전통문화대전망 - 전통 미덕 - 현대 미국 독립영화의 특징은 무엇인가요? 자세히 설명해주세요, 감사합니다
현대 미국 독립영화의 특징은 무엇인가요? 자세히 설명해주세요, 감사합니다
독립영화(Independent Film)는 영어 '독립영화(Independent Film)'에서 유래한 것으로, 주류 할리우드 영화에 해당하는 개념이다. 우리 모두가 알고 있듯이, 영화가 성숙한 산업으로의 발전은 기본적으로 할리우드에서 완성되었으며, 대형 스튜디오 시스템, 스타 시스템, 장르 영화 모델 등이 점차 구체화된 후 할리우드 영화 산업은 기본적으로 할리우드가 되었습니다. 세계 영화산업의 중심지, 미국에서의 위상은 독보적이며, 영화산업의 대명사가 되었습니다. 그러나 영화의 특성은 결코 비즈니스로만 측정될 수는 없습니다. 영화는 탄생 이후부터 예술 형식이자 아이디어 표현의 도구로서 지속적으로 탐구되고 실천되어 왔습니다. 물론, 영화 발전의 전체 역사에서 볼 때, 할리우드 영화 산업은 전 세계적으로 영화를 홍보하는 데 중요한 역할을 해왔지만, 영화 산업의 과잉 발전은 필연적으로 영화 예술을 손상시킬 것입니다. 그래서 일단의 예술가들이 상업적 이익을 고려하지 않고 오로지 개인의 의지만을 기준으로 영화 창작을 시작했으며, 이러한 창작을 '독립영화'라고 불렀다.
1960년대 미국에서 시작된 독립영화는 처음에는 할리우드 제작 시스템에 대한 반항에 불과했습니다. 그러나 영화 산업이 발전하면서 오늘날의 독립영화는 더 이상 제작 시스템만으로는 구별될 수 없게 되었다. 오늘날 독립영화는 형식이나 정신적인 측면에서 고유한 특성을 보여주는 '작가영화'에 더 가깝습니다. 제작자에 의해 영화산업 시스템에 편입되는지 여부는 중요하지 않습니다. 즉, 소위 '독립영화'는 그 예술성과 이념적 특성을 좀 더 살펴보아야 한다는 것이다. 처음부터 작가의 자유 의지에 따라 영화가 만들어질 수 있고, 제작자는 투자자 역할만 할 뿐 영화의 구체적인 내용에 간섭하지 않는다면, 그 영화에 마이클이 등장하든 말든 상관없다. title 메이의 <라이온>이든, 파라마운트의 <스노피크>이든, 독립영화로서의 정체성에는 영향을 미치지 않을 것이다.
독립영화는 오늘날까지 발전해왔고 이미 널리 받아들여지는 개념이다. 실제로 전 세계 국가에는 소위 '독립영화'가 있습니다. 광범위하게 말하면 해당 국가의 주류(상업/공식) 영화 시스템을 벗어나는 모든 영화 창작물은 독립영화로 분류될 수 있습니다. 이로 인해 독립영화의 품질이 고르지 않게 되기도 했습니다. 창작자의 개인적 기준에 따라 예술성이 뛰어난 작품일 수도 있고 조악한 쓰레기 작품일 수도 있습니다. 그러나 상대적으로 독립영화가 가장 발달하고 가장 높은 성과를 거둔 지역은 바로 상업영화가 가장 발달한 미국이다. 따라서 미국 독립영화를 예로 들면 비교적 포괄적이고 심도 있는 이해가 가능하다. 독립영화에 대한 이해 물론 개념적으로만 보면 다큐멘터리나 만화도 독립영화로 간주할 수 있지만, 실제로 독립영화는 일반적으로 장편영화만을 지칭하는 것이 일반적이다. 여기서는 장편영화라는 의미로 '독립영화'도 지칭한다. 의.
다양한 영혼
미국은 다양한 문화와 사상, 가치관이 자리잡을 수 있는 다양한 사회이기 때문에 미국 독립영화도 중요한 이유다. 왜 끝없이 나타나는지. 물론, 주류의 '권위 있는' 목소리는 여전히 존재하지만, 독립영화 창작에 열중하는 예술가들에게 그 목소리는 단지 '개소리'일 뿐입니다. 독립영화에서는 말하는 내용이 아니라 말하는 내용이 중요합니다.
이러한 개방적이고 다양한 문화적 형태는 미국 독립영화의 개방성과 다양성으로 직접 연결되기도 한다. 기본적으로 미국 독립영화의 소재에는 제한이 없다. 정치, 폭력, 성애물, SF, 범죄, 심지어는 설명할 수 없는 꿈까지 모두 독립영화의 주제가 될 수 있습니다. 결과적으로 독립영화를 포괄하기 위해 특정 장르를 사용하는 것은 어렵습니다. 이러한 장르 분류 방법은 일반적으로 할리우드 상업 영화에만 유효합니다.
독립영화의 다양한 특징은 창작자들에게서도 확인할 수 있는데, 자세히 보면 독립영화 감독들이 다양한 인종, 계층, 지역 출신인 경우가 많다. 가장 잘하는 분야이며, 이러한 영역들이 서로 얽혀 미국 독립영화의 복잡한 풍경을 형성하고 있습니다.
예를 들어, '미국 독립영화의 아버지'로 불리는 존 카사베츠(John Cassavetes)는 그리스 이민자 가정에서 태어났습니다. 미국 가족에 대한 그의 세심한 관찰과 고문은 가족에 대한 깊은 이해와 가족 관계에 대한 성찰입니다. 유명한 우디 앨런은 뉴욕 브루클린의 유대인 지식인 가정에서 태어났습니다. 이러한 가정환경으로 인해 우디 앨런의 작품에는 지적인 분위기가 물씬 풍기는데, <애니 홀>부터 <멜렌다와 멜린다>까지 우디 앨런의 지적 책임감은 전혀 쇠퇴할 기미가 보이지 않는다. ; 그 역시 뉴욕에서 태어났지만, 유명 감독이기도 한 스파이크 리는 전혀 다른 각도에 서 있다. 피부색 때문에 인종 문제는 스파이크 리의 영화에 오랫동안 남아 있는 단서가 되었고, 민간인 가족 스파이크 리의 영화는 거리의 정취로 가득하다. 둘의 중첩은 스파이크 리의 영화와 우디 앨런의 영화의 전혀 다른 스타일을 만들어낸다. 둘 다 뉴욕이지만 두 예술가의 눈에는 이렇다. 완전히 다른 장면; Jim Jarmusch의 아버지는 헝가리인이고 그의 어머니는 이란인입니다. 이러한 혈통은 Jarmusch의 영화를 더욱 "외계인"으로 만듭니다. 한 가지 분명한 점은 Jarmusch의 작품에 포함된 비기독교적 사고 방식이 분명히 그의 가족 배경과 관련되어 있다는 것입니다. 특히 이란인 어머니; 데이비드 린치의 파란만장한 어린 시절 생활과 필라델피아 빈민가에서의 생활 경험은 그의 작품을 항상 어둠으로 가득 차게 하고, 부패와 폭력에 대한 두려움으로 가득 차게 만드는 점이 있습니다. "린" "환상주의"라고 불렀습니다.
같은 주제라도 사외이사마다 관점과 의견이 다른 경우가 많다. 섹스를 예로 들면, 우디 앨런의 "섹스 가이드(Sex Guide)"에서는 무의미한 희극이 전통적인 섹스 모델을 해체하고, 원래의 진지한 토론을 개그 농담으로 대체하여 이 희극을 끝까지 이어가기 위해 우디 앨런 룬(Woody Allen Lun)은 수다쟁이 정자까지 연기했습니다. 그리고 소더버그에서 섹스는 현대인의 영적 위기를 가리키는 상징이 되었기 때문에 <섹스, 거짓말>에서 <비디오>에서는 섹스가 왜곡되어 오직 사람들은 불안하지만 결코 Woody Allen만큼 편안하고 재미있지는 않을 것입니다. Greg Arache의 "Three in a Bed"에서 섹스는 젊은이들이 자신을 과시하고 자신의 개성을 표현하는 효과적인 방법이 되었습니다. , 심지어 기존 모델도 없습니다. 이는 일종의 "성적 허무주의"로 이어지며, 독립 단편 영화에서 모든 섹스는 왜곡되고 변형된 자기 표현 수단이며 이는 완전한 상실입니다. 그리고 데카당스... 한마디로 독립영화 감독들은 저마다의 스타일과 주제를 갖고 있다. 이러한 다양한 모습이 뒤섞여 독립영화의 전체적인 풍경을 이루고 있는 것이다.
물론 다양성이 있기는 하지만 그래도 상대적인 중심이 있는 거죠. 지리적인 측면에서 볼 때 미국 독립영화의 중심지는 뉴욕인데 다소 아이러니할 수도 있다. 뉴욕은 미국은 물론 세계의 경제 중심지이자 가장 상업적인 분위기가 강한 곳이라는 점이다. 그것이 반상업적 독립영화를 낳는다? 그 주된 이유는 아마도 다음과 같을 것이다. 첫째, 문화적 관점에서 볼 때, 할리우드는 서해안의 태평양 문화권에 속하고, 뉴욕은 동해안의 대서양 문화권에 속한다. 두 곳의 문화적 속성은 매우 다르다. 둘째, 경제적 관점에서 볼 때 뉴욕은 경제적으로 발전했지만 영화산업의 중심지는 할리우드에 있을 수 없으며, 상업영화 시스템을 구축할 수도 없습니다. 게다가 뉴욕은 거대도시로서 문화소비가 다양하고 다층적이기 때문에 헐리우드 상업영화 한 편으로는 '뉴요커'들의 다양한 취향을 만족시킬 수 없다. 이 격차를 메웠습니다. 그러나 최근 몇 년간 독립영화가 발전하면서 뉴욕의 중심적 위치가 흔들리기 시작했고, 앞으로 몇 년 안에 미국 독립영화는 중심이 없고 산만한 발전 경향을 보일 것이라고 믿습니다.
블랙 유머
미국 독립영화의 블랙 유머는 슬픈 유머에 더 가깝고, 사회의 소외된 사람들과 바닥에 있는 사람들의 정신적 양식으로 사용됩니다. 이 유머의 감정적 효과는 자신에 대한 연민이거나 위선적인 "빅맨"에 대한 조롱입니다. 후자의 대표적인 대표자는 우디 앨런이다. 이 지적인 독립영화 감독은 과장되고 유쾌한 코미디로 유명한데, 그 대부분은 전통과 권위를 전복하는 작품들, 특히 <바나나>, <섹스 가이드>, <등의 초기 작품들에서 두드러진다. 과학도시를 키우는 바보들'은 정치영화, 에로영화, 공상과학영화 등 할리우드 고전 장르 영화를 조롱하고 패러디한 작품이다.
그러나 이러한 조롱과 패러디는 결코 쓸모없고 값싼 농담이 아니며 항상 생각을 자극하고 웃으면 서 사람들을 조금 슬프게 만듭니다. 우디 앨런의 중후반 작품에서는 이런 블랙유머가 큰 진전을 이루었다. 이는 더 이상 할리우드를 겨냥한 것이 아니라 사회 전체와 인간 본성 자체를 조롱하고 풍자하는 것이다. 예를 들어 '원스 어폰 어 타임 인 스타더스트', 'Everybody Says I Love You', 'Bullets Over Broadway'에서는 인간 본성, 사랑, 폭력, 행복 등 심오한 개념이 할리우드를 대신해 우디 앨런의 타깃이 됐다. 다소 미스터리하게 들리지만, 우디 앨런의 천재적인 코미디 실력은 언제나 예상치 못한 짐을 털어내며 관객들을 웃게 만든다. 베리만의 오마주 중 가장 무명으로 꼽히는 <원스 어폰 어 타임>에서도 우디 앨런의 자기비하적 태도는 극명하게 드러난다. 이 영화에서 그는 유럽 예술영화의 거장들을 모방해 비평가들이 우디라고 조롱할 정도다. Allen의 "9 and 1/2"이지만 Woody Allen은 이러한 평가를 받아들였을 뿐만 아니라 자신의 최고의 작품이라고 안심하고 평가했습니다. 물론 할리우드를 조롱하는 것은 우디 앨런이 결코 잊지 못할 주제다. 가장 대표적인 것이 할리우드 영화계가 만들어낸 꿈을 씁쓸하게 조롱하고 맞서는 <카이로의 보라색 장미>다. 영화 속 현실 세계와 영화 세계의 엄청난 대비는 영화 속 다양한 기믹과 농담의 원천이기도 하다. 영화계에 강력 반발. 대공황 시기 영화를 위해 선택한 역사적 배경 역시 우디 앨런이 화면 안팎의 대비를 의도적으로 강조하기 위해 사용한 중요한 조건이었다. 이것은 우디의 가장 중요한 작품 중 하나이며, 영화 자체에 대한 반영은 이 작품에 독특하고 지속적인 매력을 부여했습니다.
보다 직접적으로 작은 사람들 자신을 조롱하는 것은 대부분의 독립 영화 감독이 사용하는 일반적인 기술입니다. 예를 들어, 코엔 형제는 '블러드 라버린스'로 영화계에 입문한 이래로 이 부드럽고 겸손하며 약간 기괴한 블랙 유머는 코엔 형제 작품의 특징이 되었다. 특히 <블러드 미로>는 독립영화사에 있어서 획기적인 영화로, 이 영화의 내용과 형식의 기본적인 특징은 이후 많은 미국영화, 특히 1990년대 이후 등장한 다수의 독립영화에 영향을 미쳤다. .영화 작품은 거의 10년 후에 하나의 트렌드가 되었습니다. 그러나 <블러드 메이즈>는 코엔 형제의 첫 시도에 불과했다. 몇 년 후 <바튼 핑크>는 코엔 형제를 국제적으로 유명하게 만든 동시에 이 작품에서 형제의 블랙 유머도 성숙해졌다. 우디 앨런과 마찬가지로 <바튼 핑크>에도 코엔 형제의 헐리우드 조롱이 가득하다. 아마도 이는 <블러드 메이즈>가 유명해진 이후 형제들의 개인적인 감정이 반영된 것인지도 모른다. 헐리우드 재벌들에게는 <바튼 핑크>의 영화사 사장이 대표적이다. 돈을 중시하는 태도로 인해 무릎을 꿇고 시나리오 작가의 발에 뽀뽀를 하기도 하고, 조건을 충족하지 못하는 스태프를 죽이기도 한다. 킥어웨이는 완전히 비인간적이었고, 물론 소위 영화예술은 그의 고려 대상이 아니었다. 이후 코엔 형제의 <허드서커 에이전트>, <파고>, <빅 레보스키>는 모두 <바튼 핑크>의 블랙 유머 스타일을 계승했다. 이 블랙 유머를 통해 코엔 형제는 돈과 예술에 대한 사고를 확장했을 뿐만 아니라, 영화에서도 예상치 못한 상업적 성공을 거두었습니다. 그리고 2000년의 "Dude, Where Are You"는 "Barton Fink" 이후 Coen 형제의 창작 과정에서 또 하나의 이정표가 되었습니다. 세 명의 멍청한 도둑의 탈출을 묘사한 이 영화는 실제로 서사시 "The Odyssey"를 각색한 것입니다. 이 이야기에서 코엔 형제는 1930년대 미국 민주주의 정치, 종교, 대중 심리의 역사적 변화를 추적하면서 미국 역사와 정치에 대한 은유적 탐구를 진행했다. 이 점에서 이 영화는 서사적이라 할 만하다. 예를 들어, 이 영화의 마지막 부분에서 코엔 형제의 블랙 유머는 영화에 원래 비극적인 분위기를 더해 주었고 마침내 희극적인 결말을 맞이했습니다. 하늘에서 홍수가 일어나 처형되려던 세 명의 어리석은 도둑을 구출한 것입니다. 여기서는 코엔 형제가 단순히 헐리우드 보스들을 놀리는 것이 아니라 '더 바이블'의 보스들을 놀리는 것 같습니다.
같은 예가 쿠엔틴 타란티노다. 중국 쿵푸에 푹 빠진 이 미국 영화마법사는 블랙유머 스타일로도 유명하다. 그의 대표작 <저수지의 개들>을 시작으로 갱단, 범죄, 폭력 등을 주요 대상으로 하는 이런 조롱과 풍자는 쿠엔틴 특유의 특징이 되었고, <펄프픽션>에서는 갱단원 모두가 더러운 존재로 묘사된다. 멍청하고 정상적으로 사고하는 능력이 부족하여 약자 앞에서는 허풍을 부리는 일이 많지만, 자신보다 강한 인물을 만나면 어찌할 바를 모르고, 인격적, 육체적 모욕까지도 기꺼이 받아들인다. 곤경에서 벗어나라. 쿠엔틴의 최근작 '킬빌'에서는 여주인공이 사무라이 검을 휘두르며 일본 깡패들과 싸우며 살인을 저지르는 모습이 극에 달한다. 개미를 밟기 쉽습니다. 이 장면은 아마도 헐리우드의 중국 쿵푸 학대에 대한 쿠엔틴의 조롱일 것입니다.
이런 블랙 유머는 짐 자무쉬의 작품에서도 흔히 볼 수 있다.
예를 들어, 그의 영화 "유령개 킬러"에서 영화의 주인공은 일본 사무라이 스타일의 킬러인 미국 흑인인데, 자무쉬는 이 역할을 위해 뚱뚱한 남자를 찾았습니다. 화면에 수백 파운드가 표시됩니다. 사무라이 검을 들고 돌아다니는 것은 그 자체로 재미있지만 그게 전부는 아닙니다. Jarmusch는 또한 살인자에게 "비둘기 메시지" 방법과 Hip의 사용을 통해 그의 주인과 소통하도록 요청했습니다. -홉 음악이 더 재미있어요. <유령개살인>, <천국에서 온 낯선 사람들>, <미스터리 트레인>, <죽음의 색을 본 적이 있는가>, 그리고 최근 나온 <브로큰 플라워>까지, 찬찬히 맛보면 숨겨진 매력을 발견할 수 있다. 블랙유머가 많이 담겨있습니다. 자무쉬의 영화는 냉철함, 낯설음, 미국 문화로부터의 소외로 항상 알려져 있지만, 그 속에 담긴 블랙 유머는 진정한 미국적이다.
미국 독립영화 속 블랙 유머 영화의 가장 대표적인 대표작은 바로 케빈 스미스의 <클라크>일 것이다. 이 독립 제작 비용은 미화 27,000달러에 불과합니다. 이는 1994년, 심지어 1990년대 전체 할리우드 코미디 영화를 부끄럽게 만들 만큼 충분한 금액입니다. 이야기는 매우 간단합니다. 주인공은 평범한 점원입니다. 그들의 삶에는 큰 일이 일어나지 않았지만 감독의 독창성은 두 주인공이 우스꽝스러워 보이지만 합리적인 일련의 일을 경험하도록 허용했습니다. 가게를 열 때, 골프를 치러 갈 때, 장례식에 갈 때, 심지어 관을 넘어뜨릴 때까지... 영화의 모든 이야기는 직접적인 것은 아니지만. 연결성을 완벽하게 해석하는 감독의 스토리 작성 능력은 정말 감탄스럽습니다. 이야기는 평범하지만 심오한 철학으로 가득 차 있습니다. 이 일련의 단편 소설에서는 사람들 사이의 상호 작용이 끊임없이 반영되며, 마침내 겉보기에는 단순하지만 종종 무시되는 진실을 우리에게 드러냅니다. 항상 주변에 사랑하는 사람과 친구. '서기'의 성공은 고기와 생선을 두려워하지 않고, 거침없이 젊은이들의 입맛을 확고히 사로잡은 케빈 스미스의 훌륭한 대사 덕분이다.
또한 독립영화에서는 영화 전반에 걸쳐 블랙유머를 전달하기 위해 뛰어난 코미디 캐릭터가 한 명 또는 여러 명 등장하는 경우가 많다. "Magnolia"의 Tom Cruise, "I Love Huckabee"의 Dustin Hoffman, "As You Should Do"의 Samuel L. Jackson 등이 있습니다. 이러한 캐릭터들의 설정은 원래 진지한 영화에 약간의 경쾌함을 더해 주지만 실제로는 과거와 미래를 연결하고, 영화 전체를 구성하며, 공연을 위한 더 넓은 공간을 갖는다. Da Biao의 연기력은 실제로 꽤 즐겁습니다.
자유·반란·폭력
독립영화는 자유가 핵심 특성이어야 한다. 여기서의 자유란 상업적 족쇄로부터의 자유뿐만 아니라 자신의 영혼을 표현하는 자유도 의미한다. 이런 의미에서 소위 '독립영화'는 사실상 '자유영화'이다. 물론 자유란 제약의 돌파를 의미하기도 하고, 제약의 돌파는 기존에 대한 반항을 의미하기도 한다. 이처럼 독립영화 특유의 정신적 의미는 바로 이러한 '자유의 반란'이다.
그래서 우리는 많은 독립영화에서 주인공들이 기존 사회 시스템과 양립하지 않는다는 것을 알게 될 것입니다. 그들은 종종 저항의 방식으로 냉소적이고 억제되지 않습니다. 데이빗 린치의 <와일드 앳 하트>를 예로 들면, 영화 속 주인공은 세상의 음모와 저항을 뚫고 함께 있기 위해 온갖 선동적인 수단을 서슴지 않는 남자와 여자다. 이 영화에서 린치는 피비린내 나는 폭력과 에로틱한 환상이 담긴 초현실적인 장면을 이용해 현대인의 불안하고 우울한 심리 상태를 보여주고 있다. 프로이트적 심리 분석이 가득하고 기이한 색채가 강하면서도 일종의 시간이 주는 아우라를 드러내기도 한다. 낭만적인 열정은 사랑에 대한 극단적인 대안적인 지속성입니다. '와일드 앳 하트' 역시 전형적인 로드무비이자 록영화의 대표작으로, 차를 몰고 고속도로를 질주하는 주인공의 모습이 반항적인 록 가수로 세상에 등장한다. 후속작인 '로스트 하이웨이'는 기본적으로 '와일드 앳 하트'의 후속작으로 볼 수 있다. 영화의 스타일, 성격, 영상 기법, 심지어 주연(니콜라스 케이지)까지 바뀌지 않았다. 이번에야말로 '와일드 앳 하트(Wild at Heart)'의 추상적이고 개념적인 세속적 압력이 폭로적인 테이프로 변신한 이 영화는 가장 기이하고 가장 이해하기 어려운 혼돈의 심리학이라는 어둡고 기이하며 신비한 인물들을 묘사하는 실험적이고 악몽 같은 영화이다. 린치의 영화 중 주인공의 반항심에 더해, 캐릭터의 마음까지 직격하는 이런 적나라한 폭로가 사실은 독립영화의 반항의 한 형태라는 점은 주목할 만하다. 헐리우드의 거짓 '드림 팩토리'에 대한 반항은 독립영화에서 흔히 볼 수 있지만, 데이비드 린치의 경우에는 더욱 명백하고 극단적이다.
하지만 올리버 스톤에 비하면 데이비드 린치는 훨씬 온화해 보인다. 적어도 "Natural Born Killers"의 폭력적인 변태는 "Wild at Heart"와 "Lost Highway"에서는 확실히 발견되지 않습니다. "Natural Born Killers"는 1990년대 전체 A 작품 중 가장 폭력적인 미국 독립 영화일 것입니다. 이 영화에서 올리버 스톤은 모든 규칙과 규정을 깨뜨리고 관객의 관람 경험까지 무시하며 폭력의 자극을 극한까지 끌어올렸다.
이는 할리우드의 아이러니일 뿐만 아니라, 미국 사회와 미국 문화의 어두운 면에 대한 전면적인 반격이기도 하다. 그러나 이런 반격은 사회에 비하면 절실하다. 개인의 힘은 늘 미약해 보이며, 주인공들은 무고한 사람들을 무차별 살해하거나 심지어 살해하는 방식으로 분노와 저항을 표출할 수밖에 없다. 물론 폭력적인 스톤을 무조건 미화하는 것은 아니다. 남자 주인공이 친절한 인도 노인을 죽였을 때 그에 대한 영화의 태도는 명백히 경멸로 변한다. 이는 감옥 폭동 장면에서 남자 주인공을 영웅적으로 대하는 것과는 다르다. . 묘사는 극명한 대조를 이룹니다.
'Natural Born Killers'의 순수하고 가식적이지 않은 적나라한 폭력은 쿠엔틴 타란티노의 갱스터 영화와 유사하다. 특히 <킬 빌>에서 쿠엔틴은 서사에 큰 공을 들이지 않았으나 폭력 그 자체를 세밀하게 묘사해 시적 색채까지 더했다. 이런 극단적인 폭력적인 미학은 인식 면에서는 <내추럴 본 킬러>보다 훨씬 편하지만 표의 효과 면에서는 다르지 않다.
1996년 여성 감독 메리 해런이 촬영한 독립영화 '슈팅 앤디 워홀'은 실제 사건을 각색해 기본적으로 활용했다는 점도 언급할 만하다. 페미니스트의 비극적인 삶을 단순하고 진실되게, 담담하게 우리에게 제시한다. 대중예술사에서 중요한 인물인 앤디 워홀에게 있어 영화는 긍정적인 묘사가 그리 많지 않고, 대신 자신을 암살한 베르밀리에 초점을 맞추고, 암살의 선구자인 비밀리를 보여주는데 중점을 둔다. 페미니즘의 상징이 전면에 등장했다. Vimili는 페미니즘의 의식적인 선구자가 아닙니다. 그녀의 저항은 그녀의 개인적인 경험에서 비롯됩니다. 이는 바로 이러한 종류의 감정적 저항이 그것을 더욱 영향력 있고 강력하게 만드는 뿌리 깊은 충동에서 비롯되기 때문입니다. 대학생 시절 비밀리는 거리에서 구걸하고 매춘을 했는데, 이는 그 자체로 체제에 대한 반란이었다. 이런 의미에서 『앤디 워홀의 총격』에 나타난 폭력은 비밀리가 앤디 워홀에게 가한 폭력이 아니라, 미국 사회가 비밀리에게 가한 폭력이다. 페미니즘 영화의 대표작인 <앤디 워홀의 총격>은 가부장제 사회에 대한 현대 미국 여성들의 비난과 저항을 표현하고 있으며, 이는 지난 세기 말 여성의식의 재부상을 의미한다. 이런 의미에서 <앤디 워홀의 총격>은 독립영화 중에서도 반항적인 작품이라고 볼 수 있는데, 그 이유는 영화가 저항하고 고발하는 남성의식은 주류 할리우드 영화뿐만 아니라 주류 영화에서도 발견되기 때문이다. 독립영화에서도 흔하다. '앤디 워홀의 총격 사건'의 성공은 이후 후발작들에게도 영감을 줬다. 이후 '소년은 울지 않는다', '악마는 프라다를 입는다', '밀리언 달러 베이비' 등 페미니스트 영화들이 잇달아 스크린에 등장해 인기를 끌었다. .그것은 큰 성공이었습니다.
물론 폭력만이 반항의 수단은 아니다. 때로는 부드러움이 조용한 권총이기도 합니다. 예를 들어, 빈센트 갈로(Vincent Gallo)가 작사, 감독, 연기, 연기, 노래를 맡은 이 독립 영화에는 폭력적인 장면이 거의 없으며, 영화 전체가 잔잔하고 슬픈 분위기로 가득 차 있습니다. 가벼운 피아노, 감성적인 얼터너티브 발라드, 흔들리는 탭댄스 사운드 트랙 등, 집으로 돌아오는 우울한 아이의 이야기를 들려줍니다. 그러나 겉으로는 따뜻해 보이는 이 분위기 속에서 미국 가정의 대인관계에 대한 냉담함과 소외감이 스쳐지나간다. 가장 인상적인 것은 주인공이 부모님, 여자친구와 같은 테이블에서 식사하는 장면이다. .. 과시와 소통부족, 무감정으로 당혹스러워하는 가족의 모습이 여기서 가장 생생하게 드러난다. 이 단순한 렌즈커팅에서 관객은 '지금은 소리보다 침묵이 낫다'는 말처럼 일종의 '차가운 폭력'의 존재를 강하게 느낄 수 있다. 말문이 막힌 주인공은 실제로 반란을 선언했다.
'Buffalo '66'과 마찬가지로 스파이크 리의 'Do What You Should Do' 역시 '차가운 폭력' 표현 기법을 좀 더 많이 사용하고 있다. 인종 문제를 다룬 영화는 영화 초반부터 백인 사회와 흑인 사회의 첨예한 대립이 드러난다. 그러나 스파이크 리는 다른 거리영화와는 달리 이 대결이 금세 격렬한 물리적 갈등으로 변하는 것을 허용하지 않고, 그 폭력을 이미지의 파편 덩어리로 만들어 사건의 순간을 최대한 연장시키려고 노력했다. 강한 극적 긴장감을 형성하여 관객이 영화를 보는 과정에서 무의식적으로 사건에 개입하게 만든다. 스파이크 리의
생각의 고통
'생각의 고통'이라는 신랄한 말을 쓰는 이유는 결코 큰꼬리늑대를 사칭하는 것이 아니다. 더 적절한 표현 방법을 찾을 수 없습니다. 유대인들은 “사람이 생각하면 하나님이 웃는다”고 했습니다. 그러나 여전히 갈대 생각을 고수하는 무리가 있습니다.
미국영화에는 소위 '예술영화'나 '시영화'라는 것이 존재하지 않는다. 영화의 이념적, 예술적 기능은 주로 독립영화에서 수행된다. 물론 주류영화에 이념적, 예술적 기능이 없다는 것은 아니지만, 대부분 상업영화의 순수 감각자극에 비하면 독립영화의 기질이 훨씬 강한 편이다.
또한 유럽이나 세계 다른 지역의 예술영화와 달리 미국 독립영화는 현대 서구 문화 토양에 뿌리를 두고 있으며 현대인의 생존 문제를 직접적으로 반영하는 데 익숙합니다. 영화가 어떤 주제나 유형을 채택하든, 인간 본성에 대한 이런 깊은 탐구와 현재의 생존에 대한 불안은 미국 독립영화에서 흔히 볼 수 있습니다.
존 세일즈의 '론스타'를 예로 들어보자. 경찰영화를 소재로 한 이 영화는 서스펜스, 웨스턴, 호러 등 상업영화에서 흔히 볼 수 있는 요소들을 조합해 처음에는 평범한 상업영화인 줄 착각하게 만들지만, 영화가 진행될수록 독립성을 띠게 된다. 영화 그의 기질이 점차 드러났다. 이야기의 내레이션은 관객에게 하나의 수수께끼를 하나씩 가져다 주고, 그 수수께끼가 하나씩 풀리면서 점차 진실이 드러나게 된다. 그 과정에서 영화는 현대 미국 사회에서 정치의 역할과 그것이 일반 사람들에게 미치는 영향에 대해 깊이 있는 성찰을 진행했다. 진지한 영화.
마찬가지로 스파이크 리의 '샘의 여름' 역시 범죄를 소재로 한 독립영화다. 이 영화에서도 이야기는 살인 사건으로 인해 발생하며, 살인 사건을 줄거리 부스터로 활용하여 한 층 더 발전해 나가는데, 영화의 주인공은 살인 사건으로 인한 혼란에 휘말리게 된다. 살인 사건 자체가 아니라, 살인 사건을 중심으로 사람 사이의 관계에 대한 심도 깊은 논의가 시작됐다. 음모가 진행됨에 따라 살인은 결국 배경에 지나지 않습니다. 스파이크 리가 우리에게 말하고 싶은 것은 결코 범죄 미스터리 이야기가 아니라 가족, 우정, 배신, 위기에 직면한 의리 등이 얽혀 있는 윤리적 문제이다. '샘의 여름'에서는 이런 괴로운 생각이 확연히 느껴진다. 사실 스파이크 리 자신도 우리에게 어떻게 해야 할지 여러 가지 가능성을 지적했을 뿐인데, 아쉽다. 청중은 스스로 생각합니다.
'샘의 여름'은 구스 반 산트의 '코끼리'와 비슷하다. 학교 촬영에서는 이 사건을 직접적으로 묘사하는 장면이 많지 않다. 구스 반 산트 역시 관객들이 스스로 생각하도록 유도하는 것 뿐이다.
마이크 피기스의 <파 프롬 라스베거스>는 처음부터 관객을 감독의 입장으로 끌어들이는 감성적인 색채가 가득한 독립영화라는 점도 언급할 만하다. <파 프롬 라스베거스>를 보면 할리우드의 <드림 팩토리>처럼 거짓된 설렘을 경험하는 것이 아니라 진짜 고통을 경험하게 된다. 피기스는 우리를 위해 매춘부와 알코올 중독자 사이의 사랑 이야기를 마련했지만, 영화에서는 매춘부도, 알코올 중독자도 인간성이 전혀 결여되어 있지 않다. 오히려 우리가 느끼는 것은 두 주인공에 대한 전체의 억압과 억압이다. 사회 속박, 여기서 매춘부와 술고래는 사실 정체성에 대한 은유에 불과하다. 감독이 진정으로 말하고 싶은 것은 현재 사람들의 생존에 대한 불안이다.
폴 토마스 앤더슨의 '매그놀리아'는 'Far From Las Vegas'보다 더 나아갑니다. <매그놀리아>에서 감독은 두렵고 불안하며 퇴폐적인 현대인의 모습을 3시간이 넘는 시간 동안 보여주었고, 앤더슨은 서사적 기법을 사용해 하루 24시간 동안 9개의 평행 전개를 능숙하게 결합했다. 부모와 자녀, 분노와 용서, TV 속 환상의 세계와 현실, 기대와 상실, 기회와 놓친 기회 등을 출발점으로 삼아 사람들의 혼란과 투쟁을 진정으로 보여줍니다. '매그놀리아'는 할리우드 상업영화와는 전혀 다른 현대적인 표현방식이 강하다.
더 전형적인 모더니스트는 소더버그의 '카프카'다. 유명 작가 카프카가 주연을 맡은 이 영화는 사실 카프카 자신과는 아무런 관련이 없지만, 소더버그는 카프카가 단지 표의 문자를 빌려온 정치 스릴러의 이야기를 재구성했다. 영화 전체는 간결하고 명확한 리듬을 갖고 있어 혼란스럽고 미친 편집증의 내면 세계를 분명하게 보여준다. 카프카의 이야기를 이 정도로 각색할 수 있다는 소더버그의 작문과 연출력은 정말 인상적이다.
이쯤 되면 꼭 언급하고 싶은 영화가 있다. Jim Jarmusch의 "죽음의 색을 본 적이 있나요?"입니다. “다른 독립영화들과 달리 이 영화는 19세기 말 미국을 배경으로 한다. 순진한 청년의 탈출 이야기를 그린다. 탈출 과정에서 줄거리는 점점 더 초현실적이 되고, 등장인물들은 마음은 점점 기묘해진다. 는 서양영화의 일반적인 장면과 분위기를 잘 활용하고 있으며, 절묘한 흑백 이미지는 서양의 원시성과 황폐함을 완벽하게 재현하며 영화의 정신적 사고를 정화시킨다. 주인공이 배에 누워 마지막에 평화롭게 죽음을 받아들이는 모습에서 영화는 종말론적 구원의 느낌을 갖는다.
"당신은 죽음을 본다