시, 예술, 회화의 모든 장르와 그 정의

상징주의

상징주의는 일반적으로 이해하기 어려운 환상을 표현하는 창의적인 방법을 말하며 그 내용은 신비주의입니다. 작가가 설명하고 싶은 것은 현실의 객관적인 세계가 아니라 개인의 주관적인 내면세계이다. 상징주의는 상징이라는 단어에서 유래합니다. 그리스어의 원래 의미는 "나무 조각을 두 부분으로 나누고 각 면이 연결을 보여주기 위해 한쪽 끝을 잡는 것"입니다. 나중에 점차 "형태를 개념으로 사용하다"로 발전했습니다. "관세 대표". 상징은 고대부터 존재해 왔으며, 연상의 방식, 즉 눈앞에 보이는 것과 과거에 경험한 것을 연결하여 독특하고 새로운 예술적 개념을 형성하는 방식이다.

문예사상의 구체적인 경향으로 상징주의는 1880년대 프랑스에서 처음 등장했는데, 주로 시 창작 분야에서 나타났다. 프랑스 상징주의 시인으로는 마랄메(1842~1898), 베르사체(1844~1896), 한보(185~1891) 등이 있다. 드라마로는 벨기에 극작가 마테를링크(Maeterlinck, 1862~1949)가 대표적이다.

포스트 인상주의

포스트 인상주의

1880년대와 1890년대 인상주의에 이은 프랑스 미술 현상. 포스트인상주의라는 용어는 영국 미술 평론가 R. 프라이(R. Fry)에 의해 만들어졌습니다. 주요 대표자로는 P. Cézanne, V. Van Gogh, P. Gauguin 등이 있습니다. 그들은 모두 다양한 정도로 인상주의를 따랐지만, 객관적인 표현을 지나치게 강조하는 인상주의와 외부의 빛과 색채를 일방적으로 추구하는 신인상주의에 점차 불만을 품고 보다 강한 자기감정의 표현을 옹호했다. 그의 작품의 특징은 세잔의 <오베르의 구불구불한 길>(유화)에서 형태를 구성하는 형태와 선, 컬러 블록, 몸체와 표면에 대한 강조와 더불어 강한 내면화와 개인화에 있다. 단지 사람마다 채택하는 예술적 언어가 다를 뿐입니다. 세잔은 물질의 구체성, 안정성, 내부 구조에 주목하여 입체파, 구성주의 등을 크게 장려했습니다. 반 고흐는 선과 색의 표현력은 물론 그림의 장식성을 추구했는데 이는 야수파, 표현주의 등 여러 학파에 직접적인 영감을 주었습니다. 고갱은 예술적 표현의 독창성과 상징성에 주목하여 상징주의, 초현실주의 등 학파에 중요한 영향을 미쳤습니다. 후기인상주의는 자연주의의 태도를 완전히 버리고, 서양화의 기능으로서의 모방의 기반을 뒤흔들었고, 회화를 더욱 강렬한 감정이 스며든 보다 참신하고 주관적인 세계로 이끌었으며, 다양한 근대 서양 미술 학파의 기반을 마련했다. 20세기 참고용 모델입니다.

인상주의

인상주의

19세기 후반부터 2000년대까지 프랑스, ​​유럽, 미국은 물론 전 세계에서 유행했던 미술 학교이자 문학 사조입니다. 20세기 초.

인상주의 미술 인상주의는 프랑스의 회화 학교로 등장했다. 1874년 3월 25일, C. Monet, P.-A. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas, P. Cézanne, B. Morisot 등 프랑스의 젊은 화가들이 무명 화가들의 전시회를 열었습니다. 모네가 전시한 유화 제목인 '해돋이 인상'은 보수적인 언론인이 빌려온 것 때문에 조롱하는 글을 썼다. 인상주의 또는 인상주의라는 이름으로.

예술적 관점에서 보면 인상파 화가들은 당시 정통 고전 학파에 반대하고, 오히려 C. Corot과 Barbizon의 영향을 받아 점점 진부하고 인위적인 낭만주의 회화에 반대했습니다. 학파 G. Courbet 등의 사실주의 회화 양식에 힘입어 그는 네덜란드, 영국, 스페인, 일본, 중국 등 여러 나라의 회화의 영양분을 흡수하는 동시에 현대 과학, 특히 광학에서 영감을 받았다고 믿었습니다. 모든 색상은 빛에 의해 생성되므로 빨간색, 주황색, 노란색, 녹색, 파란색, 보라색의 7가지 색상에 따라 색상을 혼합했습니다. 빛은 끊임없이 변화하기 때문에 빛의 순간적인 조명을 포착해야만 자연의 신비가 드러날 수 있다고 그들은 믿습니다. 그러므로 회화에서는 외부광에 대한 연구와 표현에 주의를 기울이고, 빛의 조사에 따른 사물의 미묘한 색상 변화를 표현하기 위해 눈의 관찰과 현장의 직관을 바탕으로 야외로 나가서 태양 아래서 그리는 것을 옹호한다. 따라서 인상주의 회화의 그림자 처리 과정에서 전통회화의 검은색은 밝은 청록색, 보라색 등의 색상으로 대체되었다. 인상주의 화가들은 개인적인 관심의 차이로 인해 빛과 색채를 강조하는 유형과 조형과 스케치를 강조하는 유형으로 나누어진다. 전자는 모네와 르누아르, 후자는 드가, 피사로는 그 사이 어딘가에 있다. 둘.

미학

미학은 19세기 말 서유럽에서 유행했던 부르주아 문학, 예술 경향이다. 원래는 시계에서 시작됐고, 이후 점차 소설과 드라마로 확산됐고, 주로 영국에서 유행했다. 소위 '미학'은 예술의 형식미를 절대미로 삼는 예술적 명제이다. 여기서 말하는 '아름다움'이란 현실과 동떨어진 기술적 아름다움을 가리킨다. 그러므로 미학은 때때로 "미학" 또는 "아름다움의 우월주의"라고도 불린다.

19세기 말 영국 탐미주의 운동의 형성에는 크게 두 가지 요소가 있다. 하나는 베데(1839~1894)의 쾌락주의적 비판이고, 다른 하나는 모리스(1834~1896)의 삶이다. ) 예술적 사고.

베데는 문학평론가의 책임은 아름다움에 대한 올바른 정의를 충족시키기 위해 지식을 습득하고 자료를 나열하는 것이 아니라, 특별한 기질을 갖고, 아름다운 대상을 느끼는 능력, 책의 내용과 자신을 긴밀하게 연결하는 것이라고 믿습니다. , 그것을 탐색하면서 얻는 즐거움과 재미, 이것이 미학적 비평의 기초이다. 모리스는 사회를 변화시키는 목적은 자유롭게 확장하는 것이며, 이를 위해서는 일상을 예술적으로 만들어야 한다고 믿습니다. 어떤 문명사회라도 그 구성원들에게 이런 환경을 제공할 수 없다면 세상은 존재할 필요도 없습니다. 위와 같은 Bede와 Morris의 견해는 유미주의의 이론적 토대를 마련했다. 영국 시단에서 라파엘 전파의 주요 대표자인 로세티(1828-1882)와 스윈번(1837-1909)의 노력과 결합하여 마침내 유미주의 운동이 형성되었다.

유미주의의 진정한 대표자는 오스카 와일드(Oscar Wilde, 1856-1900)이다. 그는 유미주의 창작의 실천가이자 유미주의 이론의 옹호자이다.

예술과 현실의 관계에 관한 한, 와일드는 예술이 현실과 동떨어져 있고 삶에서 자유로워야 한다고 믿었습니다. "현실적인 사건은 예술의 적이다. 모든 예술의 단점은 현실의 의미에서 비롯된다. 자연은 이해를 의미하고, 이해는 예술이 아니다. 모든 형편없는 예술은 자연으로 돌아가 삶을 객관적으로 묘사하는 데서 생긴다." 그러므로 '생명과 자연으로 돌아가는' 예술은 모두 나쁘다고 생각한다. 예술은 현실과 동떨어져 있을수록 좋다. "유일하게 아름다운 것은 우리와 아무 관계도 없는 것들이다."