영국 미술 공예 운동과 미국 미술 공예 운동의 차이점과 연관성

미술공예운동(Arts and Crafts movement)은 19세기 후반 영국에서 시작된 디자인 운동으로, 가구, 인테리어 제품, 가구 등의 산업적 대량생산으로 인한 디자인 수준의 쇠퇴에 의해 일어났다. 그리고 건축. 비교적 일관된 이해에 따르면 이러한 상황은 1851년 런던 크리스탈 팰리스에서 열린 세계박람회에서 시작됐다. 이 운동의 이론적 지침은 작가 존 러스킨(John Ruskin)이었고, 운동의 주요 인물은 예술가이자 시인인 윌리엄 모리스(William Morris)였으며, 그들은 예술가 포드 마독스 브라운(Ford Madox Brown)과 에드워드(Edward), 에드워드 번 존스(Edward Burne-Jones), 화가 다니엘 로시티(Daniel Rossiti), 건축가 필립(Philip)과 함께했습니다. Webb은 미술 그룹 Pre-Raphaelite Brotberhood를 결성했습니다. 그들은 중세의 전통으로 돌아가는 것을 옹호했지만, 유럽에 막 소개된 일본 미술의 영향도 받았습니다. 그들의 목표는 주로 공예 전통을 복원하는 정직한 예술이었습니다. 그들의 디자인은 보석, 책 제본, 직물, 벽지, 가구 및 기타 품목에 중점을 둡니다. 그들은 기계 미학에 반대하고 소수를 위한 소수의 제품을 디자인하는 것을 옹호합니다. 소위 "소수를 위한 소수의 작업"입니다.

이 운동이 쇠퇴하기 시작했을 때 중요한 자극 요인이 등장했는데, 그것은 1888년 런던에서 미술공예전시협회의 설립이었습니다. 이 협회는 1855년부터 지속적으로 일련의 전시회를 개최해 대중에게 영국의 좋은 디자인과 우아한 디자인 취향을 이해할 수 있는 기회를 제공함으로써 '예술과 공예' 운동의 발전을 촉진해 왔습니다. 뿐만 아니라 스코틀랜드 글래스고 출신의 디자이너 찰스 레니 매킨토시(Charles Rennie Mackintosh)와 영국 디자이너 C.F.A. 맥머도. 미국에서 "예술과 공예" 운동은 주로 시카고 건축 학교, 특히 이 학교의 주요 인물인 캘리포니아의 루이스 설리반(Louis Sullivan)과 프랭크 라이트(Frank Wright), 그린 형제(Brothers Green), 태프 스티글리(Taff Stigley)와 같은 가구 디자이너 거스 피플(Gus People)에 영향을 미쳤습니다. Bernard Maybeck은 큰 영향을 받았습니다.

세기가 바뀌면서 '예술과 공예' 운동은 디자인 스타일에 큰 영향을 미치게 되었고, 그 영향력은 유럽 전역으로 퍼져서 유럽에서 또 다른 디자인 운동인 '아르누보' 운동을 촉발시켰습니다. ). '예술과 공예' 운동 스타일은 20세기 초에 그 기세를 잃었지만, 여전히 정교하고 합리적인 디자인과 수공예품의 온전한 보존에 강한 영향을 미치고 있습니다. "예술과 공예" 운동의 가장 중요한 대표자는 영국의 디자이너이자 시인이자 사회주의자인 윌리엄 모리스(William Morris)입니다. 그는 영국의 "예술과 공예" 운동의 창시자였습니다. 그는 1834년 3월 24일에 태어나 1896년 10월 3일에 사망했습니다. 그는 영국 이론가 존 러스킨의 아이디어를 진정으로 실현한 중요한 디자인 선구자였습니다.

최초의 사회주의자로서 러스킨의 디자인 이론은 민주주의적이고 사회주의적인 성향이 강합니다. 그는 디자인의 민주적 성격을 강조하고 디자인이 대중에게 봉사한다는 점을 강조했으며 엘리트주의 디자인에 반대했습니다. 그는 “과거에는 예술이 귀족들의 이기주의에 의해 통제되어 그 범위가 확대된 적도 없고 대중을 행복하게 해준 적도 없고 대중에게 이익을 준 적도 없다”고 말했다. 명품을 만드는 것보다 진짜 제품을 만드는 게 더 나을 것 같아요. 공작 부인을 기쁘게 하기 위해 직물 생산을 중단하고 시골 노동자들을 위해 생산하고 그들이 관심을 가질 만한 것을 생산해야 합니다. 러스킨의 디자인 아이디어는 사실 매우 혼란스러운데, 이는 대규모 산업화에 대한 불안감과 한편으로는 대중을 위한 것임을 강조하는 반면, 그는 자연과 고딕 양식에서 벗어나는 길을 모색합니다. 디자인은 당연히 일반 대중을 위한 것이 아닙니다. 그의 실용주의 사상은 여전히 ​​이후의 기능주의와는 매우 달랐지만, 그의 옹호와 비전은 당시 디자이너들에게 여전히 중요한 이념적 기반을 제공했습니다. 그 중 러스킨의 사상에 가장 깊은 영향을 받은 사람은 영국 디자이너 윌리엄 모리스(William Morris)로, 실제로 러스킨의 정신을 자신의 디자인으로 구현한 사람이다. 그가 이끈 '예술과 공예' 운동은 19세기 후반 유럽에서 가장 중요한 디자인 운동으로 자리 잡았습니다.

모리스는 1851년 런던에서 열린 세계 박람회를 방문했을 때 겨우 17세였습니다. 그는 산업화의 추악한 결과에 충격을 받고 혐오감을 느꼈습니다. 그는 크리스탈팰리스 전시관을 보고 눈물을 흘렸다고 하는데, 이는 기계화와 산업화에 대한 혐오감을 드러내기에 충분하다. 그는 런던 만국박람회에 깊은 자극을 받았고, 세계적으로 유행하는 각종 신흥 산업제품에 혐오감을 느꼈다. 그는 자신의 노력으로 이러한 퇴폐적인 디자인 상황을 역전시키고 절묘한 장인정신을 강조한 중세 디자인을 복원할 수 있기를 바랐다.

그는 자신의 선례를 따라 건축가이자 화가에서 종합 디자이너로 발전했으며, 세계 최초의 디자인 사무소를 열고 자신의 디자인 실천을 통해 영국과 세계의 디자인 발전을 촉진했습니다.

엄밀히 말하면 모리스는 현대 디자인의 창시자는 아니다. 왜냐하면 그의 탐구의 초점은 바로 산업화로 인한 '악한 결과'를 취소하는 데 있고, 정확하게는 현대 디자인이 중심을 이루는 중심을 부정하는 것이기 때문이다. 의존적임 - 산업화와 기계화 생산, 그의 목적은 옛날 스타일, 특히 중세와 고딕 스타일을 부활시키는 것입니다. 그는 한편으로는 기계화되고 산업적인 스타일을 부정하고, 다른 한편으로는 과도하게 장식된 빅토리아 양식을 거부하며, 고딕과 중세 건축물, 가구, 소모품, 서적, 카펫 등의 디자인만이 옳다고 믿는다. 정직한 디자인. 다른 디자인 스타일은 추악하지 않다면 역시 인위적이고 가식적이며 비현실적이므로 거부하고 전복해야 합니다. 산업화가 공격적이고 허식적인 양식이 만연하는 시대에 고딕 양식과 중세의 길드 정신을 되살려야 디자인 정신을 살리고 민족적, 민족적, 고품격 디자인을 유지할 수 있다. 그에게 있어서는 고전주의 양식도 현대 양식도 가치가 없다. 그가 의지할 수 있는 유일한 세 가지 원천은 중세, 고딕, 자연주의이다. 그는 Ruskin의 디자인 아이디어를 실제로 실현한 최초의 사람이었습니다.

라파엘 전파 형제단은 화가 Dante Gabriel Rossetti, John Averrett Miliais 및 Holman Hant가 1545년에 입회했습니다. 그들의 주요 목적은 당시 영국 화단의 보수적이고 자립적인 보수주의에 반대하고, 자연에 충실한 스타일을 옹호하며, 주제와 스타일 면에서 진실하고 성실한 '새로운 미술' 스타일을 옹호하는 것이었습니다. , 그들은 중세와 고딕 정서에 대한 강한 이해를 가지고 있었기 때문에 Ruskin의 이론과 Morris의 희망과 일치하는 약점이 있었습니다. Morris는 이때 Rossetti를 만났고 그에게 큰 영향을 받았으므로 1857년에 그는 과감하게 Street Design Office를 떠나 그들의 회화 회의에 참여했습니다. 그와 Burne-Jones는 런던의 Red Lion Square에 스튜디오를 열고 회화계에서 큰 성공을 거둘 준비를 했습니다. 이 중요한 전환점과 그에 따른 결혼은 Morris의 디자인 탐구의 시작이었습니다.

모리스는 특정 디자인에서 실용성과 미학의 결합을 강조합니다. 그에게 있어서 기능적이지만 추악한 디자인은 좋은 디자인이 아니다. 그는 한때 “실용적이라고 생각하지만 보기 흉한 물건을 집에 두지 말라”고 말한 적이 있는데, 이는 기능성과 아름다움을 결합하려는 그의 디자인 철학을 구현한 것입니다. 그러나 이 목표를 달성하려면 여전히 수공예품과 단순한 고딕 및 자연주의적 장식이 필요합니다. 따라서 그의 한계로 인해 진정한 현대 디자인의 창시자가 되는 것은 불가능합니다.

모리스의 디자인, 모리스 디자인 오피스(Morris Design Office)의 활동, 그리고 그들이 주창한 원칙과 디자인 스타일은 영국과 미국에 상당한 영향을 미쳤습니다. 영국의 많은 젊은 디자이너들은 Morris의 예를 따라 길드라고 불리는 자체 디자인 사무실을 조직하여 역사적으로 "예술과 공예" 운동으로 알려진 실제 디자인 운동을 시작했습니다. 그들이 옹호한 스타일은 "예술과 공예" 운동 스타일이라고 불렸습니다. 영국의 "예술 및 공예" 운동에서 더욱 영향력 있는 디자인 집단은 다음과 같습니다:

뛰어난 디자이너 Arthur Markmurdo가 이끄는 Century Guild. 1882년에 설립되었습니다.

1854년에 설립된 미술 노동자 조합.

뛰어난 디자이너 Charles Ashbee가 이끄는 수공예 길드(Guild of Handicraft)는 1888년에 설립되었습니다.

이들 디자인 사무소는 모두 모리스가 1864년 디자인 사무소를 설립한 지 약 20년 후인 1880년대에 설립됐다. 그러므로 모두 모리스의 디자인 싱킹에 영향을 받았다고 할 수 있다. 이들 디자인 사무소의 디자인 목적과 스타일 역시 모리스와 매우 가깝습니다. 그들은 모두 가식적인 빅토리아 스타일, 디자인의 귀족주의, 기계적 및 산업적 특성에 반대했으며 중세 공예 길드의 통합 디자인 및 생산 방법을 되살리고 중세 디자이너의 단순함, 우아함 및 통일성을 되살리려고 노력했습니다. 실용성과 기능성, 장식성을 겸비한 디자인을 선보이며, 디자인 스타일은 중세, 고딕, 자연주의 스타일의 특징을 흡수함과 동시에 그래픽에서도 오리엔탈 스타일의 특징을 발전시켰다. 디자인하고 선에 주의를 기울입니다. 응용 프로그램과 구성이 완료되었습니다. 이들 회사가 생산하는 가구, 금속제품, 가정용품, 장식품, 서적 디자인 등은 모두 이러한 특징을 갖고 있으며 통일된 스타일을 갖고 있습니다.

1888년 모리스의 정신에 영감을 받은 영국 디자이너 그룹은 영국 디자인 표준을 홍보하기 위해 계획적으로 외국 디자인 전시회를 조직하기 위해 영국 미술공예전시회(The Artsand crarts Exhibition Society)를 조직했습니다. . 이러한 전시회는 수많은 외국 디자이너와 건축가를 유치했으며 영국 디자인을 홍보하는 데 중요한 역할을 했습니다. 그들은 또한 "예술과 공예" 운동의 정신을 홍보하는 플랫폼 역할을 하는 잡지 "The Studio"를 출판했습니다. 이 잡지는 Ruskin, Morris 및 기타 "예술과 공예" 운동 대표자들의 기사를 출판했습니다. 이러한 디자인 운동의 목적과 내용을 널리 알렸습니다.

1896년 윌리엄 모리스가 사망하고 디자이너 아서 벤슨(Arthur Benson)이 모리스 디자인 오피스(Morris Design Office)의 업무를 이어받았습니다. 그와 또 다른 매우 뛰어난 영국 디자이너 크리스토퍼 드레서(Christopher Dresser)는 함께 모리스의 경력에 ​​활력을 불어넣고 계속되었습니다. 과거와 미래를 연결하는 중요한 역할을 하는 "예술과 공예" 운동을 발전시킵니다. Morris Company는 그가 죽은 후에도 상당한 기간 동안 존속했는데, 이는 Benson과 Dresser의 노력과 떼려야 뗄 수 없는 관계라고 해야 할 것입니다.

미국의 "예술과 공예" 운동에는 가구 디자이너 Harvey Ellis와 Elbert Hubbard 조직인 The Rockcroft Art Group과 같은 다른 디자이너들도 참여했습니다. 스티글리 라이트와 그림 형제.

미국이 영국의 '예술 공예' 운동에 영향을 받은 것 외에도 스칸디나비아 국가들도 어느 정도 영향을 받았습니다. 스칸디나비아 5개국은 오랜 전통의 장인정신을 갖고 있으며, 특히 목재 가구와 인테리어 디자인은 뛰어난 품질을 자랑합니다. 영국의 "예술 및 공예" 운동은 허세를 부리는 빅토리아 스타일과 번거로운 장식에 반대했습니다. 더욱이 이 지역은 그 이후로 영국의 영향을 많이 받은 전통적인 개념에 매우 가깝습니다. 이들 국가 중 스웨덴, 핀란드, 덴마크, 노르웨이에서도 유사한 디자인 활동이 나타나고 있으며 다양한 디자인 기관이 설립되어 매우 놀라운 성과를 거두었습니다.

미술공예의 도자디자인은 도자디자인사에서 중요한 발전전환점이다. 이 운동이 시작되기 전 영국 도자기에는 부유층과 권력자들을 위한 낮은 등급의 도자기와 고급 고급 도자기만이 있었고, 값싸고 품질이 좋은 도자기가 부족했습니다. '미술 공예' 운동은 동아시아의 영향을 받았으며, 특히 도자기의 본고장인 중국과 도자기 발전이 매우 두드러진 일본은 영국 도자기에 큰 영향을 미쳤다. 당시 영국 도자기 디자인을 보면 동양 도자기 디자인의 영향이 뚜렷이 나타나며, 특히 문양, 유약 색상, 그릇 모양 등의 사용에서 동양적 영향이 뚜렷하게 나타난다.

영국의 '미술 공예' 운동의 주요 도자기 디자이너이자 제작자로는 마크 마샬(Mark Marshall), 윌리엄 드 모건(William de Morgan), 콜먼(Coleman) 등이 있습니다. 그들의 작품은 모두 '미술 공예' 운동의 뚜렷한 특징을 가지고 있습니다. 또한 Christopher Dresser는 도자기도 디자인합니다. 전반적으로 그들의 도자기 디자인은 기본적으로 소규모 생산을 위해 설계되었으며 예술적 구성 요소가 무겁고 아직 대량 생산되는 일상 도자기의 기초가 되지 않았습니다. 이 영국 디자인 운동의 세라믹 디자이너들은 모두 고온 유약과 가마 변화를 실험하는데 중점을 두었고, 기본적으로 누구도 세라믹 디자인의 사회적 기능을 고려한 적이 없었습니다. . 그들이 디자인한 도자기는 예술적 감상가치가 높으나, 대량생산을 위한 현대디자인의 기본요구로서 전체 도자기의 발전에 영향을 미치기에는 부족하다.

도자기의 일상적 활용을 본격적으로 탐구하기 시작한 것은 스칸디나비아 출신의 디자이너들이었다. 19세기 말부터 두꺼운 일용재도자기, 석기 등 대량생산을 목표로 다양한 생활도자기 디자인에 대한 실험을 시작했다. 이러한 탐구는 20세기 초부터 성숙해지기 시작했다. 세기를 거쳐 마침내 결실을 맺게 되어 전 세계의 일상 도자기 스타일에 영향을 미쳤습니다.

예술 공예 운동의 금속 세공 디자인도 주목할 만합니다. 이들 디자인은 모두 고딕 양식의 특징이 강하며, 금속 제품 표면에 상대적으로 두꺼운 모양과 단순한 패턴 장식이 있으며, 세라믹 디자인과 달리 이 무브먼트의 금속 제품은 기능성 측면에서 더욱 포괄적이며 일부는 뛰어난 작품입니다. . 중요한 디자이너로는 위에서 언급한 인물, 즉 Ashby, Christopher Dresser 등이 있습니다.

'예술과 공예' 운동의 가장 두드러진 디자인 범위는 직물 디자인, 특히 다양한 카펫과 태피스트리 디자인이었습니다. 텍스타일 디자인은 고딕 양식의 영향을 많이 받아 고딕 리바이벌 패턴이 많이 사용됩니다.

모리스 자신도 직물 디자인 염색에 관심이 많았다. 그는 태피스트리, 카펫, 수많은 벽지 패턴을 포함하여 많은 염색 직물을 직접 디자인했습니다. 그의 벽지 디자인은 1862년에 처음 등장했습니다. 1875년에 Morris는 다른 여러 디자이너와 협력하여 일련의 염색 직물을 디자인했습니다.

그는 화학염료 사용을 반대하고 남색 등 천연염료 사용을 고집해 근대화, 기계화, 산업화에 완전히 반대하는 입장을 드러냈다.

모리스 자신도 다양한 수공예품의 발전을 독려했고 그의 격려에 힘입어 그의 딸 메리 모리스는 자수 디자인에 전념해 1885년 모리스 컴퍼니의 드로잉 디자인 부문을 맡게 됐다. 도면 디자인 부서에 근무하며 트렌드를 개척하기도 했습니다. '예술과 공예' 운동의 더욱 중요한 디자인 범위는 그래픽 디자인이었다. 모리스 자신의 그래픽 디자인 활동은 이 장의 앞부분에서 언급한 바 있다. 그는 이 운동의 그래픽 디자인의 토대를 마련한 인물이라고 할 수 있다. 그의 영향으로 영국, 미국 및 기타 유럽 국가에서 예술 및 공예 스타일의 그래픽 디자인이 발전하기 시작했습니다. Arts and Crafts 스타일 그래픽 디자인의 초기 영향력 있는 대표자는 중요한 디자이너인 Marc Murdo가 Century Guild에서 디자인하고 발행한 계간지인 Toy Horse였습니다. Mark Murdo 자신이 디자인 작업을 수행했습니다. 첫 번째 잡지는 1884년에 출판되었습니다. 마크 머도(Mark Murdo)의 부드러운 흑백 선 장식 일러스트레이션과 풍부한 그래픽 디자인은 즉시 널리 인기를 얻었습니다. 곧 계간지는 Morris의 출판사인 Kemscott에서 출판되었습니다. Morris 자신이 수석 디자이너를 역임했습니다.

Kemscott Publishing House는 Morris의 그래픽 디자인 본거지였으며 그의 책 디자인 대부분은 이 출판사에서 출판되었습니다. 그의 디자인은 고전적인 스타일, 특히 중세 고딕 시대의 스타일 특성을 복원하려는 시도로 가득 차 있으며, 특히 제목 페이지와 각 장의 첫 페이지에는 꽃과 식물 패턴이 얽혀 있고 상세한 일러스트가 있습니다. 그리고 글자의 이니셜이 강한 고딕 리바이벌 특성을 가지고 있습니다. 이는 당시 유행했던 라파엘전파 형제단의 화풍과 맥을 같이하며, 영국 사회의 그래픽 디자인에 있어서 낭만주의 경향을 반영하고 있다. 이러한 강한 복고풍 경향은 당시 일부 비평가들로부터 비판을 불러일으켰습니다. 예를 들어, 영국의 그래픽 디자이너 루이스 데이(Lewis Day)는 1899년에 모리스가 자신의 책 디자인이 복고풍에 너무 빠져 있다고 비판하는 기사를 쓴 적이 있습니다. 그는 이러한 복고풍 경향이 모리스가 줄곧 주창하고 주창해 온 디자인의 사회화, 민주화, 대중화의 입장과 원칙에 완전히 위배되어 책이 대중의 독서자료로 자리잡는 것을 방해하고 축소시키는 것이라고 믿었다. 소수의 수집가에게.

'예술 공예' 운동의 단점이나 본질적인 단점은 명백합니다. 산업화에 대한 반대, 기계 거부, 대량 생산 거부는 추세를 이끄는 주류 스타일이 될 가능성이 없습니다. . 장식에 대한 지나친 강조는 제품의 가격을 상승시켜 서민들이 향유할 수 없게 만든다. 따라서 여전히 지식인의 이상주의적 소망의 결정체인 상아탑의 산물이다. 과시적인 스타일에 대한 혐오감과 대규모 산업화에 대한 두려움은 이 시기 지식인들의 매우 전형적인 사고방식이었다. 19세기 중반 영국인이 시작한 '예술과 공예' 운동의 탐구는 실제로 유럽 지식인 전체 세대의 감정을 대변했습니다. 당시에는 돌이킬 수 없는 산업화 추세를 진정으로 이해할 수 있는 지식인이 거의 없었습니다. 따라서 영국의 '예술 공예' 운동에 영감을 받아 유럽 대륙은 마침내 더 큰 규모, 더 넓은 범위, 더 많은 것을 시작했습니다. 영향력 있는 운동. 보다 심오한 실험적인 "예술과 공예" 운동 - "아르누보" 운동.