영국 뮤지컬과 미국 뮤지컬의 차이점은 무엇인가요? 푸치니 창작의 특징은 무엇입니까?

영국 뮤지컬과 미국 뮤지컬의 차이점은 무엇인가요?

서양 뮤지컬의 기원

뮤지컬은 매력적인 구성과 배우들의 드라마틱한 연기를 바탕으로 음악과 춤이 잠재력을 최대한 발휘할 수 있도록 하는 예술과 융합의 예술이다. 이러한 요소를 유기적 통합으로 만듭니다. 영국과 미국은 뮤지컬이 꽃피운 나라다. 뮤지컬 발전의 관점에서 보면 런던의 웨스트엔드와 뉴욕의 브로드웨이는 뮤지컬의 발상지라 할 수 있다. 그러나 뮤지컬은 영국과 미국에서도 서로 다른 역사적 배경을 가지고 있습니다. 미국에서는 재즈, 탭댄스, 드라마, 노래가 포함된 코미디의 영향을 더 많이 받고, 영국에서는 뮤지컬이 더 밀접하게 관련되어 있습니다. , 드라마, 특히 셰익스피어, 몰리에르, 입센의 드라마 배경에 비해 댄스는 발레에 더 가깝습니다. 그러나 영국 뮤지컬은 아서 설리반(Arthur Sullivan)과 윌리엄 길버트(William Gilbert) 이후 오페레타의 전통을 이어왔고, 미국에서는 1970년대가 되어서야 상황이 반전되기 시작했습니다. 공연은 영국에서 수입되었지만 곧 미국 예술가들이 완전히 미국 뮤지컬을 창작하고 계속해서 발전시키고 개선했습니다. 따라서 역사적 관점에서 볼 때 미국이 대중드라마, 음악, 노래, 춤을 결합한 새로운 형태의 드라마인 뮤지컬을 창작하도록 영감을 준 것은 영국이었다. 여기에서는 미국이 유럽의 다양한 음악 엔터테인먼트 전통을 어떻게 통합하여 뮤지컬로 발전시켰는지 더 자세히 살펴보겠습니다.

1. 영국 뮤지컬 코미디

'뮤지컬 코미디'라는 명칭이 영국에 처음으로 적용되면서 사회 생활과 대중 심리의 속도가 점차 빨라졌습니다. 사람들은 천천히 진행되는 가벼운 코미디 스타일에 대한 열정을 점차 잃어갔고, 그 결과 극장의 흥행 수익이 형편없었고 극장 주인들은 돈을 잃었습니다. 영국 런던에서 연극 감독인 조지 에드워즈(George Edwardes)는 1892년 10월 자신이 운영한 극장에서 재미있는 공연과 신선하고 생동감 넘치는 노래와 춤 프로그램으로 가득 찬 "뮤지컬 레뷰" "The City"를 잠정적으로 시작했습니다. 연극이 개봉된 후 큰 인기를 얻었고, 에드워즈는 이듬해 드라마, 음악, 노래, 춤을 통합한 또 다른 "A Gaiety Girl"을 출시했으며 처음으로 "뮤지컬 코미디"를 사용했습니다. 이 제목. 이 연극은 유머와 드라마가 넘쳤으며, 이해하기 쉬운 음악과 결합되어 센세이션을 일으키며 상당한 흥행 성과를 거두었습니다. Edwards의 전례 없는 성공으로 인해 런던의 많은 극장 소유주들이 이를 따라 다양한 뮤지컬 코미디를 출시하게 되었습니다. 그 이후로 뮤지컬 코미디는 런던은 물론 영국 전역에서 가장 인기 있는 무대 예술이 되었으며, 얼마 지나지 않아 미국 무대에도 등장했습니다.

2. 미국 뮤지컬 코미디

미국은 일찍이 1870년대 뉴욕의 중하층에 유행했던 영국 뮤지컬 코미디와 유사한 무대 예술 형식을 갖고 있었습니다. 단지 당시 미국을 '뮤지컬 희극'이라고 불렀을 뿐입니다. 뮤지컬 희극의 추가 발전은 Edward Harrigan과 Tony Hart가 함께 작업하여 1879년부터 1884년까지 브로드웨이에서 일련의 뮤지컬 희극을 창작한 것입니다. 그중에는 "Dance of the Guards"(The Mulligan Guards Ball(1879) 및 Cordelia's Aspires(1879)가 포함됩니다. 1883)은 중산층과 하층층 사이에서 매우 인기가 높았습니다. 공연은 해학적이거나 보드빌 쇼의 유머러스한 형식을 유지하고 있을 뿐만 아니라, 줄거리적으로도 발전하고 사회에 대한 세심한 관심을 기울이고 있지만, 여기서는 항상 유머러스한 형식으로 표현되기보다는 다양한 삶의 조건에 대한 공감에 가깝습니다. 가혹한 비판보다 작곡에도 미국 특유의 풍미가 있지만 노래와 줄거리는 항상 일치하기 어렵습니다. 오래된 노래를 사용하여 새로운 단어를 채우는 것이 일반적입니다. 1896년 영국의 에드워즈가 제작한 '게이샤(The Geisha)'가 '뮤지컬 코미디'로 미국에 진출해 센세이션을 일으켰다. 미국인들은 유럽 오페라에서 소외된 미국의 노래와 춤을 지칭하기 위해 이 용어를 사용하기 시작했다. 위에서 언급한 음악적 희극도 포함하는 미국적 특성을 지닌 드라마였습니다.

이 시기 미국 뮤지컬 코미디는 이미 단편적인 노래, 춤, 희극뿐만 아니라 기본적인 줄거리는 갖추고 있었지만 줄거리와 캐릭터의 깊이가 부족했습니다. 그러한 작품에서는 '서사'가 노래와 춤의 목적이 아니라 단지 노래와 춤을 위한 변명일 뿐이라는 '소년이 소녀를 만난다'라는 공식이 사용되며, 아메리칸 드림과 신데렐라 신화의 다양한 요소들이 얽혀 사용된다. 줄거리에는 다양한 노래와 춤 기믹이 산재되어 장르의 고정 모델을 형성합니다. 내용이나 형식면에서 보면 표면적으로는 에드워즈의 '메리걸(Merry Girl)'과 완전히 똑같아 보인다. 이름마저도 영국인이 창안한 '뮤지컬 코미디'를 직접 카피한 것이다. 실제로 내면적인 정신으로 볼 때 예술적 구조에 아메리카 원주민 문화의 유전자가 많이 포함되어 있기 때문에 미국 뮤지컬 코미디, 특히 음악과 춤보다 야성과 열정이 넘치고 열정적이며 활력이 넘칩니다. 활기차고 역동적입니다.

이러한 문화적 정신의 영향력과 내면적 매력의 충격적인 힘은 미국 뮤지컬 코미디가 영국 뮤지컬 코미디와 다르다는 근본적인 신호입니다.

3. 코핸의 아메리칸 스타일

조지 M. 코핸이 더 이상 웃기고 몽환적인 줄거리에 너무 집중하지 않고 좀 더 진지한 주제를 다루는 지점까지 뮤지컬 코미디가 발전할 때. 그는 드라마 전개 단서의 완전성과 일관성을 강조하고, 이야기에는 시작과 끝이 있다는 점을 강조하고, 내용 면에서는 동화의 줄거리를 버리고, 드라마의 주인공을 배치하는 등 좀 더 극적이고 민간적인 탐색 경로를 선택했다. 평범한 민간인이자 일상 속의 작은 사람들로서, 평범한 사람들의 삶의 이익에 더 가까워지기 위해. 동시에 그의 연극에는 강한 애국심이 있으며 미국 음악을 사용하여 미국인, 미국 생활 ​​및 미국 사회를 표현해야 한다고 주장합니다. 1904년에 코핸은 브로드웨이의 "리틀 조니 존스(Little Johnny Jones)"에서 각본, 연출, 주연을 맡았고 이 연극으로 유명해졌으며 그 후 20년 동안 그는 21편의 희곡, 거의 500곡의 노래를 썼습니다. 코핸의 작품 형식은 19세기 보드빌과 실제 미국 뮤지컬을 잇는 가교이자, 뮤지컬의 현대화 과정에서 중요한 연결고리이다. 그의 작품에서는 옛 영국과 독일 모델에 기반을 둔 우아한 감성을 제거하고, 오늘날 뉴욕 생활의 급격한 변화에 부응하는 현대적인 형태를 성공적으로 창조해냈다. 한 세대의 뮤지컬 작가들에게 영감을 주었고, 미국 정신에 대한 그의 예술적 해석과 찬미 또한 한 세대의 관객들에게 영향을 미쳤습니다. 점점 더 많은 예술가들이 미국 정신이 성숙해졌음을 깨닫고 미국만의 독특한 표현 방식을 열심히 찾고 있습니다.

5. 뮤지컬의 형성

20세기 전반에 이르러 일련의 예술가들의 노력으로 미국 뮤지컬은 점차 영국 뮤지컬의 영향력에서 벗어나게 되었다. 코미디. 보드빌에서 진정한 미국 뮤지컬로의 전환을 완료하세요. 한편으로 미국 뮤지컬은 다양한 스타일의 유럽 경극 오페라의 영향을 받았으며 다른 한편으로는 카바레와 댄스홀에서 공연된 보드빌도 당시 떠오르는 팝 음악, 래그타임, 블루스 및 기타 요소를 흡수했습니다. . 수십 년간의 탐색과 현지 실천을 통해 대중, 문화 사업가, 예술가, 뮤지컬 자체를 막론하고 긍정적인 경험과 부정적인 경험이 상당 부분 축적되었습니다. .

1927년 오스카 해머스타인 2세(Oscar Hammerstein II)가 작사, 작곡하고 제롬 컨(Jerome Kern)이 작곡한 "쇼 보트(Show Boat)"는 뉴욕 브로드웨이에서 초연되었으며 미국 뮤지컬 역사상 최초의 이정표로 여겨졌습니다. 음악적 관점에서 볼 때, '쇼보트'는 위에서 언급한 다양한 음악적 무대 형식이 융합된 형태이다. '쇼 보트'의 이야기는 신비로움과 낭만이 가득한 미시시피 강에서 펼쳐지며, 브로드웨이 관객들의 삶의 경험과는 거리가 멀고 노래하고 춤추는 왕 지그펠트의 참여가 돋보입니다. 드라마 전체의 제작 과정에서도 래그타임과 재즈의 사용은 뛰어난 드라마의 필수 요소임을 보여주며, 마지막으로 이러한 플롯에서 뮤지컬 코미디의 영향을 찾는 것은 어렵지 않습니다. 주인공이 스타가 되어 주인공과 재회하는 과정. 다양한 음악 무대 형태와 다양한 음악적 요소가 함께 '퍼포먼스 보트'에 탑승한다. 이는 지난 길이 끝났음을 의미하고 새로운 항해가 시작됨을 예고한다.

위의 초기 뮤지컬 발전에 대한 검토는 정체성이 모호한시기입니다. 다양한 음악 전통, 예능 드라마 및 유럽의 일부 노래와 춤 요소가 서로 영향을 미치고 얽히고 통합되었습니다. 그러나 일반적으로 이러한 엔터테인먼트 전통은 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 하나는 줄거리에 초점을 맞추고 다른 하나는 노래와 춤에 중점을 둡니다. 줄거리에 중점을 둔 것에는 유럽 오페라 전통에서 유래하여 유럽과 미국에서 널리 인기를 얻은 뮤지컬 코미디가 포함됩니다. 오페라 전통은 후기 뮤지컬에 장엄하고 우아하며 낭만적인 요소를 가져왔으며, 그 중 대부분은 고전 신화나 이국적인 풍미를 표현한 반면, 뮤지컬 코미디는 뮤지컬이 시사 문제를 바탕으로 줄거리를 디자인하거나 풍자적이거나 농담을 할 수 있게 해주었습니다. . 노래와 춤 공연을 중심으로 한 뮤지컬은 유럽과 미국 등에서 인기를 끄는 보드빌 쇼, 버라이어티 쇼, 시사 쇼, 글래머러스 쇼 등의 영향을 받으며 공연 형태의 혁신을 이어가고 있다. 줄거리에 집중하든, 노래와 춤에 집중하든, 이 두 경향은 이후 뮤지컬 전개에서 늘 볼 수 있다. 물론 이 둘의 통합은 자연스러운 일이다. 뮤지컬 제작은 '쇼보트'를 시작으로 점차 극적인 텍스트와 음악을 통합하는 미학적 기준을 채택해 왔으며, 뮤지컬의 대사, 멜로디, 드라마, 배경음악을 완벽하게 통합하는 창의적인 기법의 지속적인 발전을 제안하려고 노력하고 있다. 진지한 음악 극 초반에는 개그 기반의 '뮤지컬 코미디'를 '뮤지컬 드라마'로 대체할 것임을 표시한다. 이로써 코헨은 최초의 진정한 미국 음악 작곡가가 되었고, <쇼보트>는 기념비적인 작품으로 평가받게 되었고, 이때부터 예술 장르로서의 미국 뮤지컬이 올바른 궤도에 오르기 시작하게 된다.

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