이 사진의 출처는 어디인가요? 무슨 뜻인가요?

인형을 안고 있는 아이, 앙리 루소, c.1906, 캔버스에 유채, 67 x 52 cm, 오랑주리 미술관, 파리

인형을 안고 있는 아이, 앙리 루소, 약 1906년, 캔버스에 유채, 67 x 52 cm, 파리 오랑주리 미술관

모든 것이 단계별로 적절하게 배열되어 있습니다. 그 꽃의 모든 꽃잎을 보면 그것이 데이지라는 것을 즉시 알 수 있습니다. 매우 똑바로 잡아야 하지만 너무 세게 잡아서는 안 됩니다. 그렇지 않으면 부러질 수 있습니다. 꽃이 시들기 시작했을 수도 있지만 인형과 함께 있는 것이 더 쉽습니다. 적어도 실제 생활에서는 그렇습니다. 오늘은 구름이 쉬어서 하늘이 맑고 푸릅니다. 움직임이 있을 수 없다는 점에서 회화는 진지하다. 아이의 머리는 어깨 높이까지 내려져 있고, 눈은 깜박이지 않고 보는 사람을 똑바로 바라보고 있습니다.

그러면 인형에는 문제가 없습니다. 정말로, 그 상황에 대해 아무것도 할 수 없다는 듯 막연한 후회에 입꼬리가 굽혀진다. 여기서는 그래야 하기 때문에 그게 전부다. 그에 반해 아이의 눈빛에는 강인한 결의가 담겨 있었다. 거의 둥근 얼굴은 어깨에 무거워 보입니다. 하지만 우리 모두는 아이들이 볼이 통통하고 목이 없다는 것을 알고 있습니다. 소매 밖으로 튀어나온 작은 손의 길이도 딱 맞습니다.

이 뚱뚱한 아이를 어디에 두어야 할지 아직 고민 중입니다. 어떤 의자라도 가능합니다. 그녀의 다리는 옆으로 접혀 있었습니다. 그러나 이것은 편안하지도 자연스럽지도 않다. 아이는 꽃무늬 천에 작은 꽃을 규칙적으로 흩뿌리는 깨끗한 시골에 더 적합합니다. 하지만 우리는 또한 어느 정도 상상력을 보여주어야 합니다. 결국 자연은 자신이 좋아하는 일을 합니다. 화단에는 여러 가지 색깔이 있는데, 작은 빨간색은 사람들에게 옷의 색깔을 연상시키고, 흰색은 데이지를 연상시키며, 검은 가지는 인형의 머리를 연상시킨다. 따라서 예술가는 주의를 끌지 않고 그림의 오른쪽 하단에 서명을 넣을 수 있습니다.

아이가 의자에 앉아 있나요, 아니면 잔디 위에 앉아 있나요? 판단하기가 어렵습니다. 의자가 더 적합할 수 있지만 어린이에게는 잔디가 더 나은 선택임에는 의심의 여지가 없습니다. 그것이 무엇이든, 이 카테고리의 모델은 앉거나 서 있거나 여기처럼 약간 기울어져도 결코 가만히 앉아 있지 않습니다. 글쎄, 어쩌면 좀 더 실행 가능한 임시 해결책을 찾는 것이 더 나을 수도 있습니다. 따라서 우리는 아이가 바닥에 앉지도 완전히 똑바로 세우지도 않은 두 가지 자세 사이에 끼어 있음을 발견합니다. 실제로 그녀의 종아리가 풀밭에 파묻혀 있어 더욱 안정적인 자세를 취할 수 있게 되었습니다. 이 배열은 의심할 바 없이 루소에게 매우 적합했습니다. 그는 발을 항상 다리 아래에 걸치는 방식을 찾았고 결코 땅에 머물지 않았습니다.

실제로 루소가 그린 모든 것은 현실이다. 아이의 이상한 자세, 단정하지만 속박이 보이는 그녀의 옷, 너무 많이 놀아서 회색으로 변하는 인형 - 아이를 위한 인형 중요한, 살아있는 사람처럼 , 또는 그녀가 포기하지 않을 것, 그리고 양말이 무릎까지 내려져 있는 것. 화가는 디테일을 쌓아 그림을 그린다. 충분히 수집되면 그의 목표가 달성됩니다. 그는 모든 것을 성실하고 공들여 녹음했지만 결국에는 모두 조금 너무 많았습니다. 그는 덤불 주위를 두들겨 패고 막연한 힌트에 얽매이는 사람이 아니 었습니다. 이 그림의 목표는 맴돌지 않고 한 가지를 말하는 것입니다.

명확하게 말하고 싶은 사람에게는 본질을 지키는 것도 나쁘지 않다. 눈, 눈썹, 입이 가장 주목을 끌고 개인의 성격을 나타내는 독특한 요소임은 분명합니다. 그러나 화가는 비슷한 추론 방법을 유지했음이 분명합니다. 왜냐하면 그가 작품을 더 많이 그릴수록 모든 다른 부분이 동일한 강도를 가졌기 때문입니다. 그는 그림 속 사물에 어떠한 겹침도 가하지 않았다. 그들은 모두 그림에 나타나는 순간 동일한 관심을 받을 자격이 있습니다.

화가는 양보한다. 수평선에 연결된 작은 꽃과 풀이 더 어두워질 수도 있고, 먼 곳의 선이 더 흐려질 수도 있다. 결국 루소는 자신이 속한 분야의 전통에 익숙하지 않았고 관점의 법칙도 이해하지 못했습니다. 그러나 그는 배경의 풍경을 다룰 때 기술을 덜 사용하기로 결정했습니다. 이것은 진정성의 문제입니다. 반면 중세 회화에서 그리스도는 보는 사람을 정면으로 바라보며 인류의 운명을 고민하고 있다. 인간의 얼굴은 언제나 정면 자세를 유지하며 부인할 수 없는 존엄성을 보여준다. 그 아이는 기독교인의 인물은 아니지만, 그녀의 초상화는 우리에게 고대 그림 속 인물들의 장엄함을 상기시켜 주며, 그로 인해 그녀는 더욱 위대해 보입니다.

루소는 사물의 형태를 강조하여 궁극적인 균형을 파괴했습니다. 그가 그리는 것은 더 크거나 작거나 더 정확하다. 그는 겉모습의 세계에 최대한 접근하기 위해 사물의 윤곽을 다소 뻣뻣한 필치로 그려 결국 그 의미를 혼란스럽게 만들었다. 그의 모델의 특징은 너무나 뚜렷해서 그 속에서 어린아이를 알아보기 어려웠다. 아이섀도를 얹은 것 같고, 눈썹을 다시 그린 것 같고, 입은 너무 단호하다. 그녀의 피부 주름은 주름으로 변하고, 얼굴 하반신은 면도하지 않은 수염을 연상시킬 만큼 짙은 그림자를 이루고 있다.

이 초상화의 요소들을 하나하나 분해해보면 모두 믿을만하다. 우리를 불안하게 만드는 것은 그것들이 결합되는 방식이다. 아이의 손과 머리는 같은 사람에게 붙어 있는 것 같았고, 다리에는 생명이 있는 것 같았다. 그녀의 표정도 그녀의 것이 아니었습니다.

이 모든 것에도 불구하고 그림은 여전히 ​​의미가 있습니다.

그것은 루소가 "현실주의"에 대한 집착과 학구적인 화가들의 기술을 마스터하려는 환상을 고려할 때 거의 원하지 않았던 어떤 불안한 분위기를 가지고 있습니다. 실제로는 사소한 목표였던 이 목표를 헛되이 추구한 뒤, 그는 오히려 또 다른 목표, 그가 결코 이루기를 바라지 않았던 숭고한 목표를 달성하는 데 성공했다. 그의 그림의 강점은 겉모습을 포착하는 능력이 아니라, 겉모습 뒤에 숨겨진 것을 직접적으로 표현하는 능력에 있다.

의도한 것이 아니었기 때문에, 그가 후회한 것은 학문적인 회화의 세계에서 배제된 것이었다. 그가 발견하고 모델에서 그린 것은 오랫동안 감춰져 있던 것이었다. 가장 기본적인 고대 요소. 그렇기 때문에 중산층의 초상화에 비하면 땅속에 묻힌 선사시대의 조각상처럼 어른 같은 인형을 손에 들고 있는 어린이의 그림은 원시적인 축하의식이자 활력을 기원하는 기도에 가깝다. . 이렇듯 우리가 연상하는 모호한 힘, 진지함, 공포 등 모든 것을 드러낸다.