르네상스 시대 다성 음악의 발전에 대한 간략한 소개

소소우친원(SosouQinwen)에서 이미 보셨을 것 같습니다

1. 오르가눔

9세기 초 최초의 콤플렉스 곡조음악의 주요 유형은 오르가눔입니다. 는 그레고리오 성가를 기반으로 멜로디에 새로운 선율(파트) 다성음악 형식을 추가한 것으로 대부분 즉흥 연주이다. 4가지 형태로 나눌 수 있습니다:

1. 평행 오르가논(달이 가면 나도 그렇습니다): 기존 성가 멜로디 아래에 4~5도 간격의 평행 성부를 추가합니다(그림), 교과서의 예 13을 보세요. 위의 주요 부분은 성가 멜로디이고, 아래의 추가 멜로디는 오르가논 파트라고 불리며 평행 5도로 진행됩니다. 또한 두 성부가 각각 한 옥타브씩 겹쳐지는 복합 형식도 있습니다. 예 14를 참조하세요. 드뷔시는 이 고대 간격을 사용하여 조화로운 색상(중세 모드)으로 중공 효과를 강조하는 데 능숙했습니다. 병렬 오가논의 변형에 대해서는 예 15를 참조하세요. 동일한 등급에서 4등급으로, 그런 다음 동일한 등급으로.

2. 더 자유롭게 변하는 오르가논(Organon)은 평행선율과 대각선선율진행이 있는데, 11세기에 유행했고(그림), 역으로선율형과 대각선선율이 더 많다. 대각선 소리와 목소리가 인터레이스됩니다. 11세기의 두 개의 다성음악 사본인 윈체스터 시편 모음집은 풍부한 오르가논을 보유하고 있으며 네우메 기호로 기록되어 있습니다. 음정의 조합은 주로 옥타브, 5도, 4도입니다.

3. 12세기 초 오가논에는 새로운 변화가 일어났고, 추가적인 오가논 부분이 아래쪽에서 위쪽으로 옮겨지면서 점차 화려하고 유동적이며 장식적인 특징으로 발전해 나갔다. 스페인의 Compostela Abbey와 프랑스 Limoges의 Macal Abbey의 일부 사본에는 이러한 스타일의 사본이 있습니다(Mo "Picture Exhibition" - "Limoges Market"이 나타남). 이를 통해 성가의 곡조가 바뀌고, 소리가 길어지고, 곡조가 더 이상 명확하지 않으며, 단지 호일 역할만 한다는 것을 알 수 있습니다. 이때부터 다성음악에 사용되는 성가선율은 테너, 연속성 또는 고정선율로 불리기 시작하였다(14세기). 이는 마치 큰 나무의 뿌리와 같아서 종교에 뿌리를 둔 음악을 만들고 그 가지와 잎은 뿌리에서 영양분을 흡수합니다. (TSDT의 기능적 진행은 궁극적으로 메인 코드로 돌아갑니다.) 베이스 파트로서 음악의 기초가 됩니다.

4. 수량 오가논은 리듬 패턴의 출현으로 시작되며, 음정이 명확해진 후 리듬이 주목되기 시작했습니다. 여러 목소리의 조합에는 명확한 리듬과 속도 조절이 필요합니다. 11세기와 12세기에 일련의 리듬 패턴(6가지 리듬 패턴(그림))이 형성되었습니다. 리듬에서 우리는 현재 우리가 8분의 1박이라고 부르는 것과 동일한 "3분의 1 규칙" 박자를 볼 수 있습니다. . 당시에는 "완벽한" 것으로 간주되었습니다. 음악 연습에서는 이러한 리듬을 훨씬 더 유연하게 사용할 수 있습니다. 고정된 리듬에 따라 소위 '양'이 형성됩니다. 모든 초기 음악에는 '양적 정경', '양적 표기법' 등과 같은 단어가 자주 등장하는데, 이는 모두 규칙이 있음을 의미합니다. 율.

2. Discant

정확한 리듬에 따라 멜로디를 부르면 새로운 다성 형식(스타일)인 Discant가 생성됩니다. 두 성부(성악의 고정된 선율과 위에 추가된 성부)는 리듬 패턴에 따라 선율을 구성하여 위쪽 성부가 거의 동시에 진행되고 위쪽 성부가 더 많이 진행되는 톤온톤 질감을 이룬다. 중요한. 책 28페이지의 악보 예시를 보면 위쪽 성부와 아래쪽 성부가 거의 1음대 1인 리듬 패턴을 사용하고 있나요? (그림)을 참고하여 모드 1과 5를 사용하세요. 교과서에는 일반 역사서에서는 거의 언급되지 않는 코프라(Copra)라는 유형이 언급되어 있는데, 그로브 음악 사전(Grove Music Dictionary)에는 위쪽 성부에 리듬 패턴을 사용하고 낮은 성부에서는 원래의 성가를 보존하는 짧은 항목이 있습니다. . 지속적인 특성.

제2부: 노트르담 학교의 다성음악

12~13세기 다성음악의 발전은 주로 프랑스, ​​특히 노트르담 드 파리를 중심으로 한 일부 이류 및 삼류 작곡가들이 이끄는 음악사에서는 그들을 노틀담 학교라고 부릅니다. 그들은 중세 음악을 정점으로 끌어 올렸습니다. (사진) 12세기 미술에 등장한 고딕양식은 주로 건축을 의미하는데, 우리가 본 노트르담 드 파리는 하늘로 우뚝 솟은 돌조각과 아치, 움직임 등이 특징이다. 중력에서 벗어나 모든 살이 빠지는 느낌. 이 스타일은 다른 예술에서도 찾아볼 수 있는데, 그 특징은 움직임인데, 이는 음악에서 각 부분의 리드미컬한 움직임으로 표현됩니다. 음악사에서 '신예술'에 비해 '고대예술'은 이런 종류의 고딕 양식의 다성음악을 가리킨다.

노트르담 작곡가 레오낭(Léonan)과 페로탱(Perrotin)으로 대표되는 이들은 중세 다성음악의 두 중요한 인물이었습니다. 노트르담 음악학교는 다성 음악 창작과 노래, 특히 다성 리듬 표기법과 창작에 있어 새로운 규칙과 전통을 형성하고 확립하여 두 가지 유형의 다성 음악인 오르가논과 데콘트를 완벽하게 발전시켰습니다.

레오난의 가장 큰 업적은 오르가논의 창시였으며 그는 "가장 위대한 오르가논 작곡가"로 알려졌습니다. 그는 1년 동안 교회를 위한 2성부 의식 음악 세트인 "오오르가논"(Summa)을 작곡했습니다. 원본 버전은 더 이상 존재하지 않으며 일부 장소에는 미사와 시간의 화답 성가의 독창 부분을 위해 작곡되었습니다. 화려한 오르가논은 데칸트와 독창적인 그레고리오 성가의 유니슨 스타일을 가지고 있으며 스타일의 교대와 대조는 작곡가의 창의적인 자율성을 강조합니다. 페로탱은 고딕 음악의 "성당"을 건설한 사람이라고 할 수 있으며, 그의 혁신은 레오난의 것보다 더 풍부합니다. 그는 한때 Leonan의 "Complete Organon"을 개선했습니다. 그의 오르가논은 과거의 즉흥적인 풍미를 더욱 정확하게 바꾸어 작곡되었으며, 고정 멜로디 성가의 리듬이 더욱 촘촘해졌습니다. 2개에서 3개 또는 4개의 음성을 추가하고 오르가논에 Disconte(Clausula) 부분을 추가하여 멜로디와 리듬을 모두 복잡하게 만들면 다성음악의 추가 확장 가능성이 여기에서 시작됩니다.

노틀담 학교는 또 다른 형태의 다성 음악인 콘도투스(Condonctus)를 개발했습니다.

3. 컨덕투스

단성 컨덕투스와 다성 컨덕투스의 두 가지 형태로 나누어집니다. 여기서는 다성 컨덕투스에 대해서만 이야기하겠습니다. 고정된 선율부분은 오르가논이나 데콩트가 사용하는 성가곡이 아닌 작곡가가 직접 창작한 것이 특징이며, 질감이 2~4부분으로 구성되어 있으며, 3성부가 더 일반적이다. 음성 진행은 통일되어 있으며 기본적으로 주목할 점은 Disconte 스타일입니다. 가사는 라틴어로 되어 있지만 Organon이 사용하는 산문 스타일의 전례 언어와는 다르지만 일반적으로 비의식적인 음절 시입니다. 내용(종교적, 세속적 주제).

세 번째 모테트

IV. 모테트 모테트

모테트의 유래를 추적하는 것은 클라우술라(Clausula)에서 시작됩니다. Clausula는 실제로 Organon의 Descontian 스타일의 다성 악절입니다(Grout의 음악 역사에서는 이를 Descountian Clausura 또는 Clausula 대신에 부릅니다. 동일한 St. Many Clausulas가 노래되는 멜로디에 대해 작성될 수 있으며, 이는 다음에 따라 선택될 수 있습니다. 경우에 따라) Leonan과 Perrotin의 Organon 작품에는 대부분 두 성부로 된 클라우수라가 많이 있으며, 위쪽 성부는 가사가 없거나 몇 음절만 있습니다. (책 예문을 보고 분석한 후 다른 예문을 보시려면 클릭하세요.) 나중에 클라우수라가 오르가논에서 분리되어 윗부분에 새로운 라틴어 가사나 프랑스어 가사가 추가되고, 여기에 클라우수라 라의 가사가 모테트가 되기도 합니다. 예제 23과 라틴어 가사를 추가하면 모테트가 됩니다. 또 다른 예를 살펴보겠습니다.

이 장르의 간단한 정의는 13세기에 제작된 상위 성부(1~2성부)에 대한 독립적인 가사가 있는 다성 음악입니다. 윗부분은 음악이 새로울 뿐만 아니라, 가사도 모국어에 맞게 새로운 내용으로 채워져 있어 색다른 멜로디와 색다른 가사를 지닌 장르를 형성한 영향이다. 세속음악에 대한 종교음악의 전형적인 영향. 모테트는 임의성 때문에 모든 연령대의 작곡가들이 선호해 왔으며 르네상스 시대의 중요한 음악 장르(종교음악) 중 하나이며 작곡가들이 자신의 창의적인 재능을 발휘하기에 적합한 형식이다.

이 시점에서 우리는 중세 다성 음악의 발전에서 몇 가지 규칙성을 발견했을 수 있습니다. 즉, 추가 가사(추가 구절, 연속, 모테트)의 확장과 장식된 곡(꽃)의 확장입니다. (노래, 리듬 패턴, 목소리 추가), 움직임의 상태는 길지만 겉보기에 "가만히 서 있는" 것처럼 보이는 각각의 변형에서 서양 예술 음악의 싹이 자라며 즉흥적인 구술 전달에서 합리적인 창의적 원리를 사용하여 음악을 가져옵니다. 작곡가를 의식적인 창작의 길로 안내하기 위해 미묘한 변화는 거대하고 놀라운 성과를 가져옵니다. 초기 오르가논부터 디스코트까지, 고정된 선율로 그레고리오 성가의 선율로 구성된 다성부 음악은 점차 원래의 목적을 잃어가고 있으며, 특히 성서에서 고정된 선율은 작품의 형태에 더 많은 기여를 합니다. 따라서 내용의 표현이나 기타 기능에 있어서는 고정된 선율의 둔하고 긴 선율보다 윗부분의 화려하고 부드러운 선율이 더 매력적인 경우가 많다. 13세기 중후반에 모테트는 유럽 전역으로 퍼져 점차 고정된 글쓰기 장르로 자리 잡았습니다.

13세기 모테트는 성부마다 가사가 달랐다. 언어도 달랐다(예를 들어 멜로디는 라틴어로, 나머지 성부는 프랑스어로 했다). 내용도 다릅니다(복잡한 가사 – 박제된 노래). 각 부분의 내용은 매우 다른 경우가 많습니다. 한 부분은 행복한 사랑 노래일 수도 있고 다른 부분은 슬픈 것일 수도 있습니다. 파트 간의 가사 내용의 차이는 모테트의 제목을 더욱 독특하게 만듭니다. 이는 레오난의 경전과 같이 각 파트 가사의 첫 번째 단어 또는 여러 단어를 위에서 아래로 가져와 복잡한 제목을 형성합니다. 인류의 평화 - 가장 밝은 별 - 우리의 것'은 세 부분의 처음 몇 단어로 구성됩니다. (책 P33 노래 제목 "어떤 사람은 질투합니다 - 사랑은 사람의 마음을 상하게합니다 - 자비의 경").

세속적인 가사와 곡조가 많이 모테트의 소재가 되면서 모테트는 내용과 형식 모두에서 종교와 세속성이 혼합된 형태가 되었다. 하지만 '믹스'는 정적인 것이 아니다.

13세기 후반에는 윗부분과 두 부분의 가사가 다른 3부 모테트가 흔했고, 이를 바탕으로 더 많은 변주곡이 제작되었다. 고정된 멜로디는 서로 다른 상위 성부와 짝을 이룰 수 있으므로 동일한 고정된 멜로디를 사용하여 서로 관련되지 않은 다양한 새로운 2성부, 3성부, 4성부 모테트가 모두 독립적인 음악 작품이라는 차이점이 있습니다. 윗부분의 가사와 멜로디를 교체하는 것입니다. 상부에 사용된 가사와 곡조의 유연성으로 인해 모테트는 창작자들이 자유롭게 자신의 재능을 발휘할 수 있는 영역이 되기도 했습니다. 모테트에 남아 있는 소수의 종교적 요소들은 점점 더 풍부해지고 다양해지는 세속적 요소들에 의해 동화되어 왔으며, 많은 경우 모테트는 더 중요한 고정된 선율 없이 세속적 환경에서 대중음악 장르가 되었습니다. 형식은 프랑스 모테트에서 자주 사용됨) 이는 기악이 성악에 형식적으로 개입하는 시작이라고 할 수 있습니다.

모테트 선율은 원래 오르가논의 6가지 리듬 패턴으로 작성되었으나, 윗부분의 내용과 선율의 변화가 늘어나면서 모테트의 리듬도 변하게 되었다. 또한 점점 더 유연해지면서 "일제히 걷는" 여러 부분의 고유한 상황을 변경하여 멜로디 라인 사이에 패치워크 효과를 생성합니다. 모테트에서 다양한 리듬을 유연하게 사용함으로써 사람들은 이러한 가변성을 충족하기 위해 일련의 규칙을 확립해야 했습니다. 1260년경 프랑코 드 콜로니아(Franco de Colonia)는 정량적 표기 시스템을 확립했습니다(자세한 내용은 "새로운 예술" 장에서 논의됨). 모테트의 창의적인 방식을 따르기 위해 리듬과 음색 지속 시간에 대한 규칙을 정합니다. 기보법의 발전에 있어서 리듬과 지속시간의 체계적인 조절은 의심할 바 없이 다성음악의 발전에 큰 자극을 주었다. 레이어드 스타일, 특히 프랑코의 모테트와 피에트로의 모테트로 대표됩니다. (책 악보 예 25 읽기) 특징은 표준적인 3성부 모테트를 창작의 본체로 사용하고, 3성부 사이의 리듬이 촘촘하고 촘촘하게 배열되어 있다는 점이다. 고정된 멜로디는 여전히 느슨하고 둔한 리듬을 가지고 있습니다. 두 번째 부분은 느린 리듬을 가지고 있지만 분명히 고정된 멜로디보다 약간 더 복잡합니다. 세 번째 부분은 리듬에서 멜로디까지 세 부분 중 가장 활동적이고 독특합니다. 더 조밀하고 복잡합니다. 피에트로 모테트는 프랑코 모테트보다 제3성부의 리듬적 활동이 더 두드러진다. 13세기 후반에는 화성보다는 모테트의 리듬이 더 주목을 받게 되었고, 이는 아르누보 시대에 리듬 모테트의 번영으로 직접적으로 이어지며 다성음악 창작의 개념이 더욱 발전하기 시작하였다. 혁신.