급하게 서양음악(서양음악)에 대한 소개를 찾고 있어요~감사합니다

서양 음악의 역사

1.1000 ~ 1450 - 중세

음악은 아주 일찍부터 기독교 교회에서 역할을 하기 시작했습니다. 교회 음악은 그리스어, 히브리어, 시리아의 영향을 받았습니다. 시간에 맞춰 진화하는 시편을 정리된 전례로 모으십시오. 6세기 말에 교황 그레고리오 1세(590-604)는 기독교 음악을 개혁했습니다. 그레고리오 성가(아카펠라라고도 함)는 그리스와 히브리 음악에서 유래되었으며 단일 멜로디 라인으로 이루어져 있습니다. 조화나 대위법은 없습니다. 자유로운 보컬 멜로디가 라틴 가사의 리듬과 아름답게 조화를 이룹니다. 그레고리오 성가의 선율은 규칙적인 악센트가 없으며 그것이 표현하는 것은 음악에서의 산문적 리듬, 또는 자유로운 리듬이라고 할 수 있습니다. 로마네스크 시대(약 850~1150년) 동안 서양 음악의 역사에서 매우 중요한 발전이 일어났습니다. 다성음악이 가장 중요한 음악 스타일로 등장했습니다. 이러한 발전은 회화의 원근법 과학의 발전과 일치하여 깊이 있는 청각과 시각이 유럽 문화에 유입되었고 필연적으로 매우 의미 있는 작품이 탄생했습니다. 이러한 발전은 고딕 시대(약 1150-1450)에 구체화되었습니다. 이 기간 동안 세속 음악은 봉건 궁중 음악가와 음유시인의 예술을 통해 번성했습니다. 더 중요한 것은 합창단과 오르간이 있는 대성당이 이 시기에 지어졌다는 점입니다. 건축의 발달은 웅장한 건물을 지을 수 있게 했고, 그에 상응하는 것이 음악에서도 탄생했다. 새로운 대위법 과학은 기술의 정점에 도달했습니다. 음악에 능숙한 예술가들(주로 승려와 성직자)은 다양한 대위법을 통해 대규모 음악 작품을 작곡하는 기술을 터득했습니다. 이때 그들의 주요 관심은 음악적 요소의 구조적 결합에 있었는데, 이는 "작곡가"라는 단어가 후기 고딕 시대에 사용되었던 라틴어 componere에서 파생된 이유를 설명합니다. 무엇보다도 빌더로서.

2: 1450~1600 - 르네상스

11세기 말부터 13세기 말까지 유럽에서는 십자군 전쟁이 일어났다. 음악적으로는 음유시인, 음유시인, 작사가 등이 많이 등장했다. 그들은 작은 하프 같은 아코디언이나 비올족의 악기를 사용하며, 그들의 노래에는 사랑 노래, 이야기 이야기, 자연에 관한 찬송가, 종교적, 도덕적 내용이 포함됩니다. 13세기 중후반부터 14세기에 걸쳐 고딕 양식의 미술은 북유럽에서 조용히 등장하여 건축에 뚜렷하게 반영되었다. 음악에 있어서는 고딕 양식이 한 시대를 대표하는 형태를 이루지는 못했지만 오르가눔에서 유래한 다성음악 형식에서 고딕 양식의 특징이 아주 뚜렷하게 나타난다. 13세기 모테트 중에는 엄숙한 그레고리오 성가의 고정된 선율 외에도 다양한 가사와 박자표를 사용하여 동시에 부르는 춤과 사랑 노래의 선율도 있었습니다. 14세기 후반에 유럽의 사회 이데올로기는 엄청난 변화를 겪기 시작했습니다. 일부 진보적이고 자극적인 새로운 아이디어가 탄생하여 점차 확산되었습니다. 가장 대표적인 것이 인본주의적 사고이다. 인문주의는 사람을 최우선으로 생각하며, 사회의 주인은 신이 아니라 사람이다. 생명에 대한 인간의 사랑과 인간의 지혜를 기리며, 인간의 힘이 모든 것을 극복할 수 있음을 믿으십시오. 인간의 본성을 장려하고 중세 금욕주의에 반대합니다. 인본주의적 사고 경향의 영향과 장려로 유럽에서는 정치, 문화 및 기타 측면과 관련된 중대한 변화, 즉 "르네상스" 운동이 일어났습니다. 문학, 미술 등 문학과 예술의 형식에 이어 음악도 '부흥'의 시기에 접어들었습니다. 이 시기의 음악에서는 세속음악이 점점 더 중요한 위치를 차지하게 되었다. 인간의 내면 세계와 자연의 아름다움에 대한 묘사는 음악 작품에서 매우 두드러지게 나타나며, 새로운 음악 스타일을 형성하고 많은 기악 장르와 오페라 형식을 탄생시켰습니다. Palestirina, Lasso, Landino, Dufay, Monteverdi 등 독특한 작곡가들이 뛰어난 음악 활동을 펼치고 있습니다. 그들의 창작물은 새로운 음악 경향으로 가득 차 있으며 선구적인 중요한 의미를 갖고 있습니다. 이 시기에 음악예술은 전방위적으로 발전하였고, 당시 다성음악은 16세기 황금기로 발전하였다. 이 시기에는 음악 이론도 성숙해졌습니다. 장조와 단조의 조성 체계가 기본적으로 확립되었으며, 화성의 기능적 체계도 싹트고 발전하고 있습니다. 표기법은 알파벳 및 기호 표기법에서 4행 표기법으로 변경되었습니다. -행 표기법 등 오선보와 대위법의 적용도 매우 풍부한 수준에 이르렀습니다. 이 시기에는 기악의 독립성이 더욱 강해졌고, 악기의 발전도 점차 가속화되었다. 당시에는 이미 비올, 코넷, 트럼펫, 트롬본, 오르간, 류트 등의 악기가 음악 무대에서 활발히 활동하고 있었으며, 르네상스 후기 바이올린과 하프시코드의 등장은 음악 예술에 눈부신 광채를 더해주었습니다.

3: 1600~1750 - 바로크 시대

바로크 음악의 바로크 시대는 일반적으로 대략 1600~1750년, 즉 몬테베르데부터 바흐와 헨델을 기점으로 한 것으로 간주된다 . 1750년 대위법 대가 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)의 죽음은 대위법 음악의 전성기이자 바로크 시대의 종말을 의미했습니다.

이 시대를 바로크라고 부르는 이유는 이 시대의 음악적 표현의 기법과 방식이 기본적으로 어느 정도 유사하기 때문에 이 시대를 표시하는 데에는 특별한 의미가 없기 때문이다. 바로크(baroque)라는 말은 프랑스어에서 유래되었으며, 그 어원은 모양이 둥글지 않은 진주를 뜻하는 포르투갈어 바로코(barroco)이다. 바로크 후기 평론가들이 이 시대의 음악을 논평할 때 처음 사용했으며, 일반적으로 투박한 음악, 이상하고 과장된 음악을 지칭하는 등 경멸적인 의미를 가졌다. 바로크 이후 고전주의 음악가들은 음악언어를 단순화하고 표준화하는 경향이 있었다. 바로크 음악은 너무 과장됐고 충분히 표준화되지 않았다는 것이다. 따라서 바로크라는 용어는 비평가들이 17세기와 18세기 초의 예술 및 음악 작품을 지칭하는 데 사용합니다.

이제 시간이 지나면서 우리는 이 시대의 음악을 좀 더 깊이 있고 세밀한 역사적 관점에서 바라볼 수 있게 되었다. 바로크는 더 이상 거칠고 거칠다는 의미가 아니라, 바로크 이전과 이후의 음악 음악작품으로서 과장되고 다소 불규칙한 특징을 가지고 있다. 르네상스 예술은 명확성, 통일성, 조화에 관한 것입니다. 그러나 16세기 말에 이르러 예술에 있어서 감정적 요소는 나날이 증가하게 되었고 명확하고 분명하며 완벽한 형태보다는 감정 표현의 필요성이 더 중요해졌습니다. Caravaggio(1573-1610)의 강렬하고 극적인 그림에서 순수 예술을 볼 수 있습니다. 음악에서 우리는 이미 Marenzio와 Gesualdo의 마드리갈과 Daolunde의 고대 노래에서 단서를 보았고 그들의 다음 세대는 더욱 발전했습니다. 이러한 강력한 효과를 만들어내기 위해서는 새로운 음악 스타일이 개발되어야 했습니다. 일반적으로 말하면, 르네상스 시대의 부드러운 다성 음악은 더 이상 새로운 시대가 요구하는 특성에 적합하지 않습니다. 바로크 시대의 가장 중요한 창조물은 '대비'라는 개념이었습니다. 르네상스 음악은 다양한 성부(보통 4~5성부)가 서로 얽혀 있고 동시에 동기화되는 부드러운 진행 방식을 가지고 있습니다. 1600년 이후에는 이러한 질감이 점점 줄어들어 교회음악에서만 볼 수 있게 되는데, 이는 교회음악이 전통과 고정된 전례에 얽매여 있어 가장 보수적이기 때문이다. "대비"는 다양한 측면으로 표현될 수 있습니다: 높거나 낮은 피치, 빠른 속도 또는 느린 속도(빠른 부분과 느린 부분 간의 대비), 강하거나 약한 강도(노래) 및 전체 연주; (코러스) 등 이 모든 것은 바로크 시대의 음악 구조 내에 존재하며 각각 고유한 위치를 가지고 있습니다. 바로크 시대의 많은 음악가들은 콘체르토 또는 폴리콘체르토 형식(단어 자체가 명확한 대조 요소를 의미함)을 사용했는데, 그 기본 특징은 질감의 변형으로, 때로는 한 성부(솔로) 또는 여러 성부를 사용하기도 하고, 때로는 더 큰 그룹 앙상블을 사용하기도 합니다. 사용된. 가장 뚜렷하고 강한 대조는 당시 '모노디(monody)'라는 새로운 장르가 등장했다는 점인데, 이는 하프시코드나 하프시코드를 반주로 반주하는 부드러운 보컬 파트를 대략적으로 얹은 일종의 솔로곡이다. 이 장르의 대표자(그리고 어느 정도 창시자)는 작곡가이자 가수인 Caccini(약 1545-1618)입니다. 그의 획기적인 작품인 "New Music"에서는 인간 목소리의 멜로디가 다음과 같이 크게 변합니다. 가사의 의미는 리듬과 질감 면에서 매우 단순한 것부터 매우 장식적인 것까지 다양하며, 이와 대조적으로 Caccini는 "Camerata Society"(음악가 그룹)의 회원이었습니다. , 시인, 귀족) 피렌체에서 그는 1670년대와 1680년대에 고대 음악을 접하게 되었고, 그리스 음악의 감정 표현 개념이 재현되었고, 이 그룹은 이 개념을 따라 "단선 노래"의 형식을 채택했습니다. 위에서 언급한 '반주'라는 단어는 르네상스 음악에서는 거의 의미가 없는 바로크 시대에 속하며, 이는 악기 부분의 위상이 다르다는 것을 의미한다. 사실 바로크 음악의 가장 중요한 특징은 바로크 음악의 반주이다. 즉, 연속 연주자는 하프나 오르간(또는 피치카토)을 연주합니다. 베이스 파트는 현악기(류트 또는 기타)에서 연주되며, 베이스 연속 연주자가 자주 연주해야 하는 필 코드를 나타내는 숫자가 표시되어 있습니다. 두 사람이 연주하며, 한 사람은 첼로(또는 비올이나 바순)를 사용하여 베이스 파트를 연주하고 다른 사람은 필 코드를 연주합니다. 위 부분은 두 명의 성악가를 위해 작곡되는 경우가 많고, 때로는 두 명의 바이올린을 위해 작곡되는 경우도 있는데, 이 구조를 트리오 소나타라고도 합니다. 바로크 음악에서는 매우 전형적이며, 특히 연속체는 필수 불가결한데, 이는 바로크 음악에서 베이스에 의한 화성이라는 개념이 얼마나 중요한지를 보여주는데, 이 개념의 등장은 16세기에 갑자기 나타난 것이 아닙니다. , 베이스 사운드가 이미 포함되어 있었지만, 이 스타일이 위에서 언급한 변화와 함께 명확하게 확립된 것은 바로크 시대였습니다. 다성음악의 포기 (좀 더 정확하게 말하면) 다성음악은 거의 특정 유형의 교회 음악에서만 사용되는 구식 방법이 되었습니다. 화성에 주의를 기울이면 필연적으로 음악 작품에서 화성 진행의 여러 끝점으로 이어질 것입니다. 이러한 종료점을 종료 또는 종료라고 합니다. 묶음은 특정 표준의 일련의 고조파 진행으로 형성됩니다.

이와 관련하여 성악에서 멜로디가 가사의 감정을 표현하려면 기악(일부 성악 포함)에서 언어의 자연스러운 리듬을 따라야 합니다. 합창곡), 댄스리듬이 사용된다. 베이스는 댄스음악의 리듬을 이용하기 때문에 음색의 발달과 특정 음색으로의 진행 경향을 가속화시킨다. 동시에 새로운 악기 유형의 출현으로 이러한 과정이 가속화되었으며, 그 중 가장 중요한 것은 바이올린 계열이었습니다. 당시 비올의 소리는 다성음악의 명료함에는 적합했으나 역동적인 리듬감이 부족하였고, 바이올린의 맑고 밝은 현악기 연주능력과 화려한 기교적 연주능력은 댄스리듬이 있는 음악연주에 적합하였다. , 모노포닉 곡에 비해 스킬 사용 능력이 더 높습니다. 성악 스타일과 악기 스타일을 교대로 사용하는 것은 전형적인 바로크 기법입니다. 바로크 음악에서 두 가지 다른 스타일을 교대로 사용하는 것은 참신함과 효과를 위한 것입니다. 초기 바로크의 중요한 음악 형식은 단성 노래(이전 시대의 다성 음악에 비해)와 관련 신체 운반 오페라와 오라토리오로, 오페라에는 성악과 음악의 긴밀한 결합을 강조했습니다. 효과. 대위법은 단선율 음악에서는 사용되지 않고 분절형, 회창구조, 반복저음부의 변주 등 선율과 베이스의 결합으로 형태가 전개된다. 연속 베이스 조합 연주에 적합한 악기와 바이올린 제품군을 대체하는 바이올린과 같은 악기도 이에 상응하여 개발되었습니다. 바이올린 제품군은 더 유연하고 더 높은 보컬 범위를 연주할 수 있습니다. 유럽 ​​국가의 바로크 시대 음악 바로크 시대에는 음악 예술이 유례없이 급속하게 발전했습니다. 그리고 후기 로코코 예술의 부흥에 기여했습니다. 이 시기의 음악은 독일, 이탈리아, 프랑스 및 기타 국가를 가장 대표합니다.

1. 바로크 시대 독일 음악 바로크 시대 독일 음악은 슈츠(Schütz), 바흐(Bach), 헨델(Handel)로 대표됩니다. 중세 이후의 다성음악을 피라미드에 비유한다면 그들의 음악은 르네상스 이후의 새로운 이탈리아 음악을 흡수했을 뿐만 아니라 새로운 길을 열었다는 점에서 탑의 꼭대기와 같다. 하인리히 슈츠(1585~1672)는 24세에 이탈리아로 유학을 떠나 베네치아 음악파의 거장 조반니 가브리엘리(1557~1612)에게 사사했다. 중국으로 돌아온 후 그는 첫 번째 독일 오페라 "다프네"를 출판했으며 이후 많은 수난곡을 작곡했습니다. 슈츠는 바흐와 헨델로부터 정확히 100년 떨어져 있었고, 그의 스타일은 이 두 바로크 음악 거장을 탄생시키는 데 중요한 영향을 미쳤습니다. 헨델과 바흐의 음악 작품은 전통 음악의 종합과 새로운 사고 경향을 따르는 측면 모두에서 음악사에서 찬란한 빛을 발산합니다. Handel의 Nao Kuai Fan Li Jia Wan 퇴폐적 Yan Wei Zheng Ye Na Jia Sweng Pata Fen Xing Bu Xing Yan Yie Na Zhong Xue Wu Yun Huang Sheath 芰 Ship Mao Qing Bach의 음악은 성악 요소에 강한 악기 음악을 포함하고 있습니다. 고전주의 시대의 도래를 위한 견고한 토대를 마련했습니다.

2. 바로크 시대의 이탈리아 음악 위대한 예술 형식인 오페라는 고대 유럽 문명인 '음악의 요람'인 이탈리아에서 탄생했습니다. 당시 피렌체에는 고대 그리스 예술에 관심이 많은 위대한 예술가와 귀족 집단이 많이 있었습니다. 이 귀족들은 그리스 드라마에 새로운 생명을 불어넣겠다는 결심을 하고 고대 그리스 이야기를 위한 음악을 작곡하기 시작했고, 합창단이 의상을 입고 전체 이야기를 노래하는 것이 오페라의 원형이었습니다. 나중에 이야기 속 역할은 가수들이 맡았고, 합창 공연 사이에는 남성 가수와 여성 가수가 각각 솔로를 연주했습니다. 등장인물의 말이 부드러울 때 대사는 반창과 반창으로 처리되는데, 이러한 노래는 찬송가와 흡사하며, 강렬한 감정이 실제 선율로 표현되는 것을 아리아라고 한다. 나중에는 가수의 아름다운 목소리를 과시하기 위해 특별히 아리아가 사용되었습니다. 당시 오페라가 이탈리아, 영국, 독일 어디에서 공연되든 아리아는 항상 이탈리아어로 불렀고, 낭송 부분은 모국어로 불렀다. 이탈리아 바로크 음악에서 현악기는 초기 오페라와 비교할 수 없을 만큼 당시 오페라의 고대 서곡과 협주곡은 모두 현악기가 지배적이었습니다.

이 시기 이탈리아는 주세페 토렐리(1650~1708), 아르카젤로 코렐리(1653~1713), T. 안토니오 비탈리(1665~1735), 안토니오 비발디(1675~1743) 등 바이올리니스트가 풍부했다. ), Giuseppe Tartini (1692-1770) 등은 모두 Bach보다 앞섰습니다. 이들 음악가들은 유명한 바이올리니스트일 뿐만 아니라 바이올린 음악의 작곡가이기도 하다. 이탈리아 북부 알프스의 크레모나 사람들 중에는 아마티, 과르네리, 스트라디바리 등 바이올린 제작자들이 끊이지 않고 있으며, 이들이 세심하게 제작한 바이올린은 지금도 무대에서 활약하며 무한한 예술적 매력을 보여주고 있다.

오페라의 서곡은 빠른 시작, 느린 중간, 빠른 끝의 세 부분으로 나누어야 합니다. 이 형식은 나중에 협주곡과 교향곡의 기본 형식이 되었습니다. 바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스 등의 현악기는 여전히 오케스트라에서 없어서는 안될 악기이자 실내악과 독주악기로서 매우 중요한 악기입니다.

바로크시대 이탈리아음악의 영향력이 매우 깊었음을 알 수 있다. 바로크 시대의 프랑스 음악 당시 프랑스 파리에서는 왕자와 귀족의 거주지에서 오페라와 포르테피아노 음악이 큰 인기를 끌었습니다. 이 시기 프랑스 오페라는 이탈리아 오페라의 전통에서 벗어나 무용극의 형식에 가까웠다.

바로크 시대 프랑스의 대표적인 오페라 작곡가는 장 바티스트 륄리(Jean Baptiste Lully, 1632~1687)이다. 그의 오페라는 간결하고 명료하며 선율이 아름다우면서도 춤성이 뛰어나다. 매콤하고 유머러스하며 심오합니다. 오페라와 동시에 클라비코드 음악이 대중화되었습니다. 하프시코드는 바로크 문화를 대표하는 장식으로 장식되는 경우가 많으며 하프시코드는 현대 피아노의 전신입니다. 당시 포르테피아노의 대가로는 프랑수아 쿠프랭(1668-1733)과 J.P.장 필립 라모(1683-1764)가 있었으며, 그 중 다수는 오늘날에도 여전히 널리 유통되고 있습니다. 1722년에 출판된 "하모니 입문"(라모 저)은 음악사에서 화성에 관한 최초의 이론 작품입니다.