추상 미술의 세부사항

카테고리: 문화/예술>> 서예, 회화, 예술

문제 설명:

추상미술에 대한 구체적인 해석이 필요합니다. 추상 미술에 대한 이해가 다릅니다.

분석:

3월과 7~8월에는 두 개의 추상 미술 전시회 "중국의 맥시멀리즘"과 "묵주 구슬과 붓놀림"이 베이징에서 열렸으며 여전히 그 자리에 있습니다. 오늘 이 두 ​​전시회에 대해 토론해 보세요. 전시 큐레이터인 가오밍루(Gao Minglu)와 리셴팅(Li Xianting)은 둘 다 중국 아방가르드 예술의 '리더'들이며, 아트 매거진(Art Magazine)의 오랜 친구이자 동료이기도 합니다. 전시 규모와 참여 작가, 전시 제목 등을 통해 두 큐레이터는 각지에서 소외된 추상미술 창작물에 주목하고자 노력했으며, 중국 추상미술의 전반적인 특징을 정리해 정리했다.

두 거물이 동시에 중국 추상미술에 주목하고 있는 것은 상당수의 참여작가들조차 '자원 공유'를 하고 있어 자연스럽게 폭넓은 관심과 논의를 불러일으켰다. 일반적으로 부정적인 의견이 많고 그 중 일부는 매우 날카롭기까지 하고 친구들과 이야기를 나누면서 태평한 발언을 하기도 했지만, 결국 이번 전시는 추상미술 문제를 폭넓고 심도 있게 논의할 수 있는 기회를 제공한 것입니다. , 그리고 두 가지로 인해 전시는 '중국성'을 ​​강조하므로 질문은 '서구성'에 대한 이해도 포괄해야 합니다.

중국 추상미술과 서양 추상미술의 차이점도 보았고, 이 차이는 심도 있게 논의할 가치가 있다고 생각합니다. 하지만 저는 두 오랜 친구의 문화적 길을 이어가고 싶지 않습니다. 나는 단지 예술과 예술사의 관점에서 그것에 대해 이야기하고 싶습니다.

2. '추상적'인가요, '비구체적'인가요?

오늘날 학문적 문제를 논할 때 우리는 거의 단어부터 검토해야 합니다. 추상이라는 단어의 원래 의미는 "끌어내다"입니다. Ab(s)는 "~로부터"를 의미하고, tract는 "당기다" 또는 "당기다"를 의미하며, 트랙터(트랙터)는 tract에서 유래합니다. 실제 사용에 있어서 추상은 일반적으로 콘크리트와 반대되는 개념으로, 지각의 세계에서 추출된 이성적인 이해를 일컫는다. 추상적인 개념과 추상적인 사고는 표현에 있어 상대적으로 심오하고 모호하며 이해하기 어렵기 때문에 추상은 난해한 것으로도 확장된다. , 모호하고 이해하기 어렵습니다.

추상회화로 아방가르드 미술에 이름을 붙이는 것은 교묘한 전략이라고 해야 할 것이다. 이는 구체적인 이미지가 없는 모호한 회화를 조용히 철학의 정점으로 끌어올리는 일이다. 형태나 개념은 특정한 사물로부터 '추출'되었지만 형태의 분해이자 순수한 ​​형식적 구성이기 때문에 비연예적이라고 불러야 하며, 명명과 명명된 사물의 명명관계는 불변의 공적으로 굳어졌다. 합의. 그러나 정확한 개념의 학문적 가치는 교활한 명명법보다 확실히 더 중요합니다.

'추상'이라는 단어에는 부정성이 없기 때문에 추상은 특정한 것을 일반화한 것일 뿐, 특정한 것을 부정하거나 파괴할 수는 없다고 할 수 있을 뿐입니다. 이것은 자연의 형태에서 붓과 먹의 형태를 추출해낸 고도로 요약된 자유형 중국화이다. 비구상이라는 말은 그렇지 않다. 그 의미는 분명 형상에 대한 부정과 반작용인데, 서양 추상회화는 과연 전통적 구상회화에 대한 부정과 반작용이다. 서양 미술사의 단서로 볼 때 전통, 현대, 포스트모던의 '3단계'는 구상, 비구상, 재구성(구상, 비구상, 재구성)에 해당한다.

3. 서양 미술의 콘크리트에서 추상으로의 변모

콘크리트 무대는 '모방'을 추구한다. 여기서 한 가지만 말씀드리면, '모방'은 영어로 '모방'이 아니라 라틴어로 '미메시스'입니다. 이 단어는 먼저 아이들의 옹알이를 가리키는 말입니다. 아마도 서양인의 학습 언어가 '바이야'가 아니라 '미메시스'이기 때문일 것입니다. 그래서 마임시스라고 부르죠. "어떻게 되어야 하는지에 따라"는 이상이나 개념이 어떠해야 하는지를 의미합니다. 구소련에서 유래한 마르크스주의 문학예술이론에서는 '모방'을 '생활로부터', '있어야 할 대로'를 '생명보다 높다'라고 하며, 모방의 또 다른 표현인 '거울이론'을 말한다. , 그것은 "반성론"이 되었습니다. 직설적으로 말하면, "본래대로 본받는다"는 것은 비슷하고 완벽하다는 것을 의미합니다.

수공예 예술의 경우 완벽함을 위해서는 먼저 아름다운 이미지가 필요하고 두 번째로 훌륭한 솜씨가 필요합니다(대리석과 흰색 대리석은 훌륭한 솜씨에 대한 요구 사항을 더 잘 충족하기 때문에 각각 중국과 서양 석조 조각의 재료가 되었습니다) . 도자기 후자가 더 세련되었기 때문에 도자기로 대체되었습니다.) 17세기에 유래된 프랑스어 Beaux-Arts는 아름다운 외모를 강조하는 프랑스어입니다. 그러나 영어에서는 beautiful-arts라는 용어를 사용하지 않고 Fine-Arts를 선택했습니다. Fine이라는 단어는 영어로 "아름답다"를 의미하는 것이 아니라 "fine"을 의미하며, 프랑스어로도 "fine"을 의미합니다.

중국어로 '예술'이라는 단어는 영어 Fine-Arts가 아닌 프랑스어 Beaux-Arts에서 유래한 것입니다. 영어에서 유래했다면 중국의 모든 미술 학원에서는 하루 동안 '예술'도 가르치지 않고 단지 대략적인 예술만 가르쳤을 뿐입니다. 중국 미술 전공자들이 가르친 화법은 미술의 표준인 들라크루아 이후의 화법이다. 이 화법은 확실히 세밀하지 않고 거칠기 때문에 당시에는 회화학살이라 불릴 정도였다. ( "회화 학살"을 의미하는 프랑스어).

들라크루아 이전의 서양화는 유사(모방), 정밀함, 아름다움을 추구했는데, 이는 중국 공비화의 추구와 일맥상통한다. 들라크루아는 이론부터 실천까지 세밀함이 보장하는 세밀함과 정확성을 먼저 버렸습니다. ; 그러나 윤곽은 어떻게 존재할 수 있는가?” 동시에 그는 회화의 형식적 요소의 “음악성”을 강조했다: “이 효과는 특정 색상 배열, 즉 명암의 전환으로 구성됩니다. 그림이 만들어내는 음악이라 할 수 있다.” 이러한 '음악이론'을 뒷받침하기 위해 그는 음악을 '예술의 최고'라 부르며, 음악의 비모방에 바탕을 둔 '모방이론'에 의문을 제기했다.

형태의 제약을 없애고 정확성 추구를 포기하는 것은 의심할 바 없이 시각예술의 주체화를 보여주는 것이기도 하다. (그림문자는 문맹자를 위한 단어이며, 상형문자가 가장 좋은 증거입니다.) 이러한 미술사의 시기는 중국보다 서양에서 훨씬 오래 지속되었는데, 그 이유는 서양에는 창작과 감상의 대상이 되는 비단, 종이, 문인 등 편리한 재료가 없었기 때문이다. 오늘날 후진국에 살고 있는 중국인들은 "글과 먹으로 춤을 추는 것"이 ​​한때 중국의 문화적 특권이었다는 것을 발견하는 것이 불가능합니다. 왜냐하면 중국에는 비단과 종이가 있고 이 두 사람이 만든 수많은 "문해와 하이픈" 그룹이 있기 때문입니다. 자료(양피지) 이런 종류의 값비싼 자료는 가장 중요한 독서 자료(성경)를 복사하고 소수의 글을 읽을 줄 아는 성직자를 만드는 데에만 사용할 수 있습니다. 진보된 서양이 '연결'되어 있다. 중세 수공예 공방 '과학의 날개'의 최고 거장과 장인, 이른바 명작은 '명작'이 아니라 '명인의 작품'이고, 화가는 그렇지 않다. '화가'가 '화가', 도구마저도 붓이 아니라 화가의 붓이고, 물감칼은 진흙을 긁어내는 화가의 긁는 도구(목판 탄빠일라는 먼저 천으로 진흙을 긁어내야 하고 나중에 진화했다. 린넨을 베이스로 한 유화로) 소위 "스튜디오"는 중세 수공예 작업장일 뿐입니다.

<회화의 학살>에서 화가 들라크루아가 '흙손칼'을 사용했는지는 모르겠지만 쿠르베는 확실히 '흙손칼'을 '화장칼'로 바꾸어 놓았다. 들라크루아의 '회화 학살'을 추진한 것이다. 서양 근대미술의 역사를 모더니티와 포스트모더니티로 나눈다면, 근대 전체는 계속되는 '회화의 학살'을 통한 지속적인 탈형화이다. 세잔과 피카소의 중요성은 바로 그들이 각각 확립했다는 사실에 있다. 비표상적 이론과 실천은 재현과 정반대된다. 반 고흐의 의의는 실제로 들라크루아의 '음악 이론'을 표현적 색채 구성으로 발전시켰으며, 그 표현력은 추상 표현주의와 폴록의 발전에 전적으로 영향을 받았다는 점이다. 색 구성은 세잔과 피카소의 기하학적 구성과 함께 소위 '뜨거운 추상화'와 '차가운 추상화'로 이어진다. 작품 제목에서 들라크루아의 "음악 이론"의 그림자를 볼 수 있습니다. 두 추상 작품 모두 위치 번호로 제목을 붙인 것 같습니다. 이 단어는 스페인어로 "구성"을 의미하며 "구성 x 숫자"로 번역되기 때문일 것입니다. 번역가는 현대 미술의 비반영에 대한 '음악 이론'의 막대한 영향을 몰랐거나 주의를 기울이지 않았습니다.

4. 중국 추상미술의 길

중국 동진시대 고개지가 제창한 '형상을 지닌 신의 글쓰기'는 사실 고대 그리스의 예술에 매우 가깝다 "모방해야 할 것"입니다. 즉, 자연을 복사하지 않고 유사한 문제를 해결합니다. 차이점은 전자는 대상으로서 하나님의 활동을 강조하는 반면, 후자는 대상의 물리적 완전성을 강조한다는 점이다. 그러나 고개지의 『형정신론』에서는 '쓰다'라는 말을 사용했는데, 이는 동한시대 제지 발명 이후 문인층의 급속한 팽창을 의미하며, 문맹 화가 + 문맹 청중의 초기 미술사. 문맹 화가 또는 화가는 그림(페인트)만 할 수 있지만 "쓰기"(단어)는 할 수 없습니다. 이 "글쓰기"라는 단어는 "형식으로 쓰기"(Zong Bing), "전이와 모방으로 쓰기"(Xie He), "수직 및 수평 방향 쓰기"와 같은 Gu의 후기 회화 이론에 의해 지속적으로 사용되고 통합되었습니다. 풍경'(원제), '형식으로 쓰기'(종병), '형식으로 쓰기'(시에허), '수십만 리 떨어진 풍경을 쓰기'(왕웨이), '대나무 쓰기' 등의 용어는 '자유 붓놀림'과 '생활 사생'이 등장했고, 수입된 서양화법에도 '사생', '사실주의' 등의 꼬리표가 붙었다.

물론 글을 아는 사람들의 '글'은 기성 주제에 대한 유사성, 아름다움, 정확성을 추구하는 문맹 화가들과 서구 문맹 '화가들'과는 같지 않을 것이다. " 목적.

'글'의 목적은 글을 쓰는 주체의 생각, 관념, 감정 등을 표현하는 것이며, 글을 쓰는 주체의 '장엄한 생각'과 '영혼'(왕웨이)을 표현하는 것, 즉 '마음을 자유롭게 하는 것'이다. ""양식으로 양식을 작성하십시오"가 아닌 . 따라서 송대 장인적 콘크리트 사실주의가 『청명강변』 수준으로 발전하자 『형상을 중심으로 그림을 논하고, 아이를 보고 본다』(소시)는 비판이 나왔고, '화시'라는 예술적 개념이 등장했고, 동시에 당시와 송 가사의 예술적 개념에 대한 탐구도 필요한 조건과 미적 가치를 제공했다. '예술적 개념론'은 분명히 회화의 주체성을 더 강조한다. '이데올로기' 자체가 창작의 주체를 대변하지만, 이런 주체는 '맥락'이라는 대상과 동일하고 그것에 의해 제한되는 주체이다. 그가 원하는 대로 할 수 있다.

마음을 따르려는 예술적 제안과 추구는 원나라 니잔의 말에 고스란히 반영되어 있습니다. 스스로", "남은 대나무는 가슴의 기쁨을 표현하는 데 사용됩니다." “그림은 글 다음으로 좋은 것”이라는 그가 말한 것은 그림이 곧 글쓰기이고, 글쓰기가 자신을 표현하는 것임을 여실히 보여준다. 그러나 '서신'은 '글' 자체의 인식성으로 인해 '형상의 유사성'을 완전히 배제할 수 없고, 완전히 비이미지가 될 수 없다. "유사함". 그러므로 '닮음과 다름의 사이'는 중국 회화의 깨지지 않는 근본이 되었다. 너무 비슷하면 '글'이 아니라 '그림'이 되는 것이다. '글을 쓴다'면 '글을 쓴다'가 아니라 '그림을 그린다'입니다.

실제로 중국 회화의 '글쓰기' 특성은 Xie He가 제안한 '6가지 방법'에 완전히 반영되고 충분히 논의되었습니다. "6가지 방법" 중에 서예와 그림 모두에 적합한 "4가지 방법"이 있는데, 그림에 적합한 것은 "물체의 이미지에 대한 반응"과 "범주에 따른 방법"뿐입니다. "생생한 매력"과 "고대 붓의 활용"의 가장 중요한 첫 번째 방법은 확실히 서예와 동일한 규칙입니다. 게다가 앞서 언급한 '이적 및 이적형 글쓰기'에는 '쓰다'라는 단어가 있다. 중국의 서예나 그림은 모두 베끼기에서 시작하는데, 모두 관찰하고 기록(스케치)하기보다는 모양을 기억하여(자신감 있는 마음으로) 쓴다. . 중국 석판의 가치가 석상보다 높은 것은 바로 이러한 '글쓰기' 특성 때문입니다. 청중).

'쓰기'의 오랜 전통, '쓰기'에 대한 강력한 가치, '쓰기'에 대한 규정은 중국 예술가들이 Castiglione과 Pollock이 '너무 유사함'과 '쓰기'의 한계를 돌파하는 것을 지켜보게 했습니다. 같지 않다" "좋아요" 이 두 경계는 중국 펜과 잉크의 취향에 맞는 서양 품종만을 선택합니다. 들라크루아 이전의 것은 '너무 유사'하여 불필요한 장인정신을 지닌 '외국의 공비'였고, 피카소 이후의 것은 '비유사'하고 '글'의 인식성이 없는 '외국의 기만'이었다. 또한 둘 사이에는 "유사함과 다름" 사이의 "외국의 자유형 붓놀림"이 있습니다. 따라서 Xu Beihong-Su 스타일 시스템은 실제로 "Qi Baishi 타협"의 서양화 버전이며, "Qi Baishi-Xu Beihong 타협"또는 줄여서 "Qi Xu 타협"이라고 부를 수 있습니다.

이러한 '기서타협' 체제는 청나라 화가 조우이귀(周一桂)와 현대화가 우관중(吳觀中)의 서양화 전유 흡수로 설득력 있게 구현됐다. Zou Yigui는 "형태의 유사성"과 "미묘함을 통한 지능"을 옹호하고 Su Shi의 이름과 이름으로 "형태의 유사성을 잘못된 것으로 간주"하고 "그냥 외부인이 받아 들일 수 있다고 말합니다"라고 비판했습니다. 당시 그가 본 서양유화는 '세세한 부분까지 주의한다'는 그의 사상과 일맥상통하며, '외모의 유사성을 분별'함으로써 초보자들이 길을 잃지 않도록 '각성'시키는 역할을 할 수 있었다. 그러나 '글쓰기'의 규칙에 부합하지 않기 때문에('글쓰기 능력이 없다') 꼼꼼한 솜씨라는 장점은 있지만, 역시 장인정신의 문제에 감염되므로 솜씨 좋은 작품이라고 볼 수는 없다. 좋은 작품입니다("장인도 장인이지만 그림에는 담지 않는다"). 여기서 조이귀는 당시 서양화를 장인정신이 깃든 '외국의 세밀한 붓놀림'으로 여겼음이 분명하다. 만약 그가 본 작품이 들라크루아 화법의 '외국의 자유형 붓놀림'이었다면, 그는 '붓놀림이 완전히 사라졌다'고 말할 수 없었다. .기껏해야 서양화 기법이 나의 중국화 기법과 다르다고 말하고 싶을 뿐입니다. 이후의 관행은 중국 예술가들이 들라크루아가 개척한 외국의 붓놀림을 높이 평가하고 심지어 숭배하기까지 했다는 사실을 입증했습니다. 오관중은 중국 현대미술의 유명한 '***' 인물이다. 그는 내용이 형식을 결정하고 형식이 내용을 제공하는 '컨텐티즘'에 반대한다. 따라서 그는 폴록의 순수형식의 예술적 가치를 충분히 긍정하고 이를 자신의 예술에 접목시킨다. 연습, "유사성과 차이점 사이" 폴락 스타일을 형성합니다.

'글'의 인식성을 깨뜨리며 급진적인 비표상을 향한 발걸음을 내디딘 것은 바로 젊은 예술가들이었다. 이 늦은 돌파구는 어렵고 쉬웠습니다. 어려운 점은 신구 전통이 뒷받침하는 기서 타협 체계가 강하고 견고하며 돌파가 쉽지 않다는 점이다. 쉬운 점은 중국 서화에서 '필묵'의 천년 경험이 있다는 점이다. 그리고 이를 바탕으로 소개되고 소화되고 흡수된 유화의 '붓질' 경험은 중국 예술가들이 '추상수묵화'와 '추상유화' 창작에 있어서 좋은 예술적 감각과 비례감을 파악하는 능력을 갖게 해준다. . 그러나 오래된 습관에 대한 저항이 점차 약화됨에 따라 중국 예술가들은 붓질의 익숙함으로 인해 부드러운 재료의 비구상적인 측면과 비구상적인 기하학적 구성에서 상대적으로 둔화되었고 그들의 작품에서는 항상 수공의 감각이 근면한 감각보다 더 중요해졌습니다. 물론 레디메이드, 퍼포먼스 등을 포함한 전 세계적 규모의 형상기호 작품의 이론적, 실천적 강점은 중국은 물론 심지어 글로벌 예술가들의 비구상적 분야 탐구를 크게 약화시켰습니다. 디자이너의 특허가 되었습니다.

5. 시각적 가치: 비구현 예술 작품의 가치

나는 비구상 예술이 이론적, 비평적 뒷받침 측면에서 불리하다는 점을 부정하지 않기 때문이다. 실제로 만들어내는 것은 단지 안구에 봉사하는 "시각적 가치"일 뿐이며, 일반 시청자가 그 이유를 파악하기 어렵고, 평론가도 사회학적 연결과 설명을 하기가 어렵습니다(이는 순수하게 청각에 봉사하는 음악과 일치합니다). 이것이 바로 그가 르네상스 사실주의 전통에 치명적인 타격을 주고 발전의 동력을 잃은 주된 이유일 것이다.

영어에서 "value"와 "value"는 모두 가치라는 단어입니다. 사실 시각예술은 먼저 우리에게 독특한 특징을 지닌 종합적인 시각적 가치를 제공하는데, 이 시각적 가치는 작품과 다른 작품의 시각적 차이를 결정하며 이 작품이 다른 작품이 아님을 알려준다. 소위 재현적 작품은 그들의 시각적 가치가 우리의 시각적 경험에 있는 사물을 구성하는 반면, 비표상적 작품의 시각적 가치는 단지 작품 자체를 구성할 뿐 우리의 시각적 경험에서 어떤 것도 구성하지 않는다는 것을 의미합니다. 시각적 가치가 우리 경험의 사물을 구성할 때, 우리는 작품의 이데올로기적, 기술적 측면을 포함하여 사물에 대한 우리의 견해를 사용하여 작품을 해석하고 감상하거나 비판할 수 있게 됩니다. 작품을 해석하는 능력도 상실되고, 동시에 제작 기술의 수준도 느껴지지 않게 되지만, 시각적 가치가 다르면 분명 다른 시각적 느낌과 시각적 심리적 효과가 제공될 것입니다.

구체적인 작품에서는 시각적 가치가 표현 대상에 '결합'되고, 디자인에서는 비구상 작품에서만 시각적 가치가 적대적이다. 즉, "구속적인" 구성 요소나 "부가가치"가 있다면 그것은 일반적으로 시각적 경험으로 알려진 모호한 시각적 심리적 요인일 수 있습니다. 일상생활에서 이런 시각적 경험은 거의 항상 우리와 함께 하며, 가장 흔한 것은 옷을 선택하는 것입니다. 같은 스타일의 옷이라도 색상마다 색상 값이 다릅니다. 이는 다른 색상으로 대체할 수 없습니다. Value, 이때 색상 값은 시각적인 값으로 변환됩니다. 마찬가지로 구성, 메커니즘 등의 시각적 가치도 직접적으로 시각적 가치로 변환될 수 있습니다. 순전히 시각적인 의미에서의 이 가치는 말로 표현하기 어렵습니다. 이 가치에 대한 우리의 확인은 일반적으로 "좋아요" 또는 "놀랍습니다"로 표현됩니다.

실제로 고대 중국 회화론과 회화 비평에서 시각적 가치의 가치에 대한 간접적 인 확인과 긍정이 많이 있습니다. 레이아웃의 시각적 가치를 확인하는 데 사용되며 "종이 뒷면을 관통할 수 있는 힘"을 사용하여 레이아웃의 시각적 가치를 확인합니다.", "마른 펜은 잉크에 목마르다" 등이 있습니다. 먹자국의 시각적 가치를 긍정하는 데 사용되며, '황량하고 차갑고 멀다'는 예술적 개념 등의 시각적 가치를 긍정하는 데 사용됩니다. 그러나 비표상 분야에 진입하게 되면 전통적인 기술과 평가용어는 거의 모두 무효화되고, 이러한 간접적인 가치확인 방식 역시 무효화되어 거대한 비판적 딜레마를 낳게 된다. 현대미술의 경우 강력한 비평을 잃으면 그 작품은 평범한 상품으로 전락하게 되어 구상작품과의 경쟁에서 돌이킬 수 없을 정도로 약한 위치에 놓이게 된다.

사실 의복의 시각적 가치가 의복의 시각적 가치인 것처럼 추상미술 작품의 시각적 가치는 바로 그 시각적 가치입니다. 특정 작품의 고유한 가치는 다른 작품과의 시각적 차이에 있으며, 작가의 창의성은 이전에 선보인 작품과의 시각적 차이가 클수록 좋다. .

6. 『세잔에 대한 경의』에 나타난 역설로부터의 형식적 변화의 의의

1900년 프랑스 화가 모리스 드니(1870~1943)는 『세잔에 대한 경의』라는 제목의 작품을 창작한다. "는 세잔에 대한 작가의 동경을 구체적인 상징주의 나비양식으로 표현한 것이다. 그러나 이 방법은 세잔의 예술적 사상과 예술적 실천에 정반대된다. 왜냐하면 세잔의 길은 모방론을 부정하고 비재현으로 이어지는 길이기 때문이다. . 그러므로 세잔에 대한 진정한 경의는 피카소였다. 비록 그가 특별히 세잔에 대한 경의를 표하는 그림을 그리지는 않았지만 말이다. 어떤 사람은 고전 중국어를 사용해 '한문에 경의를 표하는' 글을 쓰고, 다른 사람은 자국어를 사용해 '한문에 경의를 표하는' 글을 쓰거나, 또 다른 사람은 자국어를 사용해 '한문에 경의를 표한다'는 글을 쓴다고 생각한다. 한문 사용을 반대하는 글은 오히려 한문으로 쓰는 것이 한문 고전을 부정하는 의미가 더 크다고 믿고, 한문을 지원하기 위해 한문을 사용하는 기사는 한문의 내용을 부정하기 위해 한문 고유의 쓰기 방식을 사용한다. 중국 고유의 글쓰기를 옹호합니다. 즉, 드니는 자신의 예술을 부정함으로써 세잔에 대한 존경심을 표현한 것이다.

위의 분석을 보면 표현의 내용보다 표현의 방식이 더 혁명적이라는 것을 알 수 있다. 레디메이드, 초현실주의, 포토리얼리즘, 개념 사진, 비디오 아트, 퍼포먼스 아트 등이 모두 시대의 변화이다. 표현 방식을 통해 새로운 것을 이끌어냅니다. 이는 예술품 생산에도 해당되며, 비예술 생산에도 해당됩니다. 소위 산업 혁명은 우선 생산 방식의 혁명이지 생산 '내용'의 혁명이 아닙니다. . 사회 혁명은 또한 사회의 일부 "내용"을 파괴하는 것이 아니라 사회가 조직되고 운영되는 방식의 혁명이기도 합니다. 중국의 농민 봉기가 혁명적 의미를 가지지 못하는 이유는 바로 그 봉기가 사회의 조직과 운영 방식을 바꾸지 못하기 때문이다. 그 결과는 통치의 '내용'을 바꾸는 소위 '왕조의 변화'일 수밖에 없다. 다음 질문은 중국에서 비구상 미술의 아방가르드적 의미가 끝났으며 레디메이드, 퍼포먼스, 개념 사진, 비디오 아트, 구상 유화 등의 구체적인 작품으로 대체되어야 하는지 여부입니다.

어디에서나 볼 수 있는 시끄러운 '추상 수묵화'와 비구상적인 도시 조각이나 풍경은 중국의 비구상 미술이 아직 발전 단계나 아방가르드 단계에 있음을 보여준다. 이 두 가지 특별한 분야인 중국현대미술은 거의 기성품, 퍼포먼스, 개념사진, 비디오아트, 콘크리트 유화 등 구체적인 방식의 통일이다. 과학적 합리성의 정신에 부합하는 기하학적 추상 작품은 훨씬 적습니다. 중국 콘크리트 작품의 압도적인 장점을 '포스트모더니티', '그림읽기의 시대', '인본주의적 배려', '중국 지식인의 사회관심 전통' 등을 이용해 설명하는 것은 설득력이 없다. 1990년대부터 현재까지. 소위 서구의 '포스트모던'을 복제하는 것이 중국 현대 미술을 포스트모더니티로 가져올 수 있다면, 중국 청동을 복제하는 결과는 필연적으로 중국 현대 미술을 청동기 시대로 되돌릴 것입니다. 작품이 보기보다 읽기 위한 것이라면, 서로 다른 이미지에 동일한 언어적 꼬리표를 붙이는 현재의 관행이 아닌, 이미지에 대한 대량의 읽기, 즉 정확한 의미 분석이 이루어져야 합니다. '인본주의적 배려'는 'one size fit all'이라는 빈 기표로, 어디에 게시하든 빛을 발하는 광고 슬로건이다.

사실 중국 현대미술은 심오한 시각적 혁명을 경험하지 못했을 뿐, 구체적인 형태의 찬양에서 구체적인 형태의 풍자와 비평으로 변했을 뿐이다. ) in (의학), 현재는 고전 중국어(약을 바꾸지 않고)를 사용하여 토속어(국을 바꾸는 것)를 장려합니다. 시각적 혁명 통로 끝에 있는 표시는 사람들의 마음 속에 새로운 시각적 방식의 확고한 위치를 확립한 다음(양주의 팔기심이 "이상함"에서 이상하지 않음으로 바뀐 것처럼), 이를 새로운 시각적 방식으로 바꾸는 것입니다. 표준과 습관을 바탕으로 다음 세대를 위한 무대를 마련합니다. 현장 변화는 전제와 의미를 제공합니다.

7. 결론

나는 오랫동안 중국 추상미술을 지지하는 글을 쓰고 싶었지만 아직까지 끝내지 못했다. 이 아이디어에 대한 동기는 중국에 돌아온 후 판더하이가 1985년 시대의 "오래된 옥수수 콩"을 붉은 큰 머리 시리즈의 "피부"로 변형시키는 것을 보았기 때문입니다. 그 점에서 그는 분명히 구체적인 정치적 팝에 의해 위협을 받았습니다. 시간이 지나면서 "낡은 옥수수콩"을 완전히 포기했습니다. 치매에 대한 큰 그림을 그려보세요. 충칭에서도 비슷한 상황이 벌어졌다. 하나는 큰 머리에 추상적인 붓자국을 짜고 있는 주샤오허(Zhu Xiaohe)이고, 다른 하나는 큰 머리에 면사를 붙이고 막 데뷔한 장젠쥔(Jiangjun)이다. 또 다른 학생은 큰 머리에 빨간색과 녹색 점을 그렸습니다. 언젠가는 Luo Zhongli의 "Father", Geng Jianyi의 "Second State", Wang Guangyi의 "***"부터 Fang Lijun 및 Yue Minjun의 큰 머리 시리즈에 이르기까지 중국 현대 미술의 큰 머리 현상에 대한 기사를 쓸 것입니다. . 그러나 이제는 약한 추상 미술을 "칭찬"하는 것이 좋습니다. 물론, 단지 약간의 얼룩과 잉크점 몇 개에 불과한 작품은 미술사상 최초가 아닌 이상 지원되지 않습니다. 사실, "다른" 예술이 그 가치를 잃게 만드는 것은 이러한 작품의 "기만적인" 효과입니다.