼레이드를 벌였는데, 이를 '카니발 노래'라고 불렀습니다. 기원전 6세기에는 그리스 자체에서도 희극으로 발전하여 희극으로 여겨졌습니다. 원시적인 코미디. 기원전 487년 아테네는 제사식에서 공식적으로 희극을 상연했는데, 당시 배우들은 단 세 명뿐이었고, 합창단의 역할은 비극만큼 중요하지 않았다. 고대 그리스 희극의 발전 과정에서 합창단의 역할은 점점 작아졌다.

동양 민족극의 기원은 유럽 연극보다 늦다. 인도에서는 기원전 1세기 이전의 민속신배놀이 공연이 민족극의 싹으로 여겨진다. 2세기에는 최초의 희곡이론 작품인 『무용론』의 등장이 희곡예술의 성숙의 신호로 인식되었다. 중국 오페라 예술의 기원은 고대의 노래, 춤, 주술 및 기타 요소로 거슬러 올라갑니다. 당나라에 이르러 고대의 노래와 춤은 소규모의 노래와 춤극으로 발전했고, 주진(周秦) 배우들의 연기는 군사극으로 발전했다. 일반적으로 중국 오페라가 완전하고 독립적인 예술 양식으로 발전한 상징은 12세기 송나라 영가자주(남가극이라고도 함)라고 여겨진다. 일본에서는 고대 사람들이 풍작과 자손을 기원하기 위해 가면을 사용하여 신이나 악마로 분장했습니다. 어떤 사람들은 이 원시 예술을 민족 연극의 원형으로 여깁니다. 12세기경에 형성된 사루가쿠에는 곡예, 노래, 춤의 요소가 추가되었습니다. 중세 후기에 창건된 노와 교겐은 모두 희생적 성격이 강했다. 가부키는 16세기 후반에 시작되어 17세기 중반에 노래, 춤, 대사가 결합된 대규모 고전극으로 발전했습니다.

드라마와 노래, 춤은 밀접한 관련이 있다. 유럽 ​​희곡의 형성 발전 과정에서 노래와 춤 요소는 점차 감소하였고, 동양 민족 희곡의 형성 발전 과정에서 신체의 움직임과 대사를 기본 수단으로 하는 극 형태로 발전하였으나, 노래와 춤의 요소가 다수 보존되어 노래와 춤에서 서정성과 드라마를 동시에 강조하는 예술적 특징을 형성하고 있다. 동양극과 서양극의 이러한 차이는 인간극 문화의 두 가지 주요 분야를 구성합니다.

서양극의 발전은 고대 그리스에서 시작됐다. 서양극의 역사는 연대순으로 고대 그리스·로마극, 중세극, 르네상스극, 고전주의극, 계몽극, 19세기극, 현대 드라마와 현대 드라마. 특정 역사적 기간에는 많은 학교가 다양한 스타일에 따라 구분될 수 있습니다.

고대 그리스 드라마는 인간 드라마의 유년기이자 첫 전성기였으며 많은 비극과 희극이 전승됐다. 유명한 비극 작가로는 아이스킬로스(Aeschylus), 소포클레스(Sophocles), 에우리피데스(Euripides)가 있습니다. 유명한 코미디 작가로는 Aristophanes와 Menander가 있습니다. 고대 로마에서는 연극 창작과 공연도 매우 성황을 이루었습니다. 주요 극작가로는 플라우투스(Plautus)와 테렌티우스(Terentius)가 있습니다.

유럽의 중세는 봉건 독재 통치의 역사적 시대였다. 드라마 창작과 공연의 기본 내용은 종교적 개념과 도덕적 설교를 장려하는 것이었다. 그 중 교회 예식에서 노래를 부르며 발전한 종교극은 대부분 교리를 선전하는 데 목적을 두고 있다. 종교 드라마의 한 변종은 다양한 전설적 줄거리에 종교적, 도덕적 선전이 스며든 기적 드라마입니다. 또 다른 변종은 예수와 성인들의 전설적인 이야기를 바탕으로 한 미스터리 드라마입니다. 도덕극의 주요 목적은 추상적인 도덕 설교에서 사회 도덕에 대한 비판으로 전환하는 것입니다. 이는 오랫동안 많은 나라에서 인기를 끌었습니다. 코미디는 세속적인 삶과 신랄한 사회 풍자를 표현하는 것이 특징입니다. 바보극(Fol's Play)은 풍자극으로도 알려져 있으며, 민속극에서 발전하여 나중에 도시로 퍼졌습니다. 이 역사적 기간은 매우 길지만, 전해지는 작품은 거의 남아 있지 않습니다.

유럽의 14~16세기는 인류 문화 발전사에서 중요한 시기였다. 강력한 인문주의 운동은 이탈리아에서 시작되어 곧 유럽 전역을 휩쓸었습니다. 봉건 독재와 교회 권위, 금욕주의에 반대하는 역사적 요구에서 출발하여 인간의 가치를 긍정하고 인간의 합리성과 지혜를 찬양하며 이 세상에서의 인간의 행복 추구와 인격의 자유를 옹호합니다. 인문주의 운동은 문학과 예술의 높은 발전을 촉진했으며 연극사에서 제2의 전성기를 이루었습니다.

이 시기 유럽 연극은 영국과 스페인이 지배했다. 주요 극작가로는 C. Marlowe, W. Shakespeare, B. Jonson, L. de Rueda(약 1505~1565), L.F. de Vega I·Carpio(1562~1635) 등이 있다. 등. 그중 셰익스피어의 희곡 중 다수는 세계 드라마 보물창고의 보물이다.

17세기에 이르러 유럽 연극은 고전주의 시대로 접어들었다. 당시 프랑스는 통일된 계층적 군주제였으며, 높은 수준의 중앙집권화를 위해서는 문학과 예술이 필요했습니다. 이러한 정치적 환경에서 발전한 프랑스 연극은 고전주의의 기치가 되었다. 동시에 유럽 르네상스 시대의 인본주의적 사고 경향은 고전 극작가들에게도 깊은 영향을 미쳤다. 고전극은 합리성과 인간 본성의 표현을 강조하며, 비극과 희극은 경계가 엄격하고 혼합될 수 없는 구조적 모델을 제시하며 언어의 단순성과 우아함을 강조한다. 이 시기의 주요 극작가로는 P. Corneille, Molière, J. Racine 등이 있습니다.

18세기 유럽 계몽주의 시대에는 프랑스, ​​독일, 이탈리아, 영국에서 연극예술이 발전했다. 프랑스에서는 계몽주의 지도자 디드로(D. Diderot)가 역사적 요구에 기초한 시민극과 진지한 희극을 확립하기 위한 프로그램을 제시했고, 극작가 P. 드 보마르셰(P. de Beaumarchais)는 이 신흥극의 실제 사례를 제시했습니다. 독일에서는 G.E. Lessing이 민족극의 창시자가 되었고, 1970년대에는 Sturm und Drang 운동으로 인해 위대한 극작가인 J.W. von Goethe와 J.C.F. 영국 계몽주의 연극의 성취는 르네상스의 성취보다 훨씬 덜 훌륭했습니다. 도덕적 비판과 선전은 많은 연극에 교훈적인 풍미를 더해주었습니다. 코미디 작가 H. Fielding(1707-1754), O. Goldsmith, R.B. Sheridan이 대표적이다. 이탈리아에서는 오랫동안 인기를 끌었던 즉흥 코미디 전통이 계몽주의 극작가 C. 골도니를 탄생시켰고, 그의 코미디 작품은 후세에 큰 영향을 미쳤습니다.

19세기 유럽 드라마는 크게 로맨틱 드라마와 사실주의 드라마라는 두 장르로 나뉘었다. 낭만주의 극은 주관적인 내면의 표현을 강조하고 창작의 자유를 강조하는 원칙을 바탕으로 하며, 대표적인 작가로는 프랑스의 V. Hugo, A. de Vigny(1797~1863), A. de Musset, Alexandre Dumas, 독일의 H. .von Kleist, 러시아의 A.C. 푸쉬킨 등 1830년대 이후 발전한 사실주의 극은 객관성과 세부적인 사실성에 더 중점을 두며 완전한 인간의 재현을 강조하고 개인의 특성에 주목한다. 유럽의 사실주의 극작가로는 노르웨이의 H. Ibsen, 프랑스의 Alexandre Dumas, 영국의 Bernard Shaw와 J. Galsworthy, 러시아의 N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky, P.N. Tolstoy, A. Chekhov, M. Gorky 등이 있습니다. 사실주의 드라마와 밀접한 관련이 있는 것은 자연주의 드라마이다. 이 장르의 창작 원리는 사실주의와 유사하지만 사람들의 정신적 삶을 연구하고 표현하기 위한 실험적 방법의 사용을 강조하며, 생리학과 병리학의 관점에서 인간 본능의 탐구를 강조합니다. 프랑스의 E. Zola는 자연주의 소설과 드라마의 옹호자였으며, 독일의 G. Hauptmann과 스웨덴의 J.A. Strindberg도 그로부터 영향을 받았습니다.

19세기 말 이후 세계연극은 여러 장르가 서로 경쟁하고 흡수하는 상황을 보여왔다. 이 시대의 서양연극은 제2세계를 기준으로 근대와 현대로 나눌 수 있다. 전쟁, 즉 현대극과 현대극으로 구분할 수 있습니다. 19세기 사실주의극은 새로운 역사시대에 계승 발전되면서 그 양식도 점점 다양해졌다. 이 장르에 속하는 극작가로는 주로 아일랜드의 A. Gregory 여사, 독일의 F. Wolf와 B. Brecht, 이탈리아의 L. Pirandello, 스위스의 F. Dillonmar 등이 있다. 이 단계에서는 미국 드라마가 뒤쳐지는 경향이 있었다. 현대 미국 드라마의 아버지로 알려진 E. 오닐은 사실주의 희곡을 많이 발표했고, 다른 장르의 작품도 썼다. 사실주의에 속하는 극작가로는 C. Odets, L. Hellman, A. Miller, T. Williams, W. Inge(1913~1973) 등이 있다. 사실주의 연극과 공존하는 상징주의, 표현주의, 미래주의, 초현실주의, 실존주의, 부조리주의 등 수많은 새로운 학파가 속속 등장하고 있으며, 이는 총칭하여 현대극이라고도 할 수 있다. 이러한 새로운 학파의 탄생에는 심오한 사회적 이유가 있으며, 현대 철학과 현대 심리학의 영향도 받습니다. 미적 트렌드의 산물로서 동질적이기도 하고, 각자의 특별한 의견을 갖고 있기도 하다. 대부분 현실주의 드라마와는 정반대의 이미지로 등장하는데, 모두 현실주의 드라마에 큰 영향을 끼친다. 상징주의 연극은 벨기에의 M. Maeterlinck로 대표되며, 아일랜드의 J.M. Singer도 이 장르에 속합니다. 표현주의 극작가로는 주로 독일의 G. Kaiser와 E. Toler, 체코의 K. Capek 등이 있으며, O'Neill, Brecht 등도 이 장르에 매료되었습니다. 미래극의 주창자는 이탈리아의 F.T. 마리네티(1876~1944)이다. 이 학파의 작품은 많지만 가치가 별로 없다. 초현실주의 연극의 발상지는 프랑스이다. 주요 극작가는 G. Apollinaire와 J. Cocteau이다. 실존주의 드라마의 주요 작가인 J.-P. Sartre와 A. Camus는 실존주의 철학자들이며, 그들의 창작물 역시 이러한 철학적 개념의 영향을 받았습니다.

1950년대와 1960년대 유럽과 미국에서 유행했던 터무니없는 극으로, 주요 극작가로는 아일랜드의 S. Beckett, 프랑스의 E. Ionescu, 영국의 H. Pinter, 미국의 E. Albee 등이 있다. .

동양극의 발전 동양의 국민극은 위의 역사적 단계에 포함되기 어려운 반면, 서양극의 도입은 현대적인 것이다.

일본에서 17세기에 성숙해진 가부키는 국민극의 가장 완성도 높은 형태이다. 메이지 초기의 연극 개혁은 가부키의 개량과 함께 시작되었으며, 개편된 연극 양식을 신파라고 불렀다. 20세기 초 츠보우치 샤오야오(Tsbouchi Xiaoyao)는 1906년 문학예술협회를 결성하고 유럽 연극 형식을 신게키(즉 드라마)라고 부르며 일본에 소개했습니다. 제1차 세계대전 이후 일본 현대극이 번성했다. 서양 현대극의 일부 학파가 일본 연극계에 영향을 주긴 했지만 여전히 사실주의 연극이 주류를 이루었다. 제2차 세계대전 이후 부조리극이 일본 연극에 큰 영향을 미쳤으나 여전히 사실주의가 주류를 이루었다. 1980년대까지 일본 연극계는 여전히 신극과 국민극이 공존하며 번영을 누리고 있었다. 인도 극은 기원전부터 12세기까지의 고전 산스크리트 극 시대에 속하며, 주요 극작가로는 칼리다사, 수드라카, 바이샤다타 등이 있다. 17세기 후반부터 19세기까지는 인도 연극의 근대기였다. D. 미트라는 현대 벵골 연극의 창시자였다. 1919년 이후는 인도 연극의 현대기였다. V. Walma(1889-1969)는 역사극으로 유명했다. 제2차 세계대전 이후 작가 Singhal Vinaj도 각본을 썼습니다. 북한, 인도네시아, 태국, 베트남 등에도 자국의 민족드라마가 있고, 서구에서 수입한 드라마는 형태가 비슷하지만 민족드라마는 나름의 특징을 갖고 있다.

중국 오페라 예술은 800년이 넘는 역사를 가지고 있으며 남송(南宋)의 희곡, 진(晉)나라의 희곡, 명청(淸淸)의 전설, 현대 북방의 희곡을 거쳐 계속해서 번식해 왔다. 오페라와 현대 신작 오페라는 세계 드라마에서 자신만의 시스템을 만들어 냈으며, 무대 예술은 세계 연극의 보고에 귀중한 공헌을 했습니다. 20세기 초, 서양 연극이 중국에 소개되었습니다. 1928년에 극작가 홍심(Hong Shen)이 그것을 연극이라고 명명할 것을 제안했습니다. 1949년 중화인민공화국 건국을 기점으로 중국 연극은 현대와 현대의 두 시기로 구분됩니다.

중국 현대극은 서양 현대극의 여러 학파를 광범위하게 흡수하면서 시작되었으며, 사회 운동과 혁명 투쟁의 물결 속에서 점차 자신만의 전통을 형성해 나갔습니다. 5·4신문화운동이 시작된 이후 서양문화(문학, 연극 등)를 널리 소개하는 것이 역사적 요구가 되었다. 사회 개혁의 필요성으로 인해 중국 문화계에서 가장 먼저 칭찬하고 소개한 것은 입센의 사회 이슈 드라마였다. 그는 입센 희곡의 번역과 출판을 계기로 1920년대에 여러 사회문제극을 창작했는데, 이 희곡들은 실제 사회문제를 결혼과 가족의 관점에서 드러냈지만 대부분 순진해 보였다. 1920년대에는 서양 현대극도 중국에 소개되었는데, 송춘방은 이 점에서 뛰어난 공헌을 했다. 당시 일부 극작가들은 현대극의 영향을 많이 받았습니다. 예를 들어, Tian Han은 서양의 신낭만주의에 매료되었습니다. 궈머루오는 한때 독일 표현주의 희곡을 존경했는데, 신화, 전설, 역사 이야기를 바탕으로 한 그의 초기 희곡에도 표현주의적 특징이 있었습니다. 1920년대 후반 이후 중국 현대극의 주요 경향은 좌익극 운동이었다. 이때부터 중화인민공화국 건국까지 중국 연극은 좌익극, 국방극, 항일전쟁극, 해방전쟁극 등의 단계를 거쳤다. 1920년대에 등장한 천한(Tian Han), 궈머루(Guo Moruo), 홍심(Hong Shen), 양한성(Yang Hansheng), 구양우천(Ouyang Yuqian), 웅폭시(Xion Foxi), 정시린(Ding Xilin) ​​등 1세대 극작가에 이어 지난 20년여 동안 조우(Cao Yu), 샤옌(Xia Yan), A Ying, Yu Ling, Chen Baichen, Song Zhide, Shi Linghe, Wu Zuguang, Yang Cunbin, Shen Fu, Wang Zhenzhi, Hu Ke, Li Bozhao, Du Feng, Fu Duo 및 기타 극작가. 대표작에는 중국현대극의 전통이 구현되어 있으며, 일부 극작가와 작품에서는 사실주의극의 성숙도를 보여주고 있다. 중국 연극과 우수한 외국 연극의 공연을 통해 뛰어난 감독, 배우, 무대 예술가도 많이 양성되었습니다.

1949년부터 1966년까지 17년 동안 사회의 해방과 안정은 중국 희곡의 발전에 조건을 제공했다. 이 기간 동안 수많은 신진 극작가, 연출가, 배우, 무대 예술가들이 등장했고, 이 시대의 사회 지형을 반영하여 새로 창작되고 공연된 연극의 수는 수천 편에 이른다. 1966년부터 1976년까지 10년간의 혼란기는 드라마 창작과 공연이 쇠퇴하는 시기였다. 1976년 4인방이 무너진 이후 드라마는 사회 이슈 드라마를 주류로 삼아 빠르게 부활하고 번영했다. 1980년대 이후 개혁개방의 물결이 문화예술 분야에 닥치면서 드라마 창작과 공연도 다방면으로 탐구되기 시작했다. 일부 극작가는 드라마의 내적 의미를 심화시키는 데 더 중점을 둡니다. 일부 극작가는 드라마의 외부 형식에 대한 실험적 탐구에 더 중점을 둡니다. 1986년 이후에는 다각적인 탐사에 있어서 주식을 분할하고 병합하는 추세가 나타났다. 이 시기에는 연극연출, 퍼포먼스, 무대예술 등 다양한 분야에서 도전의 용기를 지닌 청·중년 예술가들이 대거 등장하며 무대예술을 다채로운 상황으로 만들었다. 예술적 실천에 대한 탐구와 병행하여 연극 이론 연구와 연극 비평도 전례 없이 활발하게 진행되고 있습니다. 이는 새로운 시대 중국 드라마의 발전에 있어서 피할 수 없는 추세이다.

본질 기원전 4세기 아리스토텔레스는 드라마의 본질에 대한 자신의 이해를 『시학』에서 표현했다. 그는 모든 예술은 모방이고 드라마는 인간 행동의 모방이라고 믿습니다. 200년 후 인도 최초의 연극이론 저작 『무용이론』에서도 “드라마는 모방이다”라고 밝혔는데, 19세기 이후에는 주로 관객론, 갈등이론, 급진적 변화론을 중심으로 드라마의 본질에 대해 다양한 의견이 있었다. 상황, 실험실 토크 등

관객론: 관객을 식별하는 것은 드라마의 필요조건이자 드라마의 본질이다. 프랑스 연극 이론가 F. Sasay는 이 개념의 대표자로 다음과 같이 주장했습니다. 어떤 종류의 극 작품이든 그것은 모두 관객을 위한 것입니다. “관객이 없으면 드라마도 없다.” 그러므로 드라마의 모든 기관은 관객의 감상에 맞게 조정되어야 한다.

갈등이론은 프랑스의 연극이론가 브뤼텔(Bruntel)로 대표된다. 19세기 말 브룬텔은 다음과 같이 지적했다. 무대는 사람들의 의식적 의지가 발휘되는 곳이다. 인물의 의식적 의지는 장애물을 극복하기 위해 필연적으로 장애물에 부딪히게 된다. '의지의 충돌'이 바로 드라마의 본질이다. 미국 드라마 이론가 J.H. 로슨(J.H. Lawson)은 드라마의 본질을 “의식이 작용하는 사회적 갈등”에 있다고 봅니다. 그는 드라마는 사회적 관계를 다루고, 사람들의 의식적 의지는 사회적 필연성에 의해 제한되어야 하기 때문에 실제 극적 갈등은 사회적 갈등임에 틀림없다고 믿는다. 이 개념은 "갈등이 없으면 드라마도 없다"라는 한 문장으로 표현할 수 있다.

충돌 이론 영국의 드라마 이론가인 W. Archer는 브렌델의 '갈등' 이론을 부정하며 소설을 드라마와 비교했다. , 소설은 '점진적 변화'의 예술인 반면 드라마는 '위기'(또는 위기라고도 번역됨)의 예술이라고 믿어집니다. 드라마의.

상황과 실험실 이론 일찍이 18세기 프랑스 철학자 디드로(D. Diderot)는 '상황'을 연극 작품의 기초로 여겼다. 헤겔은 연극의 특징을 말할 때 '상황'과 '갈등'을 연결하며 상황의 존재론적 의미를 강조하기도 했다. 실존주의 철학자이자 극작가인 J.-P. 사르트르는 자신의 희곡을 '상황극'이라고 부르며 극의 대상을 상황에 따른 사람들의 선택으로 묘사했습니다. B. Brecht는 드라마를 과학적 방법으로 간주했으며 연극은 특정 상황에서 인간 행동을 테스트하는 실험실이라고 믿었습니다. 이 개념은 드라마의 성격을 특정한 관점에서 정의하기도 한다.

형태 고대 그리스에서 예술은 음악, 회화, 조각, 건축, 시로 나뉘었고, 드라마는 시의 범주로 분류되었다. 그러나 진정한 연극예술은 시(문학), 음악, 회화, 조각, 건축, 무용 등 예술적 요소를 모두 포함해야 하므로 종합예술이라고 한다.

각 예술에는 이미지의 외형을 구성하는 특별한 표현 수단이 있습니다. 종합예술로서 연극은 다양한 예술적 표현수단을 통합하고 있으며, 그 종합적 표현으로는 ①문학이 있다. 주로 스크립트를 참조합니다. ②플라스틱 아트. 주로 풍경, 조명, 소품, 의상, 메이크업 등을 가리킨다. ③음악. 주로 연극 공연의 음향, 막간, 사운드 트랙 등을 지칭합니다. 오페라와 오페라에서는 곡, 노래 등도 포함됩니다. ④춤. 주로 무용극과 오페라 예술에 포함되어 있는 춤의 요소를 배우들의 퍼포먼스 예술, 즉 드라마 속의 액션 예술로 변형시키는 것을 말한다.

드라마에서 다양한 예술적 요소들은 각기 다른 역할을 하며, 종합적으로 봤을 때 그 위상은 동등하지 않다. 드라마 콤플렉스에서는 배우의 행위예술이 중심이자 지배적인 위치를 차지하며, 이것이 드라마 예술의 존재론이다. 공연예술의 수단인 신체의 움직임과 선은 연극예술의 기본 수단이다. 다른 예술적 요소들은 모두 본질에 녹아있습니다. 대본은 극연의 기본이다. 문학적 형식으로는 소설처럼 읽을 수 있지만 그 기본 가치는 연기력에 있다. 막간, 사운드트랙, 사운드 등 극적인 공연에서 음악 요소의 가치는 주로 배우의 무대 이미지에 미치는 시너지 효과에 있습니다. 무대장치, 조명, 소품, 의상, 분장 등 드라마 공연의 조형예술 요소 역시 다양한 각도에서 배우들의 무대 이미지를 형성하는 데 있어 구체적인 조연 역할을 한다. 배우들의 공연예술을 주체로 다양한 예술적 요소를 흡수하고 녹여 연극예술의 외형을 형성한다.