고대 그리스, 고대 로마, 고대 이집트 미술이 서양 미술 문화의 발전과 현황에 미친 영향

서구 미학과 예술철학의 역사에서 형식미는 예술창작에서나 예술 감상과 미적 활동에서 매우 중요한 범주이다. 여기서 진지하게 탐구할 가치가 있는 것은 형식적인 아름다움이 예술의 본질과 어떻게 관련되어 있는가 하는 것입니다. 특히 현대에 이르러 형식미는 더 이상 고전적 인식론의 내용과 형식에 대한 일반적인 논의에만 국한되지 않고, 예술과 예술의 본질에 대한 지식과 이해에 있어 새로운 의미를 갖는다.

1. '아름다움은 형태에 있다'는 관념과 그 변화

형식미는 중요한 범주로서 서양사에서 늘 큰 관심사였다. 미학과 예술철학은 서로 다른 의견과 견해를 가진 사람들 사이의 논쟁으로 가득 찬 문제이다. 형태가 무엇인가에 대한 질문은 고대 그리스 초기까지 거슬러 올라가며 포스트모던 사상가들에게까지 확장될 수 있을 정도로 오랜 역사를 가지고 있습니다. 유사한 문제영역이 있더라도 각 시대의 관점은 서로 다르고 구별된다. 이러한 구별은 사상 자체의 변화를 반영한다.

1． 고대 그리스: 본질로서의 형태

고대 그리스 철학자와 미학자들은 아름다움이 곧 형태라고 믿었고, 형태를 아름다움과 예술의 본질로 간주하는 경향이 있었습니다. 피타고라스학파에 따르면 예술은 숫자와 숫자의 조화에서 발생하며 이러한 조화에는 형태의 문제가 포함됩니다. 플라톤은 특정한 아름다운 것을 '아름다움 그 자체'와 구별한다. 그러면 특정한 예술 작품은 아름다운 것 자체의 부여일 수밖에 없으며, 아름다움 자체의 모방은 모방의 세 단계에 불과하다. 진실. 플라톤은 형태를 내부형과 외부형으로 구분했는데, 여기서 내부형은 예술의 근원과 본질을 규정하는 예술적 개념형의 형식을 말하며, 외부형은 자연의 모든 사물의 모습을 모방한 것을 말한다. 예술의 존재상태를 규정하는 것이다. 아리스토텔레스는 모든 것이 "형태"와 "물질"이라는 두 가지 요소를 포함한다고 믿었습니다. 그의 견해에 따르면 형태는 사물의 첫 번째 존재론이며 형태 때문에 물질이 특정 사물이 될 수 있습니다. 아리스토텔레스의 관점에서 모방은 모든 예술 양식의 고유한 특성이자 예술과 비예술을 구별하는 상징이기도 합니다. 물론 다양한 예술적 스타일을 모방하는 형태도 다릅니다. 요컨대, 피타고라스학파, 플라톤, 아리스토텔레스는 모두 형태가 만물의 근원이며 따라서 아름다움의 근원이라고 믿었습니다. 고대 그리스 시대에는 자료의 형태를 지칭하기 위해 "Yindelaixi"도 사용되었습니다. Winckelmann에 따르면 형식적인 아름다움은 그리스 예술가들의 주요 목적이었습니다. 고대 그리스에서는 아름다움과 예술이라는 개념 뒤에 신과 이론적 합리성이 사유의 규정이 되었습니다. 고대 로마시대는 실용주의와 공리주의가 팽배했지만, 전반적으로 미적 사상에 있어서는 일부 개선은 있었지만 독특한 성과는 부족했다.

2. 중세: 형식의 신비

중세의 주류 문화는 기독교 문화였다. 중세에는 신이 아름다움과 모든 예술의 규정자가 되었고, 실천 이성이 사유의 규정자가 되었다. 이는 실제 생활에 대한 고대 그리스의 강조와 일치합니다. 고대부터 중세에 이르기까지 서양의 미학과 예술철학은 신학에 접목되어 플라톤주의와 플로티누스의 신플라톤주의, 기독교사상의 결합으로 나타난다. 플로티누스는 아름다움의 생산에서 형태의 역할을 강조했습니다. 크로체는 자신의 논평에서 다음과 같이 말했습니다. “그러면 돌로 표현된 아름다움은 돌에 존재하는 것이 아니라 그것이 가공된 형태로만 존재하는 것입니다. 자연적인 것보다 더 아름답습니다.” [1] 어거스틴은 중세 시대의 중요한 사상가이자 미학자였습니다. 그의 미적 사고는 평생 동안 큰 변화를 겪었습니다. 형식미 문제에 있어서, 기독교로 개종하기 전 아우구스티누스는 아리스토텔레스의 통일성과 키케로의 아름다움 정의를 바탕으로 아름다움은 통일성 또는 조화라고 믿었으며, 여전히 아름다움은 형태에 있다는 전통적 견해를 고수하고 있었다. 어거스틴은 기독교로 개종한 후 아름다움을 기독교 신학의 관점에서 바라보았고, 아름다움의 근원은 하나님에게 있으며, 궁극적인 아름다움, 절대적인 아름다움, 아름다움의 근원이신 것을 믿었다. 그는 또한 피타고라스 학파의 영향을 받아 실제 사물의 아름다움은 조화, 질서, 통일성이며 이는 궁극적으로 수학적 관계라고 믿었습니다. 아름다움은 완벽함에 있으며, 완벽함은 크기, 형태, 질서를 기반으로 하며 형태를 강조하는 경향이 강합니다. 아우구스티누스와 마찬가지로 토마스 아퀴나스 역시 자신의 미학적 사상을 신학적인 관점에서 발전시켰다. 아름다움이 무엇인지 묻는 질문에 대해서도 그는 아름다움이 먼저 형태에 있다고 믿습니다. 동시에 그들은 아름다움이 지각될 수 있고, 내용이 아닌 형식만 포함하며, 욕망과 관련이 없으며, 외부적인 실용적인 목적이 없다고 믿습니다. 단테는 아퀴나스의 신학적, 철학적 사상을 계승함과 동시에 그의 기본적인 신학적 미학도 받아들여 아름다움은 각 부분의 질서와 조화, 구별에 있다고 믿었다. 요컨대 이 시기에는 형태를 신비화하는 경향이 있었다.

3. 근대: 순수형식과 초월적형식

근대미학의 시대는 르네상스부터 19세기말까지를 말하며, 진정한 의미의 미학은 근대에서 시작되었다. 현대에 이르러 '형식'은 미학에서 독립된 범주가 되었고 의식적, 이성적으로 예술의 본질 수준까지 올라갔다. 르네상스 이후 인간의 본성이 부활하고 고양되었으며, 합리성은 사유의 규범성이 되었다. 이러한 합리성은 고대 그리스의 이론적 합리성과 중세의 실천적 합리성과는 다른 일종의 시적(창조적) 합리성이다. 연령.

"미학의 아버지"로서 바움가르텐은 미학을 지각과학으로 정의하는 동시에 질서, 완전성, 완벽함도 강조했습니다. 데카르트의 철학적 사고는 주체와 객체의 인지적 관계에서 아름다움을 파악하고자 현대사상의 토대를 마련했다. 영국의 경험주의와 대륙 합리주의는 각각 자신의 차원에서 미적 아이디어를 제안했습니다. 독일 관념론 미학의 창시자로서 칸트는 미학은 대상의 존재 및 물질과 아무런 관련이 없으며 아름다움은 대상의 형태에 기초한다고 믿으며 '초월적 형태' 개념을 제안하고 정교화했습니다. 이때부터 칸트는 아름다움과 숭고함을 구별하는데, 숭고함은 형태에 기초한 아름다움과 달리 혼돈스럽고 불규칙하며 무질서하기 때문에 형태가 없다는 점이다. 칸트에서는 진리, 선함, 아름다움 사이에 분명한 구별이 있으며, 예술은 진리와 동등하지 않습니다. 칸트는 서구 형식미학의 발전에 중요한 이념적 기반을 마련했다. 헤겔은 아름다움이 관념의 지각적 표현이라고 믿었습니다. 관념이 만족적이라면 지각적 표현은 형태에 속합니다. 헤겔에게 아름다운 예술의 영역은 절대 영혼의 영역에 속하며 자유는 영혼의 최고 품질입니다. 그는 "순수한 형식적 측면에 따르면 자유는 먼저 주체가 자신과 반대되는 것을 이질적으로 여기지 않고 한계나 한계라고 느끼지 않고 반대되는 것 속에서 발전한다는 사실에 있다"고 말했다. .그 자체를 보십시오.”[2] 헤겔은 이러한 반대로부터 자유를 찾으려고 노력합니다. 요컨대 현대에 이르러 서구의 형식미학은 특히 형식을 순수하고 초월적인 것으로 다루는 측면에서 크게 발전하였다. 이러한 영향은 미적 경험과 미적 의식에 대한 현대 경험주의 미학의 생각을 훨씬 뛰어 넘습니다.

4. 현대: 형태를 초월하고 존재로의 회귀

현대에는 존재가 아름다움의 조건이 되며, 존재의 차원과 영역에서 미적 사고가 전개된다. 동시에 구조주의 미학, 분석 미학, 형태심리학 미학 등 서구 형식미학의 새로운 발전이 있었다. Bell은 모든 시각 예술이 고유한 특성을 갖고 있어야 한다고 믿습니다. 그리고 Bell의 견해로는 예술의 "특이한 특성"이 "의미 있는" 것입니다. 진정한 예술은 이 "의미 있는 형태"를 창조하는 데 있습니다. 이 '의미있는 형식'은 순수한 형식과는 다르다. 물론 벨이 형식을 완전히 버린 것은 아니며, 내용과 형식의 통일성에서도 다르다. 게슈탈트 심리학 미학의 대표자인 아른하임은 『예술과 시각적 인식』에서 아름다움을 일종의 '힘 구조'에 귀속시키며, 잘 조직된 시각적 형태가 사람들을 행복하게 만들 수 있다고 믿습니다. 모습. 세잔으로 대표되는 후기 인상주의 미술은 형태감과 색채감이 모두 강조되었다. 현대 미학은 아름다움을 감정의 한 형태로 보는 경향이 있지만, 이 관점에도 문제가 있어 필연적으로 넘어갈 수밖에 없습니다. 마르크스의 사상은 의심할 바 없이 현대적이며, 마르크스의 미학적 사상은 의심할 바 없이 현대 미학의 중요한 측면이거나 현대적인 의의를 가지고 있습니다. “근대 사상에 대한 마르크스와 니체, 하이데거 같은 근대 사상가들의 반란은 전복적이었습니다. 이는 그들이 소위 합리적 문제를 실존적 문제로 변형시켰을 뿐만 아니라 진리, 선, 아름다움, 인간의 존재론적 기초를 제공했기 때문입니다. 자신의 감정 등을 아는 것, 그 결과 철학 체계의 주요 부분인 인식론, 윤리학, 미학은 근본적인 의미를 잃었습니다.”[3] 결과적으로 아름다움과 예술에 대한 몇 가지 근본적인 질문이 등장했습니다. 전통적인 한계를 벗어나 존재의 영역에 들어섰습니다.

5． 포스트모더니티: 형태의 해체

모더니티에서 포스트모더니티로의 전환은 서구 사상 자체의 발전에 따른 것으로, 이 사유의 과정에서 사유의 규정이 존재에서 언어로 바뀌었다. 포스트모더니티는 현대의 미적 개념과 예술사상을 무너뜨렸습니다. 그 사고의 근본적인 특징은 해체적이며, 불확실성, 단편화, 비원리적, 깊이 부족으로 나타납니다. 현대 미학이 여전히 존재의 영역에서 형태에 주목한다면, 포스트모더니즘은 강한 반형식 경향을 주장한다. 리오타르의 견해에 따르면, “포스트모더니티는 더 이상 완벽한 형태에서 위안을 얻지 못하고, 더 이상 같은 취향을 지닌 향수를 불러일으키는 추억을 집단적으로 분리하지 않는 상황이어야 한다.” 포스트모더니티는 더 이상 초월성을 갖지 않으며, 더 이상 초월적 가치에 관심을 두지 않는다. 영성, 궁극적 관심, 진리, 선함 등이 개방적이고, 잠정적이고, 분리되고, 불확정적인 형태로 변합니다. 포스트모던 사상에서 전통적인 미적 기준과 취향은 더 이상 의심의 여지가 없는 의미를 갖지 않습니다. 예술과 비예술, 아름다움과 비미 사이의 근본적인 구분은 더 이상 존재하지 않으며 이로 인해 반대되는 이념적 스타일이 생겨났습니다. 즉, 문화, 문학, 미학은 반문화, 반문학, 반문화, 미학, 복제, 소비, 깊이 없는 평면성이 유행하고 있다. 포스트모던 예술은 퍼포먼스와 참여의 예술이 되었고, 미학적 기준과 '예술적 합리성'은 더 이상 필요하지 않은 것 같습니다. 포스트모더니즘은 중심성, 이원성, 체계화에 반대하며 전통적, 현대적 미학사상과 예술이론의 기본적 관점을 무너뜨리는 동시에 미학의 모든 형식적 규칙을 해체하려고 노력한다.

2. 형식미에 관련된 중요한 관계

위의 논의를 보면 형식미 문제는 항상 중요하고 논란의 여지가 있는 문제였음을 알 수 있다. 이 질문은 형식과 관련된 일련의 문제를 포함합니다. 이러한 일련의 관계와 해당 문제를 분류하면 형식미와 그 상관 관계에 대한 이해가 깊어지는 데 틀림없이 도움이 될 것입니다.

1. 형상과 물질의 관계

아리스토텔레스의 견해에 따르면, 플라톤의 공식 이론은 플라톤의 공식이 개별 사물과 분리되어 있기 때문에 사물의 존재를 설명할 수 없습니다. 아리스토텔레스는 사물의 존재를 설명하기 위해서는 실제 사물 중에서 원인을 찾아야 하며, 이는 물질적 원인과 형식적 원인이라는 두 가지 원인에 기인할 수 있다고 믿었습니다. 소위 '물질적 원인'이란 사물의 '원래의 모체', 즉 각 사물을 구성하는 원형의 물질, 즉 동상의 구리, 점토 인형 등 "형식적 원인"은 사물의 본질적인 조항을 의미합니다. 아리스토텔레스의 관점에서 물질은 잠재성이고, 형태는 현실이며, 둘 사이의 관계는 잠재성과 현실의 관계입니다. 형태는 적극적이고 긍정적인 원인으로서 형식화 과정에서 물질을 규정하여 물질이 진정한 개체가 되도록 한다. 재료는 형태에 따라 형태를 갖춰야 합니다. 시각예술의 질감미에는 형태와 재료가 긴밀하게 결합되어 있다. 사물의 매끄러움, 거칠음, 단단함, 부드러움은 재료를 기반으로 하고 미적 형태의 요구 사항을 충족할 때에만 아름다워질 수 있습니다. 사물의 본질, 정의, 존재, 현실인 형태는 사물의 잠재력인 물질과 분명히 다르지만 물질과 별개로 존재할 수는 없습니다. 그렇다면 이 관계는 전통적인 인식론적 의미의 내용과 형식의 관계와는 다르다는 것은 자명하다. Dufhener는 미적 형식과 논리적 형식의 비교를 바탕으로 미적 형식을 설명했습니다. 그는 논리학에서 형태는 사물의 형태가 아니며 더 이상 물질과 밀접한 관련이 없다고 믿었습니다. 미학적 형태는 항상 재료에 대상과 밀접하게 관련된 형태를 부여해야 하지만, 형태 자체는 대상이 아니다. 그러나 아름다움을 만들어내는 과정에서 형태와 물질의 관계는 여전히 매우 어려운 문제이다.

2. 형태와 상징의 관계

예술창작과 미적 활동에 있어서 형태와 상징 역시 밀접한 관계를 맺고 있다. 카시러의 상징적 형태미학은 이와 관련된 사상을 집중화하고 전형적으로 표현한 것이다. Cassirer는 인간과 동물의 근본적인 차이점은 동물은 신호에 대해 조건화된 반응만 할 수 있는 반면 인간만이 신호를 의미 있는 기호로 변환할 수 있다는 것이라고 믿습니다. Cassirer의 관점에서 과학, 예술, 언어 및 신화는 다양한 상징적 형태로 나타나는 인간 문화의 측면입니다. 상징의 중요한 특징은 순간적으로 직관이 부여하는 지각의 세계에서 벗어나는 것이다. 과학은 이성을 바탕으로 한 추상에 바탕을 두고 있는 반면, 예술은 개성과 구체성을 중시하므로, 예술적 상징 역시 과학적 상징과 달라서 개념화와 논리적 추론을 지양하고 상상과 설명의 여지를 남겨두려고 노력합니다. 과학의 개념적 단순화와 연역적 일반화와는 달리 예술은 사물의 본질이나 원인을 탐구하는 것이 아니라 사물의 형태에 대한 직관을 제공합니다. 카시러는 예술적 상징을 다른 상징적 형태와 순수한 형태로 구별했습니다. 수잔 랭(Susan Lange)은 “예술 상징은 다소 특별한 종류의 상징이다. 왜냐하면 그것이 상징의 일부 기능을 갖고 있기는 하지만 상징의 모든 기능을 갖고 있지는 않고, 특히 순수한 상징처럼 사용될 수 없기 때문이다. 그것은 또한 그 자체 외부에 존재하는 다른 것들과도 관련될 수 없다.” [5] 여기서 질문은 예술적 상징과 지시적 상징 사이의 관계는 무엇인가 하는 것이다. 차이점은 어디에 있습니까? 예술적 상징은 아름다움과 예술의 형태를 어떻게 반영합니까? 아직 사람들의 답변이 없습니다.

3. 형식과 감성의 관계

실러의 견해에 따르면, 지각충동과 형식충동은 인간의 지각본성에 기초하고 있으며, 사람을 시간에 두는 반면, 형식충동은 이성에서 나온다. 그는 또한 세 번째 충동인 놀이 충동을 통해서만 사람들이 완전한 인간성을 회복할 수 있다고 믿었습니다. 헤겔은 감성을 아름다움의 본질과 연결시키려고 했다. “감성 관찰의 형태는 예술의 특징이다. 왜냐하면 예술은 감성 시각화의 형태로 의식에 현실을 제시하고, 이러한 감성 시각화는 그 형태에 있기 때문이다. 외관 자체에 있어 더 높은 의미가 있지만 동시에 개념 자체를 보편성에서 인식할 수 있게 만드는 것은 이러한 인식적 표현을 초월하지 않습니다. 왜냐하면 이 개념과 개별 현상의 통일성이 아름다움의 본질이고 전달되는 것이기 때문입니다. 아름다움 창조의 본질을 예술로 표현한다.”[6] 그러나 헤겔은 여전히 ​​아름다움에 기반을 두고 있다. 19세기 후반 이후 서양의 미적사상은 중요하고 중요한 변화를 겪었다. 사람들이 늘 옹호해 왔던 사변적 합리주의는 일반적으로 의심을 받게 되었고, 사람들의 직관적인 감성이 중요시되기 시작했습니다. 실제로 독일의 미학자 바움가르텐(Baumgarten)은 이미 18세기 초 미학이라는 학문을 창시하면서 감성적 의미의 아름다움의 문제에 주목했다. 이후 형태와 감성의 관계는 미학 연구에서 중요한 이슈가 되었다. 피히테 이래로 "상향식" 방법은 미적, 예술적 연구에 널리 사용되어 왔으며 미적 경험을 중시해 왔습니다. 실용주의 미학자이자 기능심리학파의 창시자인 듀이는 예술이 경험이라고 믿었고, 아름다움과 예술을 경험의 존재로 여겼던 산타야나도 마찬가지였다. "게슈탈트" 개념은 이러한 경험의 완전성을 강조합니다. 벨의 "의미 있는 형식"은 "미학적으로 감동적인 형식"입니다. [7] 루소는 모든 고전 및 신고전주의 전통 예술 이론에 반대했습니다. 그는 "예술은 경험적 세계에 대한 묘사나 설명이 아닙니다. 복사하는 것이 아니라 감정과 감정.”[8] 그는 예술과 감정의 연관성에 더 많은 관심을 기울입니다. 형태와 감성의 관계에 감정이 개입하는지, 어떻게 관여하는지는 주목할 만한 문제이다.

3. 형태와 예술의 본질의 관계

형태는 아름다움과 예술의 내면적 표현으로서 예술의 본질과 깊은 관련이 있어 예술을 드러내고 계몽시킨다. .그리고 아름다움의 존재. 형식미의 이념적 과정과 형식과 관련된 모든 측면에서 볼 때 예술의 형식별 규제에는 극복할 수 없는 문제가 있으며 형식과 예술의 본질과의 관계는 매우 복잡합니다.

1. 예술의 규정으로서의 형식과 그 문제점

고대부터 현대까지, 아름다움이란 무엇인가? 그리고 예술의 본질이 무엇인지에 대한 질문은 시대를 초월하여 미학자와 예술 철학자들을 항상 당황하게 했습니다. 그 중에는 예술이 현실의 모방이라고 믿었던 고대 그리스의 아리스토텔레스와 플라톤의 모방론과 예술이 자유로운 게임이라고 믿었던 쉴러 등의 기본적인 견해가 주로 있다. 예술은 절대적인 생각의 지각적 표현이라고 믿었습니다. Leo Tolstoy와 Croce는 예술이 감정의 표현이라고 믿었습니다. Belinsky와 Chernyshevsky는 예술이 Bell의 이미지 인식이라고 믿었습니다. ." Cassirer와 Susan Lange는 예술이 감정의 상징이라고 믿었고, Freud와 Jung에게는 예술이 무의식의 표현이 되었다고 믿었고, Ingarden은 예술이 다단계의 의도적 대상이라고 믿었고, 마르크스는 아름다움과 예술이 생산적인 노동으로 정의된다고 믿었습니다. 이러한 견해는 아름다움과 예술에 대한 생각을 풍부하게 하며, 모두 각자의 관점에서 예술의 본질을 드러내고자 노력합니다. 물론 다양한 관점과 생각에는 여전히 많은 차이가 있으며, 이는 그 자체로 아름다움의 문제와 예술의 본질이 갖는 어려움과 복잡성을 보여줍니다. 사람들은 항상 형태를 통해 구체적인 것을 느낀다. 예술은 아름다움의 전형적인 구체화이고, 예술의 아름다움 역시 지각적이며 감정에 관한 것이다. 미적 가치보다 형식적 가치를 우선시하는 사람들은 통일성과 형식적 감각을 이루지 못한 예술과 아름다움은 근거가 없다고 믿습니다. 아리스토텔레스의 관점에서, 형태는 물질이 할 수 없는 차이를 만들어낸다. 그는 아름다움을 형태로 정의했고, 예술은 물질이 아닌 형태의 예술이다. 형태는 미와 예술의 규정이자 기초가 되었으며, 미와 예술을 가능하게 하는 것은 형태이다. 형식적인 아름다움의 규칙에 대해 이야기하면서 Hogarth는 다음과 같이 말했습니다. "이러한 규칙은 적응, 다양성, 통일성, 단순성, 복잡성 및 크기입니다. 이 모든 것은 아름다움의 창조에 참여하고 서로를 보완하며 때로는 서로를 제한합니다." [9] 사실 이는 형식미의 표현 가능한 측면일 뿐, 형식미는 이것에만 국한되지 않는 것 같다. 헤르더와 괴테는 아름다움을 법칙을 준수하는 생명체이자 삶의 한 형태로 정의했습니다.

현대에는 독일의 이상주의와 달리 형식은 더 이상 내용에 의해 결정되지 않으며, 내용과 형식은 더 이상 내용의 모든 요소를 ​​통합하는 진정한 의미의 문제가 아니다. 그리고 형식과 내용의 선형적 결정 자체는 형식의 완전한 공개를 제한하는 현대 고전 인식론의 산물입니다. 그러므로 내용과 형식 사이의 장벽을 없애야만 형식에 담긴 모호하고 넓은 의미가 드러날 수 있다. 벨의 견해에 따르면 형식은 내용이나 이념적 주제와는 다른 의미를 갖는다. 첫 번째. 형식적 요소로서의 리듬은 심리적인 의미를 가지고 있습니다. "자기 자신에게는 질서를 부여할 수 있는 것을 변화시켜 외계의 혼돈에서 질서를 부여할 수 있는 것으로 바꿉니다." [10] Bosanquet 그는 “이제 우리가 설명하려는 문제는 형식적 대칭성과 구체적 의미가 아름다움의 두 가지 이질적인 측면이 아니라 추상성과 구체성 사이의 관계일 뿐이라는 점이다”라고 말했다. ] 그러나 보산케는 여전히 추상과 구체라는 고전적인 이념과 담론의 틀에서 벗어나지 못하고 있다. 아름다움과 예술을 정의하는 특징인 형태 역시 다양하고 다양합니다. 혼자서 해결하기 어려운 문제와 다른 아이디어의 도전에 필연적으로 직면하게 될 것입니다.

2. 형태와 예술의 본질 사이의 관계의 복잡성

형태는 예술의 본질을 펼치는 데 없어서는 안 될 존재인가? 형태는 예술의 본질과 어떤 관련이 있습니까? 형태에 의한 예술의 본질의 발현은 다양한 방식으로 이루어지며 다양한 예술형식으로 접근한다고 할 수 있다. 예를 들어 예술은 주로 색채미, 빛미, 선미, 질감미, 그리고 구조의 아름다움 등이 있으며 음악은 청각의 형식적인 아름다움에 기초를 두고 있습니다. 예술에는 그 밖에도 다양한 범주가 있고, 이러한 범주 안에도 다양한 하위 범주가 있습니다. 그들이 표현하는 형식적 아름다움은 보편적이면서 매우 다릅니다. 진정으로 아름다운 예술은 이러한 형식과 분리될 수 없으며, 이는 많은 현대 예술에서도 마찬가지입니다. 문제는 단순히 예술이 변화함에 따라 실제로 형식을 완전히 없애지 않고도 형식이 무엇인지에 대한 아이디어도 변한다는 것입니다. 물론, 형태가 예술의 본질과 어떻게 연관되고 드러나는지에 대해서는 해석의 여지가 크다. 형식적인 아름다움은 의심할 바 없이 사람들에게 정서적 만족과 정신적 즐거움을 가져다 줍니다. 예술의 본질과 관련된 형태는 분명히 외부적인 것이 아니라 깊이 내면화되어 있다. 예술가마다 형태에 대한 태도가 다릅니다. “성미가 급한 예술가는 항상 형식에 저항하지만, 똑똑한 예술가는 자신의 천재성을 형식에 적용하여 마침내 형식이 동등한 자연성을 지닌 둘째날이 됩니다. 기존 형식만큼 명확한 새로운 형식." [12] 칸트는 예술의 본질에 대한 자신만의 독특한 통찰력을 제시했습니다. 그는 예술이 자유로 가는 유일한 길이라고 믿었습니다.

하이데거는 아름다움과 예술의 본질이 진리와 존재와 관련되어 있다고 믿었습니다. 그는 "그러므로 아름다움은 진실의 자발적인 발생에 속한다"고 말했다.[13] 예술의 본질은 "존재의 진실이 작품에 담겨진다"는 것이다.[14] 물론 하이데거는 더 이상 독일어에 관여하지 않는다. 이상주의와 현대 인식론은 다음과 같은 맥락에서 사용됩니다. 하이데거에서 예술의 본질은 자유를 실현하기 위한 전제조건인 진리, 존재, 사상과 통합되어 있다. Husserl에서는 형식적 본질과 물질적 본질을 구별합니다. 하이데거가 형태를 숨기고 눈을 감아도 형태의 유령은 여전히 ​​남아 있다. 하이데거가 해석한 반 고흐의 유화 <농부의 신발>에는 형태가 없는 것인가? 아니면 하이데거가 말을 바꾸었나요? 아름다움과 예술의 본질에 대한 하이데거의 계시는 의심할 여지 없이 심오하고 매우 계몽적입니다. 물론 진정한 형태는 헤겔이 말했듯이 순수하고 단순한 모방이 아닙니다. "그러므로 예술의 목적은 모든 경우에 기술만을 생산할 수 있는 순수한 현실 형태의 모방이 되어서는 안 됩니다." 다양한 형태의 예술 작품을 통한 예술의 본질은 다양하고 독특하며 단순히 비교할 수 없습니다. 그러므로 우리는 뛰어난 예술 작품은 독특하고 대체할 수 없는 것이라고 흔히 말합니다.

마르크스는 아름다움과 예술을 논할 때 인간의 고유한 규모와 다른 종의 규모의 통일성에 더 많은 관심을 기울였다. 마르크스에서는 "미의 법칙은 인간의 법칙, 즉 의식적인 생활 활동이다."[16] 가다머는 예술 텍스트의 개방성과 생산성을 바탕으로 미학을 해석학의 구성 요소로 간주합니다. 예술적 해석의 다양성과 무한함. Dufhener는 "따라서 의미는 형태에 내재되어 있습니다."라고 믿습니다. [17] 미학의 모든 형태가 아름다운 것은 아닙니다. "그러나 미학적 형태는 상상력과 이해가 자유롭게 움직일 때만 아름답습니다." 수용미학의 관점에서 작품의 의미 탐색은 의미에 대한 끊임없는 해석과 불가분의 관계를 갖는다. 그럼에도 불구하고 예술의 본질과 형식의 관계를 밝히는 것은 여전히 ​​매우 어려운 일이다. 셸링은 오랫동안 비슷한 생각을 표현해 왔다. “현직 예술가들의 시대에는 소수의 개인을 제외하면 예술의 본질은 왜냐하면 그들은 일반적으로 예술의 개념과 아름다움에 도달할 수 없기 때문입니다.”[19] 베르틴은 예술사에서 예술의 형식과 예술 자체의 내적 관계를 밝히려고 노력했습니다. 가장 순수한 형태의 스타일 역사는 원래 예술에 속하지 않았던 모든 외부 요인과 조건을 역사적 설명에서 제거했습니다.” 아마도 많은 사람들의 관점에서 미술사는 예술의 본질을 탐구하는 끝없는 과정일 것입니다. 현대와 포스트모던 이론을 추구하는 것은 의미가 없습니다. 형태를 다양한 요소들의 전체적인 관계배치로 이해하는 것과 '형태' 개념의 혼란에 대해 블록은 이렇게 믿는다. "그러나 미학에서 나타나는 '형식주의'는 위의 의미와는 거리가 멀다. ''라는 단어는 다양한 예술 이론을 뒷받침하면서 다양한 상황에서 사용되었습니다.”[21] 형식을 예술의 본질과 연결하는 복잡한 과정은 형식 다양화의 과정이기도 하며 “형식 개념의 다양화”이기도 합니다. 형식 미학 번영의 주요 신호.”[22] 이러한 상황을 무시하는 연구나 단순화된 처리는 예술과 예술의 본질에 대한 지식과 이해를 향상시키는 데 도움이 되지 않습니다.