'디자인 입문' 참고 사항 - 4장 3절

1. 19세기 디자인 발전의 배경은?

1. 변화와 진보의 시대: 역동적인 변화와 발전의 시대였던 19세기를 되돌아보면 우리의 비전에는 진전이 나타납니다. 빈부격차가 점차 벌어지고 중산층이 등장하며 탄탄한 계급구조 속에서 소비문화가 다각적인 방향으로 발전하고 있다. 새로운 산업 중심지가 등장했고, 빈부 격차가 극심해졌습니다.

2. 억압과 지적 실험의 결합: 19세기는 억압과 지적 실험의 특별한 결합이었습니다. 새로운 소비문화 속에서 디자인은 중요한 역할을 하고 있습니다. 최초의 대량생산 제품은 물론 백화점, 광고포스터, 통신판매 등 디자이너의 역할과 디자인의 사회적 기능이 중요한 화두가 되었다.

브루넬, 러스킨, 다윈 등이 위대한 공학적 성과와 혁신적인 학문적 성과, 연구 성과를 이룩했으며 사람들은 사회 발전에 대한 자신감과 믿음으로 가득 차 있습니다.

3. 디자인의 중요한 역할:

? 표준화와 기계화의 개념이 디자인에서 실제로 중요한 역할을 하기 시작했습니다. 19세기에 출시된 것이 특징이다. 1851년 "크리스탈 팰리스" 박람회.

2. 19세기 디자인 교육과 디자인 개혁

(1) 디자인 교육

1. 산업 수준을 높이는 가장 중요한 방법은? 디자인: 교육

영국 정부는 교사 교육을 위해 디자인 학교 설립을 지원합니다. 디자인 강의 계획서에 대한 논쟁이 치열합니다.

2. 두 가지 사고 방식: 장식을 진정한 예술 형식의 지위로 끌어올리려는 시도

(1) Owen Jones의 "장식의 기본 원리" - Jones의 장식 분류는 다음과 같습니다. 가장 진보적인 디자이너들에게도 역사주의(과거를 그리는 것)에 대한 그 세기의 경향은 역사주의를 디자인의 필수적인 부분으로 간주했습니다.

(2) William Dyce의 "Manual of Sketching"—기하학적 형태가 장식 패턴에 가장 적합한 스타일을 제공한다는 기본 원칙을 제안했습니다.

3. 식물 구조와 식물학: 다른 실험에서는 식물 구조와 식물학이 디자인에 의미 있는 방법을 제공한다는 것을 보여줍니다. 프랑스 미술학교와 영국 디자인 학교의 시각적 실험은 자연을 하나의 실험실로 보고 과학적 방법을 사용하여 연구하며, 연구된 원리를 디자인에 적용합니다.

4. 위 이론과 반대되는 견해는 디자인 학교의 사물은 무관심하고 심지어 투박하며, 종교의 힘을 무시하고, 비기계적이고 필수적인 자연과 인간 정신을 무시한다는 것입니다. 관리할 항목의 간단한 집합까지;

5. 고딕 스타일의 전진: 이들 디자인 개혁가들은 고딕 스타일이 전진해야 한다고 믿었습니다. 1860년대부터 시작된 고딕 양식의 부흥은 다양한 수준과 형태로 19세기 사상과 취향을 지배했습니다.

(1) Pugin: 고딕 건축은 뛰어난 수준의 성취와 아름다움을 구현합니다. 고딕은 시각적, 도덕적 관점에서 작동하는 유일한 스타일입니다.

(2) 러스킨: 많은 디자이너들이 중세 시대를 디자인을 통한 사회 변화의 방법으로 여기기 시작했습니다. 이런 점에서 그는 러스킨의 영향을 받았다: "건축의 일곱 등불"과 "베니스의 돌"

그의 연구는 두 가지 중요한 이론에 기초하고 있다: 1. 장식과 디자인 영국은 스타일에 기초를 두고 있다. 2. 디자인에는 강한 도덕적 의미가 있습니다.

고딕 리바이벌은 디자인에 특정 고딕 디자인 세부 사항을 사용하지 않지만 고유한 형태, 물질적 진정성 및 사회에서 디자인의 역할에 대한 고딕적인 의미를 갖습니다.

6. 예술과 공예 운동: 영국은 산업 혁명을 경험한 최초의 국가였습니다. 동시에, 곧 "예술과 공예 운동"으로 명명된 반산업 단체가 등장했습니다. 디자이너 Morris는 작가이자 사회 운동가였으며 당시 가장 영향력 있는 디자인 사상가 중 한 명이었습니다. 1861년에 그는 자연스럽게 자신의 회사를 열었고, 회사와 그 제품은 여전히 ​​예술과 장인 정신에 대한 아이디어를 유지하고 있습니다.

Morris Marshall Faulkner & Company: 첫 번째 원칙은 재료의 진정성이었습니다. 예술 공예 운동의 또 다른 이상은 디자인을 통한 사회 개혁이었습니다.

7. 아르누보(명사 설명): 19세기 말, 이 시기에는 '아르누보'라고 불리는 마지막 위대한 장식 스타일이 번성했습니다. 식물, 곤충, 여성의 형태, 상징성을 활용한 굴곡 있고 자연주의적인 스타일이 특징입니다. 프랑스는 Nancy School의 Calais와 Louis Magaulet의 디자인으로 선두를 달리고 있습니다. 그러나 이제 아르누보는 브뤼셀, 밀라노, 비엔나 등의 도시에서 미국을 거쳐 전 세계로 확산된 19세기 장식 예술의 부흥을 광범위하게 지칭하는 데 사용되었습니다.

'비엔나 장인정신'은 1903년 창립됐다. 1888년 영국 디자이너 애쉬비가 설립한 '공예 길드'의 이념을 바탕으로 하고 있지만 몇 가지 중요한 차이점이 있다.

일반적으로 비엔나 공예공장의 작품은 단순한 기하학적 형태를 기반으로 한 독특한 미적 스타일로 인해 더욱 아방가르드적입니다. 그러나 그것은 즐거운 노동이라는 모리스의 이상을 통해 사회를 변화시키는 것보다 스타일의 문제에 더 관심이 있습니다.

8. 이러한 유럽 스타일은 디자인에 있어서 중요했지만, 미국은 디자인의 근본적인 문제인 제조, 생산, 판매에 대한 실질적인 문제를 제기하기도 했습니다. 19세기부터 현대적인 디자인까지.

미국 소매 혁명에 수반된 중요한 생산 변화를 미국 시스템이라고 합니다. 원칙 : 전국 어디에서나 생산 및 수리가 가능하도록 통일된 규격의 부품으로 제품을 설계합니다. 미국 서부의 아이콘인 콜트 권총은 이러한 새로운 생산 방식의 한 예입니다. 제품을 단순한 구성 요소로 나누는 아이디어는 공장 관리에 대한 새로운 중요한 이론인 테일러주의(Taylorism)로 이어졌습니다.

Taylor는 1911년에 "과학적 관리의 원리"를 출판했습니다. Taylor는 생산 프로세스를 가장 작은 부품으로 자본주의적 생산 조립 라인을 형성하여 더 많은 이윤을 얻습니다.

테일러주의는 포드 생산 라인의 출현에 중요한 역할을 했으며, 포드주의는 20세기 생산의 가장 높은 성취를 대표하며 유럽의 근대 운동에 중요한 영향을 미쳤다.