추상 미술에 대한 설명

추상 미술

추상 미술

추상 미술

예술적 이미지가 자연물의 모습에서 벗어나거나 완전히 포기한 예술 . 추상화라는 말의 원래 뜻은 사물의 본질적인 요소를 추출하고, 비본질적인 요소를 포기하는 것을 의미합니다. 일부 원본 예술 작품과 대부분의 예술 및 공예 작품, 서예, 건축 및 기타 예술적 스타일은 이미지가 자연물과 다르다는 점에서 추상 예술로 분류되어야 합니다. 그러나 의식적인 예술적 경향인 추상 미술은 20세기에 유럽과 미국에서 등장했습니다. 추상표현주의, 큐비즘, 타쉬즘 등 많은 모더니스트 미술 학파가 이에 영향을 받았습니다. 현대 추상미술은 크게 두 가지로 나눌 수 있는데, ① 자연물의 모습을 축소, 정제, 재구성하는 방식, ② 자연물을 완전히 버리고 순수한 형태로 나타나는 방식을 순수추상이라고 한다. 전자에는 두 가지 유형이 있는데, 하나는 자신의 사물에 대한 개념을 바탕으로 부수적이고 부수적이라고 생각되는 요소를 배제하고 본질을 추구하는 것이고, 다른 하나는 개별적인 특수한 자연물로부터 예술적 이미지를 추출하는 것이다. 후자는 감정형과 이성형으로 나누어진다. 감정적 유형은 W. Kandinsky, J. Miró 등과 같은 뜨거운 추상화라고 하며, K.C. Malevich와 P. Mondrian이 대표하는 이성적 유형은 차가운 추상화라고 합니다. 추상화는 1950년대에 유행했다. 현대 추상 미술 운동은 전체적으로 자연을 모방하는 전통에 대한 반항이며 근현대 미술에 지대한 영향을 미쳤습니다.

추상미술의 유래

추상미술은 구상미술의 반대말로, 비구상미술이라고도 할 수 있다. 묘사가 부족하고 개념과 그림을 표현하기 위해 감정적인 방법을 사용하는 것이 특징입니다. 이 방법은 기본적으로 표현주의이며 칸딘스키의 작품에서 처음으로 나타났습니다. 그것은 다양한 반(反)전통적인 예술적 영향, 특히 야수파(Fauvism)와 입체파(Cubism)의 융합에서 발전했습니다.

피카소의 견해에는 "추상" 예술은 존재하지 않으며, 어떤 사람들은 단지 스타일을 강조하고 다른 사람들은 삶을 강조한다고 믿습니다. 미셸 세브르(Michel Sèvre)의 견해에 따르면 추상 미술은 “나는 현실에 대한 어떤 기억도 없이, 이 현실이 화가의 출발점인지 여부에 상관없이 모든 예술을 추상 미술이라고 부른다.

실제로, 야수파와 입체파는 형태와 색상의 독립적인 발전을 촉진했으며, 1910년에 그의 첫 번째 추상 수채화를 그린 사람은 칸딘스키였습니다. 칸딘스키의 창의적인 발명품은 음악에서 미학적 영감을 받았습니다. 이후 체코 쿠프카는 음악에서 직접 영감을 받아 추상 미술을 창조했으며, 이후 추상 미술 그룹을 결성했습니다. 최초의 추상 작품은 1910년에 제작되었으며, 서양에서는 급속히 발전하여 다양한 형태가 등장하여 추상 미술의 주요 부문이 되었습니다.

1. 빛을 이용해 사물의 본질을 부수고 현대적인 느낌과 속도감을 표현하는 작품 p>

2. 철사, 유리, 금속판 등의 재료를 사용하여 직사각형을 이용하여 비이미지적 이미지를 형성한 구성주의(1913-1917), 사각형, 원, 직선

3. 직접적인 감정의 절대성을 묘사하기 위해 감정을 기반으로 사물을 관찰하지 않고 소위 새로운 상징을 찾는다(1915)

4 . 삼원색이나 직각색상 블록과 흑색, 백색, 회색의 직선을 완전히 사용하여 그림을 이루는 새로운 조형주의(1917)

5. 자연의 재현에 반대하면서도 진행한다. 자연에서 추상적인 콘크리트 예술로(1920년대)

6. 평면 컬러 리본 또는 컬러 평면이 점점 더 단순하고 순수한 그래픽을 구성하는 추상 형식주의(1950년대~1970년대)를 사용합니다. 예술, 미니멀 아트 등

7. 기하학적 형태 활용, 인공적인 빛과 색 처리, 시각적 오류를 일으키는 조명 효과 예술(1960년대) 등

야수파에서 파생됨 그리고 표현주의:

1. 작가의 무의식적인 자기 감정을 반영하는 상징으로 점과 점을 사용한 추상 표현주의(1940년대) 사용

2. 자기표현적 액션페인팅(1945~1955) 등은 무의식적으로 물감이 튀고 떨어지는 현상에 의존한다.

그리 길지 않은 추상화의 전개 과정에서 작품은 내면을 충분히 드러냈다. 아름다움과 표현력, 그리고 회화, 조각, 예술과 공예 등의 분야를 포괄하지만 미적 기준에 혼란과 차이를 가져왔습니다.

시각예술-추상미술

20세기 이후 20세기에 들어서면서 추상미술의 정의는 더 이상 사실주의의 반대 개념으로만 사용되지 않고, 서양 추상표현의 발전 속에서 구체적이고 추상적인 내용과 서사적인 내용이 인식되면서 복합매체의 활용이 한계를 열게 되었다. 형식적인 표현과 어휘의 풍부함을 보여주었습니다. 칸딘스키와 몬드리안의 시각적 미학적 탐구의 틀을 따라 작가는 여전히 시각예술에서 '추상'이라는 단어의 의미를 해석하고 있으며, 그 의미를 사회학, 미술사 등의 차원으로 확장하여 추상적인 사고를 제시할 가능성을 더욱 폭넓게 만들고 있다. .

'배움'과 '경험'은 사람들의 가치관을 더욱 동질화시켰고, 그 결과 개인은 독립적인 성격을 상실하고 사물의 진정한 현상과 현상을 해석할 수 없게 되었습니다. 움직이고 반사적입니다. 삶의 상실감은 사람들이 점점 더 자신을 구별할 수 없게 될 때 발생합니다. 그림은 사람들에게 외부 세계와의 소통 가능성을 일깨워주며, 더 이상 개념과 자신만의 시선과 가능성에 눈을 가두지 말라고 일깨워준다. 마음 속에 존재하는 기존 틀을 풀어보세요. 이는 공간에 존재하는 미묘한 감정과 신선한 풍경이 자유로운 분위기를 통해 시선을 사로잡고 마음 속으로 스며드는 것을 가능하게 한다. 비논리적이거나 익숙하지 않은 광경과 사물이 눈으로 인식의 대상이 될 수 있게 해주세요. 눈을 뜨고 사람들의 마음을 활성화시켜 우리 삶의 경험을 활기차고 풍요롭게 하십시오.

현실적인 감정 주제는 명확한 대응을 갖는 경우가 많은 반면, 추상화는 색상과 형태를 통해 감정에 해당하는 요소를 제공하는 경우가 많습니다. 요소 단서가 시각적 연속성과 충돌할 때 보는 사람의 감정 표현이 화가의 감정의 중심을 맞추지 못하는 경우가 많습니다. 화가는 생활 장면에 대해 거의 사실적인 접근 방식을 채택하지만 개념적으로 "관성" 관점에서 벗어나 장면에 대한 새로운 관찰과 구성을 그림에 사용할 수 있습니다. 회화에서 추상과 구상이 공존할 수 있는가에 대한 문제는 화가가 대상을 관찰하고 선택하는 과정에서 그 가능성에 대한 사전적 판단을 내리는 경우가 많다. 이러한 판단력은 사물의 본질을 관찰하려는 '동물적' 본능을 회복하려는 화가의 시도에서 비롯된다. 본능적인 눈으로 물질 자체의 미묘한 변화를 감지하거나, 물질의 공존이 만들어내는 새로운 관계를 관찰해야만 새로운 시각적 아이디어가 탄생할 수 있다. 작가는 창작 과정에서 자신의 숙련된 기술과 학력으로 인한 한계를 버리기 위해 최선을 다한다. 화가는 삶에 존재하는 일상의 풍경을 굳이 하얗게 칠하거나 위조할 필요도 없고, 그 위에 상징적 의미를 부여할 필요도 없으며, 빛과 그림자의 변화를 순간적으로 포착할 수만 있다면 그것이 작품의 주요한 힘이 될 수 있다고 믿는다. 사진. 사람에게 감동을 주는 좋은 그림은 붓놀림과는 별개로 사실 우리를 감동시키는 추상적인 느낌입니다. 그 추상적인 느낌은 물질계의 3차원 공간이 아니라 당신만의 추상공간이다. ． ． ． ". 평평한 캔버스 위에서 사물들 사이의 관계를 찾아보면 여러 관점 사이의 모순된 관계가 나타난다. 이것은 그림 구성의 모든 부분을 필수 요소로 만들어 모든 곳에서 긴급한 모순을 암시합니다. 아마도 이것이 보통 사람의 눈을 넘어서는 대상을 관찰하는 화가의 능력이면서, 시각의 한계 안에서 그림의 긴장감을 보여주는 것도 화가의 예술성일 것이다. 화가는 2차원과 3차원, 즉 사실성과 추상이 현실 세계에 공존하는 실제 장면이라고 믿으며, 이는 자신의 손에 의해 변형되지 않고 사람들에게 종종 무시되고 잊혀지는 부분을 포착할 뿐입니다. .

서구 추상회화의 범주에서 몬드리안 이후의 기하학적 추상인지, 칸딘스키 이후의 서정적 추상 표현인지. 서구 추상 체계의 맥락에서는 관객을 지배하고 그림의 포괄적인 주관적 표현을 수용하려는 시도에서 강한 감정이 자주 사용됩니다. 이것이 관객에게 감동을 주거나 충격을 주기도 하지만, 그림 자체가 주는 강력한 힘은 관객의 주관적인 감정대응을 잠식해 일방적인 감정교환으로 만들기도 한다. 마티스의 작품 '빨간 방'에서는 평면과 입체 공간에서 장면을 표현하기 위해 색이 사용된다. 색과 선은 마티스의 가장 정확한 의사소통 도구인 것 같다. 개별 개체의 역할을 줄이고 색상과 선을 교묘하게 사용하여 개체 간의 관계와 3차원 공간의 방향성을 암시합니다. 사물의 미세한 부분의 묘사를 단순화함으로써 사물이 기호처럼 평면적으로 나타나 사물의 최종 본래 모습과 대체 불가능성을 강조하며, 색면의 이음매나 선에서도 사물을 미묘하게 암시한다.

중국 추상회화의 발전 과정을 되돌아보면, 화풍과 서양 사이에는 뚜렷한 차이가 있을 뿐만 아니라 이념적 맥락의 발전에도 뚜렷한 격차가 있다. 예를 들어 중국 문인화는 고의로 형식적인 어휘의 발전을 추구하는 것이 아니라 '인격 함양'에 힘쓰고 있다. 복잡함을 제거하고 단순화한다는 것은 형식적인 어휘의 한계를 추구하는 것이 아니라, 그림 속 무심한 획의 공간이 자연스럽게 화가의 개성을 드러내고 보는 이에게 더 많은 상상력을 남겨주어 감정의 주요 원천을 모으는 것이다. 논의되는 것은 엄격한 창조의 창안이나 위대함이 아니라 인간 내면의 감정의 온전한 느낌입니다. 삶 자체에 가까워진다는 것은 물질적 형태에 대한 인간의 가능성을 반복적으로 발전시키는 것이 아니라 자기 수양을 통해 성취되는 영적인 의미이다. 동서양의 서로 다른 문화적 특성을 바탕으로 서로 다른 두 가지 추상적인 접근 방식을 전개하는 것은 분명히 피할 수 없는 현상이다. 그러나 동양이 국제적 인정을 수용하는 과정에서 인식의 속도를 높이기 위해 이미 동양의 문화적 특성을 지니고 있다는 사실을 무시한 채 서양의 추상적인 미학 체계에 빠지기 쉽다. 이스트입니다. 앞으로는 문화정보의 강력한 소통으로 인간의 감성이 점차 보편적인 소통과 상호인식을 낳을 것을 기대할 수 있지만, 동양의 예술가들은 통합의 과정에서 어떻게 자신의 관점을 조절하고 서구의 미학체계에 의해 오해를 받지 않을 수 있는가? ? 침수되면 상대적으로 특히 중요해집니다.

그 어떤 기술보다 해상도가 높은 제품처럼 누구나 좋은 감독이 될 수 있고, 받아들일 수 있는 게 바로 장인들이 끊임없이 사람들에게 눈의 타고난 예리함을 일깨워주는 방법을 찾고 있을 뿐입니다. 기존 세계를 시각화하기 위한 가장 상상력이 풍부한 가능성을 개발합니다.

현대 미술이란 무엇입니까? 인간은 언제나 모순된 감정에 갇혀 있으며 예술을 통해, 반복되는 투쟁과 견제와 균형의 창작 과정을 통해 끝없는 종말을 향해 나아가고 싶어하기 때문일까? 그것은 예술적 성취를 추구하는 것이 아니라 시대의 수레바퀴를 마음대로 쫓는 것이며, 현대 예술의 거대한 소리에 빠져 내적 갈망과 추구를 듣지 못하는 것이다.

"회화는 궁극적으로 눈의 본능적인 예민함으로 돌아가야 하며, 내면의 본질을 회화의 형태로 제시해야 한다." 예술의 궁극적인 의미는 예술의 위대함을 가리키는 것이 아니다. 예술가들에게 예술은 삶의 문제를 해결하는 방법이자, 인간과 소통하는 방법으로 예술을 활용하는 것입니다. 삶의 짧은 순간은 종종 관념에 의해 잊혀지는 부분이지만, 비전에 있어서는 가장 심오하고 변함없는 영원성이다.

피카소의 견해에는 '추상' 예술이 존재하지 않으며, 어떤 사람들은 단지 스타일을 강조하고 다른 사람들은 삶을 강조한다고 믿습니다. 미셸 세브르(Michel Sèvre)에 따르면, “나는 현실이 화가의 출발점이든 아니든 현실에 대한 어떠한 상기나 기억도 없는 모든 예술을 추상예술이라고 부른다. 야수파와 입체파는 형태와 색상의 독립적인 발전을 촉진했으며, 1910년에 그는 칸딘스키의 창의적인 발명이 미학적으로 영감을 받아 결정적으로 추상적인 최초의 그림을 그렸습니다. 이후 음악에서 직접 영감을 받아 추상미술을 창조한 체코의 쿠프카는 나중에 함께 추상파를 결성했다.

현실은 현실이다. 삶과 가상은 상상력과 창의성을 통해 실현됩니다.