발레는 어느 나라에서 시작되었나요?

프랑스 발레의 음성적 의미:① 무대 무용의 한 형태, 즉 일반적으로 발레로 알려진 유럽 고전 무용. 이것은 엄격한 규범과 구조적 형태를 가진 유럽 전통 무용 예술의 일종으로 유럽 전역의 민속 무용을 기반으로 형성되었으며 수세기에 걸쳐 지속적으로 가공, 풍부화 및 발전되어 왔으며 19 세기 이후 중요한 기술적 특징은 여배우가 특수 토슈즈를 착용하고 발가락 끝으로 춤을 추어야하므로 일부 사람들은이를 발가락 춤이라고 부릅니다. (2) 무용극은 원래 유럽의 고전 무용을 주요 표현 수단으로 하여 음악, 마임, 무대 미술, 문학 등을 융합하여 이야기나 감정적인 연극 예술의 축제를 표현하는 것을 말하며, 고전 발레(또는 고전 무용극)로 알려져 있으며, 20세기 이후 현대 무용의 등장으로 현대 무용과 고전 무용 기술이 결합하여 현대 발레의 주요 표현 수단으로 현대 발레로 알려져 있습니다. 점차 발레라는 단어는 무용 스타일, 구조적 특징 및 표현 기법 측면에서 고전 발레 또는 현대 발레와 다르지만 다른 무용을 주요 표현 수단으로 사용하는 발레 작품을 지칭하는 데에도 사용되었습니다. (3) 현대 안무가들이 만든 무용 작품의 상당 부분은 이야기 내용이나 줄거리가 없습니다. 안무가는 특정 분위기, 분위기 또는 음악 작품에 대한 작가의 이해 등을 표현하기 위해 유럽의 고전 무용 또는 현대 무용을 사용하거나 이들을 결합합니다. 이를 발레라고도 합니다.

발레는 고대 라틴어 발로에서 유래한 단어로, 처음에는 단순히 춤을 추거나 대중 앞에서 춤을 추는 것을 의미했으며 연극 공연을 의미하지는 않았습니다. 극장 예술로서의 발레는 르네상스 이탈리아의 성대한 연회와 오락에서 탄생했으며, 17세기 프랑스 궁정에서 형성되었습니다. 이 궁정 발레는 사실 춤, 노래, 음악, 낭송, 연극이 하나의 통일된 주제 아래 느슨하게 구조화된 종합 예술이었습니다. 전문 무용 교사가 기획한 이 발레는 왕의 귀족들이 배우로 출연했으며 여성 배역은 남성이 맡았습니다. 공연장은 궁전 홀의 중앙에 있으며 관객은 홀 주변에서 관람할 수 있습니다. 배우들은 각기 다른 역할을 나타내기 위해 가죽 가면을 착용하기 때문에 가면발레라고도 불립니다.

1661년 루이 14세는 파리에 왕립 무용 아카데미를 설립하도록 명령했습니다.65438+ 리슐리외 주교궁의 극장은 1970년대부터 발레 공연에 사용되기 시작했습니다. 공연장과 관객의 시야각의 변화는 무용 기술과 미학에 변화를 가져왔고, 무용수들은 보다 개방적인 자세를 취하게 되면서 발레 기술 발전의 기초가 된 발의 다섯 가지 기본 자세를 공식화하게 되었습니다. 전문 발레리나가 등장하여 귀족 아마추어를 점차 대체하기 시작했습니다. 프로 발레리나들도 무대에서 공연하기 시작했고 무용 기술의 발전도 빠르게 이루어졌습니다. 발레 공연은 점차 사교 활동에서 연극 공연 예술로 변모했습니다. 이 시기의 발레는 오페라에 종속되어 있었고, 궁정 작곡가 J. B. 루리는 오페라에 발레를 추가했습니다. 루리는 일련의 무용 공연이었던 오페라에 발레 장면을 추가했지만 줄거리와는 무관한 것처럼 보였습니다. 이를 노래하는 발레 또는 발레 오페라라고 불렀습니다. 이는 18세기 중반까지 계속되었습니다. 18세기 발레의 대가인 픽션은 발레 역사상 가장 영향력 있는 무용 혁신가였습니다. 그는 1760년에 출간한 '무용과 드라마 익스프레스'에서 무용이 신체적 기술일 뿐만 아니라 극적인 표현과 아이디어 전달의 도구라는 점을 강조하며 '드라마틱 발레'라는 개념을 처음 제시했습니다. 이 소설의 이론은 발레에 혁신의 물결을 일으켰습니다. 그의 지속적인 노력과 다른 많은 배우와 감독들의 노력으로 발레는 내용, 주제, 음악, 무용 기술 및 의상 측면에서 일련의 개혁을 거쳤습니다. 이러한 개혁은 결국 발레를 오페라에서 분리하고 독립적인 극장 예술로 형성하는 데 기여했습니다.

발레의 발전 역사에는 미학에 대한 두 가지 주요 관점이 있습니다. 하나는 16세기 이탈리아의 무용 교사이자 여왕의 희극 발레단 단장이었던 보조율스(B. de Beaujoyeulx)가 발레를 "여러 사람이 함께 춤추는 기하학적 조합"으로 본 것처럼 발레를 "순수한 춤"이라고 보는 관점입니다. 이 관점은 발레의 내용이나 줄거리를 거의 완전히 무시하고 발레의 형식적인 아름다움에만 초점을 맞춘 것으로, 18세기 중반 이전까지 발레 창작에 있어 이러한 관점이 지배적이었습니다. 또 다른 관점은 발레가 "극적인 춤"이라는 점을 강조하는데, 이는 소설의 "플롯 발레" 이론으로 가장 잘 표현됩니다. 그에 따르면 발레 작품에서 춤은 극적인 내용을 표현해야 하며, "논리적이고 이해하기 쉬운 이야기를 중심으로 플롯과 안무가 통일되어야 하고, 플롯과 상관없는 독무와 춤 시퀀스는 배제해야 한다"고 합니다. 무용극에서 "관객을 현혹하는 것은 무용 테크닉뿐만 아니라 극적인 연기도 중요하다"는 것입니다. 이 두 가지 주요 아이디어는 오늘날에도 여전히 유효합니다. 많은 연출가들이 드라마틱하거나 멜로드라마적인 발레를 만드는 데 전념하는 반면, 다른 연출가들은 멜로드라마가 없는 발레에 열중하고 형식적인 아름다움에 집중합니다. 두 작품의 최고는 관객들에게 높이 평가되며 종종 보존 된 레퍼토리로 상연됩니다. 20 세기에는 발레 창작에 대한 다양한 문학적 경향의 영향이 점점 더 분명해졌으며 다양한 스타일의 많은 작품이 등장했습니다.

안무가는 발레 창작의 핵심 인물입니다. 안무가는 문학적 대본(또는 이야기, 시, 음악 작품)을 바탕으로 발레의 구조나 춤의 구조를 구상하고 배우들이 이를 구현합니다. 안무가와 배우 모두 발레 언어(또는 발레 어휘), 즉 발레 테크닉을 숙달하고 발레 언어를 사용하여 특정 내용이나 감정을 표현할 수 있는 능력이 있어야 합니다. 안무가는 자신이 잘하는 것과 표현할 수 없는 것을 알고 있어야 하며, 배우는 안무가의 아이디어를 응용하고 창의적으로 구현할 수 있도록 훈련받아야 합니다. 이러한 기본 조건이 갖춰져야만 발레 창작이 시작되고 완성될 수 있습니다. 발레의 구조적 형태는 솔로, 듀오, 트리오, 쿼텟, 그룹으로 나뉩니다. 고전 무용, 개성 무용(무대 민속 무용, 민속 무용), 현대 무용 등이 있습니다. 위의 형식에 따라 다막 발레(예: '백조의 호수'), 단막 발레(예: '님프'), 발레 비네트(예: 19세기 후반에 이러한 구조적 형태의 발레는 고도로 표준화되고 양식화되어 발레의 발전에 영향을 주고 제한을 주었습니다) 등으로 구분할 수 있습니다. 20세기에는 수많은 발레 작품이 창작되면서 이러한 규범과 절차가 크게 깨지고 새로운 탐구와 창작이 계속 등장하고 있습니다.

세계 발레의 발전 개요

연회 발레

발레는 15-16세기 르네상스 전성기 이탈리아에서 예술가들이 고대 그리스의 예술 양식을 모방하기 위해 노력하던 시기에 등장했습니다. 최초의 발레 공연은 궁정 연회에서 열렸으며, 1489년 이탈리아의 작은 마을에서 밀라노 공작과 스페인 아라곤의 이다벨 공주의 결혼식을 축하하기 위해 오르페우스가 공연되었습니다. 당시의 공연 형식은 오늘날 우리가 보는 발레 공연과는 상당히 달랐습니다. 모의 사냥 쇼가 시작되면 멧돼지를 잡아먹고, 바다와 강의 신들이 등장해 물고기를 잡아먹는 등 각 공연은 일반적으로 식사 대접과 관련이 있었습니다. 그런 다음 많은 신화 속 인물들이 무대에 등장하여 많은 요리와 과일을 제공하고 마지막으로 손님이 활기차고 황홀한 공연에 참여합니다. 노래, 춤, 낭송, 연극 연기가 결합된 공연의 한 형태입니다. 나중에 '연회 발레'라고 불리는 발레의 원형이라고 할 수 있습니다.

궁정 발레

이탈리아 귀족과 프랑스 궁정의 결혼으로 이탈리아의 발레 공연이 프랑스에 전해졌고, 1581년 헨리 3세의 누이 마거리트의 결혼식에서 여왕의 희극 발레가 공연되었습니다. 무대는 없었고 관객은 벽이 3개인 2층 갤러리에 앉아서 관람했습니다. 왕과 귀빈들은 제단에 앉았고 공연은 홀 바닥에서 진행되었습니다. 연출가인 보부아르는 프랑스에서 일하던 이탈리아인이었습니다. 공연 내용은 세르세이가 아폴로를 정복했지만 프랑스 국왕 폐하에게 복종해야 했던 과정을 보여줬습니다. 이 공연은 연극, 음악, 무용, 낭송, 아크로바틱을 결합했습니다. 루이 14세(1643~1715) 시대에 프랑스 발레는 정점에 이르렀어요. 루이 14세 자신도 훈련된 무용수였으며 15세에 아폴로 역으로 궁정 발레 <카산드라>에 참여했습니다.

액션 발레

18세기의 유럽 계몽주의는 프랑스 발레의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 귀족의 오락을 위한 장식으로서의 발레에 반대하여 연극과 같은 발레가 실생활을 표현하고 발레가 사회적 내용과 교육적 의미를 가져야 한다고 주장한 혁신적인 사상이 발레에 반영되었습니다. 이것이 '드라마 발레'가 탄생한 시대적 배경입니다. 노웰은 계몽주의의 민주적 정신을 반영한 유럽 발레 혁신의 주류를 대표했습니다. 그는 <무용과 무용극에 관한 편지>에서 발레에 대한 혁신적인 아이디어를 제시했습니다. 노르빌의 제자 장 도베발은 발레 <무익한 주의>를 창작했으며, 이 작품은 오늘날에도 주요 현대 발레단의 레퍼토리 중 하나로 공연되고 있습니다.

로맨틱 발레

로맨틱 발레는 발레 발전 역사상 '황금기'로서 무용 테크닉, 안무 및 공연 형식이 화려한 단계를 거쳤습니다. 님프, 지젤, 멜라르, 해적 등의 무용극, 페로, 베르누이, 탄초, 아이슬러 등 수많은 발레 인재의 등장. 이 시기 발레의 특징은 다음과 같이 요약할 수 있습니다.

1, 내용과 주제의 변화. 초월적인 신과 여신, 유령이 신화와 전설, 고대 영웅담의 등장인물을 대체했습니다. 현실에 대한 일종의 불만과 실망, 세상 너머의 다른 세계에 대한 관심을 반영하거나 현실에 대한 실망감을 죽음으로 해소하거나 삶에 대한 욕망을 비현실적인 추구로 대체하기도 합니다. 대표적인 작품으로는 '님프(1832)'와 '지젤(1841)'이 있습니다. 프랑스 스타일을 결합한 <지젤>은 낭만주의 발레의 정점을 이루었고, 이후 낭만주의와 사실주의의 결합이 점차 등장하게 됩니다.

2. 무용 기술과 공연이 크게 향상되었습니다. 포인트 기술은 여성 무용수들의 공연에서 중요한 요소가되었고 남성 무용 기술은 더욱 향상되었습니다.

3. 공연 형태는 가스등 조명과 커튼을 채택하고 발레 의상과 무용화를 개혁하여 시적이고 가벼운 스타일을 연출했습니다.

낭만주의 발레의 황금기는 매우 짧았습니다. 1930년대부터 1940년대까지 10여 년 동안 정체되고 시들해졌습니다. 19세기 후반부터 유럽 발레의 중심은 점차 러시아로 이동했습니다.

러시아 발레

19세기 후반에 유럽의 낭만주의 발레는 쇠퇴했고, 이를 되살려야 하는 사명은 역사적으로 러시아의 어깨에 떨어졌습니다. 1940년대 이후 외국 무용수들이 러시아를 자주 방문했습니다. 타리오니 부녀와 페로, 생 레옹 등의 공연과 연출 활동, 특히 부르농빌 출신 존슨(상트페테르부르크)과 블라스(모스크바)의 교육 활동은 러시아 무용계에 프랑스와 이탈리아의 양대 무용학교의 정수를 가르치며 점차 새로운 학교인 러시아 무용학교를 형성하게 됩니다. . 마티파와 이바노프는 레퍼토리 구성에 결정적인 역할을 했습니다. 차이코프스키는 백조의 호수, 잠자는 숲속의 미녀, 호두까기인형을 통해 발레 음악의 혁신을 실현하여 음악을 발레의 이미지 제작과 사건의 내레이션의 기초로 삼아 안무가의 교향곡 무용에 대한 아이디어를 고무하고 풍성하게 만들었습니다. 백조의 호수 2막은 안무 시의 정점에 도달하며 교향악 무용의 모델로 간주됩니다. 이후 글라주노프는 낭만주의 발레 전통을 계승하고 러시아 사실주의의 전통을 구현한 <라이몬다>(1898)와 <사계>(1900)를 작곡했습니다.

20세기 초 러시아 발레는 독자적인 레퍼토리와 공연 스타일, 교육 시스템으로 세계 발레를 지배하게 되었으며 수많은 안무가와 무용수들이 등장했습니다. 이후 러시아 발레계의 젊은이들은 혁신을 요구하며 새로운 공연 수단과 발전 경로를 모색했습니다. 고르스키와 푸진이 그들의 리더였습니다. 포쿤의 혁신적인 아이디어는 제국 극장에서 실현될 수 없었고 그의 주요 작품들은 디아길레프 발레단을 위해 해외에서 연습하고 무대에 올랐습니다. 디아길레프는 1909년부터 3년 연속 러시아 시즌을 조직했고, 1913년에는 몬테카를로에 상설 발레단인 디아길레프 발레 루스를 설립하여 유럽과 미국 전역을 순회하며 큰 영향력을 발휘했습니다. 이 발레단은 유럽과 미국을 순회하며 러시아 고전 레퍼토리를 유럽에 전파하고 유럽 발레의 부흥을 촉진하는 등 큰 영향력을 발휘했습니다. 극단 해체 후 단원들은 프랑스의 리파르, 영국의 데발발바, 미국의 발란신과 후진 등 유럽과 미국으로 흩어져 각국에서 발레의 부흥과 창작에 중요한 공헌을 했습니다.

현대 발레

1929년 말, 리파르는 파리 오페라 발레단의 상임 안무가이자 수석 무용수가 되었습니다. 1958년 떠날 때까지 그는 수 세기 동안 지속되어 온 발레 공연 전 무대 뒤에서 무용수들과 대화할 수 있는 후원자의 권리를 폐지하는 등 개혁을 단행했습니다. 1932년 지젤이 부활했을 때 리파는 알베르 역을 맡았어요. 그는 영리한 사람이었죠. 노트르담 드 파리는 롤랜드 프티가 예일의 음악을 각색하고 연출하여 큰 성공을 거두었습니다. 1970년 모리스 베하르가 대본과 연출을 맡은 불새는 가장 독특한 작품입니다. 파리 오페라 발레단의 레퍼토리에는 지젤, 가브리엘, 실비아 등이 있습니다.

영국 발레는 세 명의 위대한 여성, 즉 오랫동안 로열 극장의 프리마 발레리나로 활동한 아델린 제네(Dame Adeline Genet), 기념비적인 작품인 로열 발레를 만든 니네트 드 발로아(Dame Ninette de Valois), 자신의 이름을 딴 발레단의 창설자인 메리 램버트(Dame Mary Lambert)의 평생의 헌신에 많은 빚을 지고 있습니다. 페스티벌 발레와 스코틀랜드 발레단도 있습니다.

미국에는 국립 발레단이 없습니다. 1933년 발란신과 링컨 커스틴은 한 번 만나 미국 무용학교의 주임교수로 초빙되었고, 1948년 발란신이 예술감독 겸 수석 안무가, 제롬 로빈스가 예술고문으로 있는 뉴욕시티발레단으로 탈바꿈했습니다. 전형적인 미국식 무용 스타일이 개발되었습니다. 또 다른 중요한 발레단은 1940년에 활동을 시작한 아메리칸 발레 시어터였습니다. 푸 푸킨, 신 마, 앤서니 튜더 등이 소속되어 있습니다. 아서 미첼의 할렘 댄스 시어터 조프리 발레단은 최초의 흑인 클래식 발레단이었습니다.

덴마크 왕립 발레단은 덴마크 국가 전통을 계승한 저명한 발레단입니다. 100년 전 부르농빌이 만든 발레는 여전히 코펜하겐에서 순수한 스타일로 공연되고 있습니다. 덴마크 발레에는 전통에 대한 감각이 항상 강합니다. 65438년부터 0932년까지 해럴드 랜달은 왕립 극장의 발레 감독으로 임명되었습니다. 1952년까지 그는 프랑스와 영국을 위한 연습을 각색하여 발레 테크닉을 훌륭하게 선보였습니다.

20세기 초 러시아의 영향력 있는 감독으로는 고르스키, 푸니, 포쿤이 있습니다. 안나 파블로바는 포쿤의 아이디어를 완벽하게 구현했고, 1905년에는 백조의 죽음이 등장합니다.

10월 혁명 이후 러시아에서는 극장의 표현력에 대한 고르스키의 주장으로 무용수들은 스타니스랍스키의 방식으로 자신의 역할을 수행하게 되었고, 원래 궁정에서 발생했던 발레는 사라지지 않았습니다.1927년 모스크바에서 공연된 <레드 포피>는 러시아 최초의 영웅적인 현대 무용극으로, 고전파의 승리를 알리고 따라야 할 지침을 제시했으며 고전 발레는 새로운 명성을 얻었습니다. 새로운 명성을 얻었습니다. 세미요노바와 울라노바가 무대에 데뷔했습니다. 새로 창작된 무용극은 극적 구조에 중점을 두어 민속 춤을 더 많이 활용하고 안무가의 어휘를 풍부하게 사용했습니다. 러시아 발레의 부흥이 시작되었습니다.

1581년부터 프랑스에서는 400여 년 동안 여왕의 희극 발레가 무대에 올랐습니다. 발레는 전 세계로 퍼져나가 인류 문화유산의 중요한 부분으로 인정받으며 5대륙의 많은 국가에서 발레 전문 학교와 발레 공연단을 설립하는 등 세계적인 예술로 자리 잡았습니다. 오늘날 발레 예술은 고전 발레와 현대 발레, 극장 발레와 심포닉 발레 등 다양한 유파가 서로 경쟁하고 수많은 재능과 레퍼토리가 등장하면서 번성하고 있습니다. 많은 나라에서 점차 고유의 스타일과 특색을 형성하고 발레의 예술적 표현에 새로운 탐구와 창작이 등장했습니다.

발레를 감상하는 방법

발레를 감상하는 방법에는 크게 두 가지가 있습니다. 하나는 전통 발레이고 다른 하나는 현대 발레입니다. 일반적으로 감상 방법은 감상 대상, 즉 '초기', '낭만', '고전'의 세 가지 전통적인 시기를 세부적인 전통 개념과 함께 감상하는 것으로 통일되어야 한다고 주장합니다. 발레, 뮤지컬 극장 발레 및 순수 발레.

전통적인 감상 개념은 관객이 30분 정도 미리 극장에 도착하여 일상의 사소한 일과 걱정을 극장 문 밖이나 휴대품 보관소의 평범한 공간에 남겨두고 도로의 교통 체증, 야채 시장의 소음, 분쟁의 단위, 가족의 사소한 일과는 아무 관련이없는 매우 특별한 미학 분야 인 극장에 조용하고 전심으로 헌신해야한다는 것을 요구합니다. 요정, 지젤과 가브리엘라, 잠자는 숲속의 공주, 호두까기 인형, 백조의 호수의 꿈의 세계가 펼쳐지는 인공의 원더랜드에 들어가 도시의 번잡함과 몇 시간의 정신적 스트레스에서 벗어나보세요. 다음으로 시놉시스, 관련 리뷰, 컴퍼니의 간략한 역사, 감독과 무용수 소개 및 기타 관련 정보를 읽고, 발레 스타들의 이름을 찾아보고, 중독성 있는 음악을 상상하고, 화려하고 화려한 의상과 숨막히는 풍경을 기대하며 프로그램을 꼼꼼히 공부할 수 있습니다....

현대 감상의 개념은 관객에게 가혹한 요구를하지 않고, 현대 생활의 속도가 단순히 관객, 특히 전문 관객이 30 분 전에 극장에 도착할 수 없기 때문에 오는대로 받아들이는 철학을 제공하지만, 오히려 관객은 감상 과정에서 선조의 조언이 필요하지 않고 자신이 가지고있는 다양한 이성적 지식과 풍부하고 다채로운 감각적 경험으로 만 이해하면된다는 점을 강조합니다. 삶의 다채로운 감각적 경험을 가지고 참여해야 합니다.

이러한 감상에 대한 사고방식에 따르면 프로그램 책자에 있는 내용은 안무가나 발레 안무가의 일관성이 없는 부분을 보완하기 위해 안무가들이 설치한 함정이나 만병통치약에 불과하다. 굳이 볼 필요도 없고, 보지 않는 것이 좋습니다! 줄거리가 어떻게 "작성"되었는지는 중요하지 않다. 성공은 그가 무대에서 어떻게 "춤"을 추느냐에 달려 있습니다. 결국 발레는 주로 춤과 연극에 관한 것입니다. 그렇지 않으면 발레의 주인공이 듀엣이나 변주곡이 끝난 후 관객에게 경례를 하는 현상을 설명할 수 없을 것입니다. 연극이 춤보다 더 중요하다면 그런 행동은 '연극'이 아닙니다. 서양의 관객과 비평가들은 어떻게 한 세기 동안 이를 참아낼 수 있었을까요?

이런 식의 감상적 사고는 스타를 존경할 수는 있지만 존경할 필요는 없다는 것을 시사합니다. 스타 숭배의 분위기는 정말 너무 고전적입니다! 비평가의 의견이 아닌 자신의 미적 기준을 따르고, 가장 중요한 것은 군중을 따르지 말고 자신의 눈에서 자신의 마음속의 별을 찾는 것입니다.

중국 발레의 역사

하하 웃음

1581년 프랑스 '여왕의 희극 발레'의 공연이 발레의 태동으로 여겨져 왔다면, 중국에서 발레의 보급과 발전은 거의 30년 전부터 시작되었습니다. 중국에서 발레가 확산되고 발전한 것은 거의 3세기 후의 일입니다. 하지만 늦은 시작이었지만 비약적인 발전이었습니다.

20세기 초에 외국 발레단이 중국에 왔지만 그 규모는 제한적이었습니다. 이후 러시아계 중국인들이 중국에 들어와 상하이, 톈진, 하얼빈에 사설 아마추어 발레 학교를 설립했고, 이는 중국 발레 계몽에 큰 영향을 미쳤습니다. 의심할 여지 없이 중국에서 발레가 본격적으로 부상하고 발전한 것은 중화인민공화국 건국 이후이며, 이는 세계적으로 중요한 모든 우수한 문화예술을 적극적으로 흡수하고 지원하려는 중국 정부의 기본 정책과 밀접한 관련이 있습니다.

처음에는 러시아 학교가 중국 발레에 영향을 미쳤습니다. 1954년 2월, 최초의 소련 전문가 오 옐레나가 베이징에 초청되어 최초의 '교사 훈련 과정'을 열었고, 1958년 중국 최초의 고전 발레 '백조의 호수'가 탄생했으며, 중국 발레는 급속한 '3점프'의 초기 단계에 접어들었다. "이 기간 동안 중국 발레는 발레 예술에 익숙했습니다. 이 기간 동안 발레 예술에 익숙한 다이도 중요한 역할을했습니다.

첫 번째 '교사 양성 과정'의 학생들(대부분 발레 교육을 받은 적이 있는)은 반년 만에 기적적으로 소련 무용학교의 65438+0-6 레벨 강의안을 완성하고 엄격한 시험에 모두 합격했습니다. 그들은 같은 해에 설립된 베이징 무용학교와 발레 아카데미의 교육 중추가 되었습니다. 그 이후로 저는 계속해서 실력이 향상되어 수많은 뛰어난 인재를 양성하는 진정한 발레 교육자로 성장했습니다. '3단 점프'를 실현하기 위한 중요한 방법은 훈련과 공연을 동시에 하는 것이었습니다. 이 기간 동안 소련의 유명한 발레 예술가들은 종종 중국에서 공연을 열었고 그들의 절묘한 공연은 많은 관객을 매료시켰습니다. 중국인들은 점차 이 예술에 익숙해지고 좋아하게 되었습니다.

1957년 채플린의 지휘 아래 중국은 18년 말 장 도플갱어의 작품인 발레 <라 필레 말 가르드>를 무대에 올렸습니다. 이 작품은 사실적인 스타일로 당시 중국 발레리나들의 실제 수준에 적합했습니다. 팀은 공연을 통해 실력을 향상시켰습니다.

1958년 10월 구세프의 지도 아래 베이징무용학교는 노력을 집중하여 세계적으로 유명한 고전 발레 <백조의 호수>(바이수샹 역)를 성공적으로 무대에 올려 국내외에서 뜨거운 반응을 불러 일으켰습니다. 혹독한 연습을 통해 재능 있는 발레단이 빠른 속도로 만들어졌습니다. 이제 <백조의 호수>는 중국에 정착하여 관객들에게 가장 매력적인 발레가 되었고, 1959년 말에는 중국 최초의 전문 발레단인 베이징 무용학교 실험발레단이 설립되었습니다. 이듬해 상하이에도 베이징과 같은 규모의 무용학교가 설립되어 전문 발레 인재를 양성하는 임무를 맡게 되었습니다. 그때부터 남과 북은 발레의 새로운 지평을 열기 위한 노력에 서로를 응원했습니다. 백조의 호수〉 이후 59년과 60년, 구세프의 지휘 아래 〈르 코르사르〉와 〈지젤〉을 성공적으로 공연했습니다. 중국의 젊은 발레단이 매우 다른 스타일의 이 두 유명한 발레를 맡는 것은 쉬워 보였습니다.

이 시기에 중국은 장 주후이(1934-)와 왕 시셴(1933-)을 모스크바 국립 극장 연구소의 안무과에 보내 두각을 나타내며 공부를 더하도록 했습니다. 중국으로 돌아온 후 장주후이는 졸업 작품인 <스페인의 딸>(르네상스 유럽의 유명 작가 로브 데비가의 유명한 시극 <양취안 마을>을 원작으로 1961년 톈진 오페라 하우스에서 초연)을 발표했고, 왕시셴은 베이징에서 졸업 작품 <박시허 이 샤라이의 분수>(러시아 시인 푸쉬킨의 유명한 장편 희곡을 원작으로)를 연출 및 공연했다. 러시아 시인 푸시킨의 유명한 시를 원작으로 한 <박시허 이 샤라이의 분수>는 베이징 무용학교 실험발레단에서 초연했습니다.

1963년 중앙가무극원이 설립되고 학교 부속 발레단은 실험 단계를 끝내고 국립극장으로 복귀했습니다. 얼마 지나지 않아 장주후이는 중앙오페라무용극장에서 초연된 또 다른 유명한 발레 '노르테 다모르 드 라 레느'(프랑스의 유명 작가 빅토르 위고의 동명 소설을 원작으로 한 작품)를 연출했습니다(.....). 불과 10년 만에 중국 감독과 배우들은 클래식 발레의 창작, 리허설, 무대를 거의 독립적으로 통제할 수 있게 되었습니다.

1964년부터 중국 발레의 창작 연습이 시작되었습니다. 사실 발레 1세대 감독 대부분은 민속무용을 연구하다가 전문적으로 발레로 전향했으며, 그들의 민족적, 문화적 배경은 의심할 여지없이 발레의 민족화 모색에 기여했습니다. 중국 대형 발레 '여성의 붉은 분리'의 공연은 엄밀히 말하면 '최초의 기록'은 아니지만(이전에도 발레 국유화의 유형, 규모 및 효과는 다양했습니다), 내용과 형식 모두에서 최초이자 가장 성공적인 중국 대형 발레라고 할 수 있습니다.

1964년 초연, 감독: 리청샹, 왕시셴, 장주휘, 작곡가: 우즈창, 두밍신 외.

여성의 붉은 분리> 초연. 초연: 중앙가무극원, 여주인공: 바이수샹(치옹화 역), 중대장 우상, 배우: 류칭탕(홍창칭 역), 리청샹(난바천 역), 주조연: 자오루헝(치옹화의 동지 역), 완 완(라오시 역). 이 영화는 동명의 영화를 원작으로 합니다. 이 영화는 중국의 두 번째 혁명에 대한 이야기로, 지주 난바톈의 탄압을 받던 청화가 호랑이 입에서 탈출하여 홍군 대표인 홍창청을 만나게 된다는 내용을 담고 있습니다. 그의 지도 아래 청화는 여군단에 합류하고 시련과 고난을 겪으며 훌륭한 혁명군으로 성장합니다. 홍창칭이 죽은 후 그녀는 붉은 깃발을 들고 용감하게 전진합니다. 비극적인 줄거리, 웅장한 장면, 독특한 캐릭터, 하이난 섬의 지역적 풍미가 돋보이는 이 무용극은 탄생 이후 많은 찬사를 받아왔습니다. 처음으로 포인트 슈즈를 신은 중국 여군의 영웅적인 모습을 그려내며 발레의 본질과 중국 스타일을 혼합하여 세계 발레에 경이로운 꽃을 피웠습니다.

(1929-), 푸 아이디(1936-), 쳉(1932-), 린(1939-), 1965년 초연, 얀 작곡, 초연: 상하이 발레단, 주인공: 시 역에 차이궈잉(a), 마오휘팡(b), 백발 여인 역에 구샤오메이(a), 스중친(b). 다춘 역의 링귀밍, 주조연: 양바이라오 역의 동시린. 동명의 오페라를 원작으로 한 이 영화는 빚을 갚기 위해 괴팍한 집주인 황시련에게 몸을 팔아야 했던 가난한 농부의 딸 시이의 이야기입니다. 수치심을 느낀 그녀는 산속으로 도망칩니다. 수년간의 캠핑 끝에 머리가 하얗게 변했고, 이를 모르는 사람들은 그녀를 '백발의 요정'(귀신)이라고 불렀습니다. 결국 그녀는 8로군에 의해 구출되어 8로군의 군인이 된 젊은 연인 대춘과 재회하게 됩니다. 오페라 '백발의 소녀'는 "낡은 사회는 사람을 귀신이 되게 하고, 새로운 사회는 귀신을 사람으로 만든다"는 실화를 바탕으로 중국에서 수천 명의 사람들에게 감동을 선사했습니다.

이 발레는 원작의 지름길을 택하지 않고 발레의 예술적 특성에 따라 재창조되었습니다. 중국 고전무용과 민속무용의 소재를 능숙하게 활용하고 사실주의와 낭만주의의 결합을 통해 극을 발레로 표현했다. 시얼의 순수함과 달콤함, '백발 소녀'가 된 후의 강인함, 대춘의 소박함과 정직함, 입대 후의 용맹함과 노력, 황시련의 교활함과 독기 등 극의 주요 인물들이 모두 생생하게 그려져 있습니다. 이 모든 것이 스페이드에 담겨 있습니다.

"여인의 붉은 분리"와 "백발의 소녀"는 중국 발레 역사에서 이정표가 되는 작품입니다. 이 작품들은 중국 고유의 특색을 지닌 발레 예술의 세계에서 독자적으로 서 있는 '중국인을 위한 외국'의 깊은 실천입니다. 집단적 지혜는 경험 부족을 보완하여 중국 발레에 대한 탐구가 더 높은 출발점에서 시작되어 매우 빠르게 시작되었습니다. 다른 무용과 발레 작품의 운명과 달리 이 두 작품은 문화대혁명 기간 동안 '모범 극장'으로 지정되어 당시에는 거의 공연이 허용되지 않았던 무용극 두 편이 공연되었습니다. '붉은 여인'과 '백발의 소녀'는 시대와 사회의 시험을 견뎌냈으며 예술적으로도 여전히 생명력을 유지하고 있습니다. 두 작품 모두 "20세기의 고전"으로 인정받고 있습니다. 발레 분야의 르네상스는 서양 발레의 고전 레퍼토리를 복원하여 오랜만에 '빨강'과 '하얀'만 보던 관객들에게 '백조의 호수'의 물결을 일으키게 하는 것입니다.

새로운 시대의 중국 발레는 활발한 발전을 보였습니다.

우선, 더 열린 눈으로 세계를 흡수하고 배우고 단일 러시아 학교의 영향에 갇히지 않아야합니다. 1980년대 초부터 영국, 프랑스, 독일, 스위스, 캐나다의 저명한 발레 예술가들이 우호적인 교류의 형태로 기술을 전수해 왔습니다. 발레 거장 안톤 다울링과 유명 발레 안무가 B 스티븐슨은 센트럴 발레단에서 순수 클래식 작품인 테파드 킥소데, 남성과 여성을 위한 전주곡, 유명 발레 거장 발란신의 세레나데 등 자신의 작품을 리허설한 바 있습니다.

또한 지난 10년 동안 중국은 다음과 같은 다양한 스타일의 서양 고전을 무대에 올렸습니다: 1980년 파리 오페라 발레 거장 리제트 상발의 개인 지도 아래 중앙 발레단은 유명한 프랑스 낭만주의 발레 실비아를 공연했고 1984년에는 영국의 유명 발레 예술가 벨린다 라이트(Belinda Wright)와 리허설 중인 율리사 길코트. 1985년, 돈키호테); 세계적인 발레 아티스트 R. 누레예프와 발레 거장 유진 폴랴코프의 개인 연출로 공연되었습니다. 로미오와 줄리엣(1989년, 로만 워커 연출)과 잠자는 숲속의 미녀(1994년, 마이크 밀란 버전, 모리코 파커 연출)도 성공적이었습니다. 특히 누레예프는 독보적인 기교와 극적 캐릭터에 대한 깊은 이해를 바탕으로 중앙발레단의 현실과 결합해 엄격한 훈련을 실시, 배우들의 수준 향상에 크게 기여하며 중국 발레 역사에 소중한 한 페이지를 남겼습니다. 위의 국제 교류 활동에서 다이 씨는 가교 역할을 훌륭히 수행했습니다. 동시에 베이징 무용 아카데미는 연구와 연습을 병행하는 좋은 전통을 고수하며 <가브리엘라>(1979)와 <댄서>(1981)를 무대에 올렸습니다. 상하이 발레단은 나폴리 3막(일명 어부와 신부)을, 톈진 노래무용극장은 스페인의 딸(1982)을, 1981년에 설립된 랴오닝 발레단은 하이샤(1983)를 무대에 올렸습니다.... 이는 대중의 문화 생활을 풍요롭게 했을 뿐만 아니라 각국의 발레 권위자들의 지도 아래 순수 고전 발레 명작을 공연함으로써 신세대 발레 인재의 급속한 성장을 이끌었습니다.

1980년 5월 왕치펑(여, 상하이)이 일본 오사카에서 열린 제3회 세계발레콩쿠르에 참가해 14위를 차지하며 중국 발레의 첫 메달을 획득했습니다.

65438 6월부터 0982년 6월까지 잭슨 국제 발레 콩쿠르에서 왕치펑(여, 상하이)과 장웨이창(베이징)이 3위에 입상.

1984년 165438 + 10월 제1회 파리 국제 발레 무용 콩쿠르에서 왕(상하이)이 파리 오페라 발전 협회상을 수상.

그 후 중국 선수들은 다양한 국제 발레 콩쿠르에 자주 참가하여 강세를 보였습니다. 그 중 눈에 띄는 것은 다음과 같습니다 :

1985년 제13회 로잔 국제 발레 무용 콩쿠르에서 리잉(여, 베이징)이 1위를, 쉬강(베이징)이 2위를 차지했고,

1985년 제5회 모스크바 국제 발레 콩쿠르에서 탕민(여)이 최우수 연기 기술상을, 장웨이창과 자오민화가 각각 남자 무용수상을 수상했습니다.

어린이 듀엣과 솔로 무용은 3위를 차지했습니다(모두 베이징 출신).

1992년 - 제5회 파리 국제 발레 콩쿠르에서 탄위안위안(상하이)이 1등상 수상, 같은 해 제1회 일본 발레 국제 콩쿠르 여자 주니어 부문 금메달(중국 랴오닝성의 유샤오난이 같은 주니어 부문 은메달 수상), 폴란드의 니진? /div & gt;