중국화의 형식미란 무엇이며, 형식미와 형식미의 차이는 무엇인가요?

서양화에 비해 중국화는 뚜렷한 특징을 갖고 있다. 중국의 전통회화는 원근법을 중시하지 않고, 자연 속 사물의 빛과 색의 변화를 강조하지 않으며, 사물의 겉모습의 유사성에 집착하지 않고 작가의 주관적인 취향을 표현하는데 중점을 둔다. 중국화는 '형태가 있는 글쓰기 정신'을 강조하고 '유사성과 상이성 사이에 아름다움이 있다'는 느낌을 추구합니다. 그렇다면 서양화는 어떨까요? '형태가 있는 글쓰기'를 강조하는 것은 물론, 창작 과정에서 '정신'의 표현에도 주목한다. 그러나 전체적인 그림과 일반화에 큰 관심을 기울입니다. 어떤 사람들은 서양화는 '복제'의 예술이고, 중국화는 '표현'의 예술이라고 말합니다. 서양화와 비교하여 중국화는 고유한 특성을 가지고 있으며 이는 예술적 기법, 예술적 구분, 구성, 붓 사용, 잉크 사용, 색상 적용 및 기타 측면에서도 반영됩니다. 중국화는 예술적 기법에 따라 꼼꼼한 붓놀림, 자유형 붓칠, 서예의 세 가지 형태로 나눌 수 있습니다. 공비란 붓을 깔끔하고 꼼꼼하게 사용하고, 색을 겹겹이 칠하여 세부를 맑고 은은하게 표현하며, 극도로 섬세한 붓놀림으로 사물을 묘사하는 것을 공비라 부른다. 그리고 자유형 붓놀림은 어떻습니까? '공비'에 비해 대담하고 간결한 붓놀림을 사용하여 사물의 형태와 정신을 묘사하고 작가의 감정을 표현한다. 높은 수준의 일반화 능력과 적은 비용으로 더 많은 것을 이룰 수 있다는 암묵적인 예술적 개념이 있어야 하며, 글을 쓸 때는 정확해야 하고, 모든 것을 쉽게 처리할 수 있어야 합니다. 펜의 의미를 파악할 수 있다. 아르바이트 형태는 공비와 자유필의 두 가지 방식을 종합적으로 응용한 형태이다. 미술 분야의 관점에서 중국 회화는 인물, 산수, 화조의 세 가지 주요 회화 분야로 나눌 수 있습니다. 주로 묘사되는 대상에 따라 구분됩니다. 중국화에 나오는 동물, 안마, 곤충, 과일, 채소의 그림은 각각 이 세 가지 범주로 분류할 수 있습니다. 중국화 역시 구도, 붓의 사용, 먹의 사용, 색채의 적용에 있어서도 나름의 특징을 갖고 있다. 중국화의 구성은 일반적으로 서양화의 황금률을 따르지 않고, 대신 긴 두루마리이거나 세로 두루마리이며, 가로 대 세로 비율이 '불균형'합니다. 그러나 그것은 화가의 특별한 예술적 개념과 주관적인 취향을 잘 표현할 수 있습니다. 동시에 중국화와 서양화는 원근법에 있어서도 다르다. 원근법은 회화에서 사용하는 용어로, 그림을 그릴 때 모든 대상을 평면 위에 정확하게 표현하여 공간감과 입체감을 갖게 하는 방식을 원근법이라고 합니다. 원근법의 현상은 가까운 것이 크고 먼 것이 작은 것이기 때문에 '원근법'이라고도 불린다. 서양화는 일반적으로 사진과 같은 초점원근법을 사용하는데, 이는 한 발판에 고정되어 있기 때문에 렌즈에 담긴 것은 진실되게 촬영되어야 하며, 그렇지 않으면 촬영되지 않습니다. 중국화는 반드시 고정된 발판에 고정되어 있는 것도 아니고, 고정된 화각에 국한되지도 않으며, 화가의 감정과 필요에 따라 발판을 움직일 수 있고 보이는 풍경과 보이지 않는 풍경을 모두 그의 그림에 담을 수 있다. 이러한 원근법을 분산 투시 또는 다점 투시라고 합니다. 예를 들어, 우리에게 친숙한 북송의 유명한 그림인 장택단(張澤端)의 '청명제 강변'은 산점원근법을 사용하고 있습니다. "청명제의 강변"은 북송 왕조의 수도인 변량 안팎의 풍부하고 복잡하며 다양한 장면을 반영합니다. 비안허(Bianhe) 강을 중심으로 먼 시골에서 활기 넘치는 "훙차오(Hongqiao)"로 연결됩니다. 시청자는 다리 위의 보행자와 다리 아래의 보트를 모두 볼 수 있습니다. 근처의 건물과 나무뿐만 아니라 멀리 있는 깊은 거리와 강항도 마찬가지입니다. 그리고 어느 구간에 서든 풍경의 비율은 비슷하다. 서양화의 초점과 원근법에 따라 그리면 전혀 칠할 수 없는 곳이 많다. 이는 고대 중국 화가들이 내용과 예술적 표현의 요구를 바탕으로 창안한 독특한 원근법입니다. 펜과 잉크의 사용은 중국 회화 스타일의 중요한 부분입니다. 펜은 사물의 질감을 표현하기 위해 굵기, 속도, 멈춤, 회전, 사각형과 원형 등의 변화에 ​​주의해야 합니다. 일반적으로 펜을 시작하고 멈출 때 힘을 써야 하며, 손목은 곧게 펴야 하고, 숨이 중간에 끊어지지 않아야 하며, 펜을 잡을 때 펜을 가볍게 들어 올리면 안 됩니다. 펜을 사용할 때, 가볍게 힘을 주면 뜨고, 무거운 힘을 가하면 매끄럽게 되고, 빠르게 움직이면 미끄럽고, 천천히 움직이면 느려지고, 부분적으로 사용하면 얇아지고, 바르게 사용하면 칙칙해진다. 활처럼 휘어지고 자처럼 곧게 되도록 하는 것이 펜을 사용하는 의도이다. 고대인들은 윤곽선과 18획을 정리했는데, 이는 중국화에서 붓을 사용한 경험을 요약한 것이라고 할 수 있다. 잉크의 사용은 채핑, 러빙, 도트, 염색의 상호작용을 강조하고, 건식, 습식, 걸쭉함, 연함을 합리적으로 혼합하여 체형을 형성하고 분위기를 물들인다. 일반적으로 중국화에서 먹의 아름다움은 두꺼움과 밝음의 조화에 있다. 두껍고 밝음이 있어야 하고, 밝은 부분이 있어야 한다. 우아하지만 지루하지 않게. 먹을 쓰는 것은 색을 쓰는 것과 같다. 옛날에는 먹을 오색으로 나누는 경험이 있었고, 먹을 금처럼 소중히 여기는 화풍도 있었다. 잉크를 사용할 때에는 두꺼운 잉크가 서로 보완되어야 굵기에 가벼움이 있고, 가벼움에 굵기가 있으며, 굵기는 가장 두꺼우며, 가벼움은 가장 가벼워야 합니다. 모두 중국화의 유연한 붓놀림이다. 중국 회화와 서예는 도구와 붓놀림 면에서 많은 유사점이 있기 때문에 고대인들은 오랫동안 "서예와 회화는 같은 근원을 가지고 있다"고 말해왔다. 그러나 둘 사이에는 차이점도 있습니다. 서예는 서예보다 다양하며 특히 필기체는 그림보다 더 좋습니다. 반면에 그림은 서예보다 더 다채로운 잉크를 사용합니다. '펜과 먹'이라는 말은 중국 회화 기법의 총칭으로 여겨지며, 이미지를 형성하는 수단일 뿐만 아니라 그 자체로도 독립적인 미적 가치를 지닌다. 중국화는 색상 적용에도 고유한 특성이 있습니다. 사용되는 안료의 대부분은 바람과 햇빛에 강하고 오랫동안 변하지 않는 천연 광물 또는 동물 껍질 분말입니다. 색상 도포 방식은 대부분 평면 코팅으로 빛과 그림자의 변화가 거의 없이 물체 고유의 색상 효과를 추구합니다. 위에서 논의한 중국화의 특징은 주로 중국 전통화를 가리킨다. 그러나 이러한 특성은 시간이 지남에 따라 진화했습니다. 예술의 내용과 형태도 업데이트되고 끊임없이 변화합니다.

특히 5·4운동 이후에는 서양화들이 대거 유입됐다. 그 넓은 마음으로 중국화는 많은 서양 미술 기법을 흡수해 중국화의 표현력을 풍부하게 했다. 그러나 어떤 변화가 있더라도 중국화 전통의 기본적인 민족적 특성은 상실될 수 없다. 왜냐하면 중국화는 세계 예술 분야에서 독특한 체계를 갖고 있기 때문이다. 흐르는 예술정원에서 독특하게 빛난다. 중국화는 우리 민족의 높은 지혜와 뛰어난 재능, 노고의 결정체이며 우리 민족의 귀중한 재산이다.

그림의 내용으로 보면 인물화, 산수화, 꽃그림, 새, 동물, 곤충과 물고기 그림, 경계 그림 등으로 나눌 수 있다. 인물화는 우리나라의 전통 회화 주제 중 하나이며, 그 내용은 주로 인물 묘사에 관한 것입니다. 회화의 중점이 다르기 때문에 초상화, 이야기, 풍속화로 나눌 수 있습니다. 기록에 따르면 춘추시대 인물화는 매우 높은 수준에 이르렀다. 전국시대 추릉에서 출토된 비단화를 통해 당시 인물화의 성과를 엿볼 수 있다. 인물화는 항상 중국 전통 회화의 가장 중요한 주제였습니다. '풍경'이라고도 불리는 산수화는 중국화의 주제 중 하나이다. 산과 강의 자연풍경을 묘사하는 것을 주제로 한 그림이다. 위(魏)·진(秦)·육대(六代)에 이르러 점차 발전하였지만 여전히 주로 수(隋), 당(唐)대를 거치면서 오대(五代)와 북송(北宋)에 이르러서는 인물화의 배경으로 많이 사용되었다. 그것은 많은 작가들과 함께 점점 더 성숙해졌고, 이후 중국 회화의 주요 회화 분야가 되었습니다. 주로 녹색, 금색, 뼈 없음, 연한 진홍색, 잉크 및 기타 형태가 있습니다. 예술적 표현에서는 사업장 위치와 예술적 개념의 표현에 중점을 둡니다. 화조화는 중국의 전통 회화 중 하나이다. 그림의 주요 주제는 꽃, 대나무, 돌, 새, 동물, 곤충 및 물고기입니다. 4~5천년 전 도자기에 나타난 단순한 물고기와 새 문양은 최초의 화조도라고 할 수 있다. 당나라 장옌위안(張熙源)의 《과거명화기》에 기록된 바에 따르면, 동진과 남조 시대에 비단에 그린 꽃그림은 점차 독립된 회화의 한 분야를 형성하였고, 일부 전문 화가들이 등장하였다. 오대(五代)와 송(宋)대를 거치면서 이 화류는 더욱 성숙해졌습니다. 경계화 역시 중국화의 주제 중 하나이다. 명나라 도종의(Tao Zongyi)가 쓴 ​​『소경기』에서 그는 그림을 부처와 보살, 옥황상제와 왕, 금강역사, 귀신, 신과 나한, 바람, 구름, 용과 등 13가지 범주로 나누겠다고 제안했다. 호랑이, 전생의 인물, 전체 풍경, 꽃, 대나무, 깃털, 야생 승리. 동물, 인간 동물, 경계 그림과 탑, 모든 측면 물건, 경작, 직조, 조각 및 녹색 상감. 중앙에는 파빌리온 그림에 관한 섹션이 있습니다. 궁전, 테라스, 주택 및 기타 건물을 주제로 삼아 직선자를 사용하여 선을 그리는 그림을 말합니다. "궁"또는 "집 나무"라고도합니다. 그림의 형태나 색상에 따라 잉크, 녹색, 금색, 연한 진홍색 등으로 나눌 수 있습니다. 수묵화란 중국화에서 먹만을 사용하는 화체를 가리킨다. 전설에 따르면 당나라에서 시작되어 송나라에서 성숙해 원명나라에 번성하여 청나라 이후 계속 발전했다고 합니다. 붓놀림을 기본으로 하고 수묵의 기능을 충분히 발휘하여 '수후광묵'과 '오색동시'의 예술적 효과를 얻을 수 있습니다. 중국 회화사에서 중요한 위치를 차지하고 있다. 당나라의 장연원(張燕源)은 『과대명화기』에서 “묵은 오색으로 운반된다”고 썼다. 가볍고 녹색이거나 두껍고 가볍고 건조하며 젖고 검은 색입니다. 사실, 그들은 모두 잉크 색상의 풍부한 변화를 나타냅니다. 녹색은 남동석과 돌녹색이 중국 회화안료의 주요색인 그림을 말한다. 산수화라면 큰 녹색도 있고 작은 녹색도 있습니다. 전자는 윤곽선이 더 많고 붓의 갈라짐이 적으며 채색이 두껍고, 후자는 먹과 밝은 색을 바탕으로 녹색의 얇은 층을 사용합니다. Jinbi는 중국 회화 안료의 진흙 금, 남동석 및 돌 녹색을 나타냅니다. 이 세 가지 안료를 주색으로 사용하는 산수화를 '황금 산수'라고 부르는데, 이는 '녹색 산수'보다 더 탁하고 금색입니다. 진흙 금은 일반적으로 산 윤곽선, 돌 패턴, 경사 기초, 모래 침, 다채로운 구름뿐만 아니라 공식 방, 파빌리온 및 기타 건물을 염색하는 데 사용됩니다. 연홍색은 먹윤곽과 염색을 바탕으로 황토색을 주색으로 한 연한 색의 산수화이다. 황공왕(黃孝王), 왕몽(王孟) 등 원화 화가들은 이런 산수화에 능하여 화풍을 이루었다. 황토는 "흙 주홍"이라고도 불리며 불이나 물로 만들어집니다. 그림에 사용된 황토는 적철광에서 나온 것입니다. 원석은 적철석과 함께 생산되어 손으로 만져보면 부드러운 느낌이 좋은 원석입니다. 산시성 염문 지역이 원산지이며 고대에는 다이현에 속했기 때문에 "대저"라고도 불린다. 적철광이 발견되는 곳마다 황토가 발견됩니다. 화법적인 면에서는 굵은 붓(묵묵), 세밀한 붓(꼼꼼한 붓), 사생, 자유형 붓, 총화, 선화, 뼈 없는 붓, 핑거 페인팅 등으로 나눌 수 있다. 튀는 잉크는 중국 회화의 기술입니다. 전설에 따르면 당나라 왕치아메이는 술에 취해 수묵화를 그렸다고 합니다. 후세에서는 일반적으로 굵은 붓놀림과 잉크처럼 튀는 그림 방법을 "튀는 잉크"라고 불렀습니다. 공비는 중국화의 깔끔하고 꼼꼼한 화법으로 '자유 붓놀림'과 대칭을 이룬다. 자유형 붓놀림은 중국 회화의 관대 한 그림 스타일입니다. 작가의 예술적 구상을 표현하기 위해서는 대상의 형태와 정신을 간결하게 적는 펜과 잉크가 필요하다. 모방이란 돌과 나무껍질의 질감을 표현하기 위해 사용되는 중국화의 기법이다. 암석 갈라짐의 주요 방법으로는 대마 갈라짐, 빗방울 갈라짐, 권운 갈라짐, 용액 갈라짐, 소털 갈라짐, 연잎 갈라짐, 접는 띠 갈라짐, 철 갈라짐, 크고 작은 갈라짐 등이 있으며 표면을 표현하는 방법이 있다. 나무 몸체에는 비늘, 밧줄 챕스, 수평 챕스 등이 포함되며 모두 각각의 모양을 따서 명명되었습니다. 이러한 채핑 기법은 고대 화가들이 다양한 암석의 다양한 질감 구조와 나무의 표면 상태를 바탕으로 예술적 실천을 위해 만들어낸 표현 프로그램입니다. 중국화의 지속적인 혁신과 진화에 따라 이러한 표현기법도 계속 발전할 것이다. 선화는 중국 회화 기법의 이름입니다. 고대의 "백화"에서 유래되었습니다. 색상을 사용하지 않고 잉크 선을 사용하여 개체의 윤곽을 그립니다. 또한 밝은 잉크 렌더링이 약간 적용되었습니다. 주로 인물화, 꽃화에 사용됩니다.

무뼈(Boneless)는 중국화 기법의 이름이기도 하다. 잉크 선으로 윤곽선을 그리는 대신 개체를 직접 색상으로 그립니다. 오대 이후에는 서황전(朱黃泉)에 그려진 꽃고리가 가늘고 채색 후에도 글씨가 거의 보이지 않아 '무뼈꽃가지'라 불렸다. 북송의 서충사는 황권을 모방하여 채색으로만 꽃을 그렸는데, 후세에서는 이 화법을 '무뼈화'라고 불렀다. 청록, 녹색, 적황토 등의 색을 사용하여 언덕, 계곡, 나무, 바위를 염색한 산수화도 있는데, 이를 '뼈 없는 풍경화'라고 하며, '뼈 없는 그림'이라고도 합니다. 남조의 양(梁)나라 성우(聖君)와 당(唐)의 양생(陽生)이 이 화법을 잘하였다. 핑거페인팅을 '핑거페인팅'이라고 합니다. 중국화의 특별한 화법. 손가락, 손톱, 손바닥을 사용하여 잉크에 담그거나 종이와 실크에 색칠합니다. Qing Gao Qipei는 이 그림 방법에 능숙했으며 그의 조카 Gao Bing도 "Finger Painting Theory"를 썼습니다. Gao Qipei는 "나는 손으로 그림을 그리는데 갑골과 손바닥 등이 모두 거기에 있으며 손이 떨어지면 아무것도 없고 손에 있으면 아무것도 없다"고 말했습니다. 후하이차오(Hu Haichao)가 편찬한 "중국 회화에 관한 흥미로운 이야기" 중 195편입니다. 손톱, 손가락, 손바닥, 손등 등 손의 모든 부분을 그림에 사용했음을 알 수 있습니다. 분석적으로 보면, 작은 도형이나 꽃, 새, 가는 선 등을 그릴 때 못을 사용하면 되는데, 예를 들어 펜을 사용하여 연꽃 잎, 바위 등 큰 물체를 그릴 경우, 잉크를 튀기는 방법을 사용할 수 있습니다. 손등과 손바닥의 앞면과 뒷면을 쓰다듬어 그림을 만들 수 있습니다. 고리버들과 흐르는 물을 그리려면 새끼손가락, 손톱, 이끼를 사용하여 담그면 됩니다. 또는 여러 손가락에 잉크가 수직으로 묻어 있습니다. 항상 먼저 뜻을 갖고 맑은 마음을 가져야 하며, 그러면 마음과 손이 자연스럽게, 완전히 자연스러워지고, 손으로 그린 ​​흔적이 전혀 없게 될 것입니다. 그래서 '물건은 손으로 만들지만 손으로 ​​만드는 것이 아니다'라고 합니다. 그 이후로 많은 사람들이 핑거페인팅을 하게 되었지만 이는 단지 우연한 핑거잉크 게임일 뿐입니다. 현대의 유명한 화가 반천수만이 핑거페인팅 분야에서 가장 높은 성취를 이루었습니다. 회화는 시대에 따라 고대회화, 신회화, 현대회화, 현대회화 등으로 나눌 수 있다. 형식미의 법칙은 아름다운 형태와 아름다움을 만들어가는 과정에서 형식미의 법칙에 대한 경험의 요약이자 추상적인 일반화이다. 주로 다음을 포함합니다: 대칭과 균형, 단순성과 통일성, 조화와 대비, 비율, 리듬과 다양성의 통일성. 아름다움 창조에 있어 형식미 법칙의 중요성은 다음과 같습니다. 1. 형식미 법칙을 연구하고 탐색하면 형식미에 대한 감수성을 키우고 사람들이 아름다운 것을 더 잘 창조하도록 안내할 수 있습니다. 2. 형식미의 법칙을 터득하면 형식미의 법칙을 더욱 의식적으로 활용하여 아름다운 내용을 표현할 수 있고, 아름다운 형식과 아름다운 내용의 높은 통일성을 이룰 수 있습니다. 형식미 법칙을 사용할 때 다음 사항에 주의해야 합니다. 3. 형식미 법칙을 사용하여 창작할 때 먼저 다양한 형식미 법칙의 구체적인 성능 기능과 미학적 의미를 철저히 이해하고 원하는 형식 효과를 명확히 해야 합니다. , 필요에 따라 적용 가능한 형식 법칙을 올바르게 선택하여 필요에 맞는 형식적인 아름다움을 형성하십시오. 4. 형식미의 법칙은 고정되어 있지 않으며 아름다운 것이 발달함에 따라 형식미의 법칙도 부적절하게 발전합니다. 따라서 아름다움을 창조함에 있어서 형식미의 법칙을 준수해야 하지만 만들어서는 안 됩니다. 독단주의의 오류를 범하고 사물을 기계적으로 적용하는 형식미의 법칙이 있지만, 내용의 차이에 따라 형식미의 법칙을 유연하게 활용하여 형식미의 창의적 특성을 반영해야 한다. 형식적 아름다움의 법칙을 탐구하는 것은 모든 디자인 분야의 공통 주제입니다. 그렇다면 일상생활에서 아름다움은 모든 사람이 추구하는 정신적 즐거움입니다. 가치 있는 어떤 것과 접촉하게 되면 논리적인 내용과 형식이 있어야 합니다. 실생활에서 사람들은 경제적 지위, 문화적 수준, 사상 관습, 삶의 이상, 가치관 등이 다르기 때문에 서로 다른 미적 개념을 가지고 있습니다. 그러나 어떤 사물이나 어떤 시각적 이미지를 형식적인 조건만으로 평가할 때 아름다움과 추함의 느낌에 대한 대부분의 사람들의 기본적인 상식이 있습니다. 서양에서는 고대 그리스부터 일부 학자와 예술가들이 형식미의 법칙 이론을 제시해 왔고, 오늘날 형식미의 법칙은 현대 디자인의 이론적 기초가 되었습니다. 디자인 구성의 실천에서는 더욱 중요합니다. 형식미의 주요 원리는 다음과 같습니다. 조화로운 우주의 모든 만물은 끊임없이 변화하는 형태를 갖고 있지만, 태양과 달의 움직임, 행성의 활동, 그리고 만물에 이르기까지 모두 일정한 법칙에 따라 존재합니다. 원자 구조의 구성과 움직임에는 모두 고유한 법칙이 있습니다. 아인슈타인은 다음과 같이 지적했습니다. 우주 자체는 조화롭습니다. 조화에 대한 넓은 해석은 둘 이상의 요소나 부분 사이의 관계를 판단할 때 각 부분이 주는 감정과 의식이 전체적으로 조화로운 관계라는 것입니다. 좁은 의미의 조화는 단조로움이나 혼란이 아닌 통일성과 대조를 의미합니다. 단일한 색상이나 단일 선이 조화를 의미하는 것은 아닙니다. 여러 요소가 기본적인 상호 운용성과 호환성을 갖추어야 조화라고 할 수 있습니다. 예를 들어, 조화로운 색상 블록 세트, 질서정연하게 배열된 일부 대략적인 그래픽 등이 있습니다. 조화로운 조합도 어느 정도의 차이를 유지하지만, 차이가 강하고 중요해지면 조화로운 패턴이 대조되는 패턴으로 변합니다. 대비와 통일성 대비라고도 불리는 대비는 대비가 큰 두 가지 시각적 요소를 성공적으로 배열하여 뚜렷하고 강렬한 느낌을 주지만 여전히 통일감을 주는 현상을 대조라고 합니다. 영상이 더욱 생생해졌습니다. 대비 관계는 주로 시각적 이미지 톤의 밝기, 차가움 및 따뜻함, 색상의 채도 및 채도 감소, 다양한 색상, 크기, 두께, 길이, 곡률, 높이, 오목 및 볼록, 너비, 두께를 통해 이루어집니다. 도형의 수직, 수평, 기울기 방향, 수량, 배열의 밀도, 위치 상하, 좌우, 높고 낮음, 멀고 가까운 형태, 흑백, 무게. 이를 달성하기 위해 움직임과 고요함, 어렴풋한 느낌, 부드러움과 단단함, 건조함과 습함 등이 모두 사용됩니다. 그것은 모순의 철학적 통일에 대한 세계관을 구현합니다. 대비 법칙은 현대 디자인에 널리 사용되며 실용적인 효과가 뛰어납니다.

대칭 대칭 형태는 새의 날개, 꽃과 나무의 잎사귀 등 자연의 모든 곳에서 볼 수 있습니다. 따라서 대칭형은 시각적으로 자연스럽고 안정적이며 균일하고 조화로우며 단정하고 우아하며 엄숙하고 완벽하다는 단순한 아름다움을 가지며 사람들의 시각적 습관과 일치합니다. 평면구성에 있어서 대칭은 점대칭과 축대칭으로 나눌 수 있다. 어떤 도형의 중심에 직선이 놓여 있고 그 도형이 두 개의 동일한 부분으로 나뉘어져 있다고 가정하면 두 부분의 모양이 완전히 동일하면 이 직선을 축이라고 합니다. 대칭의. 어떤 도형에 중심점이 있고, 이 점을 중심으로 회전하면 같은 도형을 얻을 수 있다고 가정하는데, 이를 점대칭이라고 합니다. 점대칭에는 구심력의 "중심추적 대칭", 원심력의 "방사선 대칭", 회전의 "회전 대칭", 역조합 "역대칭", 원의 중심에서 층별로 확장하는 "동심원 대칭" 등도 포함됩니다. . 평면 구성에 대칭의 법칙을 적용할 때 과도한 절대 대칭으로 인한 단조롭고 지루한 느낌을 피해야 하며, 때로는 전체 대칭 패턴에 약간의 비대칭 요소를 추가하면 실제로 구성의 단조로움과 아름다움을 높일 수 있습니다. 무뎌짐, 저울의 양쪽 끝이 지탱하는 무게가 받침점에 의해 지지됩니다. 양쪽이 기계적 평형 상태에 도달하면 이를 균형이라고 합니다. 평면구성 디자인에서의 균형은 실제 무게×모멘트의 등가관계가 아닌, 이미지의 크기, 무게, 색상, 기타 시각적 요소들의 분포 등을 토대로 시각적 판단에 영향을 미치는 균형이다. 평면 구성에서는 시각적 중심(시각적 충격이 가장 큰 장소의 중간 지점)을 지지점으로 사용하는 경우가 많으며, 각 구성 요소는 이 지점에서 시각적 강도의 균형을 유지합니다(그림 참조). , 균형은 역동적인 특징입니다. 인체의 움직임, 새의 비행, 짐승의 달리기, 바람과 풀의 움직임, 물과 파도의 움직임 등은 모두 균형의 형태이므로 균형의 구성은 부분과 부분, 부분과 전체 사이의 양적 관계를 의미하며, 비율의 개념은 오랜 기간 동안의 생산 활동과 생활 활동에서 항상 사용되어 왔습니다. 인체의 규모를 중심으로 각자의 활동의 편리성을 바탕으로 다양한 규모의 기준을 정리했는데, 이는 식품, 의복, 주거, ​​교통수단의 제조에 반영된다. :1.618은 일찍이 고대 그리스에서 발견되어 세계적으로 인정받는 것으로, 인간의 눈의 높이와 너비의 비율이 조화로운 아름다움을 가지며 형식적인 아름다움이 되는 법칙입니다. 아름다운 비율은 평면 구성의 모든 시각적 단위의 크기뿐만 아니라 단위의 배열 및 조합에도 중요한 요소입니다. 물리학에서 무게 중심은 각 단위에 작용하는 결합된 힘의 지점을 의미합니다. 물체의 무게 중심을 찾는 일반적인 방법은 물체를 선으로 매달는 것입니다. 균형을 잡을 때 무게 중심은 매달린 줄이나 늘어진 줄의 연장선에 있어야 합니다. 균형을 맞춘 후 무게 중심은 새 매달린 선이나 연장선에서 앞쪽과 뒤쪽 라인의 교차점이 물체의 무게 중심이 되어야 합니다. 평면적 구도에서 어떤 형태든 무게중심의 위치는 시각적 안정감과 밀접한 관계가 있다. 시선은 종종 왼쪽 상단에서 왼쪽 하단으로 빠르게 이동한 다음 중앙을 통과하여 오른쪽 상단으로 이동하고 오른쪽 하단을 통과한 다음 가장 관심을 끄는 사진의 중앙 원으로 돌아옵니다. 이 중심점은 시각적 무게 중심입니다. 그러나 그림의 윤곽, 그래픽의 수렴, 색상의 분포 또는 명암의 변화 등은 모두 시각적 무게 중심에 영향을 미칠 수 있습니다. , 그림의 무게중심을 처리하는 것은 그래픽 구성 디자인의 중요한 측면이다. 표현하려는 주제나 중요한 내용 정보는 시각적인 초점에서 너무 벗어나서는 안 된다. 리듬은 원래 소리의 변화와 반복을 의미한다. 리듬(Rhythm)은 음악에서의 박자(Beat)라는 용어로, 동일한 구성과 구성을 의미하며, 시각적 요소의 연속적인 반복이 만들어내는 움직임의 느낌을 말한다. 시의 높낮이, 무게, 길이의 조합, 균형 잡힌 간격이나 휴지, 특정 위치에서 같은 음의 반복, 행 끝에서 같은 운율과 어조를 갖는 소리와 위상의 사용. 시의 음악성과 리듬을 높이는 것은 운율의 사용이다. 평면 구성에서 단위 조합의 단순한 반복은 단조롭기 쉽고, 규칙적으로 변화하는 이미지나 색상군을 같은 비율로 배열하여 비교한다. 리듬이라고 불리는 음악과 시의 멜로디 감각을 창조합니다. 리드미컬한 구성은 긍정적인 활력을 갖고 있으며 그림의 연상과 예술적 개념을 시각적 전달을 통해 전달하여 특정 목표를 달성합니다. 연합은 사고의 확장으로, 한 사물에서 다른 사물로 확장됩니다. 예를 들어, 그래픽의 색상은 사람들에게 따뜻함, 열정, 축제 등을 느끼게 하며, 녹색은 사람들에게 자연, 생명, 봄을 연상시켜 사람들에게 평온함, 활력, 봄 등의 느낌을 줍니다. 다양한 시각적 이미지와 그 요소는 다양한 연관성과 예술적 개념을 만들어냅니다. 그래픽의 상징적 의미는 시각적 의미 표현의 방법으로 그래픽 디자인 구성에 널리 사용됩니다. 과학과 기술, 문화의 발달과 함께 아름다움의 형식적 법칙에 대한 이해는 계속 깊어질 것입니다. 형식미의 법칙은 경직된 도그마가 아니라 유연하게 이해하고 적용해야 합니다.