현대 미술 학교는 현대 미술 디자인에 어떤 영향을 미치나요?

예술과 디자인은 같은 근원을 갖고 있으며, 서로 영향을 미치고 관통하고 있다. 예술 분야의 새로운 트렌드와 변화는 디자인 분야에도 빠르게 침투하고 영향을 미칠 것입니다. 현대 디자인이 발전했지만, 초기 대표자인 존 러스킨은 디자인 등 실용 예술 창작을 대표하는 '리틀 아트'와 회화, 조각 등 예술 형식을 대표하는 '빅 아트'를 구별하기 위해 최선을 다했다. 현대 디자인의 역사에 등장한 이들 모두는 예술과 디자인의 상호 영향을 담고 있다. 유럽 ​​모더니스트 디자인 운동의 핵심인 바우하우스에서는 『바우하우스 선언문』에서 “새로운 공예 길드를 창설하고, 예술가와 공예가의 위계적 구분을 폐지하고, 절대로 사용하지 말자. 건축, 조각, 회화 등 모든 요소를 ​​통합하여 미래의 새로운 건물을 기대하고 구상하고 창조합시다.” 이는 또한 예술과 디자인의 연관성에 대한 그의 확언을 보여줍니다.

1 큐비즘 - 모더니스트 디자인을 위한 비장식적 기하학적 창작 공간을 열다

20세기 초 '현대 미술의 아버지'로 알려진 세잔은 색의 역할의 혁신은 전통회화가 중시했던 윤곽선의 선명도와 명암의 대비를 변화시켰고, 이를 계기로 촉발된 색 혁명은 현대미술 전체의 분위기를 조성하게 되었다. 예술가들은 새로운 관점과 창작 방법으로 예술을 대합니다. 이에 영감을 받아 피카소와 브라크로 대표되는 입체파 화가들은 이전의 색혁명이 전통회화에 대한 전복을 심화한 바탕에서 사물의 표현을 본래의 자연형태와 과감하게 구별하고 사물의 표현의 법칙을 버렸다. 작가의 주관적인 생각에 따라 구조를 완전히 다시 표현합니다. 전통적인 초점 관점은 합리적인 다시점 그림 구조로 대체됩니다. 표현된 사물의 평면적인 형태와 색상을 극단적으로 가공하여 자연스러운 평면적인 형태를 구조화하고 재조합한다. 이는 전통적인 조형예술 분야가 추구하는 외부적 객관적 세계의 진정한 재현을 완전히 변화시켰으며, 조형예술의 언어와 요소 속에서 현대미술의 무한한 창작공간을 확장시켰다.

모더니즘 디자인 이전에 현대 디자인이 발전했을 때, 다양한 디자인 운동을 겪었고, 디자인은 '자연에서 배워야 한다'거나 전통적인 형태와의 단절을 주장하기도 했지만, 그 본질은 여전히 ​​일종의 전통 장식에 불과했다. 반면, 새로운 장식양식 창조를 추구하는 것은 여전히 ​​자연주의적 양식이었고, 당시의 기계를 기반으로 한 대량생산 방식에는 적합하지 않았다. 기계시대의 디자인제품은 자신만의 디자인 형태 언어를 찾아야 한다. "구체, 원기둥, 원뿔을 사용하여 자연을 다룬다"는 세잔의 개념에 따라 입체파 예술가들은 더 이상 시간과 공간의 제약, 원근법의 제약을 받지 않고 공간의 재현에 관심을 두지 않게 되었습니다. 세계를 표현하기 위해 무질서한 관점을 사용했으며, 자연이나 작가의 주관적인 상상에서 파생된 다양한 조형 요소들이 자유롭게 결합되었습니다. 또한 그는 엇갈린 사물이 이루는 수직선과 평행선의 각도를 추구하고, 정면, 측면, 밑면 등 기하학적인 단면의 조합으로 형태를 분산시키는 등 기하학적 형상에도 큰 관심을 보였다. 현대적인 디자인을 기존 모델링 기법의 제약에서 벗어나 새로운 모델링 기법을 제공합니다. 자연주의적인 장식 패턴에서 추상적인 기하학적 모양의 형성으로의 전환을 완료하여 예술과 산업의 결합에 대한 장애물을 제거합니다.

2 미래주의 - 기계시대 미학의 탄생을 도모하다

모더니스트 디자인은 처음에는 기계생산에 대한 긍정에서 출발했다. 하지만 기계에 대한 사람들의 이해에도 과정이 있었습니다. 산업혁명 이후 생산에 기계를 사용하게 되면서 손으로 직접 만든 일을 즐길 수 있었던 장인은 조립 라인에서 반복적인 작업을 하는 노동자로 전락했고, 기계 역시 많은 사람들의 일자리를 빼앗아갔기 때문에 현재 사람들의 기계에 대한 태도는 태도는 두려움과 혐오감에 가깝습니다. 기계가 사람들의 삶에서 차지하는 역할이 늘어나면서 기계를 대하는 사람들의 태도도 변화하고 있습니다. 프랑스 철학자 라메텔리는 자신의 저서 "인간은 기계다"에서 인체의 생리학적 기능을 정교한 기계에 비유했습니다.

De Stijl 및 Constructivism과 같은 현대 미술 학교는 모두 "기계 미학"에 대해 논의하지만 기계 아름다움과 기계 미학에 대한 최초의 논의는 이탈리아 미래주의에 기인해야 합니다. 미래학자들은 “20세기 초 자본주의 산업의 급속한 발전으로 사람들이 살아가는 객관적 세계와 사회생활 자체가 엄청난 변화를 겪었고, 장기적인 전통적 개념은 더 이상 사회 발전의 요구를 충족시키지 못한다”고 믿는다. , , 그들은 전통문화와 그 가치를 부정한다.”[1] 전통문화를 부정하는 것은 사실상 산업혁명의 맥락에서 발전한 현대 산업문명의 성과를 인정하고 긍정하는 것이다. 그러므로 그들은 산업문명이 인류에게 긍정적인 결과를 가져올 수 있다고 열정적으로 믿습니다. 그 대표인 마리네티는 '미래주의 선언'에서 "우리는 이상적인 조작 막대를 사용하여 지구가 올바른 궤도로 움직이도록 지시하는 운전대를 잡고 있는 인간을 기념하고 싶다"고 말했습니다. 그들은 기계 문화에 대한 지지를 분명히 선언하고, 기계 생산을 찬양하며, 세계를 정복하는 속도와 기계가 가져오는 속도의 힘을 표현하는데 열중합니다. "우리는 이 위대한 세상이 새로운 형태의 아름다움, 즉 속도의 아름다움으로 은총을 입었음을 선언합니다." "선언문"에 나오는 이 말은 기계 미학의 독창적인 표현입니다.

미래주의 회화의 주제는 기하학적 형태로 구성된 사물의 리드미컬한 반복과 중첩, 연속을 통해 강인함과 무게감을 표현하는 것이다. 예를 들어 마리네티의 미래파 선언문의 사상을 최초로 시각적 언어의 형태로 표현하려고 시도한 보주니의 작품에서는 움직임의 느낌과 에너지, 연속적인 샷을 표현하기 위해 처음으로 시각적 동시성을 사용했다. 존재하거나 동시에 발생하는 것을 표현하는 예술. Sant'Elia의 미래 도시와 건물 스케치(그림 1)는 전체가 강철, 시멘트, 유리로 만들어진 도시와 도시를 달리는 3차원 교통 네트워크로 가득 차 있습니다. 기술에 대한 강박관념, 이러한 기술우월론은 모더니즘 디자인의 기술숭배에 직접적으로 영향을 준 한편, 도시건축의 이상적인 디자인 개념, 즉 도시의 발전에 따라 변화하는 어떠한 장식도 없이 순전히 이성적이고 기능적인 디자인 개념을 보여주었다. 산업. 건물 단지. 그는 "이 변화하는 규모에 적응한 사람만이 시대적 특성에 맞는 사람이다. 과거에는 건축의 형식이 사람에 의해서만 정해졌다면 이제는 기계와 함께 사람에 의해 결정된다"고 말했다. 2]를 보면 행위는 코르뷔지에의 “집은 생활을 위한 기계이다”라는 이론의 직접적인 전조임을 알 수 있다.

3 데 스테일(De Stijl) - 순수주의적 형식 개념의 배양

데 스테일(De Stijl)은 1918년부터 1928년까지 네덜란드의 듀스베르그(Duesberg)가 조직한 화가와 건축가들의 집단이다. 디자이너의. 예술적 창작에 있어서 De Stijl의 독창성은 모든 구체적인 요소의 사용을 거부하고, "순수하고 순수한" 창의적인 개념을 추구하며, 순수한 기하학적 추상 구성을 사용하여 순수한 정신을 표현하는 데 반영됩니다. 데 스테일의 대표 화가 몬드리안은 “회화는 선과 색으로 이루어지므로 선과 색은 회화의 본질이고 독립적으로 존재하도록 허용되어야 한다”고 믿었다. 가장 단순한 기하학적 형태와 가장 순수한 색으로 구성된 구성만이 가능하다. 보편적인 의미를 지닌 영원한 그림이다." 데 스테일의 그림에서는 추상적인 '요소'가 구도의 기본 포인트로 사용되며, 전통적인 형태적 특징은 완전히 버려져 가장 기본적인 기하학적 구조가 되어 하나의 기하학적 구조를 이룬다. 구조. . 단순한 스타일에 대한 지원과 구조 및 기능의 논리에 대한 강조는 기계 생산의 배치 및 표준화 요구 사항과 일치하며 현대적인 디자인에 대한 개념적 및 형식적 참조를 제공합니다.