서양 미술계의 대표적인 인물과 작품 세계 작가 순위는?

1. "후기 인상주의"

"후기 인상주의"는 한때 인상주의를 따랐지만 나중에는 인상주의에 얽매인 화가들을 지칭하는 데 사용됩니다. 독특한 예술 스타일을 선보이며 그 중 뛰어난 작품으로는 Cézanne, Van Gogh, Gauguin 및 Lautrec이 있습니다. 사실 후기인상주의는 하나의 사회나 종파도 아니며, 독특한 미적 프로그램이나 선언문도 없으며, 화가들의 예술적 스타일도 매우 다릅니다. 이를 '포스트 인상주의'라고 부르는 이유는 주로 미술사가들이 양식 면에서 인상주의와 명확하게 구별하기를 원하기 때문이다.

후기 인상파는 빛의 일시적인 효과와 자연의 색 변화를 묘사할 때 인상파 화가들이 취하는 지나치게 객관적인 과학적 태도를 좋아하지 않았습니다. 그들은 예술적 이미지는 객관적 대상과 달라야 하며, 작가의 주관적인 감정을 담고 있어야 한다고 주장한다. 세잔은 “그림은 맹목적으로 현실을 모방하는 것이 아니라 다양한 관계의 조화를 추구하는 것”이라고 믿었다. 그가 주목한 것은 그림에서 엄격하고 질서 있는 구조를 형성하기 위해 명확한 형태를 사용하는 것이었다. 반 고흐와 고갱은 영성과 감정의 표현에 중점을 두었으며 그들의 작품에는 내면의 표현력과 생각을 자극하는 상징적 의미가 스며들어 있습니다.

객관적 표현을 중시하는 서양 미술 전통에서 벗어난 후기 인상주의 회화는 두 가지 주요 모더니즘 미술 경향, 즉 입체파, 매너리즘 등 구조적 질서를 강조하는 추상 미술과 주관적 감성을 강조하는 미술의 경향을 고취시켰다. 주관적인 감정 표현주의(예: 야수파, 독일 표현주의 등) 그러므로 미술사에서는 후기인상주의를 서구 현대미술의 시초라 부른다.

대표인물 및 대표작:

폴 세잔(Paul Cezanne, 1839-1906) "모자를 쓴 자화상", "몽생빅투아르";

빈센트 반 고흐(1853-1890) "자화상";

폴 고갱(1848-1903) "후광이 있는 자화상" ;

2. "큐비즘"

서구 현대 미술에서 큐비즘은 큰 영향력을 미치는 회화의 사조이자 유파이다. 그의 예술적 추구는 세잔의 예술관과 직접적인 관련이 있다. 입체파 화가 자신은 한때 다음과 같이 주장했습니다. "세잔을 이해하는 사람은 입체주의를 이해하는 것입니다."(Hadesh Osborne, "Abstraction and Technique in 20th Century Art", Sichuan Fine Arts Publishing House, 1978, p. 87). 입체파 화가들은 "원통, 구, 원뿔을 사용하여 자연을 다룬다"는 세잔의 생각에 영감을 받아 그림에 구조적 아름다움을 창조하려고 노력했습니다. 그들은 작품의 서술적, 표현적 요소를 줄이고 기하학적인 그림 구조를 구성하기 위해 노력했습니다. 그들의 작품은 여전히 ​​어느 정도의 재현성을 유지하고 있지만, 그들의 목표는 객관적인 재현과는 근본적으로 다르다. 그들은 Cézanne의 "동시 비전"이라는 회화 언어를 개발했는데, 이는 여러 각도에서 사물에 대한 다양한 관점을 그림의 동일한 이미지로 결합하는 것입니다. 예를 들어, 피카소의 그림 '아비뇽의 여인(Les Demoiselles d'Avignon)'에서는 앞면에는 옆에서 코가 그려져 있고, 옆면에는 앞눈이 거꾸로 그려져 있습니다. 일반적으로 "Les Demoiselles d' Avignon"은 최초의 입체파 작품이며 입체파 운동은 일반적으로 두 단계로 나눌 수 있습니다. 한 단계는 1912년 이전의 소위 분석적 입체주의였습니다. 화가들은 ​​세잔의 회화 구조에 대한 합리적 분석의 전통을 계승하고, 공간과 사물의 분해와 재구성을 통해 회화적 공간과 물리적 구조를 형성하고자 했다. 1912년 이후 입체파 운동은 흔히 종합 입체파(Synthetic Cubism)라고 불리는 두 번째 단계에 접어들었습니다. 색상은 이제 그림에서 강력한 역할을 담당하지만 형태는 조각난 채로 남아 있으며 더 크고 장식적일 뿐입니다. 화가들은 ​​물리적 사물을 이용해 그림의 그래픽을 콜라주하는 새로운 예술적 기법과 언어를 창조해냈는데, 이는 그림의 질감 변화를 더욱 강화하고 자연과 회화 사이에서 무엇이 현실이고 환상인지에 대한 질문을 제기한다. 입체파는 회화의 한 스타일이었지만 20세기 조각과 건축에도 지대한 영향을 미쳤습니다.

대표 인물:

파블로 피카소(1881-1973) "Les Demoiselles d'Avignon"; "Guernica";

George "The House of Estaque" Georges Braque(1882-1963);

Fernand Leger(1885-1955)의 "Three Women";

Ge Juan Gris(1887-1927) "기타와 악보 ";

3. "야수파" 또는 야수파

1898년부터 1908년까지 프랑스에서 인기 있는 현대 회화 경향. 명확한 이론이나 프로그램은 없지만 일정 기간에 걸쳐 일정한 수의 화가들이 모여 활발한 활동을 한 결과이므로 화파라고도 볼 수 있다. 야수파 화가들은 물감통에서 직접 짜낸 물감을 자주 사용하고, 직선적이고 폭넓은 붓놀림을 사용하여 강렬한 그림 효과를 내는 등 감정 표현을 추구하는 표현주의 경향을 충분히 보여주었다.

브루탈리즘(Brutalism)이라는 이름은 1905년 파리 살롱 도톤(Salon d'Automne)에서 유래됐다. 당시 마티스가 이끄는 아방가르드 예술가 집단이 같은 층에 작품을 전시해 소란을 일으켰다. 어떤 사람들은 이 그림들을 '대중 앞에 던져진 페인트통'이라고 생생하게 표현하기도 한다. 그리고 나중에 "큐비즘"이라는 이름을 만들어낸 "길 블라스" 잡지의 기자 루이스 보셀은 갑자기 이 이름이 어울리는 것을 생각해 냈습니다. 화려한 색채로 시끄러웠던 전시장 중앙에서 그는 알베르 마르케(Albert Marquet)의 작은 르네상스 양식의 동상을 발견하고 “도나텔로는 짐승 속에 갇혔어요!”라고 외쳤다. (도나텔로는 이탈리아 르네상스 시대의 뛰어난 조각가였습니다: 저자의 메모). 곧 이 재치 있는 글이 잡지 "길 블라스(Gil Blas)"에 게재되었고, 이듬해 "새장" 속의 "짐승들"이 본격 등장하면서 "잔인함"이라는 이름이 널리 알려지게 되었습니다. 전시회가 거듭되면서 Brutalism의 영향력과 추진력은 극적으로 증가했습니다. 처음에는 아이러니한 이 이름이 점차 경멸적인 의미를 잃어갔습니다.

대표적인 인물과 작품: 앙리 마티스(1869-1954). "녹색 줄무늬가 있는 마티스 부인의 초상화", "빨간색의 조화",

Flaminck(Maufice de Vlaminck, 1876-1958) "센강의 채석장",

Andre Derain( 1880-1954) "웨스트민스터 브리지";

4. 표현주의

표현주의라는 용어는 독일 미술 평론가 빌렘 보링거(Willem Worringer)가 1911년 8월호 "Frenzy"에서 처음 사용했습니다. 그는 이 용어를 세잔, 반 고흐, 마티스의 예술과 연관지었고, 1912년 광표미술관의 "블루 라이더" 전시회에서 다시 사용되었습니다. 그 이후로 이 단어는 독일어에서 많은 경향의 이름이 되었습니다. 넓은 의미에서 표현주의는 색채와 형식적 요소로 '자기 표현'을 강조하는 모든 화가에게 사용될 수 있다. 구체적인 의미는 20세기 초 독일의 3대 미술 운동에 따른 것이다. , 즉 "Bridge Society"(Die Brucke), "Der Blaue Reiter"(Der Blaue Reiter) 및 "New Objectivity"(Die Neue Sachlichkeit)는 1905년 드레스덴에서 설립되었습니다. 그 구성원으로는 키르히너(Kirchner), 헤커(Hecker), 슈미트-로트루프(Schmidt-Rothluff), 블레어(Blair), 페히슈타인(Pechstein), 놀데(Nolde) 등이 있다. 슈미트-로트루프는 니체의 유명한 작품 "차라투스트라는 이렇게 말했다"(Thus Spoke Zarathustra)에서 "브리지 소사이어티(Bridge Society)"라는 용어를 인용했다. 예술과 삶에 대한 새로운 접근을 열어간다는 뜻으로 '모든 혁명적이고 활동적인 요소를 연결하여 미래를 선도한다'는 의미를 담고 있습니다. "1905년 브리지 소사이어티(Bridge Society)는 다음과 같은 선언문을 발표했습니다. "자신의 내면의 신념을 표현할 필요성을 느끼고 자발적이고 진심으로 표현하는 사람은 누구나 우리 중 하나입니다. "1907년에 브리지 소사이어티(Bridge Society)는 놀데에게 다음과 같은 편지를 썼습니다. "브리지 소사이어티의 목적 중 하나는 이름에서 알 수 있듯이 현재 일어나고 있는 모든 혁명적 요인을 수용하는 것입니다. "브리지 소사이어티 예술가들에게 가장 큰 영향을 미친 것은 노르웨이 화가 뭉크의 그림인데, 그 그림은 강렬한 비극적 감정으로 가득 차 있습니다. 브리지 소사이어티 화가들은 사회 문제에 대해 극도로 관심을 갖고 있으며, 그들의 작품에는 현대 생활의 극도로 지루하고 혼란스럽고 절실한 면모가 강하게 반영되어 있습니다. “북방미술의 불안”을 반영하여 “이 학파의 화가들은 병적으로 예민하고 불안하며 종교적, 성적, 정치적, 정신적 혼란으로 고통받고 있다. "(Raymond, Konya 등 공저, Xu Qingping 번역: "현대 회화 사전", 인민 미술 출판사, 46페이지). Bridge School 화가들은 프랑스 야수파 화가들의 영향을 받았지만, 그러나 야수파의 가장 거친 작품에서도 그들은 항상 구성의 조화, 색상의 장식성 및 서정성을 유지하는 반면 브리지 스쿨 화가들은 이 모든 것을 오랫동안 잊어버렸습니다. 그들의 작품에서 왜곡된 형태와 강렬한 색상은 기존 회화 질서에 대한 모호한 창의적 충동과 혐오감을 반영합니다. 키르히너는 1913년에 다음과 같이 썼습니다. 그래서 브리지파의 그림들은 좀 더 고전적인 프랑스 기질에서는 찾아볼 수 없는 거칠고 폭풍우 같은 기세를 자주 보여준다.

청기사단(The Blue Knights)은 1903년 칸딘스키의 이름을 따서 명명된 그림이다. 이 작품은 1911년에 뮌헨 신진미술가협회에서 분리되었습니다. 그 회원으로는 러시아인 칸딘스키와 야블렌스키, 독일인 마르크, 미카엘, 민텔, 그리고 스위스의 클리가 있습니다. 일반적으로 사회화가들은 뮌헨의 곤경을 표현하는 데 관심이 없습니다. 현대 생활의 본질과 예술의 형식적 문제를 표현하는 데 관심이 있습니다. 이 문장은 학교의 목적을 간단하게 표현합니다. 고정된 형태를 식별하는 것은 예술가가 자신의 내면적 영감을 다양한 표현 형태로 어떻게 표현하는지 보여주는 것이 목적입니다.

August Mack도 다음과 같이 썼습니다. "예술의 목적은 자연 형태의 유기적 요소를 과학적으로 모방하고 조사하는 것이 아니라 적절한 상징을 통해 단축된 형태를 만드는 것입니다." "("세계미술·제1백과사전", 상하이인민미술출판사, 73페이지).

1923년에 새로운 객관성이 등장했다. 엄밀히 말하면 회화학교의 이름은 아니지만, 전시회 이름은 독일 만하임 미술관 관장인 C. F. Hartlaub에 의해 제안되었으며, 1923년 그가 기획하고 조직한 새로운 사실주의 전시회의 제목은 "새로운 객관성, 표현주의 이후의 독일 회화"였습니다. 전시에 참여하는 화가 집단은 주로 그로스(Gross), 딕스(Dix), 베크만(Beckmann) 등이다. 이들은 대부분 1890년경에 태어난 젊은이들로 제1차 세계대전이라는 정치적 혼란기와 겹친다. 따라서 그들은 표현주의 선배들과 달리 형식과 정신의 문제에만 관심을 두지 않고, 그들이 살고 있는 현실을 표현하고 사회를 드러내기 위해 예술을 사용하는 데 열중했습니다. 신객관주의 화가들의 생각: “우리 화가와 시인은 신성한 연대 속에서 가난한 대중과 긴밀한 접촉을 유지해야 합니다. 우리 중 많은 사람들이 배고픔의 고통과 굴욕을 알고 있습니다. 우리는 프롤레타리아 사회에서 더 편안함을 느낍니다. 우리는 자산 수집가들의 변덕에 의지하고 싶지 않습니다... 우리는 진정한 사회주의자가 되어야 하며 가장 고귀한 사회주의 미덕, 즉 사대양의 형제애를 고취해야 합니다. "("세계미술백과사전선정번역", 상하이인민미술출판사, 74쪽) 신객관주의 화가들은 브릿지 소사이어티(Bridge Society)와 청기사 소사이어티(Blue Knight Society) 화가들의 영향을 받았습니다. 그러나 그들은 극단적으로 분해되지 않았고, 그들은 객관적 현실을 왜곡하지만, 동시에 객관적 현실의 진정한 드러남에 추상회화 언어를 적용하는 경우가 많습니다.

대표적인 인물과 대표작. >

Edvard Munch(1863-1944) "The Scream";

James Ensor(1860-1949) "Christ Enters 브뤼셀, 1889";

Schmidt Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) "단안경을 사용한 자화상";

5. 미래주의

미래주의 첫 번째는 이탈리아 시인 필리포 톰마소 마리네티(Filippo Tommaso Marinetti)가 처음으로 창안한 문학 운동입니다. (1878-1944) 1909년 2월 20일 "Le Figaro"에서 Wenci는 모든 전통 예술의 근절과 새로운 예술 형식의 창조를 촉구하는 과장되고 선정적인 시를 썼습니다. 기계 시대의 삶의 속도에 발맞추기 위해 탄생한 미래주의는 문학계를 넘어 미술, 영화, 사진 등 다양한 분야로 빠르게 확산되었습니다.

미래주의는 현대 기계, 기술, 심지어 전쟁과 폭력까지 열광적으로 찬양하며 "모든 박물관의 파괴, 도서관과 과학원', 역사를 잘라내고 처음부터 새로운 예술을 창조하기 시작합니다. 그들의 견해로는 '새로운 미의식으로 인해 세상은 더욱 영광스럽고 웅장해졌습니다.' 이 아름다움은 속도의 아름다움입니다. ... 기관총처럼 빠르게 나는 자동차가 날개 달린 사모트라케의 승리보다 더 아름답습니다. "(1909, 미래파 선언문) 이런 문자적 묘사를 어떻게 캔버스에 표현하고 그것을 실제 시각적 형태인 회화로 만들 수 있을까? 이것이 마리네티 탐험대 주변에 모인 화가들의 노력이다. 미래파 학파의 중추는 다섯 명의 이탈리아인이다. 보치오니(Boccioni), 카라(Carra), 발라(Bala), 세베리니(Severini), 루솔로(Russolo)는 1910년 2월 11일에 "미래파 화가 선언문(Manifesto of Futureist Painters)"이 출판되었고 4월 11일 토리노의 한 극장에서 다섯 명의 화가가 선언문에 서명하여 시도에 대한 열의를 보였습니다. 8월에는 파리의 유명한 베른하임-장 갤러리에서 첫 번째 미래주의 회화 전시회가 열렸는데 이는 미래주의 회화 학교가 공식적으로 설립되었음을 의미하며 이후 런던, 베를린, 브뤼셀, 비엔나, 시카고, 암스테르담, 헤이그에서 개최되었습니다. , 뮌헨 등지에서 많은 미래주의 회화 전시회가 열렸으며, 이로써 미래주의는 점차 해외로 진출하여 세계 모더니즘 운동의 중요한 부분이 되었습니다.

미래주의 회화는 '현대의 본질'을 표현하는 데 전념하고 있습니다. 삶." 소용돌이 - 강철, 광신, 자부심, 속도의 삶. ”(1910, 미래주의 회화 선언문) 화가들은 캔버스에 움직임, 속도 및 변화 과정을 설명하기 위해 노력합니다. 공간은 더 이상 존재하지 않으며 물체는 결코 정적이 아니며 끊임없이 움직이고 서로 교차합니다. 마치 그 화가들처럼. 우리가 앉은 소파에 침투하고, 소파는 우리 몸에 침투합니다. “미래주의는 이론을 실천으로 옮기는 과정에서 신인상주의와 입체파의 영향을 깊게 받았습니다. 신인상주의의 점묘법을 차용했습니다. 프리즘에 의해 분해된 것처럼 대부분의 색상이 상대적으로 강합니다. 특정 특수 깜박임 변동을 보여줍니다.

또한 입체파의 형식 언어에서 많은 부분을 차용했으며, 입체파와 마찬가지로 현대 산업 사회의 미학적 개념을 전달하는 데 전념했습니다. 그러나 둘 사이의 차이점도 분명하다. 입체주의는 분해와 재구성을 통해 기계의 정적인 아름다움을 보여주는 정적인 기하학적 구성인 반면, 미래주의는 움직임과 변화를 추구하며, 그 눈부시게 다채로운 장면은 작가의 광신주의와 광신주의의 이야기를 담고 있다. 산업 문명에 대한 열정. 1914년 전쟁의 발발은 미래주의의 붕괴를 의미했다. 1916년 회화파의 중요한 인물인 보치오니(Boccioni)의 갑작스러운 죽음으로 그룹의 재편성은 불가능해졌다. 그러나 그 영향력은 사라지지 않았습니다.

대표인물 및 대표작:

시아코모 발라(1871-1958) <줄에 묶인 개의 행운>

움베르토 보치오니(1882-1916) "도시의 부상";

Gino Severini(1883-1966) "타발린의 춤" 동적 상형문자";